Конспект лекции "Как читать картину"

Муниципальное автономное учреждение дополнительного образования
«Чебоксарская детская школа искусств № 2» муниципального образования

 города Чебоксары -столицы Чувашской Республики

(МАУДО «ЧДШИ №2»)

Конспект лекции по истории искусств

Подготовила:

преподаватель

Иванова Ольга Сергеевна

Тема: Язык изобразительного искусства или «Как читать картины»

Цель урока: Ознакомить учащихся с терминами и техниками, научить их понимать живопись и воплощение художником своих идей, основные принципы и правила, позволяющие правильно и грамотно рассматривать картины

Задачи урока:

1. Обучающие:

- ознакомление с шедеврами изобразительного искусства

- закрепление полученных навыков и знаний;

2. Развивающие:

- развитие интереса к шедеврам изобразительного искусства;

- развитие эмоционально-образной сферы психологических процессов;

3. Воспитывающие:

- воспитание культуры рассматривания картин;

- побуждение к творческому поиску;

- повышение уровня самооценки, стремления к самосовершенствованию и творческой самореализации;

Форма урока: групповая

Методы работы:

словесные: комментарии, беседа, пояснение практического действия;

практические: практические задания;

познавательные: объяснительно-иллюстративный, сравнительный;

Оборудование:

- проектор, экран, компьютер;

План изложения материала:

Литература: Кортунова Наталья Дмитриевна, Как читать и понимать искусство. Интенсивный курс.-МоскваАСТ, 2018 г.

Ходж Сьюзи, переводчик Дубровская Е., Москва МИФ, 2022

1) Место и время создания картины

2) Знания стиля

3)Читаем этикетку и провенанс

4) Какой размер и формат картины

5) Информация о технике

6) Анализ изображения

7) Композиция

Полный конспект изложение

Читаем этикетку и провенанс.

Важна ваша эмоциональная реакция. Всегда сравниваете результаты аналитических умозаключений с вашими переживаниями.

Учимся читать и расшифровывать.

Что? Где? Когда? Как? и почему?

Первый помощник музейная этикетка

Это краткая информация об авторе картины, ее названии, о датах ее создания, размерах картины, о технике в которой она выполнена.

Вопросы о названии и авторстве очень важны. Это первый шаг навстречу к содержанию.

Место и время создания картины, а значит можем поставить произведение в правильный контекст.

Пример. «Черный квадрат»- легендарная фраза: «Я тоже так могу!». То если не смотреть в контекст того исторического период, а когда Малевич писал эту работу духовный момент того времени. Тогда мы понимаем, что это философия связанная с общими принципами авангарда и личностью Малевича. Символ конца и искусства и символ небытия и бездна духовного мира человека и цивилизации.

Название и автор- это пропуск в контекст.

Дата чтобы понимать контекст эпохи, когда эта картина создавалась. Чтобы понимать картину надо понимать, когда она появилась на свет.

Импрессионисты- если бы Да Винчи их увидел, то очень осуждал и не понял почему это искусство.

Ге, Курбе, Караваджо. Для ответа надо понимать какие вкусы и какие художественные принципы соответствовали той эпохе.

Дата создания полезна. Знание даты поможет сориентироваться к какому этапу творческого пути картина относится.

Эталонное произведение. Что это

Жизнь художника можно разделить на три этапа: Раннее, Зрелое -когда нашел свой стиль и

Позднее- работы начинают меняться и порой не в лучшую строну.

Пример Сезан. «Сцена в интерьере», эталон Натюрморт с драпировкой, к концу карьеры это эксперимент Гора Сент-Виктуар 1906.- зарождение нового направления (кубизм).

Ван Гог. Пейзаж красные виноградники в Арле, 1888. В тот момент когда болезнь прогрессирует.

Пейзаж в Овере после дождя 1890, Ван Гог лечится и принимает успокоительное. И лекарства действуют.

Саврасов «Вид на Кремль с Крымского моста в ненастную погоду» 1851,

1871 г. «Грачи прилетели».

1880-1890- годы «пьяный Саврасов» период, когда художник сильно пил и живопись стала мутной.

Знания стиля. Зная, что картина относится к сюрреализму действительность совмещается с нами.

Соцреализм- мощная идеологическая составляющая. Картины прославляют страну и руководителей.

Датировка дает характеристику.

Обращайте внимание и на раму. Мадонна Конестабиле Рафаэль Санти в Эрмитаже ок. 1504 г.

Прямое назначение рамы. не украшать, а отделять и обращать внимание на работу.

К картинам старых мастеров рамы подбираются исходя из сюжета .

Неудачный пример рамы…Кающаяся Мария Магдалина 1565 г.

Если научится изучать подобные подробности изучение История искусств процесс не скучный.

Учимся смотреть на картину и учится замечать детали и научиться лучше понимать живопись.

Гроот Портрет графини Шереметьевой.

Классицизм более строгие формы рамы.

Рерих Гонец . Восстал род на род 1897 рама дерево песок и рогожка. Эти материалы для строительства жилья и фигуры животных

В. Верещгин «Апофеоз войны в нижней части рамы сделана надпись» Посвящается всем великим завоевателям. Прошедшим, настоящим и будущим." это» слова еще глубже раскрывают замысел. И превращают картину в завет человечеству. На холст было наносить нельзя на раму можно.

Импрессионисты демонстрировали свои картины в белых рамах. Но они до нас не дошли. Так как покупатели были богачи американцы и хотели пышность, и агенты вытаскивали картины из оригинальных рам и вставляли в роскошные золотые рамы.

В 20- веке отказываются от рам чтобы стереть границу.

Музейная этикетка  «Откуда картина появилась в музее.»

 ПРОВЕНАНС

 Провенанс подразумевает под собой сведения об истории создания произведения и об именах прежних владельцев картины

Эту информацию можно получить из музейных каталогов.

Из специальных работ посвященных художнику т.е. источник происхождения.

Пример картина «Ночной дозор»

Знания играют важную роль в изучении стилистики и датировки потемнение лака, механические повреждения при анализе произведения. Пример лицо «Даная» она была сильно повреждена 1980 годах.

Портрет. Хорошо знать о судьбе портретируемого пример художник Андрей Матвеев портрет княгини Анастасия Петровны Голицыной, шутиха Петра I. В 1728 (за год до смерти княгини).

Провенанс не только знание о происхождении произведения и проследить путь картины от одной коллекции в другую и узнать имя заказчика.

Пример Франс Снейдерс цикл «Лавки» огромные масштабы для картин с едой

Заказчик Епископ для украшения стен его столовой.

Что дает этикетка?

Какой формат картины -задать вопрос. И он открывает завесу перед содержанием.

До 19 в.  писать картину на заказ это было очень дорого. На верхнем этаже могла висеть работа и организовывать пространство. То есть большой формат выбирал не художник, а заказчик.

Малые голландцы тут размер диктует не заказчик, а рынок. Работы малые и художники «малые голландцы».

Работа маленькая и такие пишутся быстро, легче продать так как дешевле, повесить можно в любой дом не самый дорогой и сюжеты бытовые. Такие картины словно «окно» в Голландию 17 века.

Русское искусство 18 века важно историческая тема и размер большой. Патриотизм и воспитание любовь к России. Или Парадный портрет императора.

Размер соответствует масштабу личности.

Пример: «Последний день Помпеи» К. Брюлов или «Явление Христа народу» А. Иванов.
Но затем уменьшается. А размеры бытового жанра увеличиваются. «Бурлаки на Волге больше исторических полотен потому что система ценностей меняется.

Формат картины

В основном четырёхугольный причём прямоугольник, вытянутый пейзаж, а вертикальный –портрет.

Овал вытянут вверх для портрета образ в медальон особенно торжественно.

Тондо - это ренессанс и круглый формат. (поднос который дарился роженицам)

Квадрат редок Климт или Босх. Художники предпочитают к нему не подходить так как он слишком устойчив. И не умещается окружающее пространство.

Сильно вытянутые по горизонтали это фризы и изображают большое количество людей.

Размер формата не случает. Зависит от замысла и содержанием или от вкуса заказчика.

На этикетке информация о технике.

Техника показывает глубже художественный образ.

Самый древняя техника- это темпера. Там где связующее вещество яйцо  писали иконы.

Прозрачна быстро сохнет и многослойна. Иконописец слой за слой чтоб от светлого к тёмного после высыхания тон меняется но краски не смываются и не утрачивается. В отличии от глянца масла темпера матовая. Блестит олифа которой покрыта икона.

В ренессанс тоже  темпера . Сандро Боттичелли использует темперу. Пример работа «Весна».

Масло медленно сохнет- больше времени на раздумье и больше возможностей.

Меняется мировоззрение 15-16 век высокий ренессанс изображается не только мир небесный но и земной.

.

В России на масло перешли в 17-18 веке. От мира к небесному к земному и связь с западными художественными ценностями. Техника свидетельствует о исторических процессов.

Пример Венецианов «Очищение свёклы» пастель нежные и хрупкие не вяжется с тяжёлым трудом. Левитан пейзаж пастель лёгкие прозрачные. Портреты Серова. Видны следы от кисти художника. Пример работы Ван Гога. Ощущение динамики картины

Акварель прозрачны на бумаге. Акварелью писал еще Дюрер в 16 в. прозрачна воздушна нежные переходы из одного тона в другой предметы воздушны.

Пример А Иванов. Выбор техники важен для живописца. Повредит или поможет раскрыть идею.

Чем больше смотрим оригиналы, тем быстрее научимся воочию различать.

Биография работа в контексте политики и времени. Реставрация формат и техника о возможности художника.

АНАЛИЗ ИЗОБРАЖЕНИЯ.

Главный вопрос Есть ли на картине сюжет….?

Если мы рассматривали из сюжетного характера что именно изображено и в какой среде

Что перед нами портрет, пейзаж или натюрморт. Перед нами картина исторического, мифологического или религиозного жанра..? То есть сделайте вывод какой сюжет на картине из мифов древней Греции из истории а может анималистический или бытовой..

Это важно чтобы определить какую задачу решает художник, изобразительную или выразительную.

То есть изобразить предмет или явление, или передать эмоцию и настроение.

Пример натюрморт и абстракция.

Абстракция выразительность выразить чувства и эмоции…

Условно изображение или реально..

Пример Малевич крестьянка с ведрами..

Условно реалистично Пуссен «Вдохновение поэта» художник рисует идеальных это условно….

Другая условность эмоции выражает через условные образы

Пример Гоген Таитянские женщины яркие краски и утрированные фигуры.

 Художник передаёт впечатление или передаёт каждую деталь.

Левитан «Над вечным покоем» нет ряби на воде природа обобщена. Важно передать философию о покое о вечности мира и созерцании.

Детализация Ивана Шишкина прописана травинка и кора деревьев «Дубовая роща» 1887

Передаётся ли красками поверхность холод металла, мягкость меха…

Подумайте что от нас художник хочет чтобы мы наблюдали отстранённо или хочет чтобы стали участником произведения

Пример Рембрант «Возвращение блудного сына» оставляя пустым первый план и получается место для зрителя.

КОМПОЗИЦИЯ

В переводе с латинского «сompositio» означает составление, соединение различных частей в единое целое в соответствии с какой –либо идеей.

Без нее никак не обойтись если мы хотим прочитать картину с начала до конца. Если мы говорим о картине, то под словом композиция мы подразумеваем структуру произведения, которая напрямую связана с ее образом содержанием и с его назначением. Некоторые художественные элементы, которые влияют на композицию мы уже оговорили- это формат и размер, кроме того при помощи композиции выстраивается пространство картины.

Давайте ответим на вопрос: какое пространство создает автор?

- глубокое, что перед нами как будто иллюзия реальности, или плоское, декоративное как ковер на стене, оно может быть плоским и лишённое глубины и воздуха, как например на картинах позднего Малевича (пример слайд Казимир Малевич  «Крестьянка») Малевич здесь делит пространство  картины на несколько планов- на передний, средний и на дальний. Дальний план единственный который чётко отличается от первых двух направлений и цветом линий, поэтому все пространство воспринимается как двухмерное. Небо и земля похожи на непроницаемый занавес и фигура человека будто находится на фоне этого занавеса.

Кстати перед вами еще один пример условного изображения человека ни небо, ни земля такими в действительности не бывают.

Такое деление на несколько планов было известно художникам с периода эпохи возрождения:

Первый план они писали коричневым цветом, второй зеленоватым а третий –небо- голубым. И главный способ изобразить пространство это изобразить его в перспективе. Слово перспектива Вам наверняка хорошо знакомо, любая плоская поверхность это двухмерное пространство, а мы с вами живём в трёхмерном. Вот способ передачи глубины на плоскости и называется –Перспектива. Перспектива всегда выбирается в соответствии с замыслом произведения, так вот интересно, что можно разделить всю историю изобразительного искусства на три категории, когда в центре мировоззрения людей разных эпох как правило что- то одно в зависимости от эпохи что главное для художника: это природа, Бог или человек. И в зависимости что главное и выбирает художник тот или иной вид перспективы.

Пример в средневековой иконописи использовалась обратная перспектива. Чем дальше не уменьшаются, а увеличиваются по мере удаления от зрителя.

Такое построения композиционного пространства не случает. В центре стоит Бог поэтому и картина должна стоят не по земным законам. Все персонажи восходят о земли к небу и вырастают от земли к миру небесному. Пространство иконы строится в расчете на то что на нее смотрим человек который смотри не только прямо но и боковым зрением. Чем ближе предмет тем предмет кажется нам меньше, то есть все точки сходятся в зрителе. Икона смотрит на тебя. Поэтому их надо смотреть вблизи. Так рисуют дети в обратной перспективе. Они как будто смотрят на мир через себя от себя, рассматривают себя как часть этого мира. И тут важно то чувство, которое испытывает человек который стоит перед картиной с обратной перспективой-это ощущение называется предстояние. Все пространство иконы оно изливается на человека.

А с прямой или линейной перспективой тут все наоборот картина заставляет как будто входить в картину. Чем дальше предмет? тем он меньше. Это закон нашего нормального зрения. Все линии, то есть прямая перспектива сигнализирует что мы не в мире небесном, а земном. И в этом мире действуют земные законы. И взгляд сосредотачивается на одной точке к которой мысленно можно стянуть все линии- точка схода, которая находится где то на линии горизонта.

Пример Мадонна Литта: перспектива выстраивается при помощи сопоставления дальнего плана через окно, с пространством помещений перед которой персонаж. Отсюда ощущение что пространство протяженное. Такое изображение наиболее похоже на реальное. Основная суть Возрождения в том, что человек мысль и центр вселенной.

Второй способ – воздушная перспектива. Удаление предметов изменяется внешняя черта предмета так как изменяется свет и цвете, менее чёткие и становятся синее. Чем чище воздух, тем меньше изменяются очертания напротив чем в тумане.

Пример: Аполинарий Васнецов «Крым» на переднем плане яркие зеленые деревья в желтой земле, на среднем плане рисунок обобщённый и цвет теряет свою насыщенность,  на третьем плане горы и воздух словно в сфуматовой плёнке и берет цвет от синевы моря.

Иллюзия пространства может быть подчёркнута и соотношением тонов. Этот подход называется Тональная перспектива- такие краски как красная и желтая они зрительно выходят вперёд. А синяя и коричневая уходят в глубину. Если учитывать свойства цветов при построении перспективы можно усиливать или уменьшать чувство глубины.

Все виды перспектив могут сочетаться в одной картине.

Пример «Осенний день»  И. Левитана и тональная перспектива и прямая перспектива на убегающей вдаль дороге.

Пространство может быть замкнутым или открытым.

Или в помещении или изображали «кулисы» Клод Лоррен «Отплытие царицы Савской». Ощущение идеальной картинки. Это присуще художникам классицизма.

Барокко –размыкал пространство.

Пример: Пьетро да Кортонон «Похищение сабинянок»- группа людей расположена не симетрично и сдвинута от центра, жесты рук и позы нарушают ритм. Пространство не замкнуто крайние фигуры словно обрезано. Ощущение что картины за краями продолжается. Этот принцип до высшей точки довели импрессионисты. Композиция построена за счет света и цвета, а не за счет построения и форм. Ощущение полета так как построение сверху.

Художники всегда искали способ передать на двухмерной плоскости трехмерное пространство.

И в зависимости от задач которые стояли перед ними они решали эти задачи разными способами. В средневековье предпочитали обратную перспективу, когда точка схода находилась в самом зрителе. Ренессанс переместил точку схода на горизонте и тем самым обозначил процесс разработки прямой перспективы.

Если живописцы изображали мир идеальным они чаще замыкали изображение в какой, то геометрической фигуре или кулисами. А если мир реальный, то композиция становилась открытой. В 20 веке начались поиски новых форм мира и новых форм в искусстве.

Выводы:

Итак - на примере самых разных картин мы изучили с чего надо начинать читать картины и с чего постепенно шаг за шагом надо углубляться в её живописный текст. От первого впечатления мы переходим к пристальному разглядыванию, ищем композиционные и смысловые связи. Потом наступает время подумать какими средствами художник пользуется чтобы донести до нас свою мысль. И наша встреча с картиной должна быть диалогом мы задаём ей вопросы: «Как? Зачем? Почему?» и тогда картина начнёт нам отвечать. Шедевры их можно разобрать по косточкам, можно описать сюжет, технику, но это не помогает понять почему одна картина нас потрясает, а другая нет. Поэтому понять почему нам нравится то или иное произведение- это поиски самого себя ибо человек то что он любит!

Заключение

Выполнив такую исследовательскую работу, мы стали лучше понимать авторов и их произведения.Для закрепления нового материала- Домашнее задание для каждого из вас- Сходить в картинную галерею выбрать любое понравившееся вам произведение и разузнать все об этом шедевре про автора и его историю.