Методическое пособие по учебному предмету «История изобразительного искусства» для преподавателей художественных отделений ДШИ 4 класс. Русская живопись (18 - начало 20 века.)

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «Детская школа искусств  Починковского  района»

Стодолищенское обособленное подразделение

Методическое пособие по учебному предмету

«История изобразительного искусства»

для преподавателей художественных отделений ДШИ

4 класс. Русская живопись (18 - начало 20 века.)

Автор-составитель:

 преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017 год

Содержание методического пособия:

1.        Пояснительная записка……………………………………………………2

2.         Список русских художников 18-нач.20 в………………………………..5

3.         Курс лекций по произведениям живописи18-нач.20 в. (диск)

4.         Репродукции русских художников и презентации по произведениям(диск)

5.        Сертификаты о публикации материала (диск)

6.        Приложение. Схемы анализа произведений………………………………18

7.        Учебно-тематический план…………………………………………………19

8.         Список критериев для оценки уровня освоения дисциплины……………21

9.        Методическое обеспечение учебного процесса……………………………23

10.     Список литературы…………………………………………………………...24

1. Пояснительная записка.

Программа учебного предмета «История изобразительного искусства» разработана на основе и с учетом федеральных государственных требований к дополнительной предпрофессиональной общеобразовательной программе в области изобразительного искусства «Живопись».

Учебный предмет «История изобразительного искусства» направлен на овладение духовными и культурными ценностями народов мира; воспитание и развитие у обучающихся личностных качеств, позволяющих уважать и принимать духовные и культурные ценности разных народов; формирование у обучающихся эстетических взглядов, нравственных установок и потребности общения с духовными ценностями.

Методическое пособие направлено также на овладение духовными и культурными ценностями русской живописи, а также на изучение искусства своей страны; на воспитание и развитие у обучающихся личностных качеств, позволяющих уважать и принимать духовные и культурные ценности русских художников; на формирование у обучающихся собственных эстетических взглядов, нравственных установок и потребности в художественных и духовных ценностях.

Содержание учебного предмета «История изобразительного искусства» тесно связано с содержанием учебных предметов «Композиция станковая», «Рисунок» и «Живопись». В результате изучения предмета учащиеся должны осмыслить, что произведение искусства - целый мир. У него есть свое пространство и время, свой «пульс» (энергия) - ритм - та сила сплочения, которая обеспечивает живое единство, единство смысла. Изображать -значит устанавливать отношения, связывать и обобщать. Композиция есть форма существования произведения искусства как такового - как органического целого, как выразительно-смыслового единства.

В результате изучения предмета учащиеся должны осмыслить, что произведение искусства имеет свою историю и ценность, свое пространство и время, свою энергию и ритм, приводящий все произведение в живое единство смысла. Единство образовательного процесса устанавливает личное отношение ученика к произведению искусства, позволяет связывать и обобщать знания об искусстве и его представителях в историческом, социальном, духовно-нравственном аспектах, помогает приобретать навыки оценки, анализа и аргументированного суждения об искусстве.

Предмет «История изобразительного искусства» направлен на осмысление отношения композиции художественного произведения и зрителя как акта общения, а восприятия его - как деятельность зрителя; на формирование умения использовать полученные теоретические знания в художественно-творческой деятельности.

«История изобразительного искусства», будучи теоретической дисциплиной цикла дополнительного предпрофессионального образования в области изобразительного искусства, составляет основу образовательной системы дисциплин художественного отделения детской  школы искусств.

Данное методическое пособие предназначено для подготовки преподавателями учащихся к промежуточным и итоговым аттестациям по программе «Живопись» по учебному предмету «История изобразительного искусства»  в 4 классе и способствует реализации поставленных задач учебного процесса для лучшего усвоения предмета изучения и глубокому освоению учебной программы учащимися.

  Пособие представлено на электронном носителе и  содержит :

•        курс лекций;

•         историю картин;  

•        биографию и творчество русских художников 18-начала 20 века;

•        историю произведений;

•         репродукции картин русских художников, а также

•        сертификаты на публикацию материалов.

 В пособии представлен список  русских художников 18-начала 20 века и их произведений, необходимых для изучения живописи в 4 классе художественного отделения ДШИ.

Пособие направлено на формирование у обучающихся детской школы искусств умения использовать полученные теоретические знания в художественно-творческой деятельности, что способствует общекультурному эстетическому развитию.

Перед педагогом по истории изобразительного искусства стоят задачи просветительского и индивидуального творческого развития школьника. Предмет, будучи тесно связанный с дисциплинами (рисунком, живописью, станковой и декоративной композициями, дизайном, скульптурой, архитектурой, мировой художественной культурой), основанными на методах, активизирующих познавательную активность учащихся, ставит перед теоретическим курсом «История изобразительного искусства» необходимость внедрения новых интерактивных методов обучения.

 В основу данного пособия положен многолетний опыт преподавания «Истории изобразительного искусства» в ДШИ, что позволяет педагогу использовать собственные авторские наработанные методики, опираться на опыт коллег, выявлять новые потребности обучающихся, оперативно отслеживать новые требования муниципальных и федеральных образовательных стандартов. Этот фундамент позволяет ставить новые, современные задачи, соответствующие потребностям сегодняшнего образования и культуры в целом.

Цель методического пособия:

Помочь преподавателям подготовить учащихся 4 класса освоить предметную область «История изобразительного искусства», сориентироваться в структуре курса при выполнении самостоятельных работ и подготовке к занятиям и аттестации.

Задачи  по работе с обучающимися:

• Помочь обучающимся в  изучении творчества русских художников 18-начала 20 века   в рамках учебной программы

• Изучить основные этапы развития  русской живописи 18-19-нач. 20 вв.;

• Предоставить информацию о дополнительных материалах и источниках для более подробного изучения тем программы

• Помочь выполнить  анализ творческого произведения.

• ознакомление с основными понятиями изобразительного искусства;

• ознакомление с  основными художественными школами в  русском   изобразительном искусстве;

• выработать умения определять в произведении изобразительного искусства основные черты художественного стиля, выявлять средства выразительности;

•выработать умения в устной и письменной форме излагать свои мысли о творчестве художников;

• выработать навыки по восприятию произведения изобразительного искусства, умений выражать к нему свое отношение, проводить ассоциативные связи с другими видами искусств;

• выработать навыки анализа произведения изобразительного искусства.

                        Русские художники 18-начала20 века.

Курс лекций

по  произведениям русских художников 18-нач.20в.

Айвазовский И. К.

1.7 знаменитых картин И. К.Айвазовского.

2.Биография И.К. Айвазовского.

3.И.К.Айвазовский. Портретно-жанровое искусство.

4.И.К.Айвазовский в цифрах.

5. И. К.Айвазовский. «Лунная ночь».

6.И.К.Айвазовский. «Зимние пейзажи».

7. И.К. Айвазовский. «Босфор в лунную ночь».

8. И.К. Айвазовский. «Бриг «Меркурий».

9. И. К.Айвазовский. «Буря в Северном море».

10. И.К. Айвазовский. «Буря».

11. И.К. Айвазовский. «Волна».

12. И.К. Айвазовский. «Всемирный потоп».

13. И.К. Айвазовский. «Девятый вал».

14. И.К. Айвазовский. «Наполеон на острове Святой Елены».

15. И.К. Айвазовский. «Радуга».

16. И.К. Айвазовский. «Хаос. Сотворение мира».

17. И.К. Айвазовский. «Чёрное море».

18. И.К. Айвазовский. «Чесменский бой».

19.Многоликий И.К. Айвазовский.

20.Морские пейзажи И.К. Айвазовского.

Алексеев Ф. Я.

1.Ф.Я. Алексеев. Биография.

2. Ф.Я. Алексеев. Пейзажи.

Антропов А. П.

1.А.П.Антропов. Биография.

2.А.П.Антропов. Портрет Петра III.

Аргунов И.П.

1.И.П. Аргунов. Портрет неизвестной в русском костюме.

2.И.П. Аргунов. Картины и биография.

3.Портретист И.П. Аргунов.

Бакалович С.В.

1.Бакалович С.В. Биография.

2.Бакалович С.В. Картины.

Богданов-Бельский Н.П.

1.Богданов-Бельский Н.П. Творчество.

2.Богданов-Бельский Н.П. Биография.

3.Богданов-Бельский Н.П. Картины.

4.Богданов-Бельский Н.П. «Новые хозяева».

5.Богданов-Бельский Н.П. «Устный счёт».

Боголюбов А.П.

1.Боголюбов А.П. Биография.

2.Боголюбов А.П. «Вид Венеции».

3.Боголюбов А.П. «Золотой Рог в Константинополе».

Боровиковский В.Л.

1.Боровиковский В.Л. «Портрет Арсеньевой».

2. Боровиковский В.Л Биография.

3. Боровиковский В.Л. «Портрет Лопухиной».

4. Боровиковский В.Л. Золотая галерея русской живописи.

5. Боровиковский В.Л. «Лизонька и Дашенька».

6. Боровиковский В.Л. Мужские и женские портреты.

7. Боровиковский В.Л. «Портрет графини А.И.Безбородко с дочерьми».

8. Боровиковский В.Л. «Портрет Державина».

9. Боровиковский В.Л. «Портрет Екатерины II».

10. Боровиковский В.Л. «Портрет великой княжны Александры Павловны».

11. Боровиковский В.Л. «Портрет Куракина».

12. Боровиковский В.Л. «Портрет Нарышкиной».

13. Боровиковский В.Л. «Портрет офицера Новосильцева».

14. Боровиковский В.Л. «Портрет Павла I».

15. Боровиковский В.Л. «Портрет сестёр А.Г. и В.Г. Гагариных».

16. Боровиковский В.Л. Портреты.

17. Боровиковский В.Л. «Род Львовых в портретах».

18. Священная история Владимира Боровиковского.

19.Сентиментализм в живописи В.Л. Боровиковского.

20.Творчество портретиста В.Л. Боровиковского.

Братья Васнецовы.

1.10 шедевров В.М. Васнецова.

2.А.М. Васнецов.«Тайга на Урале. Синяя гора».

3.А.М.Васнецов. Биография.

4.А.М.Васнецов. «Московский Кремль».

5.В.М.Васнецов. «Иван Царевич на сером волке».

6.В.М.Васнецов. «Сирин и Алконост».

7.В.М.Васнецов. «Алёнушка».

8.В.М.Васнецов. «Богатыри».

9. В.М. Васнецов. «Витязь на распутье».

10. В.М. Васнецов. Жизнь и творчество.

11. В.М. Васнецов. «Каменный век».

12. В.М. Васнецов. «Ковёр-самолёт».

13. В.М. Васнецов. «Царевна-Несмеяна».

14 В.М. Васнецов. «Нестор-летописец».

15. В.М. Васнецов. «После побоища Игоря Святославича с половцами».

16. В.М. Васнецов. «С квартиры на квартиру».

17. В.М. Васнецов. «Снегурочка».

18. В.М. Васнецов. «Три царевны подземного царства».

19. В.М. Васнецов. «Царевна-лягушка».

20. В.М. Васнецов. «Царь Иван Васильевич Грозный».

21. В.М. Васнецов.  – богатырь русской живописи.

22.История Москвы в картинах Аполлинария Васнецова.

23.Русская история в картинах художников.

Бруни Ф.А.

1.Ф.А.  Бруни. Биография, картины.

2. Ф.А. Бруни.»Медный змий».

3. Ф.А. Бруни. «Моление о чаше».

4. Ф. А. Бруни. «Смерть Камиллы»

Брюллов К.П.

1.А. Брюллов. «Портрет Натальи Пушкиной».

2.Биография К.П.Брюллова.

3.К.П.Брюллов. «Последний день Помпеи».

4. К.П.Брюллов. «Вирсавия».

5. К.П.Брюллов. «Всадница».

6. К.П.Брюллов. «Гадающая Светлана».

7. К.П.Брюллов. Главный русский романтик.

8. К.П.Брюллов. «Итальянский полдень».

9. К.П.Брюллов. «Нарцисс».

10. К.П.Брюллов. «Портрет графа Перовского».

11. К.П.Брюллов. «Портрет Жуковского».

12. К.П.Брюллов. «Портрет Крылова».

13. К.П.Брюллов. «Портрет Кукольника».

14. К.П.Брюллов. «Портрет Самойловой».

15. К.П.Брюллов. «Портрет сестёр Шишмарёвых».

16. К.П.Брюллов. «Распятие».

17. К.П.Брюллов – мастер портрета и исторической живописи.

18.Религиозная живопись К. П.Брюллова.

19.Тайна двух портретов.

Васильев Ф.А.

1.Описание картин Ф. А.Васильева.

2.Последний пейзаж Ф.А.Васильева.

3.Пять картин Ф.А.Васильева.

4.Ф. А.Васильев. «Заброшенная мельница».

5. Ф.А. Васильев. «Деревня».

6. Ф.А. Васильев. Биография.

7. Ф. А.Васильев. «Болото в лесу. Осень».

8. Ф. А.Васильев. «В Крымских горах».

9. Ф. А.Васильев. «Мокрый луг».

10. Ф. А.Васильев. «Оттепель».

11. Ф. А.Васильев. «Перед грозой».

12. Ф.А. Васильев. «Перед дождём».

13. Ф.А. Васильев. «После дождя».

14. Художник Фёдор Васильев.

15. Художник-передвижник Ф.А. Васильев.

Венецианов А.Г.

1.А.Г. Венецианов. Биография.

2. А.Г. Венецианов. «Гумно».

3. А.Г. Венецианов. «Жнецы».

4. А.Г. Венецианов. «Захарка».

5. А.Г. Венецианов. «Крестьянка с васильками».

6. А.Г. Венецианов. «На пашне».

7. А.Г. Венецианов. «Спящий пастушок».

Верещагин В.В.

1.В.В.Верещагин. «Апофеоз войны».

2. В.В.Верещагин. «Двери Тамерлана».

3. В.В.Верещагин. «Смертельно раненный».

4. В.В.Верещагин. Творчество.

5. В.В.Верещагин. «Мавзолей Тадж-Махал в Агре».

Волков Е.Е.

1.Е.Е. Волков. Биография, творчество.

2. Пейзажи Е.Е. Волкова.

Врубель М.А.

1.Лермонтов и Врубель.

2.М.А.Врубель. Жизнь и творчество художника.

3. М.А.Врубель. «Портрет С. Мамонтова».

4. М.А.Врубель. «Богатырь».

5. М.А.Врубель. «Жемчужина».

6. М.А.Врубель. «Пан».

7. М.А.Врубель. «Царевна-лебедь».

8.Музы М.А.Врубеля.

9.Тема демона в творчестве М.А.Врубеля.

Ге Н.Н.

1.Жизнь и творчество Н.Н. Ге.

2.Н.Н. Ге. «Что есть истина?».

3. Н.Н. Ге. Автопортрет.

4. Н.Н. Ге. «Голгофа».

5. Н.Н. Ге. «Пушкин в селе Михайловском».

6. Н.Н. Ге. «Тайная вечеря».

7. Н.Н. Ге. «Пётр I допрашивает царевича Алексея».

Иванов А.А.

1.Презентация. А.А. Иванов. «Явление Христа народу».

2.Презентация. Картины А.А. Иванова.

3.Лучшие работы А. А.Иванова.

4.Художник А.А. Иванов.

Коровин К.А.

1.К.А.Коровин. «Северная идиллия».

2.К.А.Коровин.

3.Картины К.А. Коровина.

Кипренский О.А.

1.Жизнь и творчество Ореста Кипренского.

2.О.А.Кипренский. «Портрет Жуковского».

3. О.А.Кипренский. «Бедная Лиза».

4. О.А.Кипренский. «Дмитрий Донской на Куликовом поле».

5. О.А.Кипренский. «Молодой садовник».

6. О.А.Кипренский. «Портрет Авдулиной».

7. О.А.Кипренский. «Портрет Пушкина».

8. О.А.Кипренский. «Портрет Растопчиной».

9. О.А.Кипренский. «Портрет Челищева».

10. О.А.Кипренский. Портреты.

11. О.А.Кипренский. «Портрет Давыдова».

12. О.А.Кипренский. Автопортрет.

Крамской И.Н.

1.Биографический очерк И.Н. Крамского.

2.Знаменитые картины И.Н.Крамского.

3.И. Н.Крамской. «Незнакомка».

4. И. Н.Крамской. «Лунная ночь».

5. И. Н.Крамской. «Неутешное горе».

6. И. Н.Крамской. Портреты русских писателей.

7.Народный портрет И.Н. Крамского.

8. И.Н. Крамской. «Портрет Александра III».

9. И.Н. Крамской. Портреты Л.Н. Толстого.

Куинджи А.И.

1.Куинджи А. И.«Север».

2.Куинджи А.И. «Берёзовая роща».

3.Куинджи А.И. «В Крыму».

4.Куинджи А.И. «Радуга».

5.Куинджи А.И. Биография, творчество.

6.Куинджи А.И. «Вечер на Украине».

7.Куинджи А.И. «Лунная ночь на Днепре».

8.Куинджи А.И. История жизни в пяти картинах.

9.Горные пейзажи А.И.Куинджи.

10.Куинджи А.И. «Ночное».

Кустодиев Б.М.

1.Кустодиев Б. М.Коллекция автопортретов.

2.Кустодиев Б. М.«Купчиха за чаем».

3.Кустодиев Б.М. «Масленица».

4.Кустодиев Б.М. «Московский трактир».

5.Кустодиев Б.М. «Портрет Фёдора Шаляпина».

6.Кустодиев Б.М. «Ярмарка».

7.Кустодиев Б.М. «Красавица».

8.Кустодиев Б.М. Судьба на холсте.

9.Борис Кустодиев. Картины.

10.Кинешма – Родина Кустодиевских ярмарок.

11.Кустодиевские женщины.

12.Пышнотелые красавицы Бориса Кустодиева.

13.Русские Венеры.

14.Художник Б.М.Кустодиев. Биография.

Левитан И.И.

1.Жизнь и творчество И.И. Левитана.

2.И.И.Левитан и С. Кувшинникова.

3. И.И.Левитан – мастер лирического пейзажа.

4. И.И.Левитан. «Март».

5. И.И.Левитан. «Осенний пейзаж с церковью».

6. И.И.Левитан. «У омута».

7. И.И.Левитан. «Берёзовая роща».

8. И.И.Левитан. Биография.

9. И.И.Левитан. «Весна. Большая вода».

10. И.И.Левитан. «Вечер. Золотой плёс».

11. И.И.Левитан. «Вечерний звон».

12. И.И.Левитан. «Владимирка».

13. И.И.Левитан. «Золотая осень».

14. И.И.Левитан. «Лесное озеро».

15. И.И.Левитан. «Над вечным покоем».

16. И.И.Левитан. «Озеро Русь».

17. И.И.Левитан. «Осенний день. Сокольники».

18. И.И.Левитан. «После дождя. Плёс».

19. И.И.Левитан. «Свежий ветер. Волга».

20. И.И.Левитан. «Сумерки. Луна».

21. И.И.Левитан. «Сумерки. Стога».

22. И.И.Левитан. «Тихая обитель».

23.Лучшие картины пейзажиста И.И.Левитана.

24.Образ природы в творчестве И.И.Левитана.

25.Пейзажи  И.И.Левитана.

26.Творчество И.И.Левитана.

27.Художник-передвижник И. И.Левитан.

28.Чехов и Левитан.

29. История 10-ти портретов И.И.Левитана.

Левицкий Д.Г.

1.Д.Г. Левицкий. «Портрет ЕкатериныII».

2. Д.Г. Левицкий. «Портрет Ф.С.Ржевской и княжны Н.М. Давыдовой».

3. Д.Г. Левицкий. Биография и творчество.

4. Д.Г. Левицкий. «Портрет жены художника».

5. Д.Г. Левицкий. «Портрет Кокоринова».

6. Д.Г. Левицкий. «Портрет Ланского».

7. Д.Г. Левицкий. «Портрет Нелидовой».

8. Д.Г. Левицкий. «Портрет Е.Н.Хрущёвой и Е.Н.Хованской».

9. Д.Г. Левицкий. «Портрет дочери художника».

10. Д.Г. Левицкий – первый портретный живописец».

Лосенко А.П.

1.А.П. Лосенко. «Портрет актёра Волкова».

2. А.П. Лосенко. «Владимир и Рогнеда».

3. А.П. Лосенко – первый российский исторический живописец».

4. А.П. Лосенко. «Жертвоприношение Авраама».

5. А. П.Лосенко. «Портрет Сумарокова»

6. А. П. Лосенко. «Портрет Шувалова».

7.А.П. Лосенко. «Прощание Гектора с Андромахой».

8. А. П.Лосенко. «Чудесный улов».

9. А. П.Лосенко. Биография и творчество.

10. Исторические картины А.П. Лосенко.

Маковский К.Е.

1.Боярышни К.Е. Маковского.

2.К.Е.Маковский. «Боярышня у окна».

3. К.Е. Маковский. «Воззвание Минина к нижегородцам».

4. К.Е. Маковский. «Дети, бегущие от грозы».

5. К.Е. Маковский. «Свидание».

6. К.Е. Маковский. «Святочные гадания».

7. К.Е. Маковский. Жизнь и творчество.

8. Картины К.Е. Маковского.

Матвеев А.М.

1.А.М. Матвеев. «Автопортрет с женой».

2.А.М. Матвеев. Биография и творчество.

3.Русский живописец А.М.  Матвеев.

Мясоедов Г.Г.

1.Г.Г. Мясоедов. Биография и творчество.

2. Г.Г. Мясоедов. «Косцы».

3. Г.Г. Мясоедов. «Лесной ручей».

4. Г.Г. Мясоедов. «Земство обедает».

5. Г.Г. Мясоедов. «Осеннее утро».

Неврев Н.В.

1.Неврев Н.В. Биография.

2.Неврев Н.В. Картины.

3.Презентация. Художник Николай Неврев.

Нестеров М.В.

1.Нестеров М.В. «Видение отроку Варфоломею».

2.Презентация. Нестеров М. В. творчество и биография.

Никитин И.Н.

1.Презентация. И.Н.Никитин.

2.Никитин И.Н. «Пётр I на смертном ложе».

3. Никитин И.Н. «Портрет напольного гетмана».

4. Никитин И.Н. «Портрет Строганова».

Остроухов И.С.

1.И.С. Остроухов. «Золотая осень».

2.И.С. Остроухов. Биография.

3.И.С. Остроухов. «Сиверко».

4.Пейзажи Ильи Остроухова.

Перов В.Г.

1.Картина Перова – отклик на время.

2.В.Г. Перов. «Охотники на привале».

3. В.Г. Перов. Портреты русских писателей.

4. В.Г. Перов. «Последний кабак у заставы».

5. В.Г. Перов. «Приезд гувернантки в купеческий дом».

6. В.Г. Перов. «Сельский крестный ход».

7. В.Г. Перов. «Тройка».

8. В.Г. Перов. «Утопленница».

9. В.Г. Перов. «Чаепитие в Мытищах близ Москвы».

10.Портреты Достоевского.

Поленов В.Д.

1.В.Д. Поленов. Биография.

2. В.Д. Поленов. «Портрет Левитана».

3. В.Д. Поленов. «Бабушкин сад».

4. В.Д. Поленов. «Больная».

5. В.Д. Поленов. «Заросший пруд».

6. В.Д. Поленов. «Золотая осень».

7. В.Д. Поленов. «Московский дворик».

8. В.Д. Поленов. «Ранний снег».

9. В.Д. Поленов. «Старая мельница».

10. В.Д. Поленов. «Христос и грешница».

11.Пейзажи В.Д. Поленова.

12.Последнее счастье В.Д. Поленова.

Прянишников И.М.

1.Прянишников И.М. «Жестокие романсы».

2.Прянишников И.М.  Биография.

3.Прянишников И.М. - педагог и мастер жанровой живописи.

4.Прянишников И.М.  «Крестьянин с рогатиною на плече».

5.Прянишников И.М. в Третьяковке.

6.Художник Прянишников И.М.

Пукирев В.В.

1.В.В.Пукирев. Картины.

2. В.В.Пукирев. «Неравный брак».

3. В.В.Пукирев. Биография.

Репин И.Е.

1.Семь первых парней из деревни на портрете.

2.Автопортрет И.Е. Репина.

3. Два портрета актрисы Стрепетовой.

4.И.Е.Репин в истории русской живописи.

5. И.Е.Репин. Портрет Бородина.

6. И.Е.Репин. «Стрекоза».

7. И.Е.Репин. «Осенний букет».

8. И.Е.Репин. «Портрет Мусоргского».

9. И.Е.Репин. «Портрет Тургенева».

10. И.Е.Репин. «Садко в подводном царстве».

11. И.Е.Репин. «Арест пропагандиста».

12. И.Е.Репин. «Воскрешение дочери Иаира».

13. И.Е.Репин. «Портрет Дельвига».

14. И.Е.Репин. «Портрет Рубинштейна».

15. И.Е.Репин. «Портрет Софьи Алексеевны».

16. И.Е.Репин. Портрет Шевцовой».

17. И.Е.Репин. «Торжественное заседание Государственного Совета».

18. И.Е.Репин. «Женский портрет».

19. И.Е.Репин. «Отказ от исповеди».

20.Крестьяне в живописи.

21.Наука в искусстве.

22.Портреты кисти И.Е. Репина.

23. И.Е.Репин. «Протодьякон».

24. И.Е.Репин. «Запорожцы пишут письмо турецкому султану».

25. И.Е.Репин. «Не ждали».

26. И.Е.Репин. «Портрет Третьякова».

27. И.Е.Репин. «Бурлаки на Волге».

28. И.Е.Репин. «Иван Грозный и сын его Иван».

29. И.Е.Репин. «Крестный ход в Курской губернии».

30.Творчество И.Е. Репина.

Рокотов Ф.С.

1.Крупнейший московский портретист Фёдор Рокотов.

2.Рокотов Ф.С. Биография.

3. Рокотов Ф. С. «Портрет ЕкатериныII».

4. Рокотов Ф.С. «Портрет Струйской».

5. Рокотов Ф.С.  Портреты.

Рябушкин А.П.

1.А.П. Рябушкин. Биография.

2. А.П. Рябушкин. Творчество.

3. А.П. Рябушкин. «Московская девушка 17 века».

4. А.П. Рябушкин. «Свадебный поезд в Москве (XVIIстолетие).

5. А.П. Рябушкин – исторический живописец.

Савицкий К.А.

1.К.А.  Савицкий – Некрасов в живописи.

2.К.А. Савицкий. Биография.

Саврасов А.К.

1.Презентация. А.К. Саврасов. Картины.

2. А.К. Саврасов. Биография.

3. А.К. Саврасов. «Грачи прилетели».

4. А.К. Саврасов. Пейзажи.

5. А.К. Саврасов. Зима.

Семирадский Г.И.

1.Г.И.  Семирадский. Биография.

2.Г.И.  Семирадский. «Фрина на празднике Посейдона в Элевсине».

3.Императорская Академия художеств второй половины 19 века и Генрих Семирадский.

4.Г.И.  Семирадский – певец античного мира.

5.Христос и грешница в произведениях русских художников.

Серов В.А.

1.Серов В.А.  Женские портреты.

2.Серов В.А.  «Девочка с персиками».

3.Серов В.А.  «Девушка, освещённая солнцем».

4.Серов В.А.  «Мика Морозов».

5.Серов В.А.  «Пётр I».

6.Серов В.А.  «Портрет З.Н.Юсуповой».

7.Серов В.А.  «Портрет князя Юсупова».

8.Серов В.А.  «Портрет М.Н. Ермоловой».

9.Последняя картина Валентина Серова.

10.Серов В.А.  «Похищение Европы».

11.Самые известные картины В.А. Серова».

 Сорока Г.В.

1.Г.В. Сорока. Галерея произведений.

2.Г.В. Сорока. Биография.

3.Презентация. Крепостной художник.

 СуриковВ.И.

1.В.И.Суриков. Биография.

2.В.И.Суриков. «Утро стрелецкой казни».

3.В.И.Суриков. «Боярыня Морозова».

4.В.И.Суриков. «Взятие снежного городка».

5. В.И.Суриков. «Вид памятника Петру I».

6. В.И.Суриков. «Женский портрет».

7. В.И.Суриков. «Меншиков в Берёзове».

8. В.И.Суриков. «Переход Суворова через Альпы».

9. В.И.Суриков. «Пир Валтасара».

10. В.И.Суриков. «Покорение Сибири Ермаком».

11. В.И.Суриков. «Портрет дочери Ольги.

12. В.И.Суриков. «Портрет Суворова».

13. В.И.Суриков. «Посещение царевной женского монастыря».

14. В.И.Суриков. «Степан Разин».

15. В.И.Суриков. «Большой маскарад в 1722 году на улицах Москвы.

16.Мастер исторических полотен.

17.Русский живописец Василий Суриков.

Тропинин В.А.

1.В.А. Тропинин. «Гитарист».

2. В.А. Тропинин. Жизнь и творчество художника.

3. В.А. Тропинин. «Кружевница».

4. В.А. Тропинин. «Портрет А.С. Пушкина».

5. В.А. Тропинин. «Портрет К.Брюллова».

6. В.А. Тропинин. «Портрет сына».

7. В.А. Тропинин. Портреты.

8.Детские образы в творчестве Тропинина.

9.Презентация. Женские портреты В. А. Тропинина.

Федотов П.А.

1.П.А. Федотов. Биография.

2. П.А. Федотов. «Вдовушка».

3. П.А. Федотов. «Завтрак аристократа».

4. П.А. Федотов. «Игроки».

5. П.А. Федотов. «Портрет Н. Жданович».

6. П.А. Федотов. Портретная галерея.

7. П.А. Федотов. «Разборчивая невеста».

8. П.А. Федотов. «Сватовство майора».

9. П.А. Федотов. «Свежий кавалер».

10. П.А. Федотов – основоположник критического реализма в живописи.

Флавицкий К.Д.

1.Презентация. Флавицкий К.Д. Жизнь и творчество.

2. Презентация. Флавицкий К.Д. «Княжна Тараканова».

Художники-передвижники.

1.Знаменитые художники-передвижники.

2.Русский реализм. Товарищество передвижников.

3.Товарищество передвижных художественных выставок.

Чистяков П.П.

1.Великий учитель Чистяков П.П.

2.П.П. Чистяков. «Патриарх Гермоген».

3.П.П. Чистяков. Галерея произведений.

4.П.П.  Чистяков. История, ожившая в картине.

5.Презентация. Чистяков П.П. Картины и биография.

 Шварц В.Г.

1.Шварц В.Г. Галерея картин.

2.Шварц В.Г. Творчество.

 Шишкин И.И.

1.И.И. Шишкин. «Рожь».

2. И.И. Шишкин – мастер русского пейзажа.

3. И.И. Шишкин. «Дождь в дубовом лесу».

4. И.И. Шишкин. «Среди долины ровныя».

5. И.И. Шишкин. «На опушке соснового леса».

6. И.И. Шишкин – жизнь и творчество художника.

7.История одного шедевра «Утро в сосновом лесу».

Щедрин С.Ф.

1.Пейзажи С.Ф. Щедрина.

2.С.Ф.Щедрин. «Веранда, обвитая виноградом».

3.Художник С.Ф. Щедрин.

Щукин С.С.

1.Презентация. Портретист Щукин С.С.

2. Презентация. Щукин С.С. Картины и биография.

Ярошенко Н.А.

1.Н.А.Ярошенко. «Всюду жизнь».

2.Н.А.Ярошенко. «Курсистка».

3.Художник Николай Ярошенко. Совесть Товарищества передвижников.

                                                                                                              Приложение 1

СХЕМЫ АНАЛИЗА ПРОИЗВЕДЕНИЙ

Схема анализа натюрморта

Название картины. Автор.

Какое впечатление произвела картина?

Что изображено на картине?

Почему именно этот предмет кажется главным?

Как в картине сопоставляются цвета? (цветовая композиция)

Как в картине скомпонованы предметы? (предметная композиция)

Есть ли в картине предметы что-либо символизирующие?

Какими средствами выразительности пользовался художник в изображении предметов?

Как соотносится название с изображением на картине?

Что хотел донести до людей автор своей работой?

Попробуйте представить человека составившего этот натюрморт.

Схема анализа пейзажа

Название картины. Автор.

Какое впечатление произвела картина?

Что изображено на картине?

Каков характер произведения?

Какими средствами выразительности пользовался художник?

Как в картине сопоставляются цвета? (цветовая композиция)

Как в картине скомпонованы предметы? (предметная композиция)

Носит ли символический характер композиция произведения и отдельные детали?

Как соотносится название с изображением на картине?

Что хотел донести до людей автор своей работой?

Попробуйте представить, какие события могут происходить в данном пейзаже?

Схема анализа сюжетной картины

Название картины. Автор.

Какое впечатление произвела картина?

Какое настроение пытается передать автор?

Что изображено на картине?

Почему именно это кажется главным?

Какими средствами художник выделил главное?

Как в картине сопоставляются цвета?

Перескажите сюжет картины.

Есть ли в картине предметы что-либо символизирующие?

Как соотносится название с сюжетом картины?

Что хотел автор передать людям?

УЧЕБНО – ТЕМАТИЧЕСКИЙ ПЛАН

 4 класс

Список критериев для оценки уровня освоения дисциплины.

•Знание основных этапов развития изобразительного искусства; первичные знания о роли и значении изобразительного искусства в системе культуры, духовно-нравственном развитии человека; знание основных понятий изобразительного искусства;

•знание основных художественных школ в   русском изобразительном искусстве;

•сформированный комплекс знаний об изобразительном искусстве, направленный на формирование эстетических взглядов, художественного вкуса, пробуждение интереса к изобразительному искусству и деятельности в сфере изобразительного искусства;

•умение выделять основные черты художественного стиля;

•умение выявлять средства выразительности, которыми пользуется художник;

•умение в устной и письменной форме излагать свои мысли о творчестве художников;

•навыки по восприятию произведения изобразительного искусства, умению выражать к нему свое отношение, проводить ассоциативные связи с другими видами искусств;

•навыки анализа творческих направлений и творчества отдельного художника;

•навыки анализа произведения изобразительного искусства.

    ФОРМЫ И МЕТОДЫ КОНТРОЛЯ, СИСТЕМА ОЦЕНОК.

1. Аттестация: цели, виды, форма, содержание

Оценка качества реализации учебного предмета "История изобразительного искусства" включает в себя текущий контроль успеваемости,  промежуточную аттестацию и итоговую аттестацию.

 В качестве средств текущего контроля успеваемости может использоваться тестирование, олимпиады, контрольные письменные работы.

Текущий контроль успеваемости обучающихся проводится в счет аудиторного времени, предусмотренного на учебный предмет.

Форму и время проведения промежуточной аттестации по истории изобразительного искусства образовательное   учреждение   устанавливает самостоятельно. Это могут быть контрольные уроки, зачеты, экзамены, проводимые в виде устных опросов, написания рефератов, тестирования.

Также мероприятия по проведению текущей и промежуточной аттестации могут проходить в других формах: в форме письменной работы на уроке, беседы, подготовке материалов для сообщения на какую-либо тему или письменной работы, интеллектуальных игр, что будет способствовать формированию навыков логического изложения материала.

Для аттестации обучающихся создаются фонды оценочных средств, которые включают в себя методы контроля, позволяющие оценить приобретенные знания, умения и навыки.

Средства, виды, методы текущего и промежуточного контроля:

• контрольные работы,
• устные опросы,
• письменные работы,
• тестирование,
• олимпиада.

Учебный план предусматривает проведение для обучающихся консультаций с целью их подготовки к контрольным урокам, зачетам, экзаменам.

 2.Критерии оценки

 Оценка 5 «отлично»

1.Легко ориентируется в изученном материале.

2.Умеет сопоставлять различные взгляды на явление.

3.Высказывает и обосновывает свою точку зрения.

4.Показывает умение логически и последовательно мыслить, делать выводы и обобщения, грамотно и литературно излагать ответ на поставленный вопрос.

5.Выполнены качественно и аккуратно все практические работы.

6.Записи в тетради ведутся аккуратно и последовательно.

 Оценка 4 «хорошо»

1.Легко ориентируется в изученном материале.

2.Проявляет самостоятельность суждений.

3.Грамотно излагает ответ на поставленный вопрос, но в ответе допускает неточности, недостаточно полно освещает вопрос.

4.Выполнены практические работы не совсем удачно.

5.При ведении тетради имеются незначительные ошибки.

Оценка 3 «удовлетворительно»

1.Основной вопрос раскрывает, но допускает незначительные ошибки, не проявляет способности логически мыслить.

2.Ответ носит в основном репродуктивный характер.

3.Практические работы выполнены неэстетично, небрежно, с ошибками.

4.Записи в тетради ведутся небрежно, несистематично.

Описание материально-технических условий реализации учебного

предмета

Каждый обучающийся обеспечивается доступом к библиотечным фондам и фондам аудио и видеозаписей школьной библиотеки. Обучающиеся могут использовать Интернет для сбора дополнительного материала в ходе самостоятельной работы.

Библиотечный фонд укомплектовывается печатными изданиями основной и дополнительной учебной и учебно-методической литературы по истории мировой культуры, художественными альбомами. Основной учебной литературой по предмету обеспечивается каждый учащийся.

Учебная аудитория, предназначенная для изучения учебного предмета «История изобразительного искусства»  оснащена видеооборудованием, учебной мебелью (доской, столами, стульями, стеллажами, шкафами) и оформлена наглядными учебными  пособиями и стендами.

    СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ  

Учебная и методическая литература

1.Александров В.Н. История русского искусства. - Минск: Харвест, 2009

2.Востоков Е.И. Грековцы.-М.: Воениздат.1983

3.Гнедич П.П. История искусства. - М: АСТ, 2009

4. Гнедич П.П. Мировая живопись.-М.:ЭКСМО,2012

5.Зезина М. Р.История русской культуры.-М.: Высшая школа.1990

6.История русского искусства: Конец 18 - начало 20 века. Т.2. Кн. 2. - М, 1981

7.Ключевский В.О. Русская история.-М.:Эксмо.2000

8.КоровинК. Краски России.-М.Детская литература.1986

9.Костомаров Н.И. Русская история.-М.:Эксмо.2009

10.Сарабьянов Д. история русского искусства конца 19-начала20 века.-М.:

Галарт,2001

11.Соловьёв В.Ю. Золотая книга русской культуры.-М.: Белый город.2007

12.Ярославцева Н.А. Виктор Михайлович Васнецов.-М.: Искусство,1987

13.http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/612-ivan-ayvazovskiy.html

14.http://allpainters.ru/alekseev-fjodor.html

15.http://fb.ru/article/140450/russkie-hudojniki-veka-luchshie-kartinyi-veka-russkih-hudojnikov

16.http://mirznanii.com/a/128854/zhivopis-serediny-xviii-veka

17http://www.art-portrets.ru/hudojniki_19_veka.html

18.http://mirznanii.com/a/126579/russkaya-zhivopis-xix-veka

19.https://multiurok.ru/files/zhivopis-kontsa-19-nachala-20-vieka-v-rossii.html

20.http://www.la-fa.ru/master46.html

21.https://yandex.ru/images/search?text=русские%20художники%20конца%2019%20века%20в%20россии&stype=image&lr=12&noreask=1&source=wiz

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

7 ЗНАМЕНИТЫХ КАРТИН И. АЙВАЗОВСКОГО.

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

29 июля 1817 года родился художник Иван Айвазовский. Сейчас, когда ценность картины легко измерить её ценой, Айвазовского можно смело назвать одним из самых значимых российских живописцев. Взглянем на 7 знаменитых картин феодосийского художника.

«Вид Константинополя и Босфора» (1856)

В 2012 году на британском аукционе Sotheby’s был установлен новый рекорд для картин российского мариниста. Полотно под названием «Вид Константинополя и Босфора» было продано за 3 миллиона 230 тысяч фунтов стерлингов, что в переводе на рубли составляет более 153 миллионов.
Назначенный на пост художника Адмиралтейства в 1845 году, Айвазовский в составе Средиземноморской географической экспедиции посетил Стамбул и острова греческого архипелага. Столица Османской империи произвела на художника неизгладимое впечатление. За несколько дней пребывания он сделал десятки эскизов, многие из которых легли в основу будущих картин. Более чем через 10 лет по памяти, как и большинство своих полотен, Иван Айвазовский восстановил вид константинопольского порта и мечети Топхане Нусретие.

«Американские суда у скалы Гибралтара» (1873)

До апреля 2012 года самой дорогой из картин Ивана Айвазовского оставалась работа «Американские суда у скалы Гибралтара», проданная в 2007 году с аукциона Christie’s за 2 миллиона 708 тысяч фунтов.
Эту картину Айвазовский также писал по памяти. «Движения живых стихий неуловимы для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волны немыслимо с натуры. Для этого-то художник и должен запомнить их, и этими случайностями, равно как и эффектами света и теней, обставлять свою картину», — так художник формулировал свой творческий метод.
Гибралтарская скала была написана Айвазовским через 30 лет после того, как он побывал в британской колонии. Волны, корабли, моряки, борющиеся со стихией, сама розовая скала – плод фантазии художника, работавшего в своей тихой мастерской в Феодосии. Но, выдуманный, пейзаж выглядит донельзя правдиво.

«Варяги на Днепре» (1876)

Третье место среди коммерческих успехов Айвазовского занимает картина «Варяги на Днепре», ушедшая с молотка в 2006 году за 3 миллиона 300 тысяч долларов.
Сюжет картины – путь варягов по главной торговой артерии Киевской Руси, Днепру. Обращение к героическому прошлому, редкое для творчества Айвазовского, — это дань романтической традиции. На переднем плане картины – ладья, на которой стоят сильные и отважные воины, и среди них, судя по всему, сам князь. Героическое начало сюжета подчёркивается вторым названием картины: «Варяжская сага – путь из варяг в греки».

 «Вид Константинополя» (1852)

Четвёртый миллионер кисти Айвазовского – «Вид Константинополя», ещё одна картина, написанная по впечатлениям от поездки 1845 года. Её цена составила 3 миллиона 150 тысяч долларов.
Вскоре после окончания Крымской войны Айвазовский возвращался из Парижа, где состоялось открытие его персональной выставки. Путь художника лежал через Стамбул. Там он был принят турецким султаном и пожалован орденом «Нишан Али» IV степени. С тех пор завязалась тесная дружба Айвазовского с константинопольцами. Он приезжал сюда не раз: в 1874, 1880, 1882, 1888 и 1890 годах. Здесь проходили его выставки, он встречался с правителями Турции и получал от них награды.

«Исаакиевский собор в морозный день» (1891)

Картина «Исаакиевский собор в морозный день» была продана на аукционе Christie’s за 2 миллиона 125 тысяч долларов в 2004 году. Это один из редких городских пейзажей художника-мариниста.
С Петербургом была связана вся жизнь Айвазовского, хотя родился и большую её часть он прожил в Крыму. В Петербург он переезжает из Феодосии в 16 лет, чтобы поступить в Академию художеств. Вскоре, благодаря своим успехам,   молодой живописец завязывает знакомства с ведущими художниками, писателями, музыкантами: Пушкиным, Жуковским, Глинкой, Брюлловым. В 27 лет он становится академиком пейзажной живописи Петербургской Академии художеств. И затем, в течение жизни, Айвазовский регулярно приезжает в столицу.

«Константинополь на заре» (1851)

Шестое место занимает ещё один вид Константинополя, на сей раз «Константинополь на заре». Он продан был в 2007-м за 1 миллион 800 тысяч долларов. Эта картина является самой ранней из «константинопольских миллионерш» Айвазовского.
Российский маринист довольно скоро получил признание в Европе и Америке как состоявшийся мастер пейзажа. Особенные отношения его связывали с извечными военными соперниками России, турками. Но дружба продолжалась до 90-х годов, когда султан Абдул-Гамид развернул в Константинополе и по всей стране геноцид против армян. Многие из беженцев скрывались в Феодосии. Айвазовский им оказывал всяческую помощь, а награды, полученные от турецкого правительства, демонстративно бросил в море.

«Девятый вал» (1850)

Главная тема творчества Айвазовского – противостояние человека и стихии. Самое знаменитое его полотно, «Девятый вал» — только седьмое по стоимости. В 2005 году оно было продано за 1 миллион 704 тысячи долларов.
В центре сюжета – несколько моряков, которые спаслись во время бушевавшей всю ночь бури. Она в щепки разметала корабль, но они, уцепившись за мачту, остались в живых. Четверо держатся за мачту, а пятый в надежде цепляется за товарища. Восходит солнце, но испытания моряков не окончены: надвигается девятый вал. Последовательный романтик, Айвазовский на этой ранней работе показывает упорство людей, сражающихся со стихией, но бессильных против неё.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И. Айвазовский. «Лунная ночь».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

  Иван Айвазовский «Лунная ночь на Капри»

Картина знаменитого одесского художника Айвазовского давно занимает положенное ей место в Третьяковской галерее. За свою жизнь он успел побывать во всех крупных морских городах, которые очаровали его и были запечатлены на холсте. Для повышения уровня мастерства художник ездил в Рим, Германию, Швейцарию и другие города.

В каждой из них он знакомился и осматривал музеи и галереи в поисках нового совершенного стиля.

Художник был известен как маринист – лучшие его работы посвящались бушующему морю, которая обладала силой притягивать взгляд, и заставляло ощутить на себе всю силу природных явлений. Спокойная гладь также была мила сердцу Айвазовского, существует более десятков картин, на которых вода обладает лиричным и спокойным блеском.

На холсте «Лунная ночь на Капри» изображен ночной вид, где все линии плавные и нежные. Лунная дорожка освещает ночной променад капитанов и матросов, создавая уют и навевая воспоминания о земле, о доме, о родных и близких. В композиции центральной фигурой является все пространство, которое заполняет вода и небо, корабли и лодки лишь дополнение к романтичному образу. Вся картина нарисована легким движением руки, нет тяжелых линий. Облака будто плавают в воздухе, разгоняемые ветром, который хоть не прорисован, но легкими чертами виднеется.

Сквозь них пробивается ослепительная луна, которая мягко освещает морскую гладь, предлагая уставшему моряку покой и тишину. Легкой зыбью колышутся волны.

Все цвета гармонично переплетаются между собой, не давая резонанса. Особенностью картины можно считать её многосюжетность.

Посмотрев на неё, можно придумать множество историй, как и почему оказались здесь корабли. На большой шхуне играют огни. Возможно, там праздник и веселье в честь скорого прибытия домой. На маленькой лодке много людей. Кто они: разбойники или потерпели крушение?

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И. Айвазовский. « Зимние пейзажи».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

ЗИМНИЕ ПЕЙЗАЖИ    И. АЙВАЗОВСКОГО

• 1

И.К. Айвазовский. Зимний пейзаж, 1876
 

Мельница, 1874


Зимний пейзаж, 1874


Исаакиевский собор в морозный день
 

Зимний пейзаж. Частная коллекция


Зимний обоз в пути, 1857. Смоленская Художественная галерея


Зимняя сцена в Малороссии


Зимний вид

Небольшая биографическая справка:

Иван Константини Айвазян родился 29 июля 1817 года в Феодосии в семье базарного старосты армянина Константина (Геворга) Айвазяна. Благодаря стараниям феодосийского градоначальника А.И. Казначеева одарённый юноша в 1833 году попал в Петербургскую Академию художеств. Вскоре молодой талантливый живописец познакомился с ведущими художниками, писателями, музыкантами: Пушкиным, Жуковским, Глинкой, Брюлловым. С 1840 года художник стал подписывать свои картины именем "Айвазовский". В 27 лет он стал академиком пейзажной живописи Петербургской Академии художеств. 
Путешествия по разным странам и плавания по морям, участие в десантных операциях Черноморского флота у кавказских берегов, сделали Айвазовского высоким профессионалом - маринистом. В столичном городе он жить не захотел - купил в любимой Феодосии участок земли и построил там дом с художественной мастерской. Согласно последней воле, Айвазовского похоронили в Феодосии, во дворе церкви Святого Сергия, где он был крещен и где венчался. Надгробная надпись - высеченные по-древнеармянски слова историка V века Мовсесе Хоренаци - гласит: "Родился смертным, оставил по себе бессмертную память".

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И. АЙВАЗОВСКИЙ «Босфор в лунную ночь».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

И. Айвазовский «Босфор в лунную ночь»

                                Иван  Айвазовский  «Босфор в лунную ночь»

                                       Полотно было написано в 1874 году.

Это одна из картин Айвазовского на морскую тематику. Художник с трепетом относился к морским пейзажам, причалам и всем проявлениям этой стихии. Он провел много лет в разных странах, где изучал искусство живописи и природу.

Айвазовский обладал исключительной зрительной памятью, все детали на картинах прописаны с невероятной точностью. Его картины восхищаются уже не одно столетие. Они одновременно успокаивают и волнуют душу. Никто раннее не мог изобразить водную стихию, свет и воздух также достоверно, как это делал Айвазовский.

На картине изображен пролив Босфор в полнолуние, написан маслом на холсте. Это одна из цикла картин маринистической живописи Айвазовского. Безмятежность и спокойствие водной глади успокаивает. Штиль… Картина написана очень реалистично. Смотря на нее, можно часами мечтать и гулять по пристани, любуясь лунной дорожкой. На картине изображены причалившие корабли, они спустили паруса, чтобы насладится отдыхом и набраться сил для дальнейших путешествий.

Среди спящих бригантин безмятежно плавают маленькие рыбацкие лодки. На заднем плане видно, как к пристани плывет корабль с поднятыми парусами. Полнолуние дает нам возможность видеть горы, окружающие пролив. В эту ночь луна одна царствует на небе и ей не нужно пробиваться через облака. На берегу сидят уставшие рыбаки и ведут беседу.

Способность художника изображать лунный свет, ночные небо, водную гладь и блики на ней поражает. Эти образы он создает на многих своих картинах. Море для Айвазовского обладало особой притягательной силой. Он говорил, что это его жизнь и если бы он жил 300 лет, то всегда бы находил в нем новое.

Художник имел способность переносить на холст движение и дыхание морского пейзажа. Своей любви Айвазовский остался верен всю жизнь.

Картина находится на хранении в Государственной Третьяковской галереи. Москва.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И. АЙВАЗОВСКИЙ «БРИГ МЕРКУРИЙ».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Иван Айвазовский. Бриг «Меркурий» после победы над двумя турецкими судами встречается с русской эскадрой.

Иван Айвазовский. Бриг «Меркурий» после победы над двумя турецкими судами встречается с русской эскадрой.

1848. Холст, масло.

Государственный Русский музей, Санкт Петербург, Россия.

Детство Айвазовского проходило в обстановке, будившей его воображение. По морю в Феодосию из Греции и Турции приходили смоленые рыбацкие фелюги, а иногда бросали якоря на рейде огромные белокрылые красавцы - боевые корабли Черноморского флота. Среди них был, конечно, и бриг "Меркурий", слава о недавнем, совершенно невероятном подвиге которого облетела весь мир и ярко запечатлелась в детской памяти Айвазовского. Они доносили сюда молву о суровой освободительной борьбе, которую вел в те годы греческий народ.

С детства мечтал Айвазовский о подвигах народных героев. На склоне лет он писал: "Первые картины, виденные мною, когда во мне разгоралась искра пламенной любви к живописи, были литографии, изображающие подвиги героев в исходе двадцатых годов, сражающихся с турками за освобождение Греции. Впоследствии я узнал, что сочувствие грекам, свергающим турецкое иго, высказывали тогда все поэты Европы: Байрон, Пушкин, Гюго, Ламартин… Мысль об этой великой стране часто посещала меня в виде битв на суше и на море".

Романтика подвигов сражающихся на море героев, правдивая молва о них, граничащая с фантастикой, пробудила у Айвазовского стремление к творчеству и определила формирование многих своеобразных черт его таланта, ярко проявившихся в процессе развития его дарования.

В 1839 году Айвазовский принял участие как художник в военно-морском походе к берегам Кавказа. На борту военного корабля он познакомился с прославленными русскими флотоводцами: М.П. Лазаревым и героями будущей обороны Севастополя, в те годы молодыми офицерами, В.А. Корниловым, П.С. Нахимовым, В.Н. Истоминым. С ними он сохранил дружественные отношения на протяжении всей жизни.

Много раз в течение жизни обращался Айвазовский к изображению морских сражений; его батальные картины отличаются исторической правдой, точным изображением морских судов и пониманием тактики морского боя. Картины морских сражений Айвазовского стали летописью подвигов русского военно-морского флота, в них нашли яркое отражение исторические победы русского флота, легендарные подвиги русских моряков и флотоводцев.

Живописец Главного морского штаба (с 1844), Айвазовский принимает участие в ряде военных кампаний (в том числе в Крымской войне 1853-1856), создав немало патетических батальных полотен.

Картина Бриг «Меркурий» после победы над двумя турецкими судами встречается с русской эскадрой является одним из лучших батальных произведений Айвазовского.

«Меркурий», русский 18-пушечный бриг Черноморского флота, отличившийся под командованием капитан-лейтенанта А. И. Казарского во время русско-турецкой войны 1828-29годов.

14(26) мая 1829 «Меркурий», преследуемый турецкой эскадрой (6 линейных кораблей, 2 фрегата, 2 корвета), вступил в неравный бой с линейными кораблями "Селимие" (110 орудий) и "Реал-бей" (74 орудия) около Босфора, нанёс противнику серьёзные повреждения, вынудив его лечь в дрейф, а сам ушёл от преследования. Корабль был награждён кормовым георгиевским флагом. В память о подвиге «Меркурия» название "Память Меркурия" присваивалось впоследствии ряду кораблей Черноморского флота.

Этому событию посвящена ещё одна работа И.К.Айвазовского Бриг "Меркурий", атакованный двумя турецкими кораблями, написанная им в 1892 году.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 И. АЙВАЗОВСКИЙ «Буря».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Иван Айвазовский «Буря».

Иван Константинович Айвазовский на протяжении всей жизнь был страстно влюблен в море, писал картины на морскую тематику, всемирно прославился и остался в веках как художник, талантливо и неповторимо отразившим на своих полотнах морские пейзажи. Создается впечатление, что художнику была ведома некая великая тайна, позволившая ему проникнуть в сокровенные глубины, познать саму суть живой и трепетной сущности морской стихии.

Знаменитое, всеми узнаваемое полотно Айвазовского «Буря на море ночью» не оставляет равнодушным каждого, кому выпадет удача приблизиться к нему. Живая, волнующая, страстная и жизнеутверждающая мощь разбушевавшейся стихии создает иллюзию сопричастности зрителя к сюжету картины. Удивительное сочетание оттенков цвета и света, предельная концентрация энергетики и экспрессии создает тот удивительный симбиоз живописи и музыки, который редко удается даже гениальным художникам.

Картина Айвазовского живет, дышит, звучит, наполняя окружающее ее пространство великолепием и ужасом. Когда вглядываешься в движущуюся морскую волну, слышен отдаленный, приглушенный, но явный рев ее, словно голос дикого зверя.

Айвазовский посредством живописи создает гимн великолепию природных явлений, перед натиском, силой и неотвратимостью которых человек – это маленькое, жалкое судно, накренившееся и готовое в любой момент пойти на дно морское. Но тем и велик человек, несмотря на непреодолимые испытания, выходящий с честью из них. Тонущий корабль остается на картине непобежденным.

Эту драматическую схватку человека и природы наблюдает с высоты небес полная луна, появившаяся среди разорванных бурей облаков, как уличный фонарь. Лунный свет добавляет колорита и драматизма картине в целом, наполняет палитру темной ночной бури необычным свечением.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И. АЙВАЗОВСКИЙ « Всемирный потоп ».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

И. АЙВАЗОВСКИЙ « Всемирный потоп ».

В Государственном Русском музее Санкт-Петербурга хранится в запасниках картина Айвазовского "Всемирный потоп" К сожалению, любители живописи лишены возможности увидеть ее подлинник. Возможно, виной тому, малая площадь зала, предназначенного для экспозиции произведений Айвазовского. Ведь размер этого шедевра, действительно, впечатляет 246,5 х 319,5 метра и он мог бы занять целую стену.

Этот можно сказать жуткий сюжет живописец начал писать в 1862 году, а спустя два года вновь вернулся к этой теме и создал другой вариант, который и находится в музее. Он написан маслом на холсте, есть также вариант рисунка акварелью на бумаге. Стоит особо отметить, что имея многогранный талант, Айвазовским было написано немало на библейские и исторические темы.

Картина Всемирный потоп, была проэкспонирована на выставке Академии художеств получила восторженные отзывы русской интеллигенции. На следующий год ее купил император Александр II для Эрмитажа.

Прекрасные рассказы священной книги, словно оживали под его волшебной кистью. Палитра красок умело передавала на холсте жизненность и эмоциональность. Обратите внимание, что именно перед картинами Айвазовского в музее всегда стоит кучка народа, не в силах оторваться от созерцания этих переливающихся лазурно-бирюзовых оттенков, которые незаметно перетекают от водной стихии к мрачному небу. На картине "Всемирный потоп" золотисто-желтые краски, будто написаны лишь для того, чтобы осветить иссиня-фиолетовую тьму всего остального мира, покинутого ковчегом Ноя.

Вспененная морская гладь предстает перед нашим взором. Картина показывает более злобную сущность стихии моря, чем рассказывается об этом в священных книгах и легендах. Айвазовский намеренно делает акцент на изображении моря, его прелести и жесткости, кисть мастера изображает явную победу морской стихии. От ее гигантского гребня не стоит ждать пощады. Существует четкий закон, и лишь ему подчиняется море. Он неумолим и безжалостен. И в этом тоже есть роскошь и величественность. Сила стихии быстрее человеческой мысли. Автор убедительно показывает силу природы над живыми существами. Не надо ждать от нее снисхождения, и попав в пучину – уже возврата нет.

Могущество природы всегда привлекало любопытство человечества, подобно гипнозу. Горестно-завораживающие тона и оттенки - уже своеобразное предсказание гибели и неизбежности. Контраст в произведении добавляет отчаяние людей, оставшихся один на один с катастрофой.

Однако вода очищает от греховности и беспросветный сине-фиолетовый мрак, это не конец – говорит Айвазовский. Предстающая перед нами стихия несет в себе и слабую надежду и веру, несмотря на тьму и печаль. Это дарованный Всевышним шанс очищения и получения спасения. Произведение не вызывает у зрителей пессимизма, поскольку мы уверены, что очень скоро будет найден выход из бездны в светлый мир добра. Море у художника своеобразная основа природы и истории, особенно в религиозных темах. Однако религиозную иконографию, трудно назвать большой удачей Айвазовского.

Мировосприятие Айвазовского национальными корнями тесно связывалось с культурой Армении. Арарат — символ Армении — живописец изображал более десятка раз. Его известное произведение "Сошествие Ноя с Арарата" было представлена на парижской выставке.

Потоп — вселенский катаклизм, о котором говорится во многих религиях мира. Это гигантское наводнение - кара Высшего существа (Высших существ) за греховность и непослушание. Потоп - возмездие за утрату нравственности. Бог хотел избавить Землю от людей, погрязших в безнравственности и оставить только благочестивого Ноя с семьей. Ною тогда исполнилось, согласно Библии, пятьсот лет. Он имел трех сыновей и на сооружение этого "допотопного" судна у них ушло около ста лет.

Завершив эту грандиозную деятельность Ной взошел на судно, взял по паре каждой твари, которые тогда обитали на Земле. Дверцы захлопнулись, и в тот же миг вода мощной стеной обрушились на сушу. Бедствие продлилось 40 суток и все погибли. Выжили лишь, находящиеся на борту. Вода поднялась выше гор. Через пять месяцев она потихоньку стала убывать, и в 17-й день 7-го месяца ковчег приплыл к Арарату. Прошло еще немало времени, пока стала видна суша.

Картина Айвазовского "Всемирный потоп" - довольно редкое произведение на сюжет, заимствованный из Библии. Здесь Айвазовский гениально сочетал талант, воображение и любовь к импровизации. Возможно, что никто из его современников не смог бы так великолепно изобразить масштабность катаклизма, бурю на небесах и на море, огромные волны, захлестывающие скалы, где безуспешно стараются спастись люди и животные. Все герои произведения автор объединил в группы – в центре видна фигура старика, которого окружает семья, рядом умирает женщина, неподалеку люди стоят на коленях с обращенным к небу взором. Наивны образы, которые обличают алчность, надежду избежать судьбы – это сидящие на слонах царь и жрец с золотыми сосудами и драгоценностями. Море у Айвазовского - основа природы. Его больше интересует морская стихия. а не библейский рассказ. Именно к морю, его неукротимой мощи прикованы и наши взоры.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 И. Айвазовский «Девятый вал».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Айвазовский Иван Константинович. (1817-1900). Маринист-романтик, мастер русского классического пейзажа, передающий на полотне красоту и мощь морской стихии. Автор батальных картин на темы истории русского военного флота. Жил и работал преимущественно в Феодосии. Создал около 6 тысяч произведений.

Иван Айвазовский. Девятый вал. Государственный Русский Музей, Санкт Петербург, Россия. 

Как певец моря, И Айвазовский всегда был одним из самых известных русских художников. Все ему было доступно, все готово было служить его искусству. Но к весне1845 года он почувствовал такое влечение на юг, в Феодосию, что ничто не могло удержать его в столице, ни росшая с каждым днем слава, ни обеспеченный прекрасный заработок, ни всеобщее внимание и предупредительность. 

На окраине Феодосии он построил для себя дом и мастерскую и на всю жизнь поселился в этом небольшом черноморском городке. Трогательная любовь к своей родной Феодосии, плескавшееся у древних стен ее море — все давало художнику пищу для новых образов. Его ненасытную жажду творчества можно было утолить только вдали от суеты, да и стремление к независимости удерживало его в
Феодосии. 

Айвазовский был последним и самым ярким представителем романтического направления в русской живописи. Художника влекла к себе свободная стихия моря и бесконечная изменчивость его состояния. В своем творчестве он следовал основным принципам романтического искусства: отобрать в многообразии жизненных явлений не типичное, но исключительное, выходящее за пределы обыденного.

Особенно ярко романтические черты сказались в картине Девятый вал, написанной Айвазовским в 1850 году. Он экспонирует картину сначала в Академии художеств в Петербурге, на следующий год - в Москве.  Избавляясь от слишком плотной манеры
письма и слишком резких контрастов классицистической "кулисной" композиции, Айвазовский со временем добивается подлинной живописной свободы. Напряженно-катастрофический Девятый вал, где достигнуто впечатление "безбрежного" морского пространства, может служить итогом его раннего периода.  Своим названием картина обязана распространенному  мнению, будто бы каждый девятый вал во время шторма является особенно  большим и страшным, превосходящим все другие.

На картине художник изобразил раннее утро после бурной ночи. Первые лучи солнца освещают  бушующий океан и громадный "девятый вал", готовый обрушиться на группу  людей, ищущих спасение на обломках мачт. За обломок мачты погибшего  корабля цепляются четыре человека в восточной одежде, уцелевшие после  кораблекрушения. Пятый старается выбраться из воды на мачту, ухватившись за падающего с нее своего товарища. Им ежеминутно угрожает гибель среди обрушивающихся на них валов, но они не теряют надежды на спасение.

И. Айвазовский во многих своих картинах изображал  кораблекрушения и людей, борющихся с морской стихией. В «Девятом вале»  он особенно резко противопоставляет бушующее море и упорство нескольких  человек. Золотой свет солнца, разгорающийся над людьми и пронизывающий  картину, усиливает ее общий оптимистический характер.  Пусть неистовствует океан, пусть еще грозно вздымаются гигантские волны. Воля, мужество, вера человека окажутся сильнее стихии.

Восходящее солнце своим золотистым сиянием  пронизывает водяную пыль, повисающую в воздухе, валы и пену, срываемую  ветром с их гребней. 

Красочное великолепие раннего солнечного утра над  волнующимся еще морем передано И. Айвазовским с замечательной смелостью и силой. Он соединил в одно целое золотистые, сиреневые, зеленые и синие  она. В картине все находится в движении, и зрителю порой кажется, что  цвета эти сменяют друг друга вместе с вздымающимися и рушащимися волнами. В смене тонов перед ним то проносится облачный туман, согреваемый солнечными лучами, то взлетает просвечивающий зеленый вал, то тяжело спадает темно-синяя волна, скрывающая под собой холодную и  мрачную глубину.

Редкий и необычный в живописи мотив, переданный к тому же романтически-воодушевленно, является, однако, вполне реальным. 
Писатель И.А. Гончаров, мастер изображения моря в русской литературе (вспоминавший в своем романе «Фрегат «Паллада» И. К. Айвазовского),  писал о подобных же явлениях: «Бледно-зеленый, чудесный, фантастический колорит... Через минуту зеленый цвет перешел в фиолетовый; в вышине несутся клочки бурых и палевых облаков, и, наконец, весь горизонт облит пурпуром и золотом». 

Изображением только нескольких волн и солнечного  сияния И. Айвазовский позволяет зрителю почувствовать мощь и красоту бушующего после урагана моря. Это было возможно только при действительно хорошем знании натуры. Сам художник говорил: «Движения живых струй  неуловимы для кисти; писать молнию, порыв ветра, всплеск волны — немыслимо с натуры. Для этого-то художник и должен запоминать их».
Верхняя часть картины вся наполнена фиолетово-розовой мглой, пронизанной золотом низко стоящего солнца и расплывающихся, клубящихся, похожих на горящий туман облаков. Под ними хрустальное, зеленовато-синее море, высокие бурные гребни которого сверкают и переливаются всеми цветами радуги.

Зритель сразу же может представить, какая страшная гроза прошла ночью, какое бедствие терпел экипаж корабля и как гибли моряки. Айвазовский нашел точные средства для изображения величия, мощи и красоты морской стихии. Несмотря на драматизм сюжета, картина не оставляет мрачного впечатления; наоборот, она полна света и воздуха и вся пронизана лучами солнца, сообщающими ей оптимистический характер. Этому в значительной степени способствует колористический строй картины. Она написана самыми яркими
красками палитры. Колорит ее включает широкую гамму оттенков желтого, оранжевого, розового и лилового цветов в небе в сочетании с зеленым, синим и фиолетовым - в воде. Яркая, мажорная красочная гамма картины звучит радостным гимном мужеству людей, побеждающих слепые силы страшной, но прекрасной в своем грозном величии стихии.

Свою картину художник выставил в Москве, и она с самого начала стала шедевром. О ней складывались легенды, и на «Девятый вал» приходили смотреть по многу раз, как когда-то на Последний день Помпеи. Эта картина нашла широкий отклик в момент ее появления и
остается до наших дней одной из самых популярных в русской живописи.

Образ бушующей морской стихии волновал воображение многих русских поэтов. Готовность к борьбе и вера в конечную победу звучат в стихах Баратынского:

Так ныне, океан, я жажду бурь твоих -

Волнуйся, восставай на каменные грани,

Он веселит меня, твой грозный, дикий рев,

Как зов давно желанной брани,

Как мощного врага мне чем-то лестный гнев…

Таким море вошло и в сформировавшееся сознание молодого Айвазовского. Художник сумел воплотить в маринистической живописи чувства и мысли, волновавшие передовых людей его времени, и придать глубокий смысл и значимость своему искусству.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 И. Айвазовский. «Черное море».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Айвазовский Иван Константинович «Черное море» 1881

«Черное море»

1881

Холст, масло 149 х 208

Государственная Третьяковская галерея

Москва

Полотно "Черное море (На Черном море начинает разыгрываться буря)" знаменует расцвет дарования художника-мариниста И.К. Айвазовского. Его первые морские виды были населены парусными суденышками, лодками и путниками, любующимися с берега морскими просторами. Впоследствии маленькие морские пейзажи сменились большеформатными, подчас драматического характера. Излюбленной темой художника стало изображение мощи и красоты морской стихии.

Картина Ивана Константиновича Айвазовского «Чёрное море» обладает удивительным свойством, как и все шедевры художника. Глядя на изображённый перед нашими взорами пейзаж, возникает ощущение присутствия в гуще безбрежных просторов Чёрного моря.

Композиция гармонична разделена на две равные части, где верхняя половина холста является небом, а нижняя — непосредственно морем. Две этих половины, разделённые линией горизонта, напоминают некие отражения противоположностей. На небе мы видим облака, а ближе к правой стороне холста они темнеют, превращаясь в тучи. Море предстаёт перед нами в своём могущественном стихийном проявлении, а на массивных гребнях волнующейся воды отражаются белые облака небесные, перемежаясь со вспененными морскими гребнями.

Глядя вглубь картины, мы видим прямо под тучами, ближе к левому краю полотна, зыбкую, едва уловимую вдалеке, сушу. Рядом с далёкой прибрежной линией, мы едва различаем смутную фигуру, напоминающую нам одинокий парусник, стремящийся к родному дому.

Море выполнено в иссиня-зеленоватых тонах, напоминающих истинный цвет морской волны. На небе присутствует целая палитра различных оттенков, включающих в себя нежно-молочно белый, матово-розовый, голубой, бирюзовый, пурпурный и даже серо-синеватый тон.

Облака движутся, как и морские волнения, справа налево, отгоняя непогоду, раскрывая в небе чистый простор, а водную пучину, преображая в сказочное, местами фосфоресцирующее небесным белым светом — море. Облака и тучи образуют некий клин, если рассматривать их в горизонтальной плоскости. Нижняя часть клина напоминает расширяющееся к левой стороне, торнадо.

Верхняя часть клина более мягко расширяется к центру картины. Таким образом, щель между грозовыми тучами и кучевыми облаками образует светлое пространство над далёким от нас и близким к берегам своего дома, кораблём.

И.Н. Крамской считал "Черное море" лучшим произведением Айвазовского.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

  А.П. Боголюбов. Вид Венеции.  

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

А.П. Боголюбов. Вид Венеции. 1850

Картина Алексея Петровича Боголюбова "Вид Венеции" относится к жанру пейзажа, одному из наиболее популярных жанров живописи. Пейзаж (франц. paysage, от рауs - страна, местность) - это жанр изобразительного искусства (или отдельное произведение этого жанра), в котором изображена дикая или в той или иной степени преображённая человеком природа. В пейзаже художники воспроизводили реальные или воображаемые виды сельской местности, городов, архитектурных построек, морских видов (такой пейзаж называется мариной) и т.п.

Ранняя картина Боголюбова "Вид Венеции" написана, по-видимому, в конце 1850 года, когда Боголюбов, оставив службу на царской яхте "Камчатка", был зачислен вольноприходящим учеником Академии художеств к известному пейзажисту и педагогу М.Н. Воробьеву, руководившему в Академии "классом живописи пейзажей и перспективы". Учитель Боголюбова в своих работах соединял схему классицистического пейзажа с романтическими световыми эффектами.

На небольшой картине "Вид Венеции" Боголюбов изобразил вид города (ее домов и церквей) со стороны Венецианской лагуны с многочисленными судами и лодками у берега. Эту работу художник не писал с натуры, а создал на основе рисунка или картины какого-то другого художника. В последние годы своей жизни М.Н. Воробьев писал виды Италии по этюдам, сделанным им во время путешествия 1844-1846 годов. Не исключено, что эта работа выполнена Боголюбовым на основе одного из этюдов этого мастера.

Картина "Вид Венеции" была написана в начале творческого пути Боголюбова. В ней можно говорить о соединении традиций академического искусства с традициями романтизма. Живописец, обращаясь к типичной для Академии художеств теме, стремится выделить главное, обобщает и убирает ненужные детали. Но при этом Боголюбов дает характерную для романтизма эффектную игру клубящихся облаков. Но при всей искусственности этой работы, условности ее колорита в основе этого пейзажа лежат и натурные наблюдения самого Боголюбова. Именно они придают живость изображению моря, неба, судов.

Боголюбов был одним из талантливых художников-реалистов середины - второй половины XIX века. К сожалению, этот мастер до сих пор незаслуженно остается в тени имен крупных художников второй половины XIX века. Он начал свой творческий путь как яркий романтик и как художник, работавший в русле академического пейзажа, и позднее внес свой вклад в становление и расцвет русского реалистического пейзажа, при этом отчетливо выявив его связь с современным ему западноевропейским искусством. Большую часть огромного творческого наследия Боголюбова составляют пейзажи, в которых в зрелый период его творчества он выступает продолжателем традиций французских художников-реалистов барбизонской школы и К. Коро (со многими из них он был знаком лично), и одного из своих учителей, немецкого художника дюссельдорфской школы А. Ахенбаха.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

Владимир Боровиковский  

«ПОРТРЕТ   АРСЕНЬЕВОЙ»

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

ВЛАДИМИР ЛУКИЧ БОРОВИКОВСКИЙ.

ВЛАДИМИР ЛУКИЧ БОРОВИКОВСКИЙ.

ПОРТРЕТ ЕКАТЕРИНЫ НИКОЛАЕВНЫ АРСЕНЬЕВОЙ

ВЛАДИМИР ЛУКИЧ БОРОВИКОВСКИЙ. 

ПОРТРЕТ ЕКАТЕРИНЫ НИКОЛАЕВНЫ АРСЕНЬЕВОЙ

Перед нами картина «Портрет Екатерины Николаевны Арсеньевой», которую написал замечательный мастер Владимир Лукич Боровиковский в 1796 году. Художник родился в 1758 году в городе Миргород. Художник с детства отличался замечательным талантом. Искусное владение кистью, свежесть колорита ставят Боровиковского в ряд известных портретистов. Художника в первую очередь вдохновляли нюансы в состоянии человека, жизнь его души. Перед нами портрет юной, красивой девушки. «Лицо человека высказывает больше и более интересные вещи, нежели его уста: уста высказывают только мысль человека, лицо – мысль природы». А. Шопенгауэр. О чем же говорит нам этот портрет? Екатерина Николаевна Арсеньева была дочерью заслуженного боевого генерала, сподвижника Суворова. В год написания портрета Арсеньева – воспитанница Смольного института благородных девиц, была пожалована во фрейлины императрицы Марии Федоровны. Веселые глаза лукаво смотрят на нас. Всё полно движения. Она словно обернулась на некий голос. Улыбка слегка тронула губы. Пейзаж на заднем плане подчеркивает общее настроение портрета. С неподражаемым искусством выписана каждая складка платья. Голову украшает кокетливая шляпка. Сверкающие украшения подчеркивают знатное происхождение героини. В ту эпоху были в моде пасторальные мотивы, и поэтому художник изобразил свою героиню в виде пастушки. Живая непосредственность придает восемнадцатилетней «пастушке» привлекательность и обаяние. В руке она держит яблоко. Портрет глубоко лиричен, поражает блестящей живописной техникой. Образ героини пленяет зрителя нежными чертами лица и внутренней гармонией. Художник придал образу героини обаяние нежности и женственности. Художник верен себе – он по-прежнему точен и объективен в изображении каждого нюанса, каждой детали. Приглушенные тона придают произведению особую прелесть. «Портрет Екатерины Николаевны Арсеньевой» и по сей день продолжает удивлять и радовать всех, любящих искусство.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

 Владимир Боровиковский

«Портрет Лопухиной».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Владимир Боровиковский: портрет Лопухиной.   Мастер конца восемнадцатого и начала девятнадцатого столетия Владимир Лукич Боровиковский - это художник, которого обычно причисляют к эпохе сентиментализма. Это было время, когда было модно плакать над стихами, умиляться красивому цветку и пению птиц, любоваться рассветами и закатами. Время, когда приличным девушкам надлежало вовремя падать в обморок, всячески показывать тонкость чувств и душевную ранимость, беззащитность, хрупкость и нежность существа. Именно в этот период и была создана картина "Портрет М. И. Лопухиной". Боровиковский очень тонко сумел напомнить современникам и зрителям последующих эпох о том, как хорошо быть человеком.

  Произведения Владимира Лукича достаточно узнаваемы. Его полотна легко отличить от героев чуть более раннего времени. Даже самые парадные, торжественные и блистательные образы смягчены и согреты каким-то тонким внутренним переживанием. Слегка печальны и взволнованны, к чему-то прислушиваются и мечтают. Женщина эпохи сентиментализма должна была быть бледной и задумчивой, даже немного грустной. Такой и предстает Мария Ивановна на известном шедевре, который создал Боровиковский.

Портрет Лопухиной передает самые нежные и тонкие черты этой женщины. И на сегодняшний день этим шедевром можно полюбоваться в стенах известной Третьяковской галереи. Образ русской красавицы Мария была дочерью отставного генерала графа Толстого и сестрой не менее известного Федора Толстого. Она не была предметом обожания многочисленных поклонников. Ей не успел посвятить стихи Александр Сергеевич Пушкин. Но эта красавица была украшением многих светских салонов. Многие впоследствии стали называть ее русской Джокондой. Такое же очарование таинственного взора и загадочной улыбки присутствует и в образе этой очаровательной женщины. Не богиней, но поэтической музой изобразил ее Боровиковский.  Портрет Лопухиной передает именно те черты этой российской красавицы, которые так притягивали окружающих ее мужчин. Нежность, чуткость и тонкость образа достаточно умело изображены на известном полотне.

 Но не всегда судьба русской женщины была безоблачна. И примером тому служит Мария Ивановна Лопухина, которая была выдана замуж за егермейстера императорского двора Степана Авраамовича и имела очень несчастную судьбу. К тому времени он уже вышел в отставку. В силу неуравновешенности своего характера Лопухин не мог дать счастья своей прелестной супруге. Она, испытав ужас и унижение оскорблений, спустя три года после венчания умерла от чахотки. Так закончилась непростая и трагическая жизнь, судьба, которую испытала Мария Ивановна Лопухина. Портрет Боровиковского настолько умело и точно передал ее светлый облик, что вызвал живейший отклик в душе и поэзии известного Якова Полонского, посвятившего ей свои строки. "…Но красоту ее Боровиковский спас. Так часть души ее от нас не улетела…". Самый известный шедевр Владимира Лукича Очень много полотен написал известный и талантливый художник Владимир Боровиковский. Портрет Лопухиной Марии Ивановны - не первое и не последнее его творение, но случилось так, что именно эта картина стала самой знаменитой и прославленной. Перед этим полотном замирают абсолютно все. В ее образ всматриваются люди любого возраста. Есть в ней что-то особенное.

Это юная и неповторимо нежная женщина прожила всего двадцать три года. Владимир Лукич Боровиковский портрет Лопухиной писал, когда ей было всего восемнадцать лет. Он, кажется, почти заклинал ее своей трепетной и умелой кистью: останься такой - удивительно нежной, теплой, живой. Не увядай! Владимир Боровиковский. Портрет Лопухиной. Описание известного полотна Мария Ивановна изображена в легком и нежном одеянии, которое подчеркивает ее особенную грациозность. Рядом с нежной, чуть склонившейся вниз рукой Лопухиной - склоняющаяся головка пышной розы, и, затаив дыхание, зритель ощущает, что этот цветок скоро начнет ронять лепестки. Нежная и живая красота этой женщины также угаснет, закончится, прерванная неумолимой смертью. А стихи, посвященные этому портрету, звучали и будут еще многие годы звучать, воспевая нетленную красоту и изящность русской красавицы. И это удивительное свойство спасать красоту – одна из важнейших и трогательных черт творчества Владимира Лукича.

Кем бы ни был человек и как бы просто он ни выглядел, его лик менее прекрасен, чем тот образ, который сохранил портрет Марии Лопухиной.  Боровиковский помнил об этом, создавая каждый свой шедевр, и все его полотна хранят частичку его души и тепло его кисти.   Умел Владимир Лукич Боровиковский в своих портретах передать что-то очень личное, трепетное и поэтическое. На момент создания картины, на которой изображена Мария Ивановна, ему было около сорока лет. К тому времени он уже зарекомендовал себя как очень талантливый и популярный художник, написавший даже образы дочерей императора Павла Первого и императрицы Марии Федоровны. И вот в тысяча семьсот девяносто седьмом году он получает заказ от Лопухина. Портрет Боровиковского должен был запечатлеть юную красоту будущей супруги Степана Авраамовича. Марии всего восемнадцать лет, и художник не смог остаться равнодушным к этому восхитительному созданию. Он смог передать всю нежность и чистоту. Печаль во взоре этой красавицы и как будто даже предчувствие трагедии.  

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

Владимир Боровиковский

 «Портрет Павла I».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Владимир Боровиковский.

Портрет Павла I в коронационном облачении.

Портрет Павла I в коронационном облачении

1800г, холст, масло, 266 x 202 см

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Павел I показан откровенно позирующим, будто он разглядывает себя в зеркало, то ли примеряя императорские регалии и репетируя предстоящее торжество, то ли напоследок любуясь собой в полном коронационном параде (им самим придуманном) перед тем, как разоблачиться.

Корона как-то слегка набекрень; скипетр над ворохом императорских атрибутов Павел держит так, будто собирается его положить, присоединив к этому вороху, — вся сцена приобретает подозрительное сходство с финалом маскарадного спектакля. Такой тип парадности требовал высочайшего мастерства в изображении парчи, шелка, бархата, меха, сверкания драгоценных каменьев — того «блеска и шума славы», который в конце концов оказывается достойным презрения.

Это мастерство Боровиковский демонстрирует в совершенстве; не будь его, все превратилось бы в пустую демагогическую риторику: ведь величие и красота отрицающего жеста художественно тем эффектнее, чем импозантнее то, что отрицается.

Заказ на портрет от Академии художеств был вызван тем обстоятельством, что покровительствовавший католическому Мальтийскому ордену Святого Иоанна Иерусалимского Павел в 1799 году произвел в Зимнем дворце церемонию возложения на себя короны великого магистра ордена, что влекло за собой повторение коронационного портрета в новом ранге. Такие повторения делались по прежним образцам коронационного портрета с добавлением новых регалий и атрибутов.(Портрет Павла I в белом далматике)

Это не значит, что Павел в самом деле позировал художнику. Для портретов, заказ на которые не исходил непосредственно от императорской особы, использовались «оригиналы», выполненные с натуры другими портретистами. В XVIII веке то была обычная практика, что отнюдь не исключало постановочные, композиционные, живописные и иные акценты, которые делали эти «непортретные портреты» вполне оригинальными художественными произведениями, порой превосходящими образцы.

Лицо императора воспроизведено Боровиковским с портрета, выполненного ранее Степаном Щукиным.  

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

Сентиментализм в живописи В. Л. Боровиковского.

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Сентиментализм в живописи В. Л. Боровиковского.

Портрет В.Л.Боровиковского работы Бугаевского-Благодатного

 Выдающимся мастером портретного жанра конца XVIII века был Владимир Лукич Боровиковский. Он родился в Миргороде на Украине и первоначальные профессиональные навыки получил у своего отца-художника. В иконах, написанных Боровиковским в молодости, чувствуется его крупное дарование. В Петербурге Боровиковский общался с представителями прогрессивно мыслящей русской интеллигенции кружка Г. Р. Державина, сблизился с Левицким, и возможно, у него учился. Портрет Е. Н. Арсеньевой, созданный в 1796 году (ил. 70), - произведение высокого мастерства. В нем, кроме того, намечен новый взгляд на человека. Художник изобразил портретируемую среди природы, в уютном уголке сада, на фоне зелени, с яблоком в руке. Если Арсеньева изображена задорно улыбающейся, очаровательной в своей счастливой молодости, то М. И. Лопухина (1797) полна легкой грусти и поэтической мечтательности. Она пленяет нежной меланхоличностью, удивительной мягкостью и внутренней гармонией. В портретируемых  Боровиковский воспевал способность к возвышенным чувствам, сердечным переживаниям, и в этом отношении он близок к представителям русского литературного направления сентиментализма, например, Н. М. Карамзину. Это проявляется и в образе Екатерины II, изображенной на фоне умиротворенной природы Царскосельского парка (1794), и в портрете торжковской крестьянки Христиньи (ок. 1795), идеального образа, прекрасного в своей "простоте", в групповом портрете сестер Гагариных (1802). В последний художник включил бытовую среду, связал фигуры действием, разработав тип парного изображения, предвосхищая поиски русских художников первой половины XIX века. В женских портретах художник стремился к особой поэтизации модели, к своеобразно непринужденному и в то же время изящному, слегка идеализированному ее изображению.

Более разнообразны и объективны по характеристикам мужские портреты Боровиковского. Изображенные более сдержанны в выражении чувств. Это портреты Г. Р. Державина (ок. 1795), Д. П. Трощинского (1799), Ф. А. Боровского (1799, ил. 71).

Особую группу составляют парадные портреты художника, отличающиеся монументальностью, торжественностью. Среди них наиболее показателен для самого мастера и общего направления русского искусства начала XIX века портрет А. Б. Куракина (ок. 1801). Представленная в рост фигура барски спесивого вельможи эффектно выделяется на фоне колонны и свисающего тяжелого занавеса.

В своем творчестве Боровиковский утверждал тот же высокий гуманистический идеал, который присущ русскому искусству всего XVIII века. Портреты, выполненные художником в период сближения с сентиментализмом и позднее, отражают характерные черты стиля классицизма.

Подобно большинству русских живописцев XVIII века, Боровиковский скуп и сдержан в выражении личного отношения к модели в парадном портрете.

Искусство Боровиковского не ограничивается кругом заказных портретов знати. Художник запечатлел и образы людей из народа. Кроме названного выше портрета Христиньи, он написал аллегорическое изображение зимы в виде старика крестьянина, греющего руки у огня.

В последние годы жизни Боровиковский много занимался религиозной живописью.

Наряду с произведениями Рокотова и Левицкого наследие Боровиковского завершает богатую и содержательную страницу истории русского портретного жанра, достигшего к концу XVIII века значительных успехов.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

ВИКТОР ВАСНЕЦОВ. « ИВАН ЦАРЕВИЧ НА СЕРОМ ВОЛКЕ».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

«Иван Царевич на сером волке» - картина великого русского художника Виктора Михайловича Васнецова  (1848-1926). Картина была написана в 1889 году, холст, масло, 249 × 187 см. В настоящее время находится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Виктор Васнецов.Иван Царевич на сером волке

В. М. Васнецов создал целую серию картин, которые иллюстрируют самые известные русские сказки и былины. Такими картинами являются: Богатыри, Витязь на распутье, Ковёр-самолёт, Алёнушка, Три царевны подземного царства, Гамаюн птица вещая, Снегурочка, Илья Муромец, Царевна-лягушка, Кощей Бессмертный и другие. Картины с понятными каждому русскому человеку сюжетами стали очень популярны. Необычайное мастерство художника, который в профессиональной манере изображал различные события из русских сказок, стало настоящим новшеством. Тогда как большая часть художников предпочитала в своём мифологическом творчестве уделять внимание греческим и римским мифам, отдавая дань античной культуре, Васнецов направил свой взор на мифологию древней Руси, ведь исследователи русской культуры давно подтвердили тот факт, что практически все сказки, которые сегодня известны как народные, являются упрощенными мифами, бытовавшими в языческую эпоху древней Руси.

Сюжет картины иллюстрирует один из моментов русской сказки «Иван-Царевич и Серый Волк». По сюжету сказки Иван-Царевич вместе со своей возлюбленной Еленой Прекрасной спасается от погони на Сером Волке.

Серый волк на картине Васнецова представлен довольно необычно. Если присмотреться, то можно заметить, что у волка человеческие глаза, а во всём его виде нет ничего от опасного хищника.

Вокруг спасающихся - тёмный, дремучий, непроходимый лес.

На переднем плане - цветущая яблоня. Яблоня является неким символом или аллегорией, относящей нас к основе сказки, которая начинается с того, что в царском саду повадилась воровать яблоки Жар-птица.

Образ Елены Прекрасной Виктор Васнецов написал с племянницы Саввы Ивановича Мамонтова Н. А. Мамонтовой, использовав для этого написанную ранее картину, которая называется «Портрет Натальи Анатольевны Мамонтовой».

«Портрет Натальи Анатольевны Мамонтовой». Этюд для фигуры Елены Прекрасной в картине «Иван Царевич на Сером Волке» (1883)

Виктор Михайлович Васнецо́в (3 [15] мая 1848, село Лопьял, Вятская губерния, Российская империя — 23 июля 1926, Москва, СССР) — русский художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи. Младший брат — художник Аполлинарий Васнецов.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

В. Васнецов «Алёнушка».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Аленушка (1881)

Уже более века чудесным сказочником живет Виктор Михайлович Васнецов в благодарной памяти нескольких поколений русских людей, с детства вовлеченных его могучим талантом в образный мир народной поэзии. Кто из нас в золотую пору своих детских лет, будь то в городе или в деревне, не замирал в восхищении перед красочными воспроизведениями картин «с Васнецова» на стене родного жилья, в школе или на странице любимой книги?
Издавна множились и распространялись по России отпечатки с картин этого дивного художника-чародея.
...Иван-царевич мчит верхом на лохматом волке через лесную глухомань с прильнувшей к его груди прекрасной Еленой; на волшебном ковре-самолете везет Иванушка-дурачок в золотой клетке пойманную им Жар-птицу, три царевны вышли по иванушкиной воле из подземного царства, принеся ему во владение три главных земных богатства — золото, драгоценные камни и руду...
Мечты о лучшей доле, живущие испокон веков в душе нашего народа и воплощаемые им с давних пор в волшебном вымысле, В. М. Васнецов сумел воплотить в полнокровные жизненные образы, тождественные самим народным представлениям, передать реалистически увлекательное очарование народной фантастики. В этом — неумирающая сила творений Васнецова и объяснение их огромной всенародной популярности.
Знаменитая «Аленушка» принадлежит к числу самых проникновенных созданий художника.
Никогда Васнецов не придерживался точного текстового содержания той или иной сказки или былины. Они всегда являлись только отдаленным первоисточником, отправной точкой для творческой фантазии художника, создававшего в удивительном соответствии с народной традицией свою собственную сказку, в которой все дышит подлинно народной поэзией.
В «Аленушке» народная сказка как бы перевернута, в ней нет ни братца Иванушки, стоящего над омутом и обращенного в козленка, ни брошенной в воду с тяжким камнем на шее Аленушки, жалобно зовущей на помощь. Все здесь наоборот: на большом прибрежном камне в центре картины сидит, пригорюнившись, одинокая девушка-сиротка, васнецовская Аленушка, и оплакивает то ли братца Иванушку, которого погубили злые люди, то ли свою горемычную сиротскую долю.
Поэтическое вдохновение Васнецова создало кристально чистый образ несчастной беспризорной девочки-сиротинушки, непостижимыми нитями связанной со многими тысячами таких же бездомных сироток, что бродили некогда по русской земле без ломтя хлеба за пазухой и знать не знали, ведать не ведали, где приклонить усталую головушку и размыкать горе и тоску.
В Аленушке, в ее вызывающей безмерную жалость согбенной фигурке, в трогательной худобе и девической нескладности всего ее облика художник сумел выразить живописными средствами то, о чем на протяжении веков слагались не одна русская сказка, не одна народная песня. Талант Васнецова навсегда закрепил в нашем сознании этот скорбный образ одинокой, покинутой всеми близкими девушки, которая, притаясь в густой, непролазной чаще, тихо, беззвучно, у тихой лесной водицы, выплакивает свое горе от незаслуженных людских обид и скорбит о своей юной загубленной жизни, обернувшейся для нее суровой, несправедливой, злой мачехой.
Прекрасно написан в картине пейзаж, неотделимый от образа Аленушки. И лесок, подступающий к берегу, и прибрежны тростник как бы разделяют Аленушкино горе, скорбят вместе с девушкой, укрывают ее от злых обидчиков. Надо было знать, понимать, любить родную природу так, как Васнецов, чтобы с подобной, подлинно магической силой воспроизвести ее настроения и слить их в единый эмоциональный аккорд.
С несравненным совершенством художник выразил здесь связь переживаний человека и природы.
«Как умно, тактично, не назойливо написан пейзаж в «Аленушке»! — заметил однажды советский художник В. Н. Яковлев.— Ни одна деталь не отвлекает зрителя от главного, и в то же время картину Васнецова можно рассматривать во всех деталях, находя все больший материал для размышлений, для раскрытия основного замысла художника. Одиноко тоскует Аленушка о пропавшем братце Иванушке. Глухо шумит обступивший девочку бор. Робко поджала она изрезанные осокой босые ноги, неласково встречает ее мачеха-осень... черная, глубокая стоит у берега холодная вода, и знобкий ветер срывает с багряных осин последние листья. Сиротлива и поза Аленушки, и низкое, серое, унылое небо, и ласточки, готовящиеся к отлету. Все сплетается в единую, глубоко продуманную, грустную мелодию, трогательную, как незатейливый напев пастушьей жалейки. И чем дольше вы смотрите на «Аленушку», тем более властно охватывает вас то настроение, под влиянием которого работал художник, ибо ему дана чудесная власть говорить с людьми языком лирической задушевности».
«Аленушка» Васнецова звучит в русском искусстве трогательной мелодией, выражающей самые сокровенные чувства человека.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 В. Васнецов «Богатыри».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

В.Васнецов «Богатыри».

  Картина "Богатыри" - одно из самых известных произведений выдающегося русского художника В. Васнецова. В интернете часто картину "Богатыри" иногда ошибочно называют "Три богатыря . Картина "Богатыри" занимает центральное место в творчестве Васнецова. Работа над картиной заняла более 20 лет. При этом процесс работы несколько раз прерывался.  Первый эскиз карандашом для «Богатырей» Васнецов создал в 1871 году, а завершил картину 23 апреля 1898 года. процесс этот несколько раз прерывался... Полотно почти сразу было приобретено П. М. Третьяковым для галлереи.  На картине изображены три знаменитых русских богатыря - Добрыня Никитич (слева на белом коне), Илья Муромец (в центре) и Алеша Попович (справа). Картины "Богатыри" отличается очень крупным размером - 295,3 х 446 см (то есть примерно 3 х 4 метра !). Картина написана маслом на холсте. На данный момент картина "Богатыри" находится в Государственной Третьяковской Галерее.  Васнецов о своей картине "Богатыри":   "Картина моя — богатыри Добрыня, Илья и Алеша Попович на богатырском выезде примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого. Фигуры почти в натуру — удачнее других мне кажется Илья.  Хотелось бы Вам показать начало — исполнить такую картину — ох, дело не легкое. Хотелось бы сделать дело добросовестно, а удастся ли?".     Тема богатырской заставы интересовала Васнецова уже в первые годы его художественной деятельности, она не оставляла его потом на всем долгом творческом пути. «Богатыри» ознаменовали начало самобытных исканий художника. Все время он обращался к ним как к роднику творческого воодушевления, ясности и целостности мысли. Работа над «Богатырями» давала отдых Васнецову, она «исцеляла» его в моменты смятения и снижения творческой энергии, когда он растрачивал ее на «выколупывание из воображения» того, что требовалось для росписи собора. «Богатыри» были освежающим источником, как и героическая музыка, к которой так страстно стремился Васнецов, ища вдохновляющих сил в могучем художественном творчестве великих композиторов — Глинки, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова, которых он особенно любил. «Богатыри» увенчали творчество Васнецова, они являются завершением его неослабных исканий воплощения героических идеалов, неиссякаемой его любви к родине, выражением человечности и мужества, внутренней и внешней, душевной и физической красоты русского народа.  И у Васнецова, разумеется, не только исторические предания породили героические образы, но и сама широко раскинувшаяся родина была вдохновляющей силой. Тема родных просторов стала существенным элементом картины «Богатыри». Недаром пейзаж в ней играет столь значительную роль в создании величественности общего впечатления. «Богатыри» Васнецова — могучие люди могучей, широкой земли.  «Не обижают ли где кого» — вот гуманистическая основа замысла, ради которой Васнецов так настойчиво добивался завершения своего произведения и не оставил его, несмотря на все затруднения, стоявшие на его пути. Гуманизм, являющийся существенной чертой характера русского народа, определяет одну из высоких идей, положенных в основу этого замечательного произведения русской школы живописи.  Очевидцы отмечали, что лучше всех получился Илья Муромец. Да и сам автор был больше всего доволен им. Илья — это великолепно вылепленная фигура крестьянина-богатыря. Красота русского народного типа нашла здесь образное, живое воплощение. Начиная от плавных, силуэтных линий могучего тела пожилого, много пережившего богатыря, как бы неразрывно слитого с могучим конем, кончая доспехами, украшениями,— во всем осязательно чувствуется русская народная мощь, спокойная, уверенная сила, мудрость, выдержка и благородство.  Илья прост и могуч, смел и сдержан, внешне спокоен и внутренне динамичен. В лицо Ильи Муромца Васнецов вносит новые черты красоты и большой одухотворенности. Это прекрасное открытое, честное лицо, выражающее благородство русского характера. Простой шишак глубоко надвинут на лоб. Черные насупленные брови красиво легли над глазами. Острые, орлиные очи зорко вглядываются вдаль.  Мягко вьющиеся из-под шишака седые кудри украшают настороженное лицо с крепко сжатыми волевыми губами. Могучая рука в рукавице легко держит тяжелую палицу, о которой сложена в народе легенда, что она была в девяносто пудов веса.... Художнику удалось выразить эту тяжесть палицы и громадную физическую силу Ильи.  Выразительны и объединены в целостную красочную гамму цветовые соотношения плотных суровых тонов желтого, темно-синего, серого и черного, которыми написаны кольчуга, вооружение, одежда и вороная масть богатырского коня.  Богатыри и их кони — друг другу под стать, и в этом тоже выразилось ощущение реальной действительности прошлого, когда конь для всадника был всем: опорой, верным помощником и другом в битве и жизни.  Эта характерная деталь, верно почувствованная художником, дает ему возможность создать монолитные образы всадника и коня, а это в свою очередь способствует впечатлению монументальности образов. Добрыня Никитич во всем облике своем выражает другие качества русского народа. В нем художник показал не только отмеченное былинами «вежество» — знание, культурность и вдумчивость, ной пытливость ума, предусмотрительность.  В то время как Илья, уверенный в своих силах, пока только вглядывается в даль, Добрыня вынимает свой меч из ножен, а щит держит перед собой. Остроконечный, подобный вершине башни тяжелый шлем Добрыни, щит, который он держит наготове, ноги в стременах — все это выражает полную готовность к бою.  Насторожен и его чуткий, быстрый как ветер породистый конь, высоко поднявший голову, напрягший уши, вперивший зоркие глаза в даль и тонкими ноздрями внюхивающийся в воздух; развевающиеся грива и хвост коня, ржание передают его волнение. Он чует врага. Вводя такую деталь, как полумесяцы на сбруе коня, художник дает понять зрителю, что на коне сидит победитель «злого татарина», что конь достался витязю после жестокой боевой схватки. У Добрыни своя повадка, свои привычки, но оба они — и Илья и Добрыня — полны решимости дать отпор врагу. Соответственно тому, что говорили былины о нем, художник пишет Добрыню представительным, величавым и внутренне собранным. Его богатые доспехи и одежда, так же как и сбруя его белого коня, украшены чеканным орнаментом. Его лицо проникнуто величественной красотой, ясностью пытливой мысли.  В колорите фигуры Добрыни и его коня применены Васнецовым любимые народом красочные сочетания красного, белого, ярко-зеленого, золотисто-желтого. Они характерны для народных русских изделий и для новгородской школы нашего древнего искусства. Но Васнецов обогащает их цветовую насыщенность. Сочен цвет зеленых сафьяновых сапогов Добрыни, выразительна окраска «червленого» щита, красива красная шлея с золотыми украшениями на белом коне. Необходимую суровость вносит серый цвет кольчуги и шлема. На картине Алеша дан молодым красавцем, он — ловкий, находчивый и всегда готовый на выдумки певец и гусляр-богатырь. В его широком смуглом, обветренном лице с густыми, черными бровями, выразительными, умными и живыми глазами, с мягкими очертаниями губ и подбородка выражена прелесть облика молодого русского крестьянина. Тип его схож с лицом Ивана-царевича на картине-сказке. Такие черты красоты любимы художником. Здесь они получают утверждение, так как полны жизненных сил. Под одеждой, кольчугой и полуброней, облегающей лишь нижнюю часть груди, чувствуется крепко сложенное, сильное тело, могучие плечи. Алеша — воплощение отваги и смелости. Но он и «душа-парень», умеет биться, умеет и веселиться. С гуслями не расстается, они у него привязаны к седлу. Эту русскую национальную черту характера не забыл показать Васнецов: темно-красная одежда Алеши, гнедая масть его коня создают ту красочную гамму, которая соответствует горячему темпераменту молодого богатыря. В шитье рубашки, в нарядном поясе и шейном украшении, в убранстве шлема, доспехов, оружия, седла и в упряжи рыжего ловкого, подвижного, увертливого коня — во всем сказывается внимание к наряду витязя и к его красоте. В сравнении с произведениями «После побоища», «Витязь на распутье», «Битва русских со скифами» — «Богатыри» выделяются своей строгой, суровой простотой и монолитностью композиции. Мысль большими масштабами, Васнецов в композиции «Богатырей» давал широкие линии и массы. Выдвинув на первый план «богатырскую заставу», он отказался от расположения ее в центре картины. Оно вытекало из задуманного сюжета произведения: опасность приближается справа, и туда направлено все внимание заставы.  Пейзаж «Богатырей» — пример монументально-эпического пейзажа. Над ним Васнецов работал долго, прилагая все усилия для того, чтобы найти выразительные соотношения линий, планов, характер растительности, земли и неба. ...это луг и перелески. Маленькие сосенки и елочки, родные деревья русской земли, на переднем плане картины поставлены как указание, что богатыри стоят на родной земле и стерегут свою родину. Композиционно эти деревца помогают ярче воспринять мощь богатырей. Имеются прекрасные этюды с натуры, в которых автор настойчиво искал мотив синтетического пейзажа.  Соками плодородной прекрасной земли, силой громадных просторов веет от всего пейзажа картины. Белые густые, клубящиеся облака плывут за насторожившимися богатырями, ритмически повторяя их абрисы, контрастируя с плотными массами их силуэтов и. темно-зелеными могучими холмами, которые предельно простой, плавной и выразительной линией контура передают просторы великой родины. Перед зрителем развертывается героический пейзаж подлинно монументальной композиции. Живопись картины крепка и выразительна. Васнецов искал и нашел гармоничное сочетание сильных по цветовой насыщености красок, своей суровой простотой соответствующих образам богатырей. Придавая всегда большое значение колориту, Васнецов однажды высказал следующую мысль: «... поэтичность картины едва ли не более всего заключается в тоне и красках». Образы Ильи, Добрыни и Алеши — большая удача русской исторической живописи. В них величаво воплощена правда о народе, в них выражена любовь к русскому человеку и вера в самые лучшие, высокие его качества, дающие ему право на великое будущее." (Н. Моргунов, Н. Моргунова-Рудницкая, "Васнецов Виктор Михайлович" ("Русские художники. Монографии"), 1962 г.) Описание картины "Богатыри" из книги В. Н. Осокина "В. Васнецов" (серия "ЖЗЛ"): "...трепетно-бережливо относился к "Богатырям"... Васнецов, понимая, что они самая высокая вершина в его творчестве.  Возвышенность, с которой открывается дальний горизонт. Три всадника в древнерусском снаряжении на борзых конях. Эта застава богатырская, грозная, мимо нее даже зверь не прошмыгнет, птица не пролетит незамеченной.  Видимо, что-то там, чуть-чуть направо, привлекло их зоркое внимание. Насторожились богатыри.  Могучий воин, тот, что в самом центре, на исполинском черном коне, приложил десницу к челу и всматривается из-под рукавицы, загородившись от неярких, последних лучей солнца.  Богатырь, что справа на белом, словном вымытом струями потока коне, уже готов порывисто вырвать их ножен тяжелый меч. Его чуткий конь тоже посматривает вправо.     

Третий всадник кажется спокойным и лишь положил руку на свой лук. Его буланый конь пощипывает траву.  Это Илья Муромец, Добрыня Никитич, Алеша Попович - любимые богатыри русские.  Илья Муромец кряжист и могуч, как вековой лес, близ которого он вырастал. С удивительной легкостью держит он в руке "палицу булатную сорока пудов", называемую иначе шестопером, и даже рука его, поднятая для защиты от солнца, не согнется от этой тяжести.  Илья простой и прямой человек. О его прямоте и честности свидетельствуют крупные, добрые и мягкие черты чисто русского крестьянского склада лица, прямой, открытый, пристальный взгляд черных глаз. О недюжинном уме Ильи, о несгибаемой силе воли говорит широкий, упрямый лоб, плотно сомкнутый под большими усами рот. Большая благородная голова величаво покоится на удивительно широких, впрочем, пропорциональных туловищу, плечах. ...уже поседел, густая седая прядь выбилась из-под шлема, серебряные нити сверкают и в черной бороде.    Совсем по-другому выглядит в картине, как и в былине, Добрыня Никитич.  Он, повествует былина, был происхождения знатного, "чадо милое" богатого рязанского князя Никиты Ивановича и его жены Амелфы Тимофеевны. Он дружинник киевского князя Владимира Красное Солнышко. Васнецов показал его городскую стать, изысканную украшенность и изящество снаряжения.  ...сбруя Добрыниного коня радует глаз позолотой тонких украшений. И щит Добрыни, чуть прикрытый гривой коня, - явно заморской работы. Он так и горит-переливается вкрапленными в него жемчугами-самоцветами.  Суров и строг взор Добрыни, геройски победившего Змея Горыныча и Бабыгу (хана Батыя). Справедливость и благородство отличают витязя. Но он уступает все же крестьянскому сыну в мощи и особенно в величавой простоте духа.  Психологически сложнее, замысловатее всех Алеша Попович.  Он врага побеждает не богатырской силой - у него не так много ее - сколько сметливостью да ухваткой.  Алеша и Тугарина Змеевича  одолел хитростью.  Алеша Попович на картине Васнецова не так могуч, как Илья и Добрыня. И вооружен он легковато: "тугой лук разрывчатый" да "стрелочка каленая" - вот и все оружие. Щита вовсе нет. В правой руке - "гусельки яровчатые". Балагур, весельчак Алеша - мастер попеть и поиграть, попривородить сердца молодушек.  Глаза Алеши как бы ненароком скошены вправо, где что-то предвещает опасность. Он уже замышляет нечто коварное, смертельно-губительное для врага.  Его конь все еще беззаботно щиплет траву. Но пробьет час, и он полетит, как ветер.  Так в сочетании храбрости и гордости, сметки и ловкости, несгибаемого величия духа и необоримой силы перед нами воплощена в картине Васнецова богатырская застава древней Руси. Художник твердо верил в реальное существование подобных богатырей. Эта вера водила его кистью, и потому полотно так сильно своим проникновенным реализмом.  Целостна и крепка живопись полотна. Благородно-красивы, хотя и просты, без излишней эффектной сочности и резкости, сочетания красок - зеленой и коричневой, красной и белой, черной и синей. Четверть века с лишним создавались "Богатыри". Но они не хранят ни малейшего следа тех творческих исканий, колебаний, которые пережил художник за столь долгий срок. Полотно удивительно непосредственно, елино своей органической, неразрывной целостностью."  (В. Н. Осокин "В. Васнецов", серия "ЖЗЛ", 1959 г.) В. В. Стасов о картине "Богатыри": "Эти «Богатыри»... выходят словно pendant, дружка, к «Бурлакам» Репина. И тут и там — вся сила и могучая мощь русского народа. Только эта сила там — угнетенная и еще затоптанная, обращенная на службу скотинную, или машинную, а здесь — сила торжествующая, спокойная и важная, никого не боящаяся и выполняющая сама, по собственной воле то, что ей нравится, что ей представляется потребным для всех, для народ ...что останавливает глаз и глубоко проникает в душу, это то, что среди всего этого вооружения, мечей, кольчуг, копий, шлемов, стремян и плетей из картины несется не только одно впечатление силы и кровавых будущих расправ ... но еще впечатление благости, великодушия и добродушия — ими полон, всего более, сам Илья Муромец, главная срединная фигура". (В. В. Стасов, статья "Мой адрес публике, 1899 г.) Это было описание картины "Богатыри" Васнецова для сочинения и история создания, анализ образов богатырей и т.д. (Эту картину иногда ошибочно называют "Три богатыря".) Смотрите: Материалы по другим картинам Ярлыки: Картины Васнецова, Сочинения по картинам Комментариев нет:

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

В. Васнецов «Витязь на распутье».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Картина Васнецова "Витязь на распутье".  

 Русский художник Васнецов Виктор Михайлович считается основателем «русского стиля» живописи. Этот стиль родился на стыке исторического жанра, фольклорных традиций и тенденций символизма. Кисти Васнецова принадлежат полотна, иллюстрирующие сюжеты сказок и былин. Богатая русская культура и самобытное народное творчество стали для художника щедрым источников вдохновения.     История создания Конец 70-х годов XIX стал для В.М. Васнецова переломным моментом. Он решительно отошел от жанровой реалистической живописи и графики, с которых начал свой творческий путь. В это время его захватила идея найти точное живописное воплощение характерных элементов былинной поэзии. Особенно его внимание привлекали колоритные образы русских богатырей. В эти годы он и задумал картину «Витязь на распутье». Васнецов сделал несколько карандашных эскизов и начал писать живописное полотно, первый вариант которого был закончен в 1877 году и представлен публике на очередной выставке художников-передвижников в 1878. Окончательный вид картина Васнецова «Витязь на распутье» получила в 1882 году. Именно в таком варианте она сегодня известна широкой публике.

  В первом случае Витязь повернут лицом к зрителю, а во втором – спиной. Внимание зрителя перенесено с мимики богатыря на позу всадника и коня. В былинах норов коней всегда копирует повадки седоков. Уменьшено пространство позади богатыря. Не важно, откуда пришел путник. Увеличено пространство за камнем. Больше примет грядущей опасности. Небо стало более грозным. В первом случае – мягкий закат, во втором – надвигающиеся тучи. Еще одна примета поджидающей опасности. Копье стало красного цвета и указывает в окончательном варианте на черепа. Красный – цвет крови и агрессии. Камень стал более старым, и на нем появился мох. По задумке автора, мох закрывает от глаз путника два альтернативных безопасных варианта.  

Таким образом, внеся ряд поправок в картину «Витязь на распутье», Васнецов сделал полотно более драматичным и выразительным. Это вызывает более эмоций у зрителя.     В центре полотна фигура богатыря на прекрасном белом коне. Всадник остановился в задумчивости перед старым, покрытым мхом камнем. Надпись на нем предвещает неминуемую смерть тому, кто продолжит путь по этой дороге. Витязь находится в боевом облачении. На его голове кованый шлем, в руках копье, за спиной щит и колчан со стрелами. Однако его поза говорит о большой усталости. Поэтому он медлит, не решаясь вновь вступать в бой. Поза и вид коня подтверждают предположение, что путники уже много дней не знают отдыха. Он устало склонил голову. Его хвост и гриву не развивает ни ветер, ни боевой азарт. Они безвольно свисают, демонстрируя крайнюю степень утомления. Мастерство изображения деталей Картина Васнецова «Витязь на распутье» предвосхищает появление в живописи психологического пейзажа, «пейзажа настроения». Грозное закатное небо, беспорядочно разбросанные валуны, человеческие останки и кружащие в предвкушении новой добычи вороны – все это нагнетает трагизм ситуации. Особого внимания заслуживает камень. В.М. Васнецов подчеркивал, что текст надписи взят им из оригинальных образцов былинной поэзии. По традиции такие камни давали путнику возможность выбора. Дорога была закрыта только в одном направлении, два же других обещали богатство и счастье. Автор намеренно затер и закрыл мхом часть надписи, чтобы поставить своего героя в ситуацию как можно более трагическую.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

А. М. Васнецов.

«Московский Кремль при Дмитрии Донском».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

  Карл  Брюллов.

«Всадница».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Карл Брюллов "Всадница".  

Карл Павлович Брюллов - один из известнейших художников, живописцев, монументалистов, акварелистов, рисовальщиков и представителей академизма XIX века. В 1822 году его откомандировали в Италию с целью сбора средств Общества поощрения художников.

 Карл Брюллов написал картину "Всадница. Портрет Амалиции Пачини и Джованины, воспитанниц графини Ю. П. Самойловой" (часто называют "Амазонка") в 1832 году. Создать эту картину его попросила графиня Юлия Павловна Самойлова. Ее фамилия есть на картине: на ошейнике собаки. В этом же году картина была выставлена в Милане в галерее Брера. Картина сразу же получила множество откликов. Итальянские газеты называли Брюллова гениальным художником. Его сравнивали с Рубенсом и Ван Дейком. 40 лет картина находилась в собрании Самойловой. Незадолго до смерти, в 1872 году, Ю. П. Самойлова, разоренная, продала ее в Париже. Судьба привела "Всадницу" в Санкт-Петербург В 1874 году Репин писал Третьякову о том, что картина Брюллова продается. Но П. М. Третьяков тогда не успел ее приобрести. Но в 1893 году картина попала в его коллекцию. Многие предполагали, что на полотне изображена сама графиня Самойлова. Но искусствоведы смогли доказать, что на картине совершенно другая женщина. Сегодня полотно представлено в Государственном Русском музее города Санкт-Петербурга и по-прежнему получает много откликов.

 Одна из картин, в которой увековечен Брюллов, - "Всадница".  Описание картины всегда радостно и динамично.

 История создания

Карл Брюллов был близком другом графини Самойловой. Скорее всего, они познакомились в Италии. Графиня, не сомневаясь, заказала ему портрет двух своих воспитанниц. Амалиция являлась дочерью композитора Джузеппе Пачини. Стоит отметить, что в свое время опера этого композитора "Последний день Помпеи" вдохновила К. Брюллова создать одноименную картину. Картина писалась на вилле под Миланом. Выйдя в свет, она вызвала как положительные отзывы, так и отрицательные. Многие критики указывали на безжизненное, застывшее лицо всадницы. Их описание картины "Всадница" Брюллова сводилось к тому, что девушка слишком свободно сидит на лошади. Из-за этого пропадает ощущение скорости и динамики. Брюллов "Всадница": описание картины Центральной фигурой полотна является Джованина Пачини. Она сидит на горячем скакуне. Видно, что девушка абсолютно уверена в себе. Она сидит прямо и гордо, несмотря на то что лошадь горячится. Джованина только что вернулась с прогулки - это видно по легкому румянцу на ее щеках. Но на ее личике есть некоторая ангельская отрешенность.

Девушка одета по последнему слову моды: светло-голубая амазонка, шляпка с темно-зеленой вуалью, развевающейся по ветру. Вся картина пронизана движением: конь встает на дыбы, пес бросается навстречу. На балкон выбежала маленькая девочка - Амалиция. Она услышала топот коня. На ее лице видны и восторг и боязнь. Эта девчушка с восторгом любуется наездницей. Лицо ее отражает те чувства, которые она испытывает к своей сестре - обожание. Девочка просто одета: кружевные панталончики и домашнее розовое платьице. Настоящее, непосредственное чувство придает мягкости надменному величавому портрету. Фоном картины является тенистый парк. Деревья колышет сильный ветер. А на небе собираются грозовые тучи. Брюллов, как и многие художники, использовал классическую форму построения парадного портрета - треугольник. Такая композиция встречается у Тициана, Веласкеса, Рубенса, Ван Дейка. Силуэт девушки и коня образует эту фигуру. Однако художник решает отойти от традиций, вводя новую фигуру в композицию. Второй оригинальной находкой является лохматый пес. Его присутствие создает впечатление, что перед персонажами также есть пространство. Конный портрет в те времена подразумевал всадника, который являлся венценосной особой. Брюллов решил нарушить этот официальный канон. И молодая воспитанница уже сидит в царственной позе на вороной лошади.

 Сочетание цветов

Работая над темой "Карл Брюллов "Всадница ", все искусствоведы обращают внимание на, казалось бы, совершенно негармоничные цвета. Всадница - в белом, девочка - в розовом, и бархатисто-черная шерсть скакуна. Похоже, Брюллов специально использовал эти цвета. Ведь они трудно сочетаются в живописи. Но художник тщательно все проработал и довел каждый оттенок до цветовой гармонии. Все полотно дышит восторгом. Оно воздушное и светлое. Создается ощущение, что мы стоим там, во дворе, и встречаем прекрасную девушку с прогулки .  Сегодня в школах, стараясь привить любовь к искусству, научить видеть прекрасное, детям надо чаще давать возможность поразмыслить над какой-либо картиной. Например, сочинение «Описание картины Брюллова "Всадница"» прекрасно для этого подойдет. Большинство посетителей Третьяковской галереи не могут устоять перед очарованием этого полотна (Брюллов, "Всадница"). Описание картины можно встретить в стихах А. Усачева и А. Карпа.  

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

Федор Васильев.

«Мокрый луг».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Федор Васильев. Мокрый луг.

Федор Васильев. Мокрый луг.

1872. Холст, масло. Третьяковская Галерея, Москва, Россия.

Зимой 1870 г. художник сильно простудился, и у него обнаружилось сильное заболевание легких. С наступлением весны болезнь обострилась и перешла в туберкулез. По предложению Строганова Васильев провел лето 1871 г. в его имениях в Харьковской и Воронежской губерниях. Там он продолжал работать. К этому периоду его творчества относятся: пленэрный пейзаж “Рожь”, “Тополя, освещенные солнцем”, неоконченный пейзаж “Деревня”.

Васильев полон творческих планов, но болезнь неумолимо его преследует. "В настоящем случае я желаю изобразить утро над болотистым местом, - пишет он о своих планах Крамскому 27 декабря 1871 г. - (Впрочем, не думайте, что это настоящее болото - нет, настоящее-то впереди, а это только приготовления). О болото, болото! Если бы Вы знали, как болезненно сжимается сердце от тяжкого предчувствия. Ну, ежели не удастся мне опять дышать этим привольем, этой живительной силой просыпающегося над дымящейся водой утра? Ведь у меня возьмут все, все, если возьмут это. Ведь я, как художник, потеряю больше половины!"

Несмотря на благоприятные условия жизни у Строганова, здоровья своего Васильев не поправил. Общество поощрения художеств дало ему средства ехать в Крым. Еще до отъезда Васильев был зачислен вольноопределяющимся учеником Академии художеств и получил звание художника 1-й степени с условием выдержать экзамен из научного курса.

В 1872 году Васильев поселился в Ялте, взяв с собой рабочий альбом с этюдами и набросками украинских деревенских мотивов. Как бы отключаясь от южной красы Крыма, Васильев стремится восстановить пейзаж средней полосы России. В Крыму по этюдам и воспоминаниям он написал одну из лучших своих картин — широкое эпическое полотно Мокрый луг - картину-реквием.

Раннее утро. Рассвело. Робкая заря глядится в гладь озерца. За покатыми холмами золотится край неба. Зато ближе клубятся, ползут косматые, тяжелые облака. Тени облаков скользят по влажной земле, клочкам травы, кустам мокрого луга, темнеющим купам деревьев. Привольно, свежо. Легкая дымка скрывает дали. Художнику удалось самое трудное. Пейзаж живет. Редко даже у классика европейского ландшафтного искусства Шарля Франсуа Добиньи встретишь такое лирическое решение полотна. Неумолимая проза рождала щемящую поэзию приволья. Уже мерцает рябь воды, разбуженная ветерком. Уже шевелятся жалкие травинки на озаренной светом земле. И тьма, ползущая из глубины, отступает пред натиском рождающегося дня. Шелест чахлой травы. Неясный лепет воды. Немое, неодолимое перемещение туч. Игра света и тени, пробуждение природы, умытой дождем и готовой к встрече нового дня.

Одна из особенностей "Мокрого луга", свойственная и большинству других вещей Васильева, - это цельность образа и вместе с тем тщательная и подробная разработка деталей. Под кистью художника каждая травинка, камень с бликом солнца, сухая ветвь - все кажется одинаково драгоценным, на всем как бы лежит отсвет внимательного и любовного взгляда художника.

"У меня до безобразия развивается чувство каждого отдельного тона, - пишет Васильев в одном из писем, - чего я страшно иногда пугаюсь. Это и понятно: где я ясно вижу тон, другие ничего могут не увидеть или увидят серое и черное место. То же бывает и в музыке: иногда музыкант до такой степени имеет развитое ухо, что его мотивы кажутся другим однообразными... Картина, верная с природой, не должна ослеплять каким-нибудь местом, не должна резкими чертами разделяться на цветные лоскутки..."

Строгая по композиции картина поражает свежестью, глубиной и богатой внутренней градацией цвета. Образ природы, запечатленный Васильевым, таит в себе сложную гамму чувств, передавая переживания самого художника.

 Александр Пушкин

    Туча.   1835.

Последняя туча рассеянной бури!

Одна ты несешься по ясной лазури,

Одна ты наводишь унылую тень,

Одна ты печалишь ликующий день.

Ты небо недавно кругом облегала,

И молния грозно тебя обвивала;

И ты издавала таинственный гром

И алчную землю поила дождем.

Довольно, сокройся! Пора миновалась,

Земля освежилась, и буря промчалась,

И ветер, лаская листочки древес,

Тебя с успокоенных гонит небес.

Картина эта глубоко взволновала Крамского, письма которого были для Васильева почти единственной, но плодотворной связью с русской художественной жизнью. Васильев очень дорожил советами Крамского, делился с ним своими планами и сомнениями.

Крамской пишет о свойственной живописи картины окончательности, о фантастическом и одновременно натуральном свете, от которого нельзя оторвать глаз, и о той правдивости переданного Васильевым состояния природы, так по-разному проявившегося в еще мокрых от дождя деревьях, в налетевшем на воду ветерке, в убегающей тени от тучи и в яркой весенней зелени омытой дождем травы, изображенной на переднем плане. "...Вы поднялись до почти невозможной гадательной высоты... Я увидел, как надо писать... Замечаете ли Вы, что я ни слова не говорю о Ваших красках. Это потому, что их нет в картине совсем... Передо мною величественный вид природы, я вижу леса, деревья, облака, вижу камни, а по ним ходит поэзия света, какая-то торжественная тишина, что-то глубоко задумчивое, таинственное..."

Появившись в начале семидесятых годов, в период формирования нового типа пейзажа, картина Васильева была для своего времени явлением редким и знаменательным, открывавшим новый путь для русской пейзажной живописи: "На новой дороге всегда мало проезжих, хотя бы она была и кратчайшая, - писал Крамской Васильеву в период появления "Мокрого луга" на конкурсе, - и пройдет немало, времени, пока все убедятся, что именно эта дорога уже давно была необходима".

Написанная не с натуры, а сочиненная художником на основе зарисовок, сделанных в разных местах и в разное время, она поразила современников свежестью живописи, точностью воссоздания атмосферы и, более всего, исходящим от нее ощущением неясной томительности.

Академия присудила Васильеву звание "классного художника первой степени". На очередном конкурсе он получил вторую премию.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

Васильев Ф.А. «Перед грозой».  

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

Васильев Ф.А. «Перед грозой». Описание картины.

«Перед грозой» 1867-69 г. Холст, масло. Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

Замечательный русский художник – пейзажист Ф.А. Васильев, прожив недолгую жизнь, оставил после себя богатейшее наследие. Его произведения восхищают легкостью, лиричностью. Особой прозрачностью.

Пожалуй, любимым сюжетом писателя была природа перед грозой или после нее. В каждом из них прослеживается особое состояние драматизма, застывание всего живого в ожидании грозы.

Картина «Перед грозой» стало своего рода творческим итогом путешествия писателя по Волге. Картина выполнена в серо-золотистых тонах. О приближающейся грозе свидетельствуют сизые тучи, застилающие небо. Однако, пробивающиеся сквозь них  солнечные лучи, наполняют картину радостным ожиданием. Совсем как в детстве, когда первый гром и крупные капли дождя вызывают восторг.

В природе разлито настороженное ожидание, все словно вслушивается, боясь пропустить начало грозы.

На переднем плане картины зритель видит сторожку, утопающую в деревьях и скрытую наполовину за холмами. К ней спешат люди. Интересно, что художнику удалось изобразить их как часть природы. Их появление здесь композиционно логично, они подчеркивают общее настроение произведения.

Две маленькие фигурки, затерявшиеся среди поля, едва различимые, сливающиеся с ним. А ведь, по сути, в эти фигурки Ф. А. Васильеву удалось вложить огромный философский смысл: человек – неизменная часть природы, маленькая песчинка на земле. Однако «песчинка» не в уничижительном понятии. Таким образом, художник отмечает связь человека и природы.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Венецианов Алексей Гаврилович.

«Захарка».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Алексей Венецианов «Захарка»

На картине изображен простой деревенский мальчик, крестьянин. Это не придуманный образ, портрет писался с реального ребенка, отцом которого был крестьянин Федул Степанов. Большое значение в жизни, художник придавал труду. Он считал, что именно в нем заключается начало всех начал, что мир держится на простых тружениках. Несмотря на возраст мальчика с картины, мы видим, что он уже обладает неким опытом, превращающим черты его лица из по-детски мягких и наивных в мужские, жестковатые. Насупленные брови и плотно сжатые губы, сосредоточенный взгляд, поворот головы создают ощущение целеустремленности, уверенности, силы. Мальчик понимает, что его жизнь будет зависеть только от него самого и крепко сжимает древко инструмента на плече. Все в облике мальчика говорит о том, что он готов к работе, и, к сожалению, возможно, не имел детства, так как трудился с самых ранних лет. Внимательный зритель заметит, что зимняя шапка слегка великовата мальчику, как, впрочем, и варежки. Это может говорить о том, что одежда в небогатой семье передается от поколения к поколению. Венецианов не придает значения окружающей обстановке, оставляет фон непроработанным, что заставляет нас вглядываться в лицо и присматриваться к образу мальчишки. Как точно поймана эмоция, как мастерски запечатлен момент. Таких людей в жизни не рассматривали, никто не вглядывался в лица простых крестьян. А Венецианов вглядывался.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Венецианов Алексей Гаврилович.

« На пашне. Весна ».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Венецианов А. Г. — На пашне. Весна

Алексей Гаврилович Венецианов (1780 - 1847)__На пашне. Весна _1820-е

Москва, Государственная Третьяковская галерея

«На пашне. Весна» – самая знаменитая, но при этом самая загадочная из картин Алексея Венецианова. Вот несколько фактов, которые позволят по-новому взглянуть на хорошо знакомое полотно.

Этнография – далеко не главное в картине. Даже несмотря на сарафан и кокошник. Знатоки крестьянского быта ставили Венецианову в упрёк, что крестьянка у него боронит землю, т.е. занимается «черным» трудом, в праздничном наряде. Это-де принижает настоящую правду жизни. Упрёки лишены оснований по двум фундаментальным причинам. Первая пахота испокон веков была праздником (а в языческие времена она даже могла сопровождаться гуляниями, чтобы задобрить богов плодородия). А во-вторых, меньше всего в этой картине Венецианов собирался отдавать дань этнографии. Его целью было не зафиксировать с фотографической точностью повседневный крестьянский быт, но запечатлеть само бытие в его вечных, вневременных проявлениях.

Почему крестьянка за плугом выглядит крупнее лошадей?

Первым в русском искусстве Венецианов увидел труд землепашца как таинство, как нечто сакральное. Его крестьянка написана с нарушением пропорциональных отношений и выглядит больше лошадей, поскольку это не реальная женщина, а аллегорическая Весна. Её мощь и стать сродни искусству высокой античности. Да и лошади, по одному из точных исследовательских замечаний, «больше похожи на крылатых Пегасов, чем на заморенных крестьянских кляч».

В картине есть «зеркальный спецэффект»

Художник заложил в картину несколько интересных визуальных эффектов. Первый заключается в том, что он намеренно занизил линию горизонта. Такой приём используется в иконописи, но в светской живописи России его до Венецианова не применял никто. Низкий горизонт нужен, чтобы придать главной героине монументальность и торжественность.

Другая хитрость – в изображении второй, «зеркальной» крестьянки. На заднем плане мы видим маленькую, удаляющуюся по параболе женскую фигуру с лошадью. Вероятно, это просто еще одна женщина, обрабатывающая свой кусок борозды. Но нам уже трудно отделаться от ощущения, что это все та же наша крестьянка-весна с первого плана, совершившая свой круг и теперь уходящая от нас в неопределенное будущее. Возможно, такой приём удвоения нужен был Венецианову, чтобы подчеркнуть цикличность всего, что происходит в природе.

«На пашне. Весна» гораздо меньше по размерам, чем кажется

Те, кто раньше знал это полотно Венецианова лишь по репродукциям и описаниям наподобие нашего, оказываются поражены её малыми размерами, когда впервые видят оригинал в Третьяковской галерее. И действительно, посыл картины столь мощен и масштабен, что в первый момент реальной встречи с ней сложно поверить, что её габариты – всего-то 51 на 65 сантиметров.

Возможно, «На пашне. Весна» - часть гипотетических венециановских «Времен года»

На самом деле, цикла с подобным авторским названием у Венецианова не было. Однако интерпретаторы, видя явное тематическое сходство картин «На пашне. Весна» и «На жатве. Лето», допустили, что в середине 1820-х художник замыслил цикл из 4-х полотен, каждое из которых соответствовало бы времени года.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 Василий Васильевич Верещагин.

 «Апофеоз войны».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Апофеоз войны, Верещагин Василий Васильевич

Апофеоз войны - Верещагин Василий Васильевич. 1871. Холст, масло. 127 х 197 см

 Это полотно можно считать самым ярким и выразительным обличителем ужасов войны. Хотя она была создана под впечатлением от примитивной жестокости восточных завоевателей, у нее нет узкой направленности — она адресована всем, кто затевал и затевает войны. Недаром сам автор оставил на раме полотна надпись о том, что картина посвящается завоевателям прошлого, настоящего и будущего.

По легендам, за войсками Тимура оставались груды трупов и черепа, сложенные в пирамиду. Даже в те дни, когда жил художник, варварская традиция сохранилась — восточные правители рассматривали отрубленные части тела врагов как военные трофеи. Художник воспринял эту привычку как символ. В результате получилась уникальная по своей выразительной силе картина, которая не утратила своей актуальности и в наше время.

 По силе воздействия на сознание смотрящего, заключенной в этом полотне, ее вполне можно сравнивать с лучшими произведениями Дали, настолько она пропитана самим духом символизма. Но, в отличие от Дали, ее символизм не безобиден и лишен абстрактности. Все, что изображено на полотне — это символы одного конкретного, безжалостного и неотвратимого бедствия — войны. Лишив картину характерных временных, исторических зацепок, художник сделал ее отражением результата любых военных действий, вне зависимости от того, когда и где они могли происходить. Такой эффект война производила тысячу лет назад, в наши дни, такой она может остаться и в будущем. Полотно просто кричит об этом: «Люди, посмотрите, что вы делаете!?».

Огромная выразительная сила полотна достигнута минимальными художественными средствами. Перед нами обширная панорама, представляющая собой пустынную, выжженную местность с отдельными уцелевшими остовами сгоревших, обугленных деревьев. В ней нет жизни, нет ни капли зеленого цвета — только мертвый желтый песок и черные сухие деревья. Единственный признак жизни здесь — это стая черных воронов, символов смерти. Они на полотне везде — летают в небе, сидят на деревьях, справляют тризну по павшим.

 Вдалеке виднеется разрушенный город, также изображенный желтыми «сухими» красками. Он пуст и заброшен, в нем не осталось жителей, вообще нет ничего живого. Всю эту картину массового опустошения освещает яркое безжалостное солнце под холодным, безжизненным и равнодушным небом.

 На переднем плане полотна изображена огромная гора человеческих черепов, сложенных в пирамиду. На ней сидят вороны, а множество следов от ударов сабель и пуль свидетельствуют о том, что перед нами защитники и мирные жители города. Вот что принесла с собой война — смерть, разрушения и полное опустошение. Край, который когда-то был ярким и цветущим, полным жизни и радости, превратился в страшное место, где остались только падальщики.

 На картине нет указания ни на конкретное место действия, ни на временной период, ни на того, кто совершил все эти злодеяния. Хотя изначально картина задумывалась как историческая, отражающая итоги походов Тамерлана, который славился своей жестокостью и особым пристрастием к отрубанию голов, замысел перерос сам себя. Полотно стало гениальным обличителем всех войн. Где бы они не велись, за что бы ни боролись люди, итог войн всегда один — массовые бессмысленные жертвы, разрушенные до основания города, плодородные земли, превращенные в бесплодные пустыни, населенные лишь воронами и ползучими гадами.

 Художник, всю жизнь участвовавший в военных действиях и отдавший свою жизнь за царя и Отечество, как никто другой хорошо знал суть войны, видел ее итоги собственными глазами. Ему удалось создать уникальную по выразительности и символичности картину — яркое обличение безжалостности войны.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Тема демона в творчестве Михаила Врубеля.

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Тема демона в творчестве Михаила Врубеля

"Демон" Врубеля - гениальное творение эпохи.   Как ни грустно об этом говорить, но многие гениальные люди при жизни не были оценены по достоинству. Из книг по истории можно сделать вывод, что прошлое было довольно жестокое и в какой-то степени дикое. Так, множество архитекторов, художников, философов или писателей были примером позора для граждан. Некоторых из них казнили, других пытали, а третьи и вовсе пропали. Тем не менее после их смерти все кардинально изменилось. И та «грязь», как называли люди работы талантливых личностей, сегодня именуется настоящим шедевром, который, кажется, ни кому не под силу повторить. Работами восхищаются, вдохновляются, а порой и просто не могут отвести глаз от такого совершенства.  

Михаил Врубель – художник девятнадцатого-двадцатого веков

 5 (17) марта 1856 года в семье строевого офицера появился на свет маленький Михаил Врубель. Через несколько десятков лет он прославился на всю Российскую империю, причем в разных жанрах искусства. Талантливый мужчина показал прекрасные результаты в графике, живописи, декоративной скульптуре и театре. Это был многогранный человек, никогда не останавливавшийся на достигнутом. Он подарил миру непревзойденные фрески, декоративные панно, чудесные полотна и книжные иллюстрации. Врубеля считали очень сложным человеком и художником. В то время не каждый смог бы разгадать суть его картин или понять, что значат изгибы его скульптур. С самого детства Михаил любил рисовать и наслаждаться очаровательными пейзажами вокруг. Когда ему исполнилось восемнадцать лет, его отец решил, что молодой человек должен поступить на юридический факультет в университет Санкт-Петербурга. В то время Михаил был совершенно равнодушен к данной науке и пошел учиться только из-за воли Врубеля-старшего. Он увлекался философией Канта, посещал спектакли, влюбляясь в театральных актрис, спорил об искусстве и постоянно рисовал. Все, что приходило ему в голову, вскоре появлялось на холсте. Жизнь великого художника Творчество Врубеля часто связывают именно с 1880 годом. В этот период Михаил учился в Императорской Академии художеств и создавал свои первые шедевры. Все преподаватели видели лидерство и превосходство юноши над другими учениками. Первыми акварелями, которые покорили всю Академию, стали «Пирующую римляне» и «Введение во храм». Именно в высшем учебном заведении были видны изменения в молодом человеке. Из безответственного, ветреного мальчика он стал талантливым и сильным мужчиной. Картины М.А. Врубеля настолько покорили преподавателей и гостей Академии, что через некоторое время профессор Прахов пригласил Михаила в Киев. Он предложил ему поработать над реставрацией Кирилловской церкви. Врубель, в свою очередь, согласился и принялся писать иконы. Он создал непревзойденные настенные росписи, изобразил Богоматерь с младенцем, Кирилла, Христа и Афанасия. Кроме этого, великий художник сделал эскизы, предназначенные для реставрации Владимирского собора. В конечном итоге Михаил проработал в Киеве около пяти лет и стал намного мудрее, усерднее и талант свой развил до следующего этапа творчества. После 1889 года художник изменил свои работы, чего только стоит картина, которую часто в народе называют «Демон Врубеля».    

 Дальнейшая работа в сфере искусства

 Около трех лет великий художник занимался прикладным искусством. Этот период называют Абрамцевским. Вкратце охарактеризовать работу Михаила Врубеля можно по следующим достижениям: им был создан проект фасада дома Мамонтова и скульптура «Маска льва». Так или иначе, для многих живопись – это основная сфера, в которой работал Михаил Врубель. Картины его были с глубоким смыслом, который каждый человек трактовал их по-своему. Талантливый художник никогда не обращал внимания на рамки и правила, он творил и достигал по-настоящему великолепных результатов. Михаилу в годы молодости уже смело поручали огромные проекты, так как заказчики были уверены в их роскошном и быстром выполнении. Врубель работал с лучшими мастерами своего дела и архитекторами, среди которых ярко выделялся Федор Шехтель. Вместе они оформляли легендарный особняк Саввы Морозова. Нельзя не отметить, что Михаил также принимал участие в выставках, участвовал в оформлении спектаклей и даже однажды уехал на гастроли с труппой Русской частной оперы Мамонтова. Михаил Врубель обожал работы Лермонтова, а также духовный мир и жизнь своего кумира. Он пытался подражать ему и порой выражал эмоции, таившиеся в его душе, на холстах своих непревзойденных картин. Михаил Александрович был сильной личностью и пытался каждой своей работе придать трагизм, стойкость. Именно картина «Демон» Врубеля удачно соединила в себе черты романтизма, грусти и многозначности. Многие ценители искусства пытались объяснить, что же представляет собой данное изображение, какой смысл оно несет и что именно хотел передать автор этими мазками.

Картина «Демон»

«Демон» Врубеля – это изображение настоящей трагедии, которая все же отрицает зло. Суть ее в том, что благородная личность выступает за сторону добра, но ничего не может поделать с силами тьмы. Зло все равно побеждает, оно затягивает бессильного и управляет им в корыстных, мерзких целях. Здесь многие литераторы проводят параллель между Лермонтовым и Врубелем. У первого демон – это не создатель зла, а лишь его порождение, и Михаил Александрович это прекрасно понимает. Он пытается изобразить контраст цветов на холсте, чтобы каждый увидевший картину сразу и безоговорочно понял, где зло, а где добро. Подытоживая, отметим, что «Демон» Врубеля - это не что иное, как борьба между двумя силами: света и тьмы. Конечно же, каждый человек сам решает, что могущественней, и некоторые утверждают, что автор отдает предпочтение силам тьмы.  Герой должен созерцать происходящее. От этого он становится бессильным (об этом свидетельствует поза, в которой он сидит, - обхватив колени руками). Мужчина не хочет находиться в данном месте, но у него нет выбора, и он наблюдает, как возникает демон. Врубель, говорят, специально нарисовал картину на узком холсте. Так он подсознательно не дал много места злу, то есть демону тесно, и от этого он кажется еще более устрашающим. Конечно же, его мощь укрощена, сжата. Это видно на рисунке по мускулам, осанке и выражению лица героя. Он устал, обессилел, подавлен… Но все равно Врубель делает его своим идеалом прекрасного человека.

Суть «Демона» в творчестве Врубеля

Сюжет, который нарисовал Врубель («Демон сидящий»), повествует о его усталости и бессилии. Но тем не менее автор оживляет картину кристаллами, которые сверкают на одеянии героя в голубом и синем тонах. Также можно увидеть потрясающий пейзаж, который некоторым может показаться причудливым, но в этом его и прелесть. В целом картина «Демон» Врубеля наполнена золотистыми, красными, лилово-синими тонами, которые придают ей совершенно разный вид при разном освещении. Работа Михаила Александровича явно подчеркивает важность и прелесть главного героя. Демон хоть и страшный, могущественный, но все равно выглядит красиво. Самое главное, так сказать, суть картины заключается в ее смысле. А он таков: демон – это символ сложного, несправедливого, реального мира, который рушится и вновь собирается как мозаика. Это страх за людей современных и будущих, которые не могут найти выход в жизни, где царят зло и ненависть.

Описание картины Врубеля

«Демон» можно найти в различных источниках, и значение изображения будет трактоваться также по-разному. Но большинство исследователей считает, что автор хотел передать грусть, тревогу, которая переплетается со скорбью и депрессией, тревогу за человечество и его дальнейшее существование. Именно такой была тема картины художника, именно в таком направлении он работал последние свои годы творчества. Возможно, поэтому живопись Врубеля считается одной из самых сложных, в некоторой степени жестоких, но справедливых и трогательных. Его картины поражают своей глубиной и неповторимостью; умелым сочетанием красок и фона.

 История создания картин «Демон»

 Картина, которую написал Врубель («Демон сидящий»), была создана в 1891 году. Произведение появилось после того, как Михаил Александрович детально изучил творчество Лермонтова. К некоторым его работам он нарисовал чудесные картины, на одной из них и был изображен демон. Эскиз создавался в 1890 году, а ровно через 12 месяцев работа была завершена. Только в 1917 г. картина поступила в музей. Через некоторое время она стала привлекать к себе внимание, а сегодня считается настоящим шедевром. Вот так, под вдохновением от поэмы Лермонтова появилась на свет картина «Демон». Помимо этого, Врубель написал еще множество чудесных работ, относящихся к данному блоку. Удивительно то, что разница в их написании - девять лет. Никто не знает, что стало причиной возобновления работы, но картина «Демон сидящий» была не последней. За ней последовала новая работа. В 1899 году, ровно через 9 лет, был представлен еще один шедевр, который создал Врубель – «Демон летящий». Эта работа вызывала самые разнообразные эмоции у людей. Картина была закончена настоящим мастером, который усовершенствовал свою систему рисунка. На ней также был изображен главный герой, но уже с крыльями. Таким образом автор хотел передать, что постепенно чистая душа захватывается злом и нечистью. Демон изображен на холсте довольно четко, но в то же время размыто. Он пытается поглотить героя, который уже пошел у него на поводу. Автор долгое время улучшал свое творение, постоянно переделывая некоторые черты картины. Важно, что Врубель точно понимал, кто такой демон. Считается, что дьявол – это рогатое, коварное существо, способное переманить человека на свою сторону. Что же касается демона – то это энергия, способная захватить душу. Это чернь, которая обрекает человека на вечную борьбу, которая не закончится ни на небе, ни на земле. Именно это и хотел донести до публики Врубель. «Демон летящий» – отрицательный персонаж, который мешает людям проявить силу воли и оставаться на стороне добра, то есть быть справедливыми, честными, чистыми разумом и сердцем.

 Демон поверженный

Из серии популярных работ, посвященных поэме Лермонтова, также выделяется картина «Демон поверженный». Врубель закончил ее к 1902 году, и она стала последней в данной тематике. Выполнена работа маслом на холсте. В качестве фона автор взял горную местность, которая изображена в алом закате. На ней можно увидеть стесненную фигуру демона, как будто зажатую между перекладинами рамы. Никогда еще художник не работал над своими картинами так страстно и с такой одержимостью. Демон поверженный – это воплощение зла и красоты одновременно. Работая над картиной, Михаил Александрович опустошал самого себя. Он пытался изобразить невозможное, стремился показать драматизм и конфликтность бытия. Лицо Врубеля за работой постоянно изменялось, как будто он видел новые фрагменты одного фильма, потерявшиеся и перепутавшиеся в его памяти. Иногда художник мог даже заплакать над полотном, настолько сильно он его чувствовал. Удивительно то, что Лермонтов написал шесть вариантов своей поэмы и считал, что ни один из них нельзя считать законченным. Он искал того, чего не было, стремился передать читателю то, чего сам до конца не знал. Примерно тоже самое происходило с Врубелем. Он стремился нарисовать то, о чем понятия не имел, и каждый раз, окончив картину, художник находил неточности и пытался исправить их. На самом деле образ зла часто встречается в работах, которые представил миру Врубель.

 Описание картины «Демон поверженный» сводится к тому, что в конечном итоге главный герой победил нечистую силу. Другими словами, каждый человек может бороться за себя и постоянно работать над собой, совершенствуя свои навыки, развивая и обогащая свой внутренний мир. Таким образом Михаил Александрович высказывал свое мнение о демоне и о в целом зле на планете: его можно победить, и даже нужно бороться с ним! Картину «Демон поверженный» Врубель изобразил в уникальном стиле: с применением кристаллических граней, плоских мазков, которые были выполнены мастихином.

 Болезнь великого художника К сожалению, «Демон» Врубеля не принес художнику ничего хорошего. Он так глубоко проникся его образом, сочувствием ко всем людям на земле, размышлениями о жизни и прочих философских вещах, что постепенно начал теряться в реальности. Последняя картина Врубеля - «Демон поверженный» (последняя из серии, написанной для поэмы Лермонтова) - находилась в Московской галерее и была готова к выставке. Каждое утро художник приходил туда и исправлял детали своей работы. Некоторые считают, что это была особенность, благодаря которой и стал известен Михаил Врубель: картины его были продуманы до мелочей, поэтому были совершенными. На протяжении написания автором работ окружающие все больше убеждались, что у него психическое расстройство. Чуть позже диагноз подтвердился. Врубеля отвезли в психиатрическую клинику и уверили его родственников, что он находится в состоянии маниакального возбуждения. Данные об ухудшении его здоровья подтвердились. Михаил Александрович однажды заявил, что он Христос, потом утверждал, что является Пушкиным; порой слышал голоса. В результате обследования было обнаружено, что нервная система художника нарушена. Заболел Врубель в 1902 году. Как следствие, у него обнаружили третичный сифилис. Автор вел себя очень странно в эти годы. Сначала, обнаружив недуг, его отправили в клинику Свавей-Могилевича, затем перевезли в больницу Сербского, чуть позже направили к Усольцеву. Почему так происходило? Это объясняется тем, что лечение не помогало Врубелю, наоборот, состояние ухудшалось, и он становился таким буйным, что его едва удерживало четверо санитаров. Через три года изменений в положительную сторону не произошло, болезнь обострилась. В тот период у художника резко ухудшилось зрение, и он практически не мог писать, что приравнивалось к ампутации руки или ноги. Тем не менее Михаил Александрович сумел закончить портрет Брюсова, после чего полностью ослеп. В клинике доктора Бари художник провел последние годы своей жизни. Скончался талантливый живописец, невероятно умный, честный и справедливый мужчина в 1910 году.

Темы творчества Врубеля

На самом деле художник писал реальные для своего времени картины. Врубель изображал движение, интриги, молчание и тайну. Помимо работ, связанных с поэмой Лермонтова «Демон», художник представил миру другие шедевры искусства. К их числу относят картины «Гамлет и Офелия», «Девочка на фоне персидского ковра», «Гадалка», «Богатырь», «Микула Селянинович», «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь», а также многие другие. В этих работах можно увидеть роскошь, любовь, смерть, печаль и тленность. Художник множество картин выполнил в русской тематике, среди которых наиболее популярна «Царевна-Лебедь», написанная в 1900 году. Также потрясающими работами считаются такие произведения, как «Ангел с кадилом и свечой», «К ночи», «Пан» и множество портретов выдающихся личностей. Так или иначе, всем людям будет помниться шедевр, который сотворил Михаил Врубель – «Демон», а также блок картин, связанный с поэмой русского писателя, изображающий чувства, эмоции и переживания обычного человека, которого поглощает зло и предательство, ненависть и зависть. И, конечно же, в серии данных работ представлены другие изображения.

 Врубель и его демон

Известного и талантливого Врубеля посетила муза, которая и подтолкнула его на написание картины «Демон», когда он находился в Москве. Не только поэма Лермонтова стала основой для создания шедевров, но и также окружающая среда: подлость, зависть, бесчестие людей. Хороший друг Михаила Александровича – Савва Мамонтов – разрешил художнику занять на время свою студию. Отметим, что именно в честь этого светлого и преданного человека Врубель назвал своего сына. На начальном этапе Михаил Александрович не понимал, как именно изобразить демона, с какой точностью и в облике кого. Картинка в его голове была расплывчатой и требовала доработки, поэтому в один прекрасный день он просто сел и начал экспериментировать, постоянно изменяя или поправляя свое творение. По мнению художника, демон был воплощением страдающего и скорбного человека. Но всё же он считал его величавым и властным. Как уже отмечалось выше, для Врубеля демон не был чертом или дьяволом, он был существом, похищающим человеческую душу. Проанализировав творчество Лермонтова и Блока, Врубель только убедился в правдивости своих мыслей. Интересным является то, что ежедневно Михаил Александрович переделывал образ демона. В некоторые дни он изображал его величественным, властным и непобедимым. В другие времена делал его страшным, ужасающим, жестоким. То есть иногда автор восхищался им, а иногда ненавидел. Но на каждой картине в образе демона наблюдалась какая-то грусть, совершенно уникальная красота. Многие считают, что именно из-за своих выдуманных персонажей Врубель и сошел вскоре с ума. Он так четко их представлял и проникся их сущностью, что потихоньку терял самого себя. И вправду, до того, как художник принялся за вторую работу - «Демон летящий», - он чувствовал себя великолепно и совершенствовал своё мастерство рисования. Его картины были вдохновляющими, чувственными, неповторимыми. Во время завершения третей картины - «Демон поверженный» - Михаила Александровича переполняли разные чувства. Стоит отметить, что он был первым, кто нарушил запрет на изображение нечистой силы на холсте. Все потому, что все художники, которые рисовали демонов, вскоре умирали. Именно поэтому данные герои были запрещены. Все люди верят, что «играть с огнем», в данном случае с дьяволом, нельзя. Об этом свидетельствуют десятки не связанных между собой событий. Многие уверяют, что именно из-за нарушения данного запрета силы тьмы наказали Врубеля, лишив его рассудка. Но как было на самом деле, остается загадкой. И каждый человек может составить собственное видение творчества гениального живописца и его героев, выработать собственное отношение к ним. Ясно одно: тематика, выбранная Врубелем, всегда остается актуальной. Ведь всегда было и будет существовать противостояние зла и добра, света и тьмы, прекрасного и чудовищного, возвышенного и земного.  

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 Николай Ге - Что есть истина?

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Николай Ге - Что есть истина?

 Николай Николаевич Ге – выдающий русский художник-передвижник. Его техника исполнения картин на евангельские сюжеты была новаторской для своего времени и в большей степени не понята современниками. Многие из них ждала нелегкая судьба: их запрещали к показу на выставках художников-передвижников, его неклассический Христос был слишком экспрессивным, неузнаваемым. После смерти художника судьбу его нескольких интереснейших полотен невозможно проследить.

Вот так и одна из его картин «Милосердие» исчезла. В первый и последний раз он показал ее в 1880 году на VIII выставке передвижников. От нее остался снимок, который был опубликован в альбоме работ художника в 1903 году. На картине изображены две фигуры: девушка, подающая нищему воды. Она смотрит ему вслед, задавая себе вопрос «Не Христос ли это?». Сын Ге Петр Николаевич и его невестка Забело Екатерина Ивановна позировали художнику для написания образов этой картины. На этом полотне зримо представлены слова Нагорной проповеди: «Блаженны милостивые, ибо они помилованы будут».   Ге представил собственное авторское толкование евангельского сюжета, что совсем не приветствовалось критиками. Картина осталась непонятой, подвергалась неоправданно резким суждениям, да и сам художник был ею недоволен. Он увез ее в свою мастерскую, и лишь через 10 лет она была полностью записана новой картиной «Что есть истина?». Интересен тот факт, что картина понравилась Павлу Михайловичу Третьякову, он не приобрел полотно, но из его писем к Толстому Л.Н. понятно, что он считал ее удачной.

В истории целый ряд мастеров писали на уже использованных холстах, так что Ге Н.Н. не является в этом отношении исключительным художником. Причин тому могло быть несколько: одна из них – Николай Николаевич жил довольно скромно и к тому же на расстоянии от крупных городов, не всегда у него под рукой был чистый холст. Но хочется верить в другую версию: его идеалистическое сознание распинало само себя за неудавшиеся замыслы, он не жалея своих работ, резал их, счищал красочный слой, записывал новыми сюжетами. Так произошло и с «Милосердием» - поверх нее была написана картина «Что есть истина?» (Христос и Пилат) в 1890 г., история которой изобилует интересными фактами.

Эта картина Ге стала наиболее противоречивой в его биографии. Она была написана на сюжет 18-й главы Евангелия от Иоанна (о чем свидетельствует авторская подпись на картине): изображен момент, когда Христос говорит: «Я… на то пришел в мир, чтобы свидетельствовать о истине…», Пилат же ему пренебрежительно отвечает «Что есть истина?». Понтий Пилат не желает больше его слушать, учение Христа для него ничтожно. Он – римский правитель Иудеи, наместник Луция Лициния Лукулла, друг римской богемы – считает шум, поднятый вокруг этого тщедушного человека, просто мышиной возней. Фигура Пилата вычерчена светом, она грандиозна, могущественна, самоуверенна. Сказав эти слова, он развернется и уйдет, Христос проводит его глазами. Этого худого человека всю ночь били, ему плевали в лицо, издевались, он молил, чтобы его миновали страдания. Перед Пилатом у него уже нет телесности, на картине он окутан тенью. Но выражение его глаз, говорит о том, что он любит этого человека, погрязшего во лжи. Если Христос пришел в этот мир проповедовать об истине, то он должен и Пилату рассказать о своем учении.

Ге Н.Н. показал эту картину на передвижной выставке в 1890 г. В картине все одобряли композицию, цвет и свет, но образ Христа вызвал много нареканий. Публика разделилась на два лагеря: первый - это те, кто считали картину оскорбляющей религиозные чувства, второй – те, которые всю жизнь искали такой реалистичности в живописи на религиозные темы. И действительно, картина получилась очень правдивой. Художник понимал, что картины с изображением Христа не могут быть историческими, потому что для своего времени Христос был фигурой незаметной, а изображение Учителя в благостной форме в конце XIX века было уже неактуально. Эта картина потому породила столько противоположных мнений, потому что нашла и затронула такой сюжет, который был важен для Христа именно в тот момент его жизни, но изображен он был не канонически. Критикам, заключенным в догматические рамки, было тяжело принять растрепанный, болезненный образ Спасителя. Можно сказать, что картина Ге «Что есть истина?» стала своего рода вехой в русской живописи.

Картина была куплена Третьяковым П.М. в 1890 г. по настоянию Льва Николаевича Толстого, который предвидел, что она станет настоящей жемчужиной в собрании галереи. Но картина не сразу попала в экспозицию. Известно, что адвокат Ильин Н.Д., который был последователем толстовского учения, уговорил Николая Николаевича позволить ему показать эту работу заграницей: он рассчитывал, что там она вызовет такое же волнение умов, как и в России. Картина имела успех в Германии, особенно среди рабочих людей: она посетила Гамбург, Берлин, Ганновер. Затем отправилась в Америку – Балтимор и Бостон – но, к сожалению, там публика осталась к ней совсем равнодушной, даже не смотря на протекции Л.Н.Толстого, который очень любил эту картину. Ильину было тяжело в Америке, ему не хватало средств на рекламу выставок, проживание, он просил денег у самого художника, Толстого и даже Третьякова. Вернувшись в Россию, он написал книгу «Дневник толстовца», где в нелицеприятной форме отзывался о Ге Н.Н. и писателе, но эти отзывы остались без ответа: как настоящий толстовец Ге простил ему эти беспочвенные оскорбления.

Картина до сих пор находится в собрании Третьяковской галереи. Со временем она покрылась мелкими трещинами, укрывистость красок уменьшилась, сквозь верхний красочный слой стал проступать абрис головы. Специалисты Третьяковской галереи сделали 35 рентгенограмм с поверхности картины, совместив все снимки, они обнаружили «исчезнувшую» картину Ге Н.Н. «Милосердие» («Не Христос ли это?»). В ходе исследования нижележащих слоев выяснилась одна интересная подробность: прежде чем появилась картина «Что есть истина?» художник пробовал варианты своего «Распятия» - в правой части холста угадываются контуры креста и толпы людей. По свидетельствам его сына «Милосердие» уже в середине 1880-х гг. отправилось на переписку, художник окончательно разочаровался в этой картине. В окончательном варианте девушка была переделана в фигуру Христа.

И все же жаль, что картина «Милосердие» не сохранилась. Она могла бы стать одним из немногочисленных примеров воплощения символического и реалистического евангельского трактования милосердия: пока живо милосердие в сердцах людей, будет живо и христианство.

Ниже приведен рентгенографический снимок картины «Милосердие».

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 Жизнь и творчество Ореста Кипренского.

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Жизнь и творчество Ореста Кипренского.

Кипренский Орест Адамович (1782— 1836), художник.

Родился 24 марта 1782 г. на мызе Нежинская (ныне в Ленинградской области).

Внебрачный сын крепостной крестьянки, получивший в младенчестве вольную. Обучался в Воспитательном училище при петербургской Академии художеств (1788—1797 гг.), а затем в классе исторической живописи Академии (1797— 1803 гг.), где был оставлен для выполнения работы на соискание золотой медали. В 1806 г. за картину «Дмитрий Донской по одержании победы над Мамаем» Кипренский получил эту награду.

Всё творчество Кипренского связано с жанром портрета. Как представитель эпохи романтизма, он явился обновителем традиций русского портретного искусства. Его работы утверждают ценность личности, отражают эмоциональный мир человека.

В 1809—1812 гг. художник жил и работал в Москве и Твери, затем, став академиком Академии художеств (1812 г.), приехал в Петербург. Здесь он создавал портреты участников Отечественной войны 1812 г. и представителей русской культуры, рисовал женщин, детей.

В 1816 г. уехал за границу: посетил Италию, Швейцарию, Францию и Германию. С успехом участвовал в выставках в Риме и Париже.

В 1823 г. Кипренский вернулся в Петербург. Он делает портреты своих видных современников (В. А. Жуковский, П. А. Вяземский, С. С. Уваров и др.). На экспозициях Академии художеств 1824 и 1827 гг. его полотнам отводились отдельные залы.

Кипренский был также виртуозным рисовальщиком, создавшим (преимущественно в технике итальянского карандаша и пастели) образцы графического мастерства, зачастую превосходящие открытой, волнующе легкой своей эмоциональностью его живописные портреты. Это и бытовые типажи («Слепой музыкант», 1809, Русский музей; «Калмычка Баяуста», 1813, Третьяковская галерея), и знаменитая серия карандашных портретов участников Отечественной войны 1812 года (рисунки с изображением Е. И. Чаплица, А. Р. Томилова, П. А. Оленина, рисунок с поэтом Батюшковым); героическое начало здесь приобретает задушевный оттенок.

Большое число набросков и текстовые свидетельства показывают, что художник весь свой зрелый период тяготел к созданию большой (по его собственным словам из письма А. Н. Оленину 1834), «эффектной, или, по-русски сказать, ударистой и волшебной картины», где в аллегорической форме были бы изображены итоги европейской истории, равно как и предназначение России. «Читатели газет в Неаполе» (1831, Третьяковская галерея) — по виду просто групповой портрет — на деле есть скрытно-символический отклик на революционные события в Европе.

Однако наиболее честолюбивые из живописных аллегорий Кипренского остались неосуществленными, либо пропали (подобно «Анакреоновой гробнице», завершенной в 1821). Эти романтические поиски, однако, получили масштабное продолжение в творчестве К. П. Брюллова и А. А. Иванова.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 И. Крамской «Незнакомка»

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

 «Незнакомка» Ивана Крамского

Картина удивительным образом пережила два периода массового интереса к себе, причём в совершенно разных эпохах. Впервые — после написания в 1883 году, она считалась воплощением аристократизма и была очень популярна у искушённой петербургской публики.

Неожиданно ещё один всплеск интереса к «Неизвестной» произошёл уже во второй половине XX века. Квартиры украшались вырезанными из журналов репродукциями работы Крамского, а копии «Неизвестной» были одним из самых популярных заказов у художников всех уровней. Правда, почему-то картина была известна уже под названием «Незнакомка», возможно, под влиянием одноимённого произведения Блока. Были созданы даже конфеты «Незнакомка» с картиной Крамского на коробке. Так ошибочное название работы окончательно «вошло в жизнь».

Многолетние исследования того, «кто же изображен на картине Крамского», не дали результатов. По одной из версий, прототипом «символа аристократичности» стала крестьянка по имени Матрёна, вышедшая замуж за дворянина Бестужева.

«Незнакомка» Ивана Крамского – один из самых загадочных шедевров русской живописи.

На первый взгляд, в портрете нет ничего мистического: красавица едет по Невскому проспекту в открытой коляске.

Многие считали героиню Крамского аристократкой, но модное, отороченное мехом и синими атласными лентами бархатное пальто и стильная шляпка-беретка, вкупе с насурьмленными бровями, помадой на губах и наведенным румянцем на щеках, выдают в ней даму тогдашнего полусвета. Не проститутка, но явно содержанка какого-то знатного или богатого человека.

Однако когда художника спрашивали, существует ли эта женщина в реальности, он только усмехался и пожимал плечами. Во всяком случае, оригинала никто не встречал.
Меж тем Павел Третьяков отказался приобрести портрет для своей галереи – может быть, опасался поверья о том, что портреты красавиц «высасывают силы» из живых людей.

Иван Николаевич Крамской

«Незнакомка» начала путешествовать по частным собраниям. И очень скоро обрела дурную славу. Первого ее владельца бросила жена, у второго сгорел дом, третий обанкротился. Все эти несчастья приписывали роковой картине.

Не избежал проклятия и сам Крамской. Меньше чем через год после создания «Неизвестной» один за другим умерли два его сына.

«Проклятая» же картина отправилась за рубеж. Говорят, и там она чинила всяческие беды своим обладателям. В 1925 году «Незнакомка» вернулась в Россию и все же заняла свое место в Третьяковской галерее. С тех пор никаких эксцессов больше не происходило.

Может, все дело в том, что портрет с самого начала должен был занять подобающее ему место?

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

   И.Н. Крамской. Портреты русских писателей.

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Лучшие портреты Крамского были написаны с русских писателей его времени, в которых он видел тех же искателей высшей человеческой правды, поборников общего дела России в ее борьбе за торжество этой правды, каким был и он сам. К этим лучшим портретам принадлежит «Портрет писателя Л.Н. Толстого». Написанный Крамским «Портрет П.М. Третьякова» - лучший из существующих портретов основателя национальной галереи русского искусства. Здесь следует отметить огромную роль собирательской деятельности Третьякова в укреплении того направления русского искусства, которое возглавлял Крамской. Третьяков выступал в поддержку стремления русского искусства к реализму, превращая в действительность мечту передвижников о широкой народной аудитории. Третьяковской галерее принадлежит самое полное собрание произведений художников-передвижников. Передвижники видели в Третьякове не частного коллекционера, а основоположника национальной галереи русского искусства. Оказывая ему содействие в осуществлении его идеи, они предоставили ему право первого отбора картин со своих выставок, понимая, что приобретение произведения для Третьяковского собрания равносильно включению его в историю русского искусства.

  Иван Крамской «Портрет Льва Толстого»

Теплым летом 1873 года российский художник Иван Крамской, рисовал одну из своих известных работ «Осмотр старого дома», и проживал в усадьбе, вблизи от Ясной Поляны (имения семьи Толстых). Поэтому художник непременно решил выделить время, чтоб посетить имение известного русского писателя и изобразить Льва Толстого на холсте.

К сожалению граф Толстой очень долго не хотел позировать художнику, да и вообще плохо относился к портретам. Как известно из писем графа Третьяков очень долго уговаривал его позировать для портрета, однако у него это так и не получилось. А вот художнику И. Крамского удалось его переубедить.

В этом знаменитом изображении талантливого писателя Крамской очень отчетливо отобразил свой талант психолога. Темный, невзрачный, не привлекающий к себе внимание фон портрета позволил автору все внимание обратить на изображенного персонажа произведения.

Крамской очень талантливо сумел передать внутренне состояние графа Толстого. Его полный внимания и холода взор очень проницательно смотрит на зрителя. Именно этот глубокий взгляд говорит, говорит, что перед нами потрясающий аналитик, способный заглянуть в самую глубину человеческой души. Одним своим тяжелым взглядом он может проникнуть в жизненную суть.

В своей работе художник старался максимально продемонстрировать цельность творческой натуры графа Толстого, его несклоняемую силу воли и невероятный интеллект. И как мы можем видеть, художнику это удалось.

Граф весьма демократичный, это лишний раз подчеркивает такой народный характер его внешнего облика. Как известно, Лев Толстой был очень близок к русскому народу.

По мнению многих экспертов, портрет гения Льва Толстого признан одним из лучших картин Крамского, нарисованных художником за всю его многолетнюю жизнь.

Крамской Н.А. Некрасов в период «Последних песен». 

Заказ портрета русского классика Николая Алексеевича Некрасова поступил Крамскому от Павла Третьякова – великий меценат хотел собрать у себя портреты всех выдающихся людей своего времени, и, разумеется, не обошёл известного поэта, редактора, публициста стороной.

В 1875 году у Некрасова обнаружилась неизлечимая болезнь – рак кишечника, а к 1877 году стало понятно, что дни его сочтены. Тогда-то Павел Третьяков и сделал срочный заказ Крамскому.

Художник принялся за работу, решив написать больного писателя, лежащим в подушках, на что получил решительный отказ у заказчика —  не может великий классик предстать в такой вот немощной позе. «Великий борец», как тогда называли Некрасова, должен быть изображён соответственно. Крамской выполнил волю заказчика и создал погрудный портрет, который был принят Третьяковым.

Однако по завершении заказа Крамской принимается писать полотно в соответствии со своим творческим замыслом, которое войдёт в мировую художественную культуру, как «Портрет Некрасова в период «Последних песен». Картину так и не увидел портретируемый – заканчивал её живописец, когда Некрасова уже не было в живых.

Вначале картина должна было изобиловать многими вещами и мелочами, которые любил Некрасов. Так, например, пространство полотна должно было вмещать шкаф с оружием, как напоминание об охотничьем увлечении, любимую собаку поэта. Однако вскоре Крамской уберёт «лишние» детали, мешающие восприятию героического образа, сделав картину больше по формату, нежели задумывал её изначально.

Внимательно рассмотрев картину можно многое рассказать о её герое – по правому краю произведения можно заметить бюст Белинского, которого Некрасов чтил всю жизнь, как своего учителя и выдающегося человека, а вон на столике тома «Современника», журнала, которому поэт посвятил значительную часть жизни, портреты Мицкевича и Добролюбова говорят о его интересах и убеждениях.

У Крамского получился удивительный потрет, сочетающий в себе и камерность и истинное величие, даже монументальность. Мы видим Большого человека, выдающегося деятеля литературного слова, которого измучила болезнь. Его физические силы на исходе и об этом говорит буквально всё в его облике, но при этом душевная мощь ещё светиться, не иссякнув на краю могилы.

Живописец поставил ложную датировку в углу полотна – 3 марта. Именно в этот день Некрасов прочитал Крамскому своё стихотворение «Баюшки-баю», которое глубоко поразило живописца и стало пророческим для писателя.

 
Крамской Иван Николаевич 
Портрет Адриана Викторовича Прахова
1879
Холст, масло 88,5 x 69

«Портрет историка Андриана Викторовича Прахова»
1879г
Холст, масло 88,5 x 69
Государственная Третьяковская галерея
Москва

«Портрет писателя Дмитрия Васильевича Григоровича»
1875г
Холст, масло 86 x 68
Государственная Третьяковская галерея
Москва

«Портрет писателя Ивана Александровича Гончарова»
1874
Холст, масло 114 x 94
Государственная Третьяковская галерея
Москва

«Портрет писателя М.Е.Салтыкова-Щедрина (1826-1889)»
1879г
Холст, масло 88 х 68
Государственная Третьяковская галерея
Москва

«Портрет поэта Я.П.Полонского»
1875г
Холст, масло 73,8 х 59,2
Государственная Третьяковская галерея
Москва

«Портрет украинского писателя и художника Тараса Григорьевича Шевченко»
1871
Холст, масло 84 x 65
Государственная Третьяковская галерея
Москва

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 Б.Кустодиев.  «Купчиха за чаем».  

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Б.Кустодиев.  «Купчиха за чаем» 1918

Купчиха за чаем - Борис Михайлович Кустодиев. 1918. Холст, масло. 120,5х121,2

   Одним из излюбленных персонажей произведений Кустодиева была дородная, пышущая здоровьем купчиха. Купчих художник писал множество раз — в интерьере и на фоне пейзажа, обнаженными и в нарядных платьях.

   Картина «Купчиха за чаем» уникальна по своей впечатляющей силе и гармонической цельности. В сидящей на балконе за столом, уставленным яствами, дебелой, необъятной толщины русской красавице, образ купчихи приобретает подлинно символическое звучание. Большую смысловую нагрузку несут в полотне детали: трущийся о плечо хозяйки толстый ленивый кот, купеческая чета, пьющая чай на соседнем балконе, изображенный на заднем плане город с церквами и торговыми рядами и, в особенности, великолепный «гастрономический» натюрморт. Спелый красный арбуз с черными косточками, жирный кекс, булочки, фрукты, фарфор, большой самовар — все это написано необыкновенно вещно и осязаемо и в то же время не иллюзорно, а нарочито упрощенно, как на лавочных вывесках.

   В голодный 1918 год, в холод и разруху больной художник мечтал о красоте, полнокровной яркой жизни, обилии. Однако смакование сытого, бездумного существования сопровождается здесь, как и в других произведениях Кустодиева, легкой иронией и беззлобной усмешкой. Ирония, гротеск, декоративная стилизация, сочетание натурной наблюдательности с выдумкой сближают Кустодиева с другими мирискуссниками. Вместе с тем, творчество Кустодиева более оптимистично, жизнерадостно и национально.

   Помимо станковых произведений Кустодиев, работавший также и в советскую эпоху, выполнил ряд книжных иллюстраций и театрально-декорационных оформлений.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Кустодиев Б. «Портрет Федора Шаляпина».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Кустодиев Б. «Портрет Федора Шаляпина»

Известность и признание пришли к Борису Михайловичу Кустодиеву, когда он еще учился в Академии художеств в Петербурге. Его "Портрет художника И.Я. Билибина" был удостоен второй золотой медали на Международной выставке изобразительного искусства в Мюнхене. Но потом жизнь художника сложилась очень трудно. Тяжелая болезнь позвоночника, начавшаяся в 1911 году, все более давала о себе знать. В 1916 году у него случился паралич ног, и с тех пор Кустодиев навсегда был прикован к креслу. Но этот удар судьбы не сломил сильного духом художника, и он продолжал работать.

Природа наделила Бориса Кустодиева необыкновенно острой наблюдательностью и феноменальной зрительной памятью. Когда болезнь лишила его возможности передвигаться, неиссякаемым источником для творчества стал драгоценный запас жизненных впечатлений.

Как художник, Б. Кустодиев сформировался в русле русской демократической культуры, под влиянием творчества писателей-реалистов XIX века и живописи передвижников. В его картинах зритель с первого взгляда узнает типично русские черты, однако это не та Русь, которая встает с полотен художников-передвижников. Борис Кустодиев открыл ее другую сторону: в его картинах нет показа тяжести народной жизни, изображенная им Русь - радостная, где во всем чувствуется материальный достаток, царят звонкие краски и яркие узоры.

На картинах Бориса Кустодиева перед зрителем предстают изумительные зимы с веселым катанием на санях, балаганами, каруселями, праздничными народными гуляниями, яркость и красочность, которая противопоставлена серости и скуке прозаической жизни. Он пишет чаепития, гостиные ряды, трактиры. Недаром Федор Шаляпин говорил: "...его яркая Россия, звенящая бубенцами и масленой... его балаганы, купцы и купчихи, его сдобные красавицы, ухари и молодцы - вообще все эти типично русские фигуры, созданные им по воспоминаниям детства, сообщают зрителю необыкновенное чувство радости. Только неимоверная любовь к России могла одарить художника... такою аппетитною сочностью краски в неутомимом его изображении русских людей".

Писать с натуры эту удивительно красочную Русь во всей щедрости и довольстве Борис Кустодиев не мог. Да она такая, может быть, и существовала только в его воображении, объединившем его разрозненные впечатления в единое целое. Но это было такое целое, которое позволило некоторым современникам говорить о некоем "городе Кустодиевске", сконцентрировавшем в себе все русское. А скорее это даже не город, а "страна Кустодия" - место обитания и веселья русского народа.

В этой стране живут грузные купцы либо в меховых шубах и шапках, либо в поддевках и цилиндрах, красавицы-купчихи. Но в купеческом быте, долгое время только осмеиваемом, Б. Кустодиев открыл глубокие национальные черты, характерные не только для их сословия.

Вершиной творчества художника является "Портрет Федора Шаляпина". Борис Кустодиев любил этого гениального артиста с юных лет. В свою очередь и Федор Шаляпин высоко ценил искусство Б. Кустодиева, которого называл "замечательным" и "бессмертным". Но не только большого мастера ценил в художнике Федор Шаляпин: он видел в нем человека недюжинного, достойного преклонения. В своей автобиографической книге "Маска и душа" знаменитый певец так рассказывает о своих встречах с художником: "Много я знал в жизни интересных, талантливых и хороших людей. Но если я когда-либо видел в человеке действительно великий дух, так это в Кустодиеве.

Нельзя без волнения думать о величии нравственной силы, которая жила в этом человеке и которую иначе нельзя назвать, как героической и доблестной".

Федор Шаляпин приходил в петроградскую квартиру художника, и, вспоминая родную Волгу, они запевали вдвоем - сначала Шаляпин, потом к нему присоединялся Борис Кустодиев - и пели серьезно, сосредоточенно, будто священнодействовали. Они поклонялись Волге, она была для них и предметом поклонения, и местом, из которого каждый черпал свое вдохновение.

Сеансы позирования проходили в небольшой комнате, которая Кустодиеву служила мастерской. Она была такой маленькой, что картину приходилось писать по частям. "На потолке был укреплен блок, через который была пропущена веревка с привешенным на ее конце грузом. С ее помощью можно было приближать холст к креслу самому, без посторонней помощи, наклоняя его к себе настолько, что можно было кистью доставать до его поверхности или удалять от себя для того, чтобы проверить написанное". Таким образом, Б. Кустодиев работал, глядя вверх, как при росписи плафонов. Позднее художник сам с трудом верил, что картина будет удачно завершена. Но изумительный расчет и виртуозное мастерство Б. Кустодиева стали залогом создания этого удивительного полотна. Целиком его Борису Кустодиеву так и не удалось увидеть в нужном отдалении. Федор Шаляпин вскоре уехал за границу и увез портрет с собой.

Художник всячески стремился сделать портрет замечательного артиста живым, праздничным. А Федор Шаляпин прилагал все усилия, чтобы подбодрить Б. Кустодиева во время сеансов. Сын художника потом вспоминал об одной смешной подробности в работе над портретом. "Любопытно было смотреть, как "позировала" любимая собака Федора Ивановича - черно-белый французский мопс. Для того чтобы он стоял, подняв голову, на шкаф сажали кошку, и Шаляпин делал все возможное, чтобы собака смотрела на нее".

В композиции картины Б. Кустодиев использовал прием, похожий на тот, что был в его "Купчихе": высокий первый план, за которым далеко внизу развертывается огромное пространство. На снежных холмах вовсю идет народное гуляние, представлено множество мелко написанных человеческих фигурок, мчащиеся санки, лотошники, у балаганов и карусельных гор толпится праздничный народ. А на самом переднем плане высится величественная фигура Ф.И. Шаляпина, силуэт которого четко вырисовывается на фоне зимнего пейзажа - яркого, лубочного, условно изображающего ярмарку.

Огромная фигура в шапке и меховой шубе нараспашку возвышается над праздничным гуляньем "над горами". Федор Шаляпин озирается, для него это незнакомый город. Первоначальное название картины - "Новый город", в который приехал на гастроли знаменитый артист (об этом возвещает афиша внизу). Сейчас артист на прогулке, ему еще предстоит покорить своим талантом этот пока не знакомый город. Однако этот город и знаком ему - по своим типичным чертам, по облику и быту русской жизни, которая была так близка Ф. Шаляпину. Вот и на картине он задумался, охватывая взглядом бурлящее народное гуляние.

Сам Борис Кустодиев был восхищен Федором Шаляпиным, но на портрете не преминул подметить, добродушно подтрунивая, такие индивидуальные черты прославленного певца, как самовлюбленность, стремление щегольнуть дорогой одеждой.

Великолепная шуба Федора Шаляпина нарочно распахнута, чтобы показать, что она вся - а не только воротник и шапка - на бобровом меху; мизинец холеной руки отставлен, чтобы был виден перстень с драгоценным камнем. На ногах модные ботинки на пуговках - серая замша и черный лак... Ходить в них по снежным склонам трудно, и Шаляпин опирается на дорогую трость. Преданно смотрит на хозяина белый породистый мопс Ройка. Все это, однако, барство показное, которое не заслоняет размаха широкой натуры великого певца, в котором сильно выразилась творческая стихия русского народа.

В эффектной, нарочито театральной позе стоит огромная, все подавляющая своими размерами фигура Ф. Шаляпина. Праздничная феерия кустодиевской ярмарки разворачивается за его спиной: балаганы, скоморохи, мчащиеся кони, веселые извозчики, гармоники, подвыпившие мастеровые, связки воздушных шаров... Заливающее все радостное, бодрящее зимнее солнце, нарядные кроны инея, голубые и розовые тени на сверкающем снегу... А на втором плане художник изобразил дочерей Федора Шаляпина - Марфу и Марину и его друга И.Г. Дворищина.

И центром, вершиной этого русского мира является человек, в котором широта, размах и талант народа проявились во всей полноте. Может быть, нигде размышления Бориса Кустодиева о национальном своеобразии русского народа не нашли такого конкретного воплощения, как в портрете Федора Шаляпина.

Знаменитого артиста рисовали часто (В.А. Серов, Л.О. Пастернак, К.А. Коровин, И.Е. Репин и др.), так что создалась целая галерея шаляпинских портретов. И в ней работа Бориса Кустодиева занимает, пожалуй, самое первое и почетное место. Образ этого волжанина, начавшего свой путь на ярмарках и в балаганах провинциальных городов, выглядит у художника олицетворением силы и одаренности русской натуры.

Сам артист до самой своей смерти не расставался с этой картиной и ценил ее выше всех других своих портретов - за широту, размах и "русский дух".

Сейчас кустодиевский "Портрет Ф.И. Шаляпина" находится в Париже, а в Русском музее выставлен портрет-повторение 1922 года.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО  И.И. ЛЕВИТАНА

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО  ИСААКА ЛЕВИТАНА

Родился Исаак 18 августа 1860 года в Ковенской губернии селе Кибарты в весьма образованной семье. Его отец владел несколькими языками, был преподавателем.

В 1870-х годах состоялся переезд в Москву вместе с семьей. Исаак с детства увлекался рисованием, так что, начиная с 1873, стал обучаться в училище живописи, ваяния, зодчества в Москве.

После смерти отца и матери, в биографии Исаака Левитана наступило тяжелый период. Видя талант ученика и его невозможность платить за обучение, в училище его освободили от оплаты и даже оказывали помощь.

После выставки картин еще во время учебы, художник получил серебряную медаль. А образование окончил в 1885 году.

Позже в биографии художника Левитана прошло несколько путешествий по Франции, Италии. Также свои работы Левитан представлял среди Товарищества передвижных художественных выставок. На некоторое время художник был вынужден покинуть Москву, но позже вернулся.

Если рассматривать краткую биографию Левитана, нужно отметить, что с 1898 года он преподавал в родном училище. Среди известнейших картин Левитана – «Над вечным покоем», «Вечер на Волге», «Березовая роща», «Сумерки. Стога», «Весна – большая вода» и многие другие.

ТВОРЧЕСТВО ЛЕВИТАНА

Благодаря своему таланту и трудолюбию Левитан отлично закончил училище, однако Совет училища отказал ему в присуждении Большой серебряной медали. После окончания училища Левитан принимал участие в передвижных выставках, его картины пользовались большим успехом.

Так, его произведение «Осенний день. Сокольники», было в 1880 году приобретено Третьяковым , что явилось признанием художественного таланта Левитана.

Помимо пейзажной живописи Левитан также работал над декорациями для Московской частной русской оперы С. И. Мамонтова. В 1880-1884 годы Исаак Левитан пишет с натуры в Останкине.

Результатом становятся такие его работы, как «Сосны», «Дубовая роща. Осень», «Дуб». В 1887 году Левитан отправляется на Волгу. Волжская природа дает художнику новые пейзажные сюжеты, появляются полотна «Вечер. Золотой Плёс», «После дождя. Плёс», «Вечер на Волге».

С 1890 по 1895 год Левитаном написаны лучшие его произведения. Это картины «У омута», «Над вечным покоем», «Владимирка». Картину «Владимирка» Исаак Левитан преподнес в дар Третьяковской галерее.

Весной 1894 года художник приезжает в Тверскую губернию, здесь им были написаны такие полотна, как «Весна. Последний снег»,»Март», «Цветущие яблони», «Золотая осень», «Большая дорога. Осенний солнечный день».

В 1898 году Исаак Левитан удостаивается звания академика пейзажной живописи.

Художник преподает в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где сам когда-то учился. Его картины с успехом демонстрируются на Всемирной выставке в Париже, на выставке в Мюнхене.

Но вскоре здоровье Левитана резко ухудшается, лечение за границей мало помогает. 4 августа 1900 года Исаак Левитан скончался.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 И.И.Левитан «Март».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

  "Март", Левитан, 1895

 Март - Левитан. 1895. Холст, масло. 60х75

   Великий русский пейзажист не любил зиму. Как всякий художник конца 19 века, он с большим удовольствием писал переходные времена года - весну и осень. Именно в это время русская природа взрывается буйством красок и тысячами всевозможных сочетаний оттенков и полутонов. Едва ли не единственное исключение - эта работа. Правда, в полном смысле "зимним" этот пейзаж назвать нельзя, все вокруг предвещает скорую весну.

   Тверская губерния - любимое место творчества мастера. Вот и здесь зрителю представлен "задний двор" загородного имения. Остановив свою телегу, запряженную худой лошаденкой, крестьянин ушел обсуждать с барином предстоящий рабочий сезон. А старая лошадь, обрадовавшись первому робкому солнечному теплу, стоит неподвижно, боясь спугнуть этот редкий миг отдыха.

   Весна на картине практически не вступила в права. Тяжелый и лишь слегка подтаявший снег лежит толстым ковром. Только снеговая шапка на крыше заднего крыльца готова упасть и рассыпаться. Если молодые березки освещены ярким солнцем, то мрачные сосны остаются в тени, словно не желая так скоро уступать наступающему теплу.

   Но весну никак не скрыть. Ее выдает безупречно чистое небо, синие тени на снегу, скворечник на вершине березы уже готов принять веселое и шумное птичье семейство.

   Дороги уже практически избавились от снега. Охристый цвет проступающего наезженного пути также создает совершенно весеннее и приподнятое настроение, а залитая солнцем стена деревянного господского дома кажется жадно впитывает в себя тепло, истосковавшись по свету за долгую зиму. Дорожка следов, убегающая в лес, напоминает сказку о снегурочки, что пряталась от грозного Ярила-Солнца.

   Вся работа пронизана атмосферой нетерпеливого ожидания расцвета и цветения. Пробудившись, весна медленно, но верно преображает все вокруг.

   Известно, что великий пейзажист написал эту работу необыкновенно быстро, всего за несколько сеансов. Автор всеми силами старается приблизить наступление тепла и пору цветения.

   Сочетание зеленого, синего и белого цветов, создали уникальный и радостный колорит работы. До мастера подобным образом зиму никто не писал. Поэтому эта работа стала источником вдохновения целого поколения русских художников. Автор сумел увидеть в обычном мартовском пейзаже летнюю радость, красочность и веселость. Во всем чувствуется некоторая незаконченность, недосказанность. Стремительные перемены в природе, наступающее тепло создают иллюзию движения в картине, так мастерски переданную художником.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И.И. Левитан «Вечер. Золотой плёс».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

И.И.Левитан. «Вечер.Золотой плёс»

На картине Левитана «Вечер. Золотой плес» изображен склон берега Волги. Пейзаж освещен золотистыми солнечными лучами. Перед взором зрителя предстает маленький прибрежный городок.

На полотне изображен летний закат. Солнце только начало садится, потому его свет так ярко освещает гладь реки.

На переднем плане – склон берега. Он покрыт выгоревшей на солнце травой. Ближе к Волге начинается лет. Чуть поодаль – тропинка, которая ведет к зданиям. Среди них – небольшой домик из белого камня с красной черепичной крышей, церковь и колокольня из белого камня. Они придают пейзажу особый шарм и умиротворенность. Еще дальше среди дымки надвигающегося вечера видны еще несколько домой. Большая часть строений городка скрыта деревьями и частым кустарником.

Солнечные лучи покрывают собой всю водную гладь, и кажется, будто не вода там вовсе, а жидкое золото. Река кажется бескрайней – художник отразил всю ее природную силу и мощь. Величавый простор всего пейзажа вызывает восхищение.

На дальнем плане изображен берег реки. На него уже немного опустилась дымка заката, все его виды и очертания слились воедино в синевато-лиловом цвете. Весь берег поник в тени надвигающейся ночи, которая вот-вот перекинется и на небольшой городок на другом берегу.

Полотно создает ощущение тишины и умиротворения для созерцающего. Тихое течение воды, спокойный закат – все это создает только самые приятные впечатления, вызывает воспоминания из детства. Художник удивительно реалистично изобразил все краски летнего заката, все многообразие красоты летней природы.

Созерцание картины «Вечер. Золотой плес» вводит зрителя в глубочайшие раздумья, вызывает яркие воспоминания, вселяет в душу гармонию и покой, дает надежду.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И.И.Левитан « Золотая осень».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

  И.И. Левитан "Золотая осень"»

 Тема: классный час по картине И.И.Левитана «Золотая осень»

Цель урока:  обсуждение картины  И.И. Левитана "Золотая осень"

Задачи:

обучающие: совершенствовать умение учащихся описывать произведение пейзажной живописи;

развивающие: развивать способность точного употребления слов в устной и письменной  речи;

воспитательные: воспитывать творческую активность, эстетическое восприятие окружающей действительности и произведений живописи, любовь к родной природе.

Тип урока: урок развития речи

Формы работы: индивидуальные и групповые (словарная работа,  творческая работа в группах, самостоятельная работа)

Необходимое техническое оборудование: компьютер, мультимедиа проектор,  репродукция картины И.И.Левитана «Золотая осень»; музыкальный альбом П.И. Чайковского «Времена года», стихи русских поэтов об осени (А.С.Пушкин «Унылая пора! Очей очарованье!...», И. Бунин «Лес, точно терем расписной…», А. Плещеев «Осень наступила…», К. Бальмонт «Поспевает брусника…»

Ход урока

1.Формулировка цели урока самими учащимися:

- Ребята,  попробуйте, зная тему нашего урока, сформулировать его цель.

- Для чего мы так часто с вами пишем сочинения по картинам известных художников?

 2.Слово о художнике

- А что вам известно о художнике Исааке Ильиче Левитане?

(Исаак Ильич Левитан жил в конце прошлого века (1860-1900г.г.) Художник рано остался сиротой. Его детство было очень безрадостным, потому он не любил даже вспоминать свои детские годы. Когда он учился в Москве, в училище живописи, ему часто приходилось голодать. Он даже ночевал там, так как не имел своего угла. И.И. Левитан был мягким, отзывчивым человеком, любил всё красивое. К своей творческой работе относился очень строго.

Современники называли Левитана поэтом русской природы. За 25 лет он написал около тысячи картин, рисунков, эскизов. Умело используя цвет, рисунок, композицию, художник мастерски передаёт настроения, которые рождают в нас картины родной природы. Его кисть тщательно прорисовывает направления ветвей деревьев, листьев, убегающих вдаль речушек, деревенских дорог, а его палитра дарит нам всё разноцветие родной природы).

Работа в группах:

А теперь дополним эту информацию, поработав с  картиной.

    Сила Левитана заключается в способности открывать для зрителя красоту самых обыкновенных уголков природы, учить любоваться пейзажами, которые неразрывно связаны  для нас с представлениями о России, и любить свою родину.   Возможный  

- Так какой же вывод можно сделать? Что нового вы узнали об И.И. Левитане?

  Описание картины И.И. Левитана «Золотая осень»

Обсуждение названия картины и рассмотрение общего плана

-  Обратимся к самой известной картине И.И. Левитана «Золотая осень». Подумайте, почему картина так называется?

- Почему осень вдохновляет не только художников, но и поэтов, композиторов на создание своих произведений?  Прочитайте стихи известных русских  поэтов, которые перекликаются с этим названием. Какое из этих стихотворений больше подходит к данному пейзажу?

А. С. Пушкин

Унылая пора! Очей очарованье!

Приятна мне твоя прощальная краса —

Люблю я пышное природы увяданье,

В багрец и в золото одетые леса…

Иван Бунин

Лес, точно терем расписной,

Лиловый, золотой, багряный,

Веселой, пестрою стеной

Стоит над светлою поляной.

Березы желтою резьбой

Блестят в лазури голубой,

Как вышки, елочки темнеют,

А между кленами синеют

То там, то здесь в листве сквозной

Просветы в небо, что оконца.

Лес пахнет дубом и сосной,

За лето высох он от солнца…

Алексей Плещеев

Осень наступила,

Высохли цветы,

И глядят уныло

Голые кусты.

Вянет и желтеет

Травка на лугах,

Только зеленеет

Озимь на полях.

Туча небо кроет,

Солнце не блестит,

Ветер в поле воет,

Дождик моросит..

Зашумели воды

Быстрого ручья,

Птички улетели

В теплые края.

Константин Бальмонт

Поспевает брусника,

Стали дни холоднее,

И от птичьего крика

В сердце стало грустнее.

Стаи птиц улетают

Прочь, за синее море.

Все деревья блистают

В разноцветном уборе.

Солнце реже смеется,

Нет в цветах благовонья.

Скоро Осень проснется

И заплачет спросонья.

 -  Рассмотрите внимательно репродукцию картины. Воспользуйтесь советом Антона Павловича Чехова, который говорил, что обязательно нужно представлять самого себя среди того пейзажа, который написан художником, - тогда картина оживёт.

   Попробуйте «войти» в картину, почувствовать чистый,  прозрачный воздух осени, тихие переливы воды, шорох золотых листьев, прощальное пение улетающих на юг птиц.

  Кратко опишите свои ощущения, то настроение, которое возникло у вас, когда вы оказались в светлый осенний день на берегу маленькой речушки. Что вы увидели, что удивило, поразило вас? Что обрадовало или огорчило? Поможет вам полнее «войти» в картину музыка П.И.Чайковского «Осенняя песня».

(Учащиеся работают самостоятельно на фоне музыки, затем обсуждают в группе  и  делятся своими мыслями с классом)

  Обсудите в группе, какие фразы, предложения вам особенно понравились. Исправьте речевые ошибки.

1 группа:

Оказавшись в этой картине, ты услышишь шелест желтеющей листвы, крик улетающих на юг птиц, тихое журчание речки. Вода в реке стальная, по ней, словно маленькие парусники, плывут опавшие листья. Печально смотрятся в воду стройные берёзки. Пожелтела ещё зелёная недавно трава. Берёзовые рощи стоят, как колонны девушек-красавиц. Вдали виднеется пустынное поле. Небо чистое, лазурное, наполненное криком улетающих птиц.

2 группа:

 Много света и красок, много любви к природе, а через неё – к человеку – в картине Левитана. Нет человека, которому эти картины не напоминали бы о милых его сердцу уголках России. Вот и я, глядя на его «Золотую осень», представляю себе берег Линды, тишину, осеннюю раскраску берёз, синеву неба. И начинаешь понимать, что шедевры существуют не только в искусстве, но и в природе.                                          

3 группа:

Для меня осень начинается с прогулки по золотисто-пурпурному лесу. Под ногами слышен шорох листьев, а на душе царит спокойствие. Такое же чувство охватывает меня, когда я смотрю на картину И.И.Левитана «Золотая осень».

На ней изображена небольшая речка медного цвета. На прибрежных полянках трава и кустарники похожи на разноцветные заплатки. Но главная прелесть картины – красавицы берёзки, которые водят хоровод вокруг речки.

 ( По окончании обсуждений слушаем представителей от групп с  небольшими рецензиями.)

Описание деталей картины

 - Давайте снова обратимся к картине: внимательно вглядитесь в неё, опишите детали и сделайте вывод о мастерстве художника.

- Рассмотрите и опишите реку, изображённую на картине: воду, берега, прибрежные кусты.

- Расскажите, как на картине изображено осеннее небо.

- Опишите левый берег реки: берёзки и осинки, тени стволов, груды опавших листьев.

- Опишите берёзу, ивы, берёзовую рощицу, всходы озимых на заднем плане картины.

- Какой можно сделать вывод? ( На картинах Левитана каждая деталь важна. Из них складывается поэтический образ осени. Мы восхищаемся искусством художника проникать в мир природы и открывать нам красоту, которую мы часто не замечаем.)

  Облитые золотом деревья, чистый и прозрачный воздух, осеннее убранство, пологие берега, озимые поля, ничем не примечательный пейзаж, удивительный поэтический образ, восхититься искусством художника, тёплое золото листвы, побуревшая трава, панорама озимых полей, праздничное сияние, горит на солнце, тихо ликуют, золотые груды опавших листьев, ворохи рыжей листвы, осеннее увядание, праздник красок, пышное ликование, великолепие, золотое сияние ясного солнечного дня.

 Устное сочинение в группе. (При этом учащиеся подбирают эпиграф к своему сочинению из ранее прочитанных стихотворений.)

   Перед нами полотно известного русского художника Исаака Ильича Левитана «Золотая осень». Он написал не только эту картину, но и огромное количество других, подобных ей. Ведь её автор – это один из самых знаменитых художников России. Своими пейзажами Исаак Ильич побуждает людей любить и беречь родную природу.

  На этом полотне он изобразил стройные золотые берёзки, стоящие на переднем плане. Рядом с ними почти облетевшие осинки. На противоположном берегу, у изгиба реки, тоскует одинокая берёзка, а за ней виднеются заросли зелёных ив. На фоне этого золотого пейзажа течёт небольшая речка с холодной прозрачной водой. В ней отражается голубое небо с лёгкими облаками.  Вдали виднеются озимые поля, луга и небольшая деревенька. Художник использует зелёные, голубые, белые, коричневые, но больше золотые оттенки, чтобы подчеркнуть это удивительное время года. Эта картина навевает грусть и в то же время вызывает радость и гордость за родную землю. Ведь только в России можно увидеть такие удивительные уголки! )

 Оценивание сочинений (учащиеся высказывают своё мнение, комментируют положительные моменты и недочёты)

Домашнее задание: написать сочинение по картине И.И. Левитана «Золотая осень»

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования  

 «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

  Антон Лосенко. «Владимир и Рогнеда».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Антон Лосенко. «Владимир и Рогнеда».

Лосенко – русский живописец, положивший начало русской исторической живописи. До него её, как таковой, не существовало – были религиозные и мифологические сюжеты, но преимущественно западные, не имевшие к России никакого отношения. Только после Лосенко история родной страны выделилась во что-то, что можно отражать в картинах, тем самым увековечивая.

«Владимир и Рогнеда» — картина исключительно сюжетная. На ней изображен один из кульминационных моментов предания о князе Владимире и его первой жене. Полюбив её за её красоту – Рогнеда была дочерью князя и сестрой княжичей, веселой и жизнерадостной – Владимир посватался к ней и получил отказ. Тогда он с войском вторгся в земли её отца, сжег город, убил братьев Рогнеды и её родителя, а её саму «силой взял в жены» — именно этот момент и отражен на картине.

В центре её две фигуры, притягивающие взгляд. Рогнеда сидит в кресле, глаза у неё слепые и белые, одной рукой она ещё пытается оттолкнуть Владимира, второй держится за случайную ткань.

Владимир над ней, в богатых одеждах, в короне, но лицо его не соответствует сложившемуся в легенде образу насильника и язычника – он смотрит на Рогнеду с чем-то вроде ужаса и сострадания, держит её отталкивающую руку, свою вторую руку прижимает к груди, к сердцу, словно желая достать его и показать, какая в нем заключена тоска. Возможно, это излишняя романтизация. Возможно, художник полностью меняет смысл легенды, но одновременно в этом жесте есть своеобразная красота.

Слева, за креслом Рогнеды, плачет старая кормилица, с лицом смиренным и скорбным. За Владимиром толкутся его солдаты, смотрящие на сцену безразлично и серьезно – похоже, им не терпится начать делить добычу.

Благодаря изменению на лице Владимира, вся сцена кажется двойственной. Да, женщину здесь собираются силой сделать женой, но в князе чувствуется предчувствие раскаяния, к которому он придет однажды.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования  

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 Маковский К.Е. «Дети, бегущие от грозы».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Маковский К.Е. «Дети, бегущие от грозы».

«Дети, бегущие от грозы» 1872 г. Холст, масло 167 х 102 см.
Третьяковская галерея, Москва, Россия

На своей картине «Дети, бегущие от грозы» автор изображает сельский пейзаж. Об этом свидетельствует узенькая речка, спрятанная в густой растительности, разноцветные луговые цветы и виднеющийся вдалеке лес. На переднем плане картины дети, которые пошли в лес за грибами, но внезапно попали под начинающуюся грозу.

Они спешат скорее укрыться где-нибудь от дождя. Девочка, несёт на себе своего маленького брата, проходя через небольшой речной мостик. Возникает ощущение, что этот мостик очень шаткий, вот-вот не выдержит, и сломается под их тяжестью.

Художнику удалось очень чётко и точно изобразить переживания и эмоции на лицах детей, которые окутаны страхом по поводу начавшейся непогоды. Маленький брат девочки очень трогательно обхватывает своими ручками её шею, а она поддерживает его за ножки, чтоб он не упал.

Внешний вид детей говорит о том, что они родом из обычной крестьянской семьи: щёчки у них пухленькие и розовые, глаза – большие и выразительные, а волосы – светлые.

Вся картина пестрит разнообразными цветами и оттенками. Она очень яркая и красочная, что придаёт ей особенную прелесть. Она привлекает внимание, и завораживает. Хочется ей любоваться долго-долго.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования  

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Нестеров Михаил Васильевич .

"Видение отроку Варфоломею».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Нестеров Михаил Васильевич .

"Видение отроку Варфоломею».

Художник    всегда относился с особенной любовью к святому Сергию Радонежскому. Картина «Видение отроку Варфоломею» является первой из целого цикла его работ, посвященных преподобному игумену. Это объясняется тем, что Нестеров – художник, творчество которого сформировалось на почве высокой духовно-христианской традиции. Он нежно любил свою Родину, ее природу и людей, живших рядом с ним.

 Родился Нестеров Михаил Васильевич 31 мая, а по старому стилю 19 мая, 1862 года в Уфе. Согласно семейным преданиям, род будущего художника происходил из новгородских крестьян, которые когда-то переселились на Урал. Его дед Иван Андреевич был крепостным, а позже стал, как тогда называли, вольноотпущенным. Он сумел на "отлично" закончить семинарию и, приложив немало усилий, выбился в купеческое сословие. В семье Нестеровых очень любили литературу и даже ставили небольшие спектакли. А однажды сыграли даже комедию Гоголя «Ревизор», чем наделали переполоху в провинциальной маленькой Уфе. Надо сказать, что в те времена книги были еще редкостью, но в этом доме они водились. По рекомендации своего отца Михаил еще в детстве с удовольствием прочитал «Войну и мир» Льва Толстого. И был очень поражен этим произведением. Отец Михаила Васильевича был незаурядной личностью. Обнаружив талант сына к рисованию, он не стал препятствовать его развитию, а, наоборот, всячески поддерживал его. И это несмотря на то, что в купеческих семьях дело передавалось от отца к сыну. Церковная живопись Религиозная тематика вошла в картины художника Нестерова прочно и надолго. Но мастер писал не только полотна. Одно время он занимался росписями церквей. Например, в 1893-1894 годах во Владимирском соборе города Киева он написал запрестольный образ под названием «Рождество Христово», а через 2 года в одном из храмов Петербурга была закончена работа над мозаикой. В 1899 году Нестеров приступил к росписи кавказской церкви Александра Невского. Через 5 лет она была завершена. Также кисти мастера принадлежат фрески, находящиеся в московской Марфо-Мариинской обители. Работа над ними велась с 1907 по 1911 год. К этому времени как раз и относятся лучшие картины Нестерова Михаила Васильевича, написанные им на религиозные темы.  

Чем же можно объяснить такую большую тягу художника к святым образам? Существовала некая семейная легенда, согласно которой маленький Михаил чуть не умер, но, благодаря вмешательству святого, который чудесным образом исцелил его, мальчик все-таки выжил. Надо сказать, что лечили тогда детей достаточно суровыми народными методами. Например, держали их прямо на снегу или на морозе или, наоборот, укладывали в горячую печь. По словам самого художника, его матери показалось, что он умер. Тогда ребенка, как полагается, обрядили и положили под иконами, на грудь поместили образок святого Тихона Задонского, а сами уехали на кладбище - заказывать похороны. Через какое-то время мать заметила, что ее ребенок очнулся. Она была уверена, что это чудо случилось благодаря заступничеству святого. С тех пор особенно почитаемым и любимым в их роду стал, помимо Сергия Радонежского, и Тихон Задонский.

   Работа над картиной Нестеров «Видение отроку Варфоломею» писал, будучи в Комякине. Недалеко от этого места находилась Троице-Сергиева лавра. Также рядом расположена и усадьба Абрамцево, владельцем которой являлся знаменитый в то время меценат Савва Мамонтов. Как известно, он очень любил приглашать к себе в гости уже состоявшихся, знаменитых художников: Серова, Васнецова, Билибина, Врубеля. Бывал там и Нестеров. «Видение отроку Варфоломею» - картина, в которой использованы именно абрамцевские пейзажи. Сам художник писал о том, что этюд для этой работы он набросал, будучи прямо там. Тогда его до глубины души поразила незамысловатая подлинность российской природы. Сохранилось несколько подготовительных рисунков и этюдов к этому самому знаменитому его полотну .  Михаил Нестеров «Видение отроку Варфоломею» посвятил Сергию Радонежскому, жившему в XIV веке. Он был основателем и игуменом Троице-Сергиева монастыря. В миру носил имя Варфоломей. Он до сих пор является одним из самых почитаемых святых в России. Именно с благословения Сергия, Дмитрий Донской отправился на битву, произошедшую на Куликовом поле в 1380 году. Бой против полчищ монголо-татар под руководством хана Мамая закончился победой русского войска. С нее началось освобождение земель от монгольского ига. Для художника образ юного Сергия стал своего рода символом, который давал надежду на то, что русская духовность все же возродится.

 Картина Нестерова «Видение отроку Варфоломею» изображает один из эпизодов жития Сергия Радонежского. В отличие от своих братьев, в детстве мальчику очень трудно было изучать грамоту. Однажды, ища пропавшую лошадь, он забрел в лес, где ему встретился монах, молящийся у дуба. Варфоломей пожаловался иноку, что грамота дается ему с большим трудом. Старец с помощью таинства причастия помог отроку обрести знания.  Нельзя не заметить тепла, исходящего от нее. Почти все цвета, используемые художником для ее написания, - солнечные и радостные: желтый, оранжевый, зеленый, коричневый, охра.

На переднем плане картины видим две центральные фигуры – инока и отрока, окруженных осенним, чисто русским пейзажем. На втором – холм, заросший высокой травой. Она уже почти вся пожелтела и местами высохла, но все же на ее фоне хорошо видны небольшие нежно-голубые цветы. Глубину картине придают холмы, расположенные по бокам: слева – желто-зеленый, поросший высокими елями, а справа – красно-желтый. На заднем плане виднеется засеянное золотой пшеницей поле, а на его краю – две ветхие, чуть покосившиеся, темные избушки. За ними изображена деревянная, уже не новая церковь с ярко-голубыми куполами в окружении стройных берез и елей. Напротив нее, через дорогу, вьется, поблескивая, небольшая речушка. Вода в ней чистая и прозрачная.

  «Видение отроку Варфоломею» будет неполным, если отдельно не упомянуть о том, как был найден образ для одного из главных героев.

Говорят, что Нестеров долго искал натуру, чтобы написать с нее мальчика. Но однажды ему случайно встретилась девочка, которая страдала чахоткой. Он был поражен ее видом: на болезненном детском личике, казалось, жили лишь яркие глаза, смотревшие на него каким-то неземным взором. Именно тогда художник и понял, что наконец-то нашел образ отрока. На картине маленький Варфоломей изображен в простой белой крестьянской рубахе, на поясе у него виден кнут, а с руки свисает уздечка. Как было сказано выше, согласно Житию, отец мальчика послал его разыскивать потерявшуюся лошадь. Глядя в глаза отроку, можно увидеть всю чистоту его души. Они смотрят на старца очень серьезно, по-взрослому, как будто видят свое будущее предназначение. Образ инока Некоторую таинственность картине придает то, что лицо святого скрыто надвинутым куколем. Видно, что старец бережно держит в своих руках ларец. В этом усматривается любовь и нежность, которые направлены в сторону отрока. Варфоломей же, стоя перед иноком, сложил молитвенно руки, а его ноги, чуть согнутые в коленях, красноречиво свидетельствуют о явном преклонении перед святостью старца.

 Следует отдельно упомянуть и о золотом нимбе, окружающем голову инока. После того как в 1890 году полотно было впервые продемонстрировано на выставке передвижников, именно эта небольшая деталь вызвала нешуточные споры среди художников. Они сразу же заметили одно характерное несоответствие: лицо старца написано в профиль, а сам нимб почему-то в фас. Следуя художественной правдоподобности, святость должна была быть изображена лишь тонкой золотой линией, а не кругом, как на картине. Но, скорее всего, нарисовав эту деталь таким образом, художник Михаил Нестеров хотел привлечь внимание зрителей не к лику святого, т. е. к его внешним чертам, а именно к его праведности.  Интересная деталь, которую необходимо включить в описание картины «Видение отроку Варфоломею»: у ног мальчика растет очень слабенькая и тоненькая елочка, похожая на него, а сзади старца – дуб, старый и морщинистый, как и сам инок. Это дерево всегда олицетворяло мудрость и величие. Продолжая сравнивать образ старца и отрока, невозможно не отметить, что простая белая рубашка на мальчике – это самая яркая деталь, находящаяся в центре картины. Она символизирует чистоту и юность, тогда как темные, почти черные одежды инока – мудрость, приходящую с годами, и старость. Картина Нестерова «Видение отроку Варфоломею» написана очень гармонично. Соломенные волосы мальчика напоминают осенние поля и пожелтевшие листья на березах, а его сапожки и штанишки выполнены теми же красками, что и куколь старца. Цикл картин о преподобном Сергие Радонежском Нестеров – художник, которого не покидал образ этого святого на протяжении почти всей жизни. После первой картины, посвященной Сергию Радонежскому («Видение отроку Варфоломею»), он приступает к следующей большому полотну – «Юность преподобного Сергия». Работая над ним, он как бы создавал легенду о Святой Руси. В этой мифической стране природа и человек сливались воедино, объединенные возвышенной одухотворенностью и молитвенным созерцанием. Картины художника Нестерова отличаются своими необычными пейзажами. Чаще всего на них присутствует неброская природа либо средней полосы России, либо северных ее районов. Такой тип пейзажа так и называется – нестеровским.

Для него присущи тонкие березы, пушистые сосны, рябины с ягодами и резными листьями, а также раскидистые вербы. Каждое дерево на картинах как бы наделено своей собственной душой. Послереволюционная деятельность После 1917 года Нестеров занимался в основном написанием портретов, так как церкви были у большевиков не в чести. В своих картинах художник всегда тяготел к лирической линии своего искусства. Именно поэтому он продолжил ее в женских портретах. Это особенно заметно, когда он писал свою дочь Веру в 1928 году. Она изображена в белом бальном платье с нежно-розовыми цветами на груди, сидящей на старинном диване. Свою другую дочь, Наташу, Нестеров изобразил в образе девушки, жившей во времена французской революции.

Эта картина получила название «Девушка у пруда», а написана она в 1923 году. Интересен тот факт, что чем больше лет становилось Нестерову, тем энергичнее и мастеровитее казалось его искусство. Как ни странно, лучшие из портретов были написаны им уже после 70-летнего возраста. Художник рисовал не только других людей, но и себя. Есть несколько его автопортретов. На одном из них фоном он сделал высокий обрыв над рекой Белой. Последней его работой стал пейзаж под названием «Осень в деревне».

Художник очень любил свою родную землю и немного суровую, но такую милую сердцу русскую природу. Какую же картину считал лучшей и наиболее удавшейся М. Нестеров? «Видение отроку Варфоломею», конечно же. По словам художника, он очень хотел, чтобы не только современники, но и потомки оценили по достоинству это произведение искусства. Его мечта сбылась.    

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

В.Г. Перов. « Охотники на привале»

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

В.Г. Перов. « Охотники на привале»

В творчестве Перова есть период, когда мастер избегает острых социальных сцен. Он обращается к жизни простой, обычной, знакомой. В ряду этих работ самой знакомой является именно картина "Охотники на привале".

   В центре композиции три охотника, очень разные, но каждый из них по своему интересен и содержателен. Внимание двоих слушателей привлек страстный и увлекательный рассказ старшего, опытного охотника. В его позе, мимике, глазах святая вера в "истинность" истории, которую он решил поведать своим товарищам. Слушатели же относятся к рассказу по-разному. Молодой охотник жадно впитывает каждое слово своего опытного товарища, третий участник - мужчина средних лет - настроен скептически, каждое слово рассказчика он подвергает сомнению.

   Если внимательно рассмотреть предложенную автором композицию, то идея становится ясной. Художник показал некий жизненный цикл: молодость, жадно познающая мир, впитывающая его с верой в чудо; затем наступает зрелость и опыт, когда ничего уже на веру не принимается и подвергается сомнению; зрелость сменяется старостью, живущую воспоминаниями, постоянно впадающую в идеализацию прошлого.

   За простой и ясной работой глубокое содержание, философское, непростое. Критики отмечали убогость и напряжение, которые отличают окружающий пейзаж. Тревожное небо, летящие птицы, блеклая трава - все говорит об осени, засыпании, предчувствии зимы. Почему же художник выбрал столь мрачный пейзаж для обрамления своей картины? Скорее всего, для автора было важно сконцентрировать внимание зрителя на центральных фигурах картины, фон не должен отвлекать от главного в работе.

   Герои картины - реальные люди, друзья художника, послужившие прототипами охотников. Как известно, и сам автор любил охоту. Поэтому каждая деталь картины написана со знанием дела. В левом нижнем углу картины мы видим восхитительный охотничий натюрморт, который, с одной стороны органично вписывается в общую композицию, с другой стороны, вполне может быть выделен в отдельную работу, написанную с недюжинным мастерством и реалистичностью.

Слева сидит старший в компании. Это Д. П. Кувшинников – любитель ружейной охоты, известный московский врач. Обратив взоры на полотно, мы видим – Кувшинников рассказывает что-то интересное. Глаза его широко раскрыты, а руки имитируют когти хищника. Видимо, он рассказывает своему молодому другу, как когда-то охотился, и на него напала рысь, волк или медведь. Конечно же, охотник победил это животное и проявил недюжинные способности.  

Прекрасно передал мимику, положение головы, рук, тела своего персонажа Перов. Картина «Охотники на привале» представляет собой сцену отдыха друзей и отражает живость их беседы. Второй персонаж

Благодарный слушатель, сидящий на полотне справа, тоже имеет свой реальный прототип. Это Николай Михайлович  Нагорнов, которому на момент создания холста было 26 лет. В жизни он был другом Д. П. Кувшинникова и тоже работал в медицине. Интересно, что этот юноша через год женился на племяннице известного писателя Толстого. Но пока его полностью поглотил рассказ старшего охотника. Он слушает историю мужчины, сидящего напротив, и смотрит на него во все глаза. Юноша замер, его не интересуют ни трапеза, ни сигарета, которую он держит в правой руке. А рассказчик старается вовсю, он даже снял свой головной убор, потому что ему стало жарко.

 Третий герой очень реалистично передает все эти эмоции, настроения полотно, которое написал Перов - «Охотники на привале». Картина знакомит нас еще с одним героем, прототипом которого стал врач В. В. Бессонов. Как нетрудно догадаться, в жизни он был другом Кувшинникова и Нагорнова. На полотне Бессонов усмехается. По выражению его лица можно понять, что охотничью байку своего приятеля он слышал не раз и не верит в нее. Мужчина почесывает себя за ухом, понятно, что означает этот жест. Он пытается отвлечься, чтобы не засмеяться и не рассказать молодому товарищу правду. Всё это знал и Перов. «Охотники на привале» – картина, позволяющая мысленно перенестись в конец XIX века, стать участниками интересной сцены и домыслить, о чем говорят главные герои полотна.  

   Свет в картине концентрируется на лицах и руках героев. Этот старый прием, времен эпохи Возрождения, позволяет художнику полнее раскрыть внутренний мир своих моделей. Все охотники явно довольны результатами охоты, чему свидетельствуют трофеи, изображенные тут же. Художник изобразил людей разного социального происхождения, но всех их объединила охота, заставила забыть о жизненных реалиях и полностью отдаться древнейшему промыслу.

  Интересно, что художник снова обратился к этому сюжету и создал еще одну картину для Русского музея. Вторая версия сюжета схематичнее, проще, цветовая гамма проще.

   Известно, что некоторые критики обвиняли художника в том, что изображенные им герои выражают излишне наигранные эмоции. Однако, разгадав замысел автора, можно считать это вполне оправданным. Подобный прием позволяет ярче обрисовать характер и внутренний мир героев, раскрыть символическую составляющую картины.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 Перов В.Г. «Тройка».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

 Картина «Тройка» В.Г. Перова: история создания и описание  

 Картина «Тройка» - это одно из самых значительных произведений художника В.Г. Перова. На ней изображены дети бедняков, везущие бочку воды по обледенелой дороге. Со времени ее написания прошло много лет. И у современников картины, и у сегодняшних зрителей работа мастера вызывает слезы на глазах и высокое чувство сострадания к людям. Автор картины «Тройка» с помощью художественных средств попытался воссоздать атмосферу мрачной обреченности, царившей в мире нищих и обездоленных. В настоящее время данное произведение искусства находится в Третьяковской галерее в Москве. Несколько слов об авторе полотна Картина «Тройка» - это, пожалуй, одно из самых эмоциональных и известных произведений художника Василия Григорьевича Перова. Он родился в городе Тобольске. Когда его родители переехали в Нижегородскую губернию, будущий великий мастер поступил на обучение в Арзамасское уездное училище. Там же он с перерывами учился в художественной школе, закончить которую Василию так и не удалось. Зато позже будущий художник получил образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. За свою жизнь мастер написал множество замечательных картин. Среди них такие работы, как «Приезд станового», «Мальчик-мастеровой», «Плач Ярославны» и многие другие. Картина «Тройка»: описание Данное произведение было написано автором в 1866 году. Это было сложное для России время. Крепостное право уже отменили, но это не поправило бедственного положения русского крестьянства. Жизнь его по-прежнему была нищей и обездоленной. Многих мастеров искусства тогда волновала тема социального неравенства, бесправия и бедноты крестьян, принуждения платить «слезинкой ребенка» за некие жизненные блага.  Это и отразил в своей картине художник. В центре нее изображены трое детей (учеников мастеровых), везущих огромную обледенелую бочку воды. Это два мальчика и девочка. На дворе зима, смеркается, на дороге – гололедица. Резкий холодный ветер раздувает их плохонькую одежонку. Выливающаяся из бочки вода тут же превращается в сосульки. Как холодно детям, должно быть, в такой мороз!.. Видно, что они совершенно выбились из сил. Какой-то добрый человек помогает им втащить бочку на пригорок. Повозку сопровождает собака, которая бежит немного справа перед детьми. Картина написана в мрачных серо-коричневых тонах. Даже снег вокруг темный. Тем самым мастер желал показать зрителю всю серость, безысходность и ужас ситуации, когда малолетние дети вынуждены выполнять такую черную работу. Обстановку также нагнетает заледенелая пустынная улица. С чем ассоциируются герои картины у зрителей? Само название ее говорит о том, что труд этих ребятишек можно сравнить с работой лошадей. У публики рассматриваемое произведение вызывает острую жалость к бедным деткам, на долю которых выпала такая нелегкая участь. Основная идея Автор картины «Тройка» здесь обращается к теме детского труда в России тех лет. Сейчас нам сложно представить ситуацию, когда это было вполне законным и абсолютно нормальным, с точки зрения существовавшего тогда строя, явлением. Сколько же горечи и боли в названии произведения! Нам более привычно называть тройками группу резвых лошадей, несущихся с большой скоростью по широким бескрайним просторам России. А тут бедные и измученные дети, вынужденные тянуть непосильную ношу в морозный день. Многие городские мастеровые тогда нагружали своих учеников подобной тяжелой работой. Дети в таких адских условиях часто болели и умирали. Глядя на картину, можно живо представить себе всю безысходность ситуации. Именно на это хотел обратить внимание общества художник. Произведение никого не оставит равнодушным, заставит быть добрее к людям и не позволит пройти мимо и не увидеть рядом с собой обездоленности и нищеты.

 Натурщики.

Автор произведения долго искал натурщиков для своей работы. Для фигур девочки и крайнего левого мальчика он их нашел. А вот для изображения центрального героя художник никак не мог «присмотреть» подходящего ребенка. Картина «Тройка» уже была написана более, чем наполовину, когда Перов встретил однажды на улице крестьянку с сыном, которые шли из рязанской деревни в монастырь. Когда он увидел мальчика, то сразу понял, что это именно та центральная фигура, которой не достает на полотне. Разговорившись с женщиной, мастер узнал, что зовут ее тетушкой Марьей, а ее сына - Васей. Судьба ее нелегка. Она похоронила всех своих детей и мужа, умерших от болезней и нужды. Двенадцатилетний Вася – ее единственная надежда и утешение. Выслушав горькую историю, Перов предложил женщине нарисовать ее сына. Та согласилась. Так на картине появился новый персонаж. Судьба главного героя История эта имеет продолжение. Однажды, спустя четыре года после написания картины, к Перову пришла старушка в полушубке и грязных лаптях. В ней мастер с трудом узнал ту самую тетушку Марью. Она протянула ему небольшой узелок с яичками. «В подарок», - так объяснила женщина. Со слезами на глазах крестьянка рассказала художнику, что ее Васенька умер в прошлом году, тяжело заболев. Оставшись совершенно одна, женщина продала весь свой скарб, работала всю зиму, и, скопив немного деньжонок, пришла к Перову, чтобы на свои нехитрые сбережения выкупить у него картину, на которой изображен ее любимый сынок. Мастер объяснил бедной матери, что картина «Тройка» находится в галерее, что приобрести ее невозможно. Зато можно ее увидеть. Когда женщина оказалась перед картиной, она упала на колени и, горько заплакав, начала на нее молиться. Тронутый этой сценой, художник обещал матери нарисовать портрет ее сына. Свое обязательство он выполнил и отправил в деревню женщине свое произведение в золоченой раме.  

Автопортрет художника.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования  

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Василий Поленов. «Московский дворик».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Василий Поленов. Московский дворик. 

Это любимая картина многих поколений зрителей. Поленов изобразил типичный уголок старой Москвы – церковь Спаса на Песках, расположенную в одном из переулков близ старинной улицы Арбат. Эта церковь стоит и поныне, окруженная теперь совсем иной городской средой. На картине же мы видим характерную для XVIII – XIX веков застройку. Главной градостроительной единицей Москвы были не улицы и площади, а дом и двор. Старые московские особняки, занимая порой целые кварталы, были окружены садами с плодовыми деревьями и надворными постройками. Эти «дворянские гнезда» были моделью традиционного деревенского быта, поэтому Москву часто называли «большой деревней». Поленов создал образ, полный покоя и умиротворенности. Написанная яркими красками, картина утверждает радость повседневного бытия – «отрадное», по выражению художника Серова, и передает светлые чувства автора.

1878. Холст, масло. Третьяковская Галерея, Москва, Росси

Cейчас, сегодня это место найти будет очень трудно, потому что этого дома и дворика уже не существует.  Поленовский московский дворик был написан в районе Арбата, в районе чуть выше, где сейчас находится кинотеатр "Октябрь". Т.е. ближе к "Смоленской". Василий Дмитриевич Поленов писал 23 июня 1877 года своему дяде Чижову, в доме которого жил уже три недели и занимался поисками квартиры в Москве: "Дорогой дядя, благодарю Вас за гостеприимство и т.д. Мое новое жилище очень неподалеку от Вас. Находится оно в Дурновском переулке между Новинским бульваром и Собачьей площадкой. Мой адрес: Москва, Дурновский переулок близ Спаса на Песках, дом Баумгартен".

И Собачья площадка, культовое место, и прочие арбатские переулки между Большой Молчановкой и самим Арбатом были сметены просекой Нового Арбата. Как раз между этой площадкой и Новинским бульваром и проходила Дурновская улица, ныне просто улица Композиторская. А рядом находился Дурновской переулок. Известный московский архитектуровед Мария Нащокина рассказывала, что этот дом был на месте нынешнего дома №17 по улице Композиторской. Сейчас это Трубниковский переулок, дом №5, который обозначается через дробь: 5/17. И вот №17 – это уже Композиторская улица, куда влились и Дурновский переулок и Собачья площадка. Композиторской же улица стала (и это очевидно) благодаря сестрам Гнесиным и одноименному училищу, плюс ко всему в этом же месте раньше располагался Союз композиторов.

И колокольня и церковь, изображенные на картине, сохранились, безвозвратно утерянным оказалось внутреннее пространство поленовского дворика. Исследователи творчества художника, к слову, замечают, что Поленов, очевидно, приблизил это пространство, что видно, в частности по первому варианту, где и церковь и колокольня были расположены несколько вдалеке. А приблизил архитектуру художник для того, чтобы придать большую торжественность и праздничность своей картине и сделать ее более явственной и читаемой. Тогда же видимо на картине появляется, то есть становится более виден и особняк, который, к сожалению, тоже не сохранился.

"Московский дворик" стал первой картиной, написанной Василием Поленовым по старомосковским впечатлениям; она была создана именно в то время, когда он переехал в Москву из Санкт Петербурга. И, кстати сказать, перебраться из Северной столицы поближе к Средней полосе художнику горячо рекомендовал Савва Иванович Мамонтов, который писал ему в письмах о том, что Москва может дать живописцу очень много художественного материала. Поленов приехал в столицу с мыслью писать картину "Пострижение негодной царевны", для чего он отправился на поиски квартиры, возможно – будущей мастерской. И так получилось, что первым, на что он обратил внимание, оказался вот этот вот московский дворик. Екатерина Васильевна Сахарова, дочь Василия Дмитриевича Поленова в своих воспоминаниях пишет, что ее отец вместе с товарищем Левитским прожил в этом доме на углу Трубниковского и Дурновского переулков около года, до лета 1878 года. Здесь Поленовым были написаны "Московский дворик" и "Бабушкин сад". Впоследствии сам художник вспоминал об этом времени так: "Я ходил искать квартиру. Увидел на двери записку, зашел посмотреть и прямо из окна мне представился этот вид, я тут же сел и написал его". Таким образом, Поленов написал первоначальный вариант "Московского дворика" в 1877 году, а уже впоследствии доработал его, "населил" людьми и несколько изменил композицию.

О персонажах картины стоит сказать особо. Мы видим на ней каких-то ребятишек, женщину, которая идет кормить кур с ведром воды, кричащего малыша. То есть, абсолютно обыденную, жизненную сценку, которая для тогдашней Москвы была более чем характерна (и не будем забывать, что у нас тут в полутора километрах – Кремль). А для человека, который всю жизнь прожил в Петербурге с его дворами-колодцами, увидеть вдруг зеленую траву, детишек, кур, гусей... это было поразительно, конечно.  

Поленов много жил в Имоченцах – это было родовым имением родителей, часто ездил в Ольшанку к своей бабушке Вере Николаевне Воейковой, путешествовал в Царское село, которое стало для него родным, и эти детские, может быть юношеские впечатления (он позже сам напишет об этом в воспоминаниях), легли в основу всех его позднейших пейзажей. Т.е. можно предположить, что в момент поиска квартиры, мастерской, московского жилья на Поленова вдруг нахлынули детские ощущения, минутная может быть слабость или наоборот, момент воодушевления, скорее.  

Действительно, в этом пейзаже, если что и ощущается сразу, без разбега, грубо говоря, то вот как раз это неуловимо детское восприятие мира. И если посмотреть с этой точки зрения, то начинаешь замечать, как подробно выписана трава и эти таинственные деревья, которые ведут в какой-то сад, наполненный, как нам кажется, какой-то необыкновенной жизнь. Не случайно же и ребенок у Поленова повернут в эту сторону, сторону сада.

Перед тем, как выставить картину на передвижной выставке, Поленов дорабатывал пейзаж. И отдавая "Московский дворик" Ивану Николаевичу Крамскому уже с людьми, он писал: "К сожалению, я не имел времени сделать более значительной вещи. Мне хотелось выступить на передвижную с чем-нибудь порядочным. Надеюсь, в будущем заработать потерянное для искусства время".

Однако именно эта "картинка" принесла В.Д. Поленову известность и славу. Подобно саврасовским "Грачам", "Московский дворик" говорил зрителю о чем-то близком и родном, что с детства живет в сознании каждого человека.

На картине воспроизведен типичный уголок старой Москвы - с ее особнячками, церквами, заросшими зеленой травой двориками, с ее почти провинциальным укладом жизни. По воспоминаниям самого В.Д. Поленова, это было утро ясного солнечно дня в начале лета. Легко скользят по небу облака, все выше Поднимается солнце, нагревая своим теплом землю, зажигая нестерпимым блеском купола церквей, укорачивая густые тени... Дворик постепенно оживает.

Вот торопливо направляется к колодцу женщина с ведром, Деловито роются в земле у сарая куры, затеяли возню в зеленой траве ребятишки. Пригревшись на солнце, мирно ожидает своего Хозяина запряженная в телегу лошадь, в любой момент готовая тронуться... Девочка в белой кофте и длинной юбке стоит и внимательно рассматривает цветок, который держит в руках. Неподалеку горько плачет сидящая на земле маленькая девчушка, но на нее никто не обращает внимания... Эта будничная суета не нарушает безмятежной ясности и тишины, разлитых во всем пейзаже.

Как писала искусствовед Т.В. Юрова, В.Д. Поленов вложил в полотно всю силу своей любви к людям и к жизни, именно эта любовь делает поэтическими самые обычные прозаические вещи. В картине В.Д. Поленова все дышит поэзией правды: и белоголовые ребятишки, и корявые березы с вьющимися над ними галками, и пушистый ковер молодой травы, и даже покосившиеся хозяйственные пристройки.

Рядом с этими покосившимися сараями, колодцем и заборами сверкают белизной нарядные особнячки, стройные храмы, легко взлетают вверх кружевные колокольни, блестят в лучах солнца купола церквей... И над всем этим царит бездонное небо. Для своей картины В.Д. Поленов выбирал раннее летнее утро, оттого в ней нет ни зноя, ни яркого ослепительного солнца. Художник чувствовал, что жаркое солнце не вяжется с его скромным пейзажем, с его умиротворенным и ясным настроением, царящим в природе.

На первый взгляд, композиция "Московского дворика" кажется несколько хаотической. Но хорошее знание перспективы позволило В.Д. Поленову именно так построить свое произведение. Силуэт сарая между белыми церковью и колокольней, освещенными солнцем, и домом определяет центр. Слева - приглушенные тона зеленого сада, справа пространство замыкает затененный угол сарайчика. Сверху и снизу пространство картины замыкают темнеющая зелень травы у нижнего края и темное в зените небо. Вьющиеся среди травы тропинки, домики и деревья вдали за сараем уводят глаз зрителя в глубину перспективы.

Чистый воздух струится вокруг белой с горящими куполами церкви, и этим несколько лишает ее четких очертаний, но все остальные формы написаны художником совершенно ясно.

Весенняя зелень травы передана В.Д. Поленовым со всевозможными оттенками, хотя издали может показаться, что ее поверхность окрашена одним тоном. Чувствуется, что художник любит цвет, но он словно сознательно ограничивает себя 3-4 самыми необходимыми красками, чтобы добиться общей гармонии и передать воздушную атмосферу, окутывающую все деревья, фигуры и строения, крыши всех домов, например, светло-голубые, слегка зеленоватые. В каждом отдельном случае очень верно выбран тон. Это позволило В.Д. Поленову плавно перейти от зелени травы и деревьев к голубизне небес.

Здесь необходимо заметить, что он сам не слишком ценил эту свою работу, ведь он себя, если так можно выразиться, позиционировал прежде всего историческим живописцем. Ему и Грабарь говорил, что в нем живут три художника: московский, библейский и пленэрный и Поленов с удовольствием с этим мнением соглашался. Он был удивительно, разносторонне талантлив. Он обладал, по выражению одной исследовательницы абсолютным зрением (по аналогии с абсолютным слухом), был пленэристом от Бога и чувствовал движение воздуха, умел писать сам воздух. И в то же время он был великолепным декоратором. Собственно, с его домашних декораций для мамонтовского театра и началась русская сценография. Пускай это были первые пробы, но то, что именно поленовское декоративное творчество было началом блестящего расцвета русской театральной декорационной живописи, отмечали все, в том числе и Бенуа.

Появление картины в галерее Третьякова было предопределено, поскольку Павел Михайлович уже в 1875 году купил первую картину Поленова, большую картину "Право господина". В это время Поленов был еще пенсионером Академии художеств в Париже. И конечно, с тех пор Третьяков внимательно наблюдал за творчеством молодого художника. Покупка картины "Московский дворик" произошла после того, как Поленов выставил эту картину на шестой передвижной выставке. Это было его первое участие в выставке товарищества передвижников, хотя он уже давно намеревался вступить в это товарищество, и "все симпатии мои, - писал он, - были на стороне общества с самого его возникновения". И Крамской – лидер товарищества тоже очень надеялся на то, что участие Поленова послужит обновлению передвижников, связывал с Поленовым свои надежды на молодых художников. И конечно, такая картина как "Московский дворик" наилучшим образом соответствовала этим надеждам. В Москве выставка передвижников открылась 7 мая 1878 года. И уже 19 мая Поленов сообщил своему учителю, художнику Чистякову о том, что вопрос о покупке картины Третьяковым вполне решен.

И вот этот дворик, населенный карапузами и курами появляется на передвижной выставке, где, в общем-то, такой дидактический смысл всегда выносился в массы и живопись призвана была учить народ. И вот здесь вот вдруг такая бытовая абсолютно ни к чему не призывающая картина. Это было откровение. Это было откровение и для передвижников самих, и Крамской говорил: "Молодец Поленов". И это было как бы такой, одной из граней передвижничества для них, а молодежь видела в этом откровение живописное, прежде всего, красоту живописи. И Остроухов, например, говорил, что его поразили абсолютно тургеневские мотивы в творчестве Поленова. И тут можно, конечно, сразу вспомнить о том, что как Тургенев отмечал Поленова в Париже и посещал его мастерскую, особо выделяя его картину "Ливень". А вариант "Московского дворика" без людей был подарен Поленовым Тургеневу в 1880 году, когда Тургенев приезжал на открытие памятника Пушкину, где Поленов подарил писателю свою картину, а Тургенев подарил художнику "Записки охотника" со своей надписью, которые были особенно любимыми Поленовым - он считал эту книгу бриллиантом русской литературы.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования  

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Поленов В.Д. «Христос и грешница».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Поленов В.Д. «Христос и грешница».

1888 г. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия

Знаменитое полотно Александра Иванова «Явление Христа народу» производило огромное впечатление на всех, кому доводилось увидеть его своими глазами. Каждый, кто имел отношение к живописи, пристально следил за созданием картины долгих 20 лет и мечтали в будущем написать столь же шедевральную и наполненную глубоким этическим содержанием работу. В их числе был и молодой художник Василий Поленов. Свои стремления к созданию духовного драматического полотна он воплотил в монументальной работе «Христос и грешница».

За основу сюжета, выбранного для написания картины, была взята библейская легенда о встрече Христа с грешницей. По легенде, к Иисусу в храм привели женщину, обвиняемую во греховном занятии – прелюбодеянии. Сопровождавшие ее мужчины обратились к нему с вопросом о том, как поступить с нечестивой – ведь еще Моисей учил бить камнями всех, совершивших этот грех. На что Христос ответил: «Если среди вас есть безгрешный, то пусть он бросит в нее камень». И продолжил писать, не проронив больше ни слова. Постепенно люди стали расходиться, и ни один камень не был брошен в женщину. Когда в храме никого, кроме них не осталось, Иисус сказал ей, что так же, как и все, не станет ее судить и отпустил домой, велев больше не грешить.

Написанию картины предшествовала тщательная подготовительная работа. Так, задуманное полотно должно было иметь достаточно большие размеры – 3,07 м на 5,85 м. В России же таких холстов не выпускали, поэтому художнику пришлось отправиться в Италию и заказывать холст там. Эта поездка была не последней – неоднократно Поленов посещал Египет, Палестину и Сирию, чтобы глубже изучить нравы, быт и колорит Иудеи времен Христа. Совершая путешествия на Восток, художник хотел на себе ощутить атмосферу библейских преданий, передав затем исторически достоверную обстановку на холсте. Всего за время работы над картиной Поленов сделал больше 150 предварительных рисунков, эскизов и этюдов, часть из которых сегодня хранятся в ГРМ.

Впервые художник представил свою работу в феврале 1887 года на XV выставке Товарищества передвижников. По первоначальному замыслу, название картины было иным – «Кто из вас без греха?». Поленов считал, что именно эта фраза олицетворяет идею всепрощающей любви к ближнему и нравственное самосовершенствование. Но цензоры позволили выставить картину при условии замены названия на «Христос и грешница». Работа в целом также была осуждена цензорами и определена как вредная для народа. Но, как ни странно, полотно впечатлило императора Александра III, который не только допустил ее к демонстрации, но и приобрел картину для своего музея.

Чем же вызвала картина столь жаркие споры и неоднозначные мнения? Дело в том, что Поленов в своей работе сломал канонические традиции художественного изображения Иисуса. Он писал не Бога, а мудрого странника-философа, сосредоточившись главным образом на его человеческих качествах. Иисус максимально приближен к простому человеку – изображен сидящим в спокойной, слегка усталой позе, облаченным в одежду, не выделяющуюся из одеяний других людей. Фон, на котором разворачивается действие картины, также лишен мистики и отражает повседневную жизнь восточного города. Художник добивался такого понимания картины, согласно которому Христос воспринимался бы не как Бог, а человек с огромной душой. И ему удалось это сделать.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И.Е. Репин в истории русской живописи.

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

 ТЕМА: «И. Е. РЕПИН В ИСТОРИИ РУССКОЙ ЖИВОПИСИ»

Кто из нас не помнит, как в дни нашей юности мы преклонялись перед именем Репина? Мы нетерпеливо ждали его новых произведений…, изучали каждый мазок на его картине, самый холст, называвшийся репинским, и казалось, что иначе, сильнее, чем Репин, нельзя и трактовать натуру, не говоря уже об образах в его картинах. Они казались жизненнее самой жизни, столько в них было правды и силы.

1. РАННИЕ ГОДЫ

Родился будущий художник Илья Ефимович Репин 5 августа 1844 года в маленьком городке Чугуеве на Украине, в семье военного поселенца. Рано обнаружив склонность к рисованию, и получив с помощью местных живописцев первые, но довольно уверенные навыки владения кистью и карандашом, девятнадцатилетний юноша едет в Петербург с надеждой поступить в Академию художеств. Вся репинская жизнь, и в особенности юность и молодость, представляется в его интерпретации какой-то нескончаемой цепью редких удач и просто неслыханных везений. Удачей стал его приезд – провинциального иконописца - в Петербург, счастьем - сознание того, что он находится в одном городе с Академией и учится в Рисовальной школе на Бирже. Все остальное - бедность, убогое питание: ломти черного хлеба со стаканом черного чая, - оставались где-то на периферии сознания, не мешая и не заслоняя главной светлой картины.

Рисовальной школе при Бирже его покорило уверенное совершенство рисунка, которым владели тамошние учителя. Он пытался им подражать, но безуспешно: его собственные рисунки выглядели как будто грязнее и хуже. Когда вывесили оценочный лист, он искал себя в самом конце и, не найдя там, страшно расстроился. Вдруг какой-то соученик одернул его и сказал: «Смотрите, а ведь ваша фамилия написана первой!»

Неверие в собственную исключительность и гениальность, в свое законное первенство осталось в нем навсегда. Он любил называть себя «посредственным тружеником» и ежедневным каторжным трудом отрабатывал свое громкое имя. Удачи не сделали его небожителем, а неудачи не озлобляли, и то и другое он принимал в рабочем порядке, как необходимые поправки к собственному труду. Поступив в желанную Академию, Репин пребывал в «величайшем восторге и необыкновенном подъеме». По его признанию - это был «медовый год его счастья». Кажется, ни один поэт не описывал так восторженно свои любовные приключения, как молодой Репин свой первый учебный год в Академии – важную лекцию по начертательной геометрии, занятия скульптурой, всемирной историей и живописью. Благоговение перед наукой, священный трепет перед всякой ученостью осели в нем крепкой привычкой уже навсегда. В Академии он делает стремительные успехи: уже через месяц после поступления ему ставят за рисунки первые номера. И не удивительно: он приехал в Петербург уже крепким мастером, профессионалом, услугами которого охотно пользовалась вся чугуевская округа. Тринадцатилетним мальчиком он попал на выучку к иконописцу, а через три года его приглашали ездить с артелями в соседние губернии расписывать церкви и писать образа. Юного Репина ценили за его мастерство и культурность и выделяли из толпы артельщиков.

В Рисовальной школе на Бирже Репин познакомился с И.Н. Крамским, который стал его наставником. В Академии их знакомство продолжилось, молодой и очень серьезный Крамской учил его понимать и видеть искусство.

«Художник есть критик общественных явлений, - говорил он ему, - он должен быть выразителем важных сторон общественной жизни». И Репин ловил на лету каждое слово этого «передвижнического» катехизиса. Так в молодого Репина «вселился» дух передвижника.

2. НАЧИНАЮЩИЙ ХУДОЖНИК

Живописные и графические произведения, созданные Репиным в годы пребывания в Академии художеств, могут показаться свидетельством раздвоения его творческих усилий. Отчасти так оно и было. Как ученик он выполняет обязательные академические «программы», сюжетно далекие от повседневных тревог и волнений, от «эмпирической» реальности. Очень восприимчивый к жизни, начинающий художник никак не собирается этой реальности сторониться. Не без успеха пробует он свои силы в незамысловатых «домашних» жанрах пишет лиричные довольно удачные портреты близких ему людей: матери Т.С. Репиной, и брата, В.Е. Репина; своей будущей жены, В.А. Шевцовой, и другие. Однако во всех этих ранних произведениях, будь то классные задания или же сделанные «для себя» интимные портреты, обозначились и общие черты, общая сфера жизненных интересов и пластических исканий. Весьма показательна в этом смысле репинская картина «Воскрешение дочери Иаира» (1871)

 - конкурсная программа на евангельский сюжет, за которую художник получил золотую медаль и право пенсионерской поездки за границу. Создавая это монументальное полотно, Репин все время сверялся с академическими требованиями, но шел дальше их. Культивируемый в стенах Академии «высокий стиль» был воспринят им не как нормативная система, а как содержательная традиция, связанная со способностью искусства постигать возвышенную, чудодейственную силу человеческого духа. Можно указать и более конкретно один из образцов, который явно был перед глазами автора «Воскрешения дочери Иаира». Это знаменитая картина «Явление Христа народу» Александра Иванова, художника, которого Репин искренне и глубоко чтил и о котором он в ранние годы, безусловно, многое узнал от своего первого петербургского учителя И.Н. Крамского. Строгость композиции, благородство цветовых отношений, сдержанность движений и жестов - все подчеркивает в конкурсной работе молодого живописца торжественный и глубокий смысл изображенного события.

3. ПЕРВЫЕ ВЕЛИКИЕ РАБОТЫ

Но прежде чем в 1873 году художник уедет из России, он испытает свой первый настоящий успех, связанный с появлением на выставке в марте 1873 года картины «Бурлаки на Волге» (приложение № 4). Над ней Репин вплотную работал три года, настойчиво отыскивая наиболее выразительную композицию и впечатляющий типаж.

Однажды, еще в бытность Репина в Академии, приятель утащил его кататься на пароходе. День был погожий, погода солнечная - пароход весело шел по Неве. Неожиданно по радостному и светлому полю этой чудной картины поползло какое-то неприятное и зловещее пятно. Пятно приближалось, росло и оказалось ватагой грязных бурлаков, уныло бредущих по песчаному берегу. Резкий контраст между праздничным сиянием дня и внезапным появлением грязных фигур произвел на Репина сильное впечатление. Невозможно было вообразить «более живописной и более тенденциозной картины!» - как писал он впоследствии… Но за настоящими бурлаками Репин ездил уже вместе с молодым художником, талантливым пейзажистом Фёдором Васильевым на Волгу, где выполнил множество портретных зарисовок. В конце лета 1870 года он привез свои волжские этюды в Петербург.

«…Одиннадцать человек шагают в одну ногу… - писал В.В. Стасов. - Это те

могучие, бодрые, несокрушимые люди, которые создали богатырскую песню «Дубинушка». Все это глубоко почувствовала вся Россия, и картина Репина сделалась знаменитой повсюду». «Чуть только я прочел в газетах о бурлаках г. Репина, то тотчас же напугался, - писал Достоевский. - Даже самый сюжет ужасен: у нас как-то принято, что бурлаки более всего способны изображать известную социальную мысль о неоплатном долге высших классов народу. …К радости моей, весь страх мой оказался напрасным: бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего. Ни один из них не кричит с картины зрителю: “Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!” И уж это одно можно поставить в величайшую заслугу художнику». Картина построена так, что процессия движется из глубины на зрителя, но одновременно композиция прочитывается как фризообразная, так что фигуры не заслоняют друг друга. Это сделано мастерски. Перед нами – вереница персонажей, каждый из которых - самостоятельная портретная индивидуальность. Репину удалось соединить условность картинной формы с удивительной натурной убедительностью. Художник разбивает ватагу бурлаков на отдельные группы, сопоставляя различные характеры, темпераменты, человеческие типы. Возглавляет ватагу тройка «коренников»: в центре бурлак Канин, лицом напоминавший Репину античного философа, справа - бородач с несколько обезьяньей пластикой, олицетворение первобытной дремучей силы, справа - «Илька-матрос», озлобленным, ненавидящим взглядом уставившийся прямо на

зрителя. Спокойный, мудрый, с несколько лукавым прищуром, Канин являет собой как бы серединный характер между этими двумя противоположностями. Столь же характерны и другие персонажи: высокий флегматичный старик, набивающий трубку, юноша Ларька, непривычный к такому труду и словно пытающийся освободиться от лямки, черноволосый суровый «Грек», обернувшийся, словно для того, чтобы окликнуть товарища - последнего, одинокого бурлака, готового рухнуть на песок.

Начало и конец пути, продуманное повествование о жизни людей, годами существующих рядом, вместе - таков «сверхсюжет» репинских «Бурлаков».

4. И.РЕПИН В ЕВРОПЕ

В мае 1873 года художник отправился в Европу в качестве пенсионера Академии художеств. Он посетил Всемирную выставку в Вене, где экспонировались его «Бурлаки», имевшие громадный успех. Путешествовал по Италии и наконец обосновался в Париже, на Монмартре, где начал работу над картинами «Садко» (приложение № 4) и «Парижское кафе». Сюжеты этих произведений - фантастическая сказка и жанровая сцена «во французском вкусе» - кажутся совершенно не «репинскими». Репин писал Стасову, что он «ужасно заинтересован Парижем, его вкусом, грацией, легкостью, быстротой и этим глубоким изяществом в простоте». И эти картины, и адресованные в Россию частные письма отчетливо выявляют круг творческих интересов молодого живописца. Он не стал рьяным приверженцем исканий новой парижской школы, но был далек и от ригоризма некоторых своих русских коллег, склонных усматривать в импрессионизме опасность ухода от

жизненной правды. Крамской, «душа передвижничества», был всем этим поражен и озадачен. «Я одного не понимаю, как могло случиться, что Вы это писали? …Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специальная народная струна. …Человек, у которого течет в жилах хохлацкая кровь, наиболее способен… изображать тяжелый, крепкий и почти дикий организм, а уж никак не кокоток». «Никогда, сколько мне помнится, я не давал клятву писать только дикие организмы, - отвечал Репин, - нет, я хочу писать всех, которые произведут на меня впечатление» - и такой ответ есть не что иное, как утверждение права творческой свободы. Эта широта интересов, отзывчивость таланта - основные свойства творческой натуры Репина. В одно и то же время он способен был работать над совершенно различными вещами и в различной манере. Репина упрекали в художественной неразборчивости: «Сегодня он пишет из Евангелия, завтра народную сцену на модную идею, потом фантастическую картину из былин, жанр иностранной жизни, этнографическую картину, наконец, тенденциозную газетную корреспонденцию, потом психологический этюд, потом мелодраму либеральную, вдруг из русской истории кровавую сцену и т.д. Никакой последовательности, никакой определенной цели деятельности; все случайно и, конечно, поверхностно… » - так сам Репин пересказывал суть этих претензий, нередких в отношении его искусства, и с великолепным равнодушием отвечал: «Что делать, может быть, судьи и правы, но от себя не уйдешь. Я люблю разнообразие».

5. ВОЗВРАЩЕНИЕ НА РОДИНУ

Летом 1876 года Репин снова на родине. Ненадолго поселившись в окрестности Петербурга, он пишет там красивую и лиричную картину «На дерновой скамье» (1876). На ней изображены жена художника Вера Алексеевна Репина, ее родители и брат с супругой. В картине соединены все те художественные уроки, которые Репин мог получить во Франции. Это не откровенно импрессионистическая манера, но в то же время это работа художника, который знает и учитывает открытия современной

импрессионистической живописи. Осенью того же года художник возвращается в свой родной Чугуев, а через год перебирается оттуда в Москву. Он часто и подолгу гостит в подмосковном Абрамцеве и оказывается одним из самых деятельных участников мамонтовского кружка - дружеского сообщества, которое как раз в это время становится очень важным очагом русской художественной жизни.

5.1. И. РЕПИН И ПЕРЕДВИЖНИКИ.

Начинается самый значительный, самый плодотворный период его творчества,

продолжающийся и после того, как в 1882 году художник переезжает в Петербург. За какие-нибудь десять - двенадцать лет Репин создает большинство своих наиболее известных произведений. Он становится членом Товарищества передвижных художественных выставок - творческого союза, объединившего на реалистической платформе все крупнейшие силы русского изобразительного искусства второй половины XIX века. Появление репинских картин на ежегодных выставках этого объединения превращается каждый раз в событие общественной и художественной жизни. «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883) (приложение № 5). Тема

крестного хода - одна из популярнейших в русской живописи. Однако Репин не имеет соперников в изображении толпы, шествия. В «Крестном ходе» толпа показана как единый массив. Но когда взгляд начинает выхватывать отдельные фигуры, создается впечатление, что Репин буквально каждое лицо увидел в жизни. В характеристиках привилегированной части толпы - мещан, купцов, кулаков и помещиков - отчетливы обличительные интонации, имеющие своим источником критическую тенденцию 1860 годов. На лицах – выражение притворного благочестия, сознание собственной значительности, важность, граничащая с чванством. «Чистая публика» отъединена шеренгой пеших и конных урядников от толпы нищих странников, возглавляемой горбуном. В картине горбун – единственный персонаж, чье порывистое движение, в себе самом имеет глубокий содержательный смысл. На полотне медленно движется и вся толпа, но это беспорядочное нестройное шествие, не имеющее ни конца, ни начала, не знает и своей общей цели, огромная масса людей распадается на отдельные, занятые своими делами и заботами группы. И только устремленной вперед фигуре

горбуна мотив движения обретает вполне самостоятельное значение, внутренний

импульс. Полусонному состоянию, в котором пребывает бесконечный людской

поток, резко противостоит энергия встревоженной души, молчаливая твердость

человеческой воли. В крестьянских полотнах Репина сказывается широта художественных интересов автора. Вынашивая замысел эпического, многофигурного «Крестного хода», он мог одновременно увлекаться и решением более частных задач. Так возникают, например, его известные портретные работы «Мужик с дурным глазом» и «Мужичок из робких» (обе 1877) подчеркнуто «объективные», социально определенные образы-типы, много дающие для понимания сложности народного характера. Наряду с желанием постичь «вечные», коренные проблемы русской деревенской жизни Репин был способен откликаться и на самые злободневные вопросы крестьянского бытия. Однако эта злободневность попадала в поле зрения художника именно той стороной, которая выражала собою типичные черты русской мужицкой доли. Свидетельство тому – несколько репинских произведений, навеянных событиями русско-турецкой войны. В отличие от своего знаменитого современника В.В. Верещагина, непосредственного участника русско-турецкой войны, посвятившего ей большой цикл батальных полотен, Репин не писал боевых сцен. Военная эпопея оборачивается в его глазах все теми же эпизодами трудного крестьянского существования. Таково, например, большое жанровое полотно «Проводы новобранца» (1879). И хотя оно заметно отличается от зрелых репинских

произведений несколько условной картинностью композиционного замысла, в нем

есть правда человеческих чувств, достоверность изображаемого крестьянского быта.

5.2. РЕВОЛЮЦИЯ В ТВОРЧЕСТВЕ И. РЕПИНА.

Особое место в творческой биографии художника занимает серия работ посвященных революционной теме. Именно эти замыслы имел в виду мастер, когда, собираясь переезжать из Москвы в Петербург, заявлял о своем желании писать картины «из самой животрепещущей жизни». Интерес Репина к русскому освободительному движению той поры и его участникам, интерес, который он разделял и с писателями, и с некоторыми своими коллегами-передвижниками, говорил, прежде всего, о жизненной активности его творческой позиции, о его социальной чуткости. Начав с

беглых этюдных набросков, художник последовательно углублял эту тему, поворачивая ее разными жизненными гранями, выявлял в ней различные

психологические аспекты. Даже один и тот же сюжет, «Арест пропагандиста», в

нескольких графических эскизах и живописных вариантах обретал каждый раз  особый человеческий смысл, свою интонацию. Картину не хотели разрешать к показу. Дело дошло до царя. Репин вспоминает, что устроители выставки пригласили царя осмотреть экспозицию накануне вернисажа: «Александр III все рассмотрел». Далее он

пишет: «Даже «Арест пропагандиста» вытащили ему, и тот рассматривал и хвалил исполнение, хотя ему показалось странным, почему это я писал так

тонко и старательно». Репин недвусмысленно говорил: «Невозможно, чтобы европейски образованный человек искренне стоял за нелепое, потерявшее всякий смысл самодержавие, этот допотопный способ правления годится только еще для диких племен, неспособных к культуре». Наконец выставка открыта. Автор картины с удовольствием резюмирует: «Моя выставка здесь делает большое оживление. Народу ходит много. Залы светлые, высокие, погода чудная, солнечная. Много студенчества, курсисток и даже ремесленников толпится в двух залах и рассыпается по широкой лестнице. «Арест пропагандиста» стоит, и от этой картинки, по выражению моего

надсмотрщика Василия, «отбою нет». Сюжетное продолжение этого цикла - «Отказ от исповеди». Картина была написана под впечатлением поэмы Николая Минского «Последняя исповедь», опубликованной в нелегальном журнале «Народная воля»:

Прости, господь, что бедных и голодных

Я горячо, как братьев, полюбил…

Прости, господь, что вечное добро

Я не считал несбыточною сказкой.

Чрезвычайно скупыми живописными средствами создана атмосфера замкнутого, глухого подземелья: фигуры обступает густой могильный сумрак, где едва мерцает тусклый лунный свет, выхватывающий из этой тьмы лицо арестанта. Горделивое достоинство узника противопоставлено обескураживающей осторожности, с которой священник, приготовив крест, подходит к заключенному. Не показав ни лица, ни жеста, самим балансом этого креста относительно фигуры Репин передал интонацию священника, который обращается к арестанту без настойчивости, нерешительно и даже как будто деликатно, как человек, уже знающий, что от героя-народника не следует ожидать покаяния, в то время, как в фигуре и в лице заключенного присутствует момент эгоистической надменности. Он словно готов разразиться пламенной обличительной речью. Самым значительным произведением на революционную тематику стало полотно «Не ждали».   Художник изобразил революционера, возвратившегося в родной дом из ссылки. Его неловкая поза, ожидание, застывшее в глазах, свидетельствующих о неуверенности, даже страхе: узнает ли его семья, примут ли отца, отсутствующего много лет, его дети? Репину

удалось мастерски передать всю сложную гамму чувств, отраженных на лицах

революционера и членов его семьи. Испуганно смотрит на незнакомого мужчину

девочка (когда его забрали, она была слишком мала и потому забыла своего отца), изумлением полны глаза жены, сидящей у рояля. А на лице мальчика - радостная улыбка, говорящая о том, что ребенок догадался, кто стоит перед ним. Репин написал свою картину очень быстро, на одном дыхании. Но затем дело остановилось: в течение нескольких лет он переделывал голову революционера, стремясь добиться нужного выражения. По первоначальному замыслу его герой должен был иметь мужественный облик, но, в конце концов, художник остановился на мысли, что гораздо важнее показать муки и душевные переживания человека, на много лет оторванного от родного дома и семьи. Картину, показанную на XII Передвижной выставке, зрители встретили восторженно. К полотну невозможно было подойти, так как возле него всегда толпились люди. Стасов ликовал: «Репин не почил на лаврах после «Бурлаков»,

он пошел дальше вперед. Я думаю, что нынешняя картина Репина – самое крупное, самое важное, самое совершенное его создание». Равнодушных не было. Мнения были всякие. «Репина, наверное, произведут в гении, - писали «Московские ведомости».

- Жалкая гениальность, покупаемая ценой художественных ошибок, путем

подыгрывания к любопытству публики, посредством «рабьего языка». Это хуже,

чем преступление, это - ошибка… Не ждали! Какая фальшь…» В те далекие дни эта картина была откровением. Новаторской была и

живопись картины - светлая, валерная. Вся современная Репину критика, включая Стасова, признавала, что амплуа «историка», картины на исторические темы - не его призвание. Между тем Репин чрезвычайно заботился об исторической достоверности своих картин. Работая над «Царевной Софьей», «Иваном Грозным»  «Запорожцами»   он выяснял мельчайшие детали. Это костюмы, оружие, мебель, убранство интерьера, даже цвет глаз царевны Софьи. Но при этом в исторических картинах Репина совершенно отсутствует временная дистанция: несмотря на тщательно воссозданный антураж, происходящее показывается как совершающееся в настоящем, а не прошедшем времени. Как-то в Академии художеств Репину была задана программа «Ангел истребляет первенцев египетских». «Я задумал, - вспоминает Репин, - передать этот сюжет с сугубой реальностью. Была, разумеется, изучена обстановка роскошных спален царевичей Египта… И вот я вообразил, как ночью ангел смерти прилетел к юноше-первенцу, спящему, как всегда, нагим, схватил его за горло, уперся коленом в живот жертвы и душит его совершенно реально своими руками». И вновь - «реальность»; даже в историческом сюжете - стремление представить все так, как это могло быть «на самом деле». Это стремление заставляло Репина разомкнуть пространство своих исторических картин, сделав зрителя «очевидцем» изображенного. Мы свободно можем «войти» в интерьер кельи царевны Софьи: пустое пространство перед окном как будто специально оставлено для зрителя, подобно распахнутой двери. Покатившийся посох в «Иване Грозном» в следующую минуту готов упасть за раму картины. Голая голова казака в «Запорожцах» словно прорывает плоскость холста, оказываясь в пространстве зрителя.

5.3. АМПЛУА «ИСТОРИКА».

На «Запорожцев» (1878-1891) (приложение № 5) художник затратил огромное

количество энергии, любви и забот. «Я уже несколько лет пишу свою картину и, быть может, еще несколько лет посвящу ей, - говорил Репин, - а может случиться, что я закончу ее и через месяц. Одно только страшит меня: возможность смерти до окончания «Запорожцев». Сотни подготовительных этюдов, эскизов, рисунков, специальные поездки для изучения материала - все это говорит об одном основном чувстве, владевшем живописцем. Это чувство - любовь. И это состояние восторга,

преклонения и любви художника к своим героям мгновенно передается зрителям.

Запорожцы… Вот они перед нами во всей своей красе и удали. Галерея типов, совершенно оригинальных, неподражаемых, легендарных. Можно часами разглядывать их лица - загорелые, обветренные степными ветрами, опаленные

солнцем, дубленные невзгодами, изрубленные в жестоких схватках, но все же красивые, источающие силу, энергию, бьющую через край. «В душе русского человека есть черта особого скрытого героизма, - писал Репин, - Это - внутри лежащая, глубокая страсть души, съедающая человека, его житейскую личность до самозабвения. Такого подвига никто не оценит: он лежит под спудом личности, он невидим. Но это - величайшая сила жизни, она двигает горами; она руководила Бородинским сражением; она пошла за Мининым; она сожгла Смоленск и Москву. И она же наполняла сердце престарелого Кутузова». Но ведь история - это вовсе не сиюминутное событие, не непосредственно созерцаемая реальность. Как писал Василий Ключевский: «Предмет истории – то в прошедшем, что не проходит, как наследство, урок, неоконченный процесс, как вечный закон». И в этом отношении история у Репина - это как раз то, что проходит: частный случай, эпизод, смысл которого полностью исчерпывается тем, что в данный момент происходит перед глазами, не «длящийся процесс», а необратимый финал. Именно эта «действенность» -

главная особенность репинских исторических композиций, когда исторический

сюжет сведен к одной личности, одному мгновению, одному аффекту. Софья

заточена, стрельцы повешены, царевич убит, взрыв хохота запорожцев в следующий момент угаснет - временная перспектива сокращена до точки. Царевич Иван, сын Грозного, умер лишь спустя неделю после удара посохом, а такого количества крови, которое показано в картине, при подобной ране быть не могло. Но Репину необходимо было заострить сам момент убийства, «произошедшего в одно мгновенье». Многие произведения Репина имеют двойную дату - интервал между началом и завершением работы иногда превышает десять лет. Так сложилось потому, что художник по несколько раз переписывал картины. Очевидцы же, наблюдавшие за изменениями в полотнах, отмечают, что эти изменения отнюдь не всегда были к лучшему. Но Репин стремился не столько усовершенствовать их, сколько наделить тем свойством «изменчивости», которое было присуще ему самому, заставить «жить» эти картины, меняться, как, например, сменяются кинематографические кадры. В сущности, Репин всегда оставался «режиссером», который - запечатлевая историческую сцену или жанровый мотив - всегда видит эту сцену перед собой, разыгранную актерами, в костюмах и декорациях, подчиненную определенному сценарию. Стихией Репина была текущая, изменчивая современность. Оставаясь погруженным в эту стихию, он создавал свои лучшие работы.

5.4. РЕПИН – ПОРТРЕТИСТ.

Быстро, в несколько сеансов, Репин писал лишь портреты, и никогда их не переделывал. Модели художника всегда представлены в конкретной, легко прочитываемой жизненной ситуации: как правило, это ситуация «диалога» - со зрителем или с невидимым собеседником. В манерах и поведении каждого человека можно найти черты, нарушающие общее представление о личности. Однако эти же черты и составляют неповторимость, особенность любой индивидуальности. Найти момент равновесия между случайным, сиюминутным, и характерным, типическим - одна из главных задач портретиста. Репин прекрасно осознавал тот факт, что, становясь перед лицом художника в качестве модели, человек неосознанно начинает «представлять себя» - позируя, он играет определенную роль. Это ролевое поведение

раздваивает образ и облик человека между тем, что он есть и чем хочет казаться, между лицом и личиной, маской. В том, как человек теряет и находит себя среди взятых им или навязанных ему социальных, профессиональных и иных масок, - актуальная, общеинтересная проблема на все времена. А поскольку живопись имеет дело только с образами видимости, то пути и способы, которыми существенное, внутреннее проявляется, просвечивает, проскальзывает во внешнем, - эти пути составляют собственную специальную проблему искусства живописи. В творчестве Репина эта проблема решена с большим мастерством. Глубоко задумался среди шедевров своей галереи Третьяков, скрестив руки на груди, - в полной достоинства позе, однако в движении пальцев его руки присутствует какая-то нервная трепетность, нарушающая общее спокойствие. Откинулся в кресле, в то же время слегка приподнявшись, прищурясь, точно приготовившись произнести решающий аргумент в споре, сенатор Дельвиг. Вопросительным взглядом, вздернув бровь и желчно сомкнув губы, смотрит Алексей Писемский. «Портрет Н.Н. Ге» выполнен в сумрачных «рембрандтовских» тонах, мелкими, рельефными мазками, близкий по времени портрет Пелагеи Стрепетовой - размашисто, этюдно. Эта «горячая» эскизная живопись прекрасно соответствует сильному, порывистому, даже экзальтированному характеру

знаменитой актрисы. Репин всякий раз словно заражается личностью портретируемого, подчиняя свою живописную манеру свойствам характера и стилю поведения модели. Во время путешествия по Испании Стасов часто напоминал Репину, что здесь-то он должен обязательно написать красавицу. Наконец нашлась дама, показавшаяся им «чуть ли не идеалом красоты», и Стасов устроил портретные

сеансы. И тут - «куда, куда девалась ее красота?! Это была самая простая, самая обыкновенная и очень молчаливая дама… Этюд вышел очень заурядный, неинтересный», - вспоминал Репин. Чем же объясняет художник свою неудачу? Просто-напросто тем, что дама позировала очень старательно и добросовестно, и ему от этого стало скучно. «…Часто, то есть почти всегда, когда позируют очень безукоризненно, терпеливо, портрет выходит скучный, безжизненный, и, наоборот, при нетерпеливом сидении получаются удачные сюрпризы. Так, например, у меня с П.М. Третьякова, который сидел с необычным старанием, портрет вышел плохой, а Писемский, вскакивавший каждые пять минут для отдыха, помог мне. Его портрет имел большой успех». Идеальной портретной моделью оказался для Репина Лев Толстой. За тридцатилетний период личного знакомства с Толстым художник сделал десятки живописных и графических изображений писателя, а однажды, обратившись к

скульптуре, вылепил и его бюст. Выбирая сюжеты для своих портретных этюдов,

Репин явно старался откликнуться на те стороны жизни и быта яснополянского

графа-мужика, которые были предметом особого внимания всероссийской молвы. Толстой-пахарь, Толстой на косьбе, Толстой в лесу, на молитве - такие сцены очень занимали портретиста, к ним он возвращался не раз. Собирательный образ писателя, каким он складывался из многочисленных репинских изображений - от беглых набросков до законченных живописных композиций, - вполне отвечал представлениям о Льве Толстом как о человеке-легенде. Репин утверждал жизненную значимость этой легенды, но вместе с тем лишал ее романтического ореола, снимал с нее все условные покровы, стремясь к предельно живому и непосредственному художническому прикосновению к духу и плоти своего героя, к его повседневному бытию. В живописном толстовском цикле, особенно в таких работах, как, например, «Л.Н. Толстой босой» или же «Л.Н. Толстой на отдыхе в лесу» (обе 1891) художник всячески подчеркивает чувственный характер цвета. Воспроизводимые сцены кажутся наполненными жизненной силой природы, ее токами. Жаркий летний воздух, свежая зелень листвы, густая прохладная тень от дерева, под которым отдыхает с книгой в руках уже немолодой писатель. Или же лесная тропа и на ней - Толстой босиком, в просторной белой блузе со своим очень характерным жестом заложенных за пояс рук - все это увидено и запечатлено художником, программно ищущим значительности пластического образа в естественности, простоте и жизненной полнокровности. В одном из писем тех лет, когда создавались многие произведения толстовской серии, Репин так формулировал свое понимание величия образа Толстого, не скрывая, что это - взгляд «язычника»: «Маститый человек с нависшими бровями, все сосредоточивает в себе и своими добрыми глазами, как солнцем, освещает все. Как бы ни унижал себя этот гигант, какими бы бренными лохмотьями он ни прикрывал свое могучее тело, всегда в нем виден Зевс, от мановения бровей которого дрожит весь Олимп». При всем том, что эта характеристика содержала в себе совершенно определенный полемический смысл («бренные лохмотья» - это религиозно-проповеднические идеи Толстого, которые Репин никогда не принимал), в ней четко выявилось творческое кредо художника. Оно вновь заставляет вспомнить уже знакомое нам репинское желание испытать русскую пореформенную действительность, ее людей масштабом античного мифа, цельностью языческого мотива. Духовная мощь Толстого, особая сила его нравственного авторитета - все это глазу портретиста виделось заключенным в крепкую физическую плоть - «могучее тело» античного Зевса. Таким Репин и изобразил писателя в центральном произведении толстовского цикла, где Л.Н. Толстой представлен сидящим в кресле с книгой в руках (1887). Портреты Толстого можно найти в творческом наследии многих других русских художников той поры. Наиболее известными из них стали работы И.Н. Крамского и Н.Н. Ге. Первый портретировал писателя в 1873 году, то есть почти за пятнадцать лет до упомянутой репинской картины, второй - в 1884-м - всего за три года до ее появления. Портрет, созданный Репиным, сильно отличался от обеих работ и живописными свойствами, и самим пониманием толстовского образа. При беглом взгляде на полотно кажется, что Репин гораздо меньше, чем его коллеги, озабочен выявлением своей авторской позиции. В нем нет того напряженного вглядывания друг в друга модели и художника, того сложного диалога взглядов, которые определяют обостренный психологизм портретного образа в работе Крамского. Нет в нем и желания воплотить творческую одержимость писателя - главная задача, поставленная в портрете Ге. Репинский Толстой, устроившийся в кресле за чтением, проще – и как художественный образ, и как человеческий тип, но это простота особого рода, непосредственно ассоциировавшаяся в сознании мастера с представлением о большом запасе нерастраченных жизненных сил. Именно таким путем в эстетической платформе Репина устанавливалась глубокая смысловая связь

между образом Льва Толстого и образом самой России. Именно здесь, на почве самых фундаментальных принципов репинского реализма, созидалась целостность поэтического мира художника, выявлялось его отношение к историческим судьбам страны и ее народа. В 1890-е гг. Репин, переживая известный творческий кризис, временно порвал с передвижниками. В его статьях и письмах проскальзывают мысли,

позволявшие современникам считать Репина отступником от идей демократической эстетики, но к концу 90-х гг. Репин вернулся на прежние позиции. В поздний период при отдельных удачах, Репин уже не создал картин равных произведениям 1870-80-х гг. Лучшие произведения 1890-1900-х гг. - это графические портреты, обычно изображения людей с ярко выраженным творческим, артистическим началом (портрет Э. Дузе, уголь, 1891, Третьяковская галерея), а также впечатляющие остротой социальных характеристик и живописным лаконизмом портреты-этюды к монументальному групповому портрету "Торжественное заседание Государственного Совета" (выполнен совместно с художником Б. М. Кустодиевым и И. С. Куликовым, 1901- 03, Русский музей). Грандиозное многофигурное полотно (35 кв. м)

"Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года" (1901- 1903, ГРМ было написано в течение двух лет. На парадном портрете изображено более восьмидесяти человек - сановников Государственного Совета, во главе с царем и членами царствующего дома. К картине Репин написал пятьдесят этюдов- портретов и эскизы. Широкое, свободное письмо, сила типизации делают этюды-портреты вершиной живописного мастерства Репина. Глубоко народное, тесно связанное с передовыми идеями своей эпохи, творчество Репина - одна из вершин русского демократического искусства. В 1894-1907 Репин преподавал в АХ (в 1898-99 - ректор), став учителем И. И. Бродского, И. Э. Грабаря, Д. Н. Кардовского, Б. М. Кустодиева и многих др.

6. РЕПИН НА РУБЕЖЕ ВЕКОВ.

До сих пор речь шла о репинских работах, созданных, главным образом, на протяжении последней трети XIX века. Это время можно назвать классическим

периодом творчества художника в том смысле, что именно с ним связаны все или почти все лучшие произведения мастера. Именно в эти десятилетия его живопись определяет собою ведущие стилевые и содержательные особенности реализма в русском изобразительном искусстве, а сама личность Репина пользуется непререкаемым авторитетом в широких литературных и художественных кругах. Однако, как известно, творческая деятельность Репина захватывает и XX век - художник умер в преклонном возрасте, в 1930 году, и вплоть до последних лет своих не выпускал из рук кисть. Рубеж двух столетий отмечен в его существовании серьезным изменением самого образа жизни - в эти годы художник поселяется в небольшой усадьбе Пенаты, находящейся на берегу Финского залива в поселке Куоккала (ныне Репине). В Пенатах он проводит все свои оставшиеся годы. Это отнюдь не было его изоляцией от окружающего мира. Репинскому характеру всегда оставалось чуждым всякое затворничество. Репин в Пенатах - это завершающая глава творческой биографии мастера, связанная многими нитями с предшествующими разделами его творчества. И вместе с тем это - совершенно особая историко-культурная тема, обращенная не только в прошлое, но и в будущее. Верный демократическим убеждениям, своему общественному темпераменту, Репин внимательно следит за социальной жизнью России. Остро реагировал он на события первой русской революции 1905 года, участвуя во многих коллективных протестах прогрессивной русской интеллигенции против царского террора, а также пытаясь передать свои впечатления о происходившем в живописных работах. Знаменательным было сближение его в эти годы с М. Горьким. Хорошо известный репинский рисунок

«М. Горький читает в Пенатах свою драму «Дети солнца» (1905), на котором вместе с писателем изображены В.В. Стасов, А.И. Куприн, Н.Г. Гарин- Михайловский, - значительное явление русского графического искусства начала XX века и вместе с тем важный историко-культурный документ эпохи. Совершенно справедливо осознавая себя продолжателем реалистических традиций XIX века, Репин, однако, в ряде работ не остается чуждым тех форм и способов художественной типизации действительности, которые несло с собою новое время, новое творческое мышление. Глядя на его картину «Какой простор!» (1903)   зрители не без основания увидели в ней не столько изображение прогулки двух молодых людей по берегу Финского

залива - таково было буквальное содержание представленной сцены, - сколько желание автора передать свое ощущение грядущего. Сложная, полная глубоких противоречий художественная ситуация в России предреволюционных лет необычайно остро поставила перед художником проблему самосознания творческой личности, проблему ее жизненной судьбы. Некоторые картины Репина той поры кажутся прямым откликом на эту душевно выстраданную тему - от трагического «Самосожжения Гоголя» (1909) до нескольких холстов, посвященных Пушкину и утверждающих человеческое и общественное величие гения.

7. ЭТО ИНТЕРЕСНО (СЕМЬ ФАКТОВ ИЗ ЖИЗНИ РЕПИНА)

1. Своего знаменитого Ивана Грозного художник "срисовал" с обыкновенного

чернорабочего, встреченного им на рынке в Чугуеве. 2. Второй вариант "Запорожцев" хранится в Харьковском художественном музее. В отличие от полотна из собрания Русского музея, на "украинском" под рукой у лысого казачка нет колоды карт.

3. Будучи зажиточным человеком, Илья Репин всегда приезжал в столицу на заре, чтобы подешевле прокатиться на конке. По утрам билеты в петербургских трамваях стоили пятачок, а не гривенник, как днем.

4. Даже в жестокую стужу вся семья Репиных, включая детей, спала на полу

при раскрытых окнах в тоненьких мешках. Репины закалялись.

5. Последняя жена художника была убежденной вегетарианкой и гостей потчевала супом из соломы.

6. Приехавший в гости к Репину Иван Бунин узнал, что его собираются недельку продержать "на травках и чайке", схватился за чемодан и убежал на станцию.

7. В 1926 году советское правительство настойчиво просило Репина вернуться на родину. Художник приглашение не принял.

8. МОЁ МНЕНИЕ О ТВОРЧЕСТВЕ И.Е.РЕПИНА

Никто из русских художников, кроме Карла Брюллова, не пользовался такой прижизненной славой, как Илья Репин. Современники восхищались его до иллюзии «живыми» портретами и многофигурными жанровыми композициями, артистичной манерой письма, а в социальном плане - умением обозначить самые злободневные проблемы русской жизни. Среди мемуаров и статей Репина, вошедших в книгу «Далекое близкое», можно встретить следующие рассуждения: «Два типа гениев различаем мы в искусствах всякой эпохи. Первый гений - новатор… Второй гений – завершитель всесторонне использованного направления; натура многообъемлющая, способная выразить, в возможной полноте своего искусства, свое время; к оценке его накопляется большая подготовка - он ясен. Он заканчивает эпоху до полной невозможности продолжать работать в том же роде после него». Репин прожил долгую жизнь, жизнь человека, полностью преданного своему делу. Его огромный живописный талант признавали все, но не все могли в полную меру оценить исторический, общественный смысл его искусства. Раньше других этот смысл почувствовал выдающийся репинский современник В.В. Стасов, и «стасовский» облик Репина с незначительными изменениями впоследствии многократно оживал в статьях и книгах о нем. Стасов оказался совершенно прав в главном и основном: творчество Репина было социально в том прямом смысле, в каком употребляла это понятие демократическая эстетика XIX века. Оно стремилось не только выразить глубокие умонастроения эпохи подобное желание было свойственно всякому большому искусству и до Репина и после, но и показать причины, рождающие такие умонастроения, иными словами, - показать социальную действительность своего времени, показать самые разные стороны жизни пореформенной России. Не раз заявляя о своей верности заветам революционных демократов, в первую очередь - эстетическим взглядам Н.Г. Чернышевского, художник постоянно жил тревогами и надеждами передовой русской интеллигенции, ее желанием связать свое дело с борьбой против социального гнета и неравенства. Все это и определило важное место

репинских произведений в мировом наследии реалистической живописи XIX века.

После Великой Октябрьской революции "Пенаты" оказались отрезанными от родины: неподалеку проходила граница СССР и Финляндии. Делегация советских художников, среди которых был и ученик Репина И. И. Бродский, навестила его. Репин мечтал вернуться на родину. Однако сил оставалось все меньше. Здоровье шло на убыль.

В августе 1930 года в возрасте восьмидесяти шести лет Илья Ефимович Репин

скончался.

«Пенаты», где он умер и был похоронен — Мемориальный музей Репина.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 И. Е. Репин "Осенний букет"

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

Казакова Инна Викторовна

2017

И. Е. Репин "Осенний букет"

Жизнелюбие и воля в картине Репина "Осенний букет"

Илья Ефимович Репин - великий русский художник. Он прославился своими жанровыми картинами и портретами, полными сурового драматизма. Тем интереснее видеть его картину, наполненную другими эмоциями и чувствами - любовью и жизнелюбием. Это "Осенний букет".

Казалось бы, такое название должен иметь натюрморт или пейзаж, но это опять портрет - художник изобразил свою старшую дочь Веру. Девушка с картины смотрит прямо в глаза зрителю, а в руках у нее букет простых осенних цветов. Этот букет и дал название картине.

С самого начала живописец хотел не просто изобразить свою дочь, но и выразить восхищение юностью, жизнерадостностью. Вере на картине 20 лет, видно, что она позирует с любовью и радостью, уважая талант отца и доверяя ему. Девушка в светло-коричневом берете стоит на фоне осенних холмов и полей, так выглядели в то время окрестности усадьбы "Здравнева", где незадолго до этого поселился Репин с семьей. Здесь он и задумал написать портрет, который сейчас находится в Государственной Третьяковской галерее.

Бескрайние поля - всего лишь фон для портрета, он оживляет образ. Получился не застывший портрет на фоне бархатных занавесок и тяжелой мебели, а картина с настроением, ощущением простора, воли. Девушка гуляла хорошим осенним днем, собрала букет цветов и на секунду замерла перед художником. Он запечатлел именно это мгновение.

Наряд девушки хорошо продуман: он выразительный, но не яркий и не пестрый, полностью соответствует осеннему мотиву картины. Белый воротничок на темной блузке красиво оттеняет лицо. Белая с неуловимым рисунком юбка почти сливается с осенним полем к этой поре ставшим блеклым, потерявшим яркость.

Сам осенний букет расположен не в центре картины, героиня портрета держит его немного небрежно, опустив цветы головками вниз. Художник отвел ему левый нижний угол полотна и даже не весь портрет поместился. Главное здесь не букет, а сама девушка - молодая, сильная, устремленная. Живописец смотрит на нее с любовью и гордостью, как и полагается смотреть на собственную дочь, но не приукрашивает ее. Она хороша такая, как есть. И в его глазах она также олицетворяет все молодое поколение, перед которым только открывается жизнь. Еще никто не знает, что ждет впереди. Но все надеются на счастье.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

И.Е. Репин. «Бурлаки на Волге».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Илья Репин - один из тех художников, у которого что ни полотно, то хит. Одна из картин, которую невозможно забыть или перепутать с чем-либо, - «Бурлаки на Волге». Кто не знает этот групповой портрет?! Казалось бы, все ясно: Волга, тяжелый труд, немытая Россия. Но не все так просто.

Сюжет

На речном берегу, впряженные, тянут судно бурлаки. По полотну Репина, которое, кажется, даже в школьных учебниках истории есть, растиражирован образ нищего оборванца, которому и на жизнь иначе не заработать, кроме как адским трудом. Репин еще и подбрасывает дров в социальный костер: на горизонте виднеется символ прогресса — буксир, который мог бы заменить бурлака, облегчить его участь, но почему-то не используется.

Возглавляет ватагу тройка «коренников»: в центре бурлак Канин, напоминающий Репину философа, бородач, олицетворяющий первобытную силу, и озлобленный «Илька-матрос». За ними — остальные, среди которых выделяются высокий флегматичный старик, набивающий трубку, юноша Ларька, как бы пытающийся освободиться от лямки, черноволосый «Грек», который словно окликает бурлака, готового рухнуть на песок.

Характеры выписаны настолько эмоционально и живо, что охотно верится этой истории. Однако не торопитесь судить по одной картине о целом явлении в экономике царской России. Дело в том, что процесс работы бурлака был другим.

В бурлацком промысле участвовали даже женщины, 1900-е

На баржах стоял большой барабан, на который был намотан трос с прицепленными к нему тремя якорями. Движение начиналось с того, что люди садились в лодку, забирали с собой канат с якорями и плыли вверх по течению. По пути якоря бросали. Бурлаки на барже цеплялись за трос своими чалками и шли от носа на корму, выбирая канат, а там, на корме, его наматывали на барабан. Получалось, что шли они назад, а палуба у них под ногами проходила вперед. Потом они опять бежали на нос баржи, и все это повторялось. Вот так баржа и плыла вверх по течению до первого якоря, который потом поднимали, далее до второго и третьего. То, что описал Репин, происходило, если лоцман сажал баржу на мель. Такая работа оплачивалась отдельно.

Что до денег и харчей, то бурлак был далеко не так нищ, как показал художник. Работали они артелями и перед началом сезона судоходства сговаривалась о харчах. В день им давали хлеб, мясо, масло, сахар, соль, чай, табак, крупу. После обеда всегда спали. И денег за летний сезон хороший бурлак зарабатывал столько, что в зимнее время мог ничего не делать. В бурлацком промысле были заняты сотни тысяч человек. Шли туда в подавляющем большинстве случаев добровольно, как на отходные работы.

Контекст

«Бурлаки на Волге» — ранняя работа Репина. Еще и 30 лет ему не исполнилось, когда было завершено полотно. В то время художник был студентом Академии и в основном писал на библейские сюжеты. К реализму Репин обратился, кажется, неожиданно для самого себя. А дело было так. В конце 1860-х он с сокурсниками отправился на этюды в Усть-Ижору (поселок недалеко от Петербурга). Набережная, господа прогуливаются, все чинно — благородно. И внезапно впечатлительный Репин заметил ватагу бурлаков.

«О Боже, зачем они такие грязные, оборванные! — воскликнул художник. -…Лица угрюмые, иногда только сверкнет тяжелый взгляд из-под пряди сбившихся висящих волос, лица потные блестят, и рубахи насквозь потемнели. Вот контраст с этим чистым, ароматным цветником господ».

Во время той поездки Репин сделал эскиз картины, сюжет которой строился на контрасте бурлаков и дачников. Композицию раскритиковал друг художника Фёдор Васильев, назвав ее искусственной и рассудочной. Он-то и посоветовал Репину отправиться на Волгу и доработать сюжет, а заодно помог с деньгами — сам живописец был крайне стеснен в средствах.

Репин поселился в Самарской области на все лето, знакомился с местными, расспрашивал о жизни. «Должен сознаться откровенно, что меня нисколько не занимал вопрос быта и социального строя договоров бурлаков с хозяевами; я расспрашивал их, только чтобы придать некоторый серьез своему делу. Сказать правду, я даже рассеянно слушал какой-нибудь рассказ или подробность об их отношениях к хозяевам и этим мальчикам-кровопийцам».

Гораздо больше художника увлекал сам образ бурлака: «Вот этот, с которым я поравнялся и иду в ногу, — вот история, вот роман! Да что все романы и все истории перед этой фигурой! Боже, как дивно у него повязана тряпицей голова, как закурчавились волосы к шее, а главное — цвет его лица!» Так Репин описывал Канина — бурлака, расстриженного священника, с которым он познакомился на Волге. Его художник считал «вершиной бурлацкой эпопеи».

Публика увидела картину в 1873 году в Петербурге на художественной выставке произведений живописи и скульптуры, предназначенных для отправки в Вену на Всемирную выставку. Отзывы были противоречивыми.

Достоевский, например, писал: «Нельзя не полюбить их, этих беззащитных, нельзя уйти, их не полюбя. Нельзя не подумать, что должен, действительно должен народу… Ведь эта бурлацкая «партия» будет сниться потом во сне, через пятнадцать лет вспомнится! А не были бы они так натуральны, невинны и просты — не производили бы впечатление и не составили бы такой картины». Хвалили Репина Крамской, Стасов, да и все те, кто позднее станет передвижниками.

Автопортрет, 1878

Репин написал портреты даже тех, кто категорически отказывался позировать

Академические круги называли картину «величайшей профанацией искусства», «трезвой правдой жалкой действительности». Кто-то из журналистов усматривал на полотне «разные гражданские мотивы и худосочные идейки, перенесенные на полотно из газетных статеек… у которых реалисты почерпают свое вдохновение».

После Петербурга картина отправилась в Вену. Там ее также встретили одни с восторгом, другие — с недоумением. «Ну, скажите, ради Бога, какая нелегкая дернула вас писать эту картину? Вы, должно быть, поляк?.. Ну, как не стыдно — русский! Да ведь этот допотопный способ транспортов мною уже сведен к нулю, и скоро о нем не будет и помину. А вы пишете картину, везете ее на Всемирную выставку в Вену и, я думаю, мечтаете найти какого-нибудь глупца-богача, который приобретет себе этих горилл, наших лапотников», — говорил один из министров.

И все же полотно нашло покупателя. Им стал великий князь Владимир Александрович, из-за чего полотно оказалось закрытым для широкой публики, которая могла видеть его только на выставках.

Судьба художника

Жизнь Репина была долгой и насыщенной. Начиная с «Бурлаков на Волге» о художнике заговорили как о новом явлении в искусстве. Со временем он стал одним из самых популярным портретистов. Позировали ему даже те, кто никогда не соглашался ни на чье предложение.

Кустодиев, Грабарь, Серов — ученики Репина

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

 И.Е. Репин. «Крестный ход в Курской губернии».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Крестный ход в Курской губернии.

   С давних пор на Руси существовал благочестивый обычай отмечать дни памяти наиболее почитаемых чудотворных икон крестными ходами. Свидетелем одного из них в Чугуеве в 1877 году был И. Е. Репин. Яркое и впечатляющее зрелище послужило основой для сюжета картины «Крестный ход в Курской губернии». Полностью же идея картины оформилась после посещения знаменитой Коренной пустыни. Именно там крестные ходы собирали наибольшее число паломников. «Крестный ход в Курской губернии».   Окончательно работа над картиной была завершена в 1883 году. Полотно переносит зрителя в жаркий летний день. По пыльной дороге, среди знойного марева из глубины картины движется нескончаемая процессия крестного хода. Несут чудотворную икону к месту, где когда-то она была явлена людям.

Все детали картины написаны с поразительной конкретностью. Это и иссушающее всё вокруг солнце, лучи которого как бы концентрируются в золоте церковных облачений, воздух, наполненный пылью и монотонным рокотом движущейся на зрителя толпы, и, самое главное, лица участников. В них Репину удалось с необыкновенным мастерством передать и сознание значимости совершаемого ими дела, и в то же время привязанность к чисто земным помыслам и страстям. Но «Крестный ход в Курской губернии» Репина - это не просто жанровая сцена, констатирующая определённое событие, это целая галерея портретных образов, мастерски созданных художником. В ней изображены представители различных слоёв общества пореформенной России. Даётся документально точная картина социального расслоения и неравенства.

Картина Репина ― критика ханжества и лицемерия Илья Ефимович принадлежал к известному содружеству художников-передвижников, придерживающихся в основном остросоциальной направленности своих произведений. К этой сюжетной категории относится и «Крестный ход в Курской губернии». Однако следует понимать, что критика в данном случае направлена не на религию в целом и не на православную обрядность, как пытались это трактовать в период богоборчества, а лишь на лицемерное и ханжеское выражение религиозности. «Хозяева жизни» и сельская беднота В центральной части картины, в глубине, ярко и сатирически изображена толстая помещица с чванливым и высокомерным лицом, по-хозяйски прижавшая к себе икону, а рядом с ней грубый сельский староста, отгоняющий палкой от своей благодетельницы напирающих со всех сторон крестьян. В произведении художника «Крестный ход в Курской губернии» представлено чёткое разграничение социальных групп. С одной стороны «хозяева жизни», это и сама помещица, и идущая за ней свита, и вся так называемая чистая публика, составляющая основную часть процессии, с другой ― «голь перекатная», как принято называть на Руси низшие слои общества, бесправные и обездоленные. Они с обеих сторон сопровождают шествие, возревновав о спасении души, также хотят поклониться святыне, но их отгоняют от неё конные жандармы и не в меру усердные барские слуги. Очень характерна фигура нищего-калеки на переднем плане картины «Крестный ход в Курской губернии». Он, как никто другой, нуждается в Божьей помощи и пытается хотя бы приблизиться к святыне.

Видно, что горбун старается изо всех сил, но ему преграждает дорогу палка мужика, присвоившего себе право решать, кому быть вблизи чудотворной, а кому нет. Обличение лицемерия духовенства «Крестный ход в Курской губернии» Репина является сатирой и на представителей церковных кругов, подменяющих высокое духовное служение мирскими и суетными заботами. Это, прежде всего, группа священников, следующая за помещицей, несущей икону, окружившая полукольцом важного барина и ведущая с ним подобострастные разговоры.  По всему видно, что всё их внимание отдано возможному благодетелю, а до чудотворной иконы им нет никакого дела. Картины социальной жизни общества Картина «Крестный ход в Курской губернии» (жанр которой, безусловно, относится к остросоциальным), по общему мнению, является наиболее ярким проявлением творческой направленности автора. Репина никогда не привлекали мелкие, эпизодические темы. Он всегда брался за масштабные сюжеты, включающие в себя разноплановые сцены жизни общества.

Выдающийся мастер, Репин умел сочетать в своих картинах острый гротеск с глубокой индивидуальностью и психологизмом своих героев.    

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования  

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

Рокотов Ф.С. Портрет Струйской.  

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Рокотов Ф.С. Портрет Струйской.

Удивительная судьба Александры Струйской

Портрет Александры Струйской. Рокотов Ф.С.

В 1903 году в московский  Императорский исторический музей имени императора Александра III  пришла посетительница, которая предложила купить у нее два фамильных портрета, ее прадедушки и прабабушки, помещиков Пензенской губернии Струйских. Фамилия эта ничего не говорила экспертам исторического музея. И предложение дамы не вызвало бы особого интереса, если бы она не добавила, что эти портреты написаны художником Ф.С. Рокотовым. Сотрудники музея мгновенно  стали слушать посетительницу совершенно иначе.  В то же время, приди она даже двумя годами раньше, эта фамилия не вызвала бы  почти шок.  После смерти великого русского художника-портретиста Федора Степановича Рокотова прошло  около ста лет. При жизни он был знаменит, все знатные дамы и господа империи жаждали иметь написанный им  свой  портрет. Писал он и саму государыню императрицу Екатерину Великую, и близких ей людей: графа Г.А. Орлова, великого князя Павла Петровича - наследника престола, министров и всесильных вельмож. Знаком особого благоволения и доверия императрицы можно было считать разрешение художнику написать портрет одного мальчика, даже существование которого тщательно скрывалось. Это был сын императрицы и графа Орлова, маленький князь Бобринский. Но умерла великая императрица, появились новые властители и модные художники. О Рокотове забыли... Сам Рокотов, будучи очень скромным человеком, каким и подобает быть православному, практически сделал все, чтобы, как мы сказали бы сейчас, не рекламировать себя и не заботиться о славе земной: он не подписывался под своими великолепными работами, не писал автопортретов, не оставил никаких воспоминаний, не написал и свою автобиографию. Однако в 1902 году замечательный знаток и пропагандист русского искусства Сергей Павлович Дягилев организовал выставку работ Ф.С. Рокотова. Выставка имела оглушительный успех. Рокотов вновь стал знаменит, его работы вызывали восторженные отзывы критиков и  ажиотаж у зрителей. Поэтому  взволнованные эксперты исторического музея  тут же  поехали по адресу, оставленному посетительницей. Подумать только - они  могут увидеть два неизвестных портрета  великого художника. И они увидели... Это были два живописных шедевра, совершенных не только по живописи, но и по какому-то неимоверному проникновению в самую суть души и психологию своих героев. Художнику удалось передать нечто такое, что вызывало жгучий интерес к этим людям. Женский портрет тут же стали называть «русская Джоконда». Но кем  они были, эти Струйские, которые не оставили в истории никакого следа? Когда  написал их великий Рокотов, волшебник  кисти? Почему художник изобразил именно их? Во всяком случае, к тому времени ни о  Струйских, ни об истории создания их портретов  ничего  известно не было. При более тщательном осмотре нашлась  единственная зацепка - надпись на оборотной стороне одного холста: «Привез в Рузаевку в 1772 году. Рокотов». Графологическая экспертиза подтвердила подлинность «руки» Рокотова  и в живописи полотен, и в надписи. Надо было  начинать захватывающие  поиски!  И отправились сотрудники музея проводить исследование, чтобы найти какие-либо сведения в самых разных  многочисленных архивах, в воспоминаниях и письмах современников, в записях церковных книг. Они успели за четырнадцать лет до начала кровавой революции и жестокого террора новой власти  воссоздать удивительную историю найденных портретов. Для  нашей культуры это было необыкновенное  везение, ведь, как известно, ни русская культура, ни русское искусство, ни русская история большевиков совершенно не интересовали. Тем более, когда дело касалось дворян.                                                                                                                                          А выяснили тогда факты, достойные памяти. На портретах   были изображены глава семьи Николай Еремеевич Струйский и его жена - Александра Петровна. Ко времени написания портретов они только что поженились. Жениху было 23 года. Его очаровательной невесте  - 17. Упомянутая Рузаевка -  одно из их  поместий, где находилась главная усадьба. Ко времени написания портретов Николай Еремеевич  стал очень богатым человеком. Дело в том, в 1771-72 гг Россию терзали две напасти - полыхал пугачевский бунт и свирепствовала чума. Пострадали все родственники Струйского. Он остался единственным наследником и богатых имений, и немалых капиталов. К его чести он распоряжался ими очень толково. Для того, чтобы навеки запечатлеть необыкновенную красоту своей молоденькой жены, он повез ее в Москву, где тогда жил Рокотов. Там художник, видимо, и написал  оба портрета, которые потом привез к Струйским в имение. Исследователи считали, что Николай Еремеевич хорошо знал Рокотова. С большой долей вероятности можно предположить, что они вместе  служили в  одном гвардейском полку. По документам Струйского известно, где и в какие годы он служил, а на одном единственном портрете, который исследователи считают автопортретом Рокотова, автор изобразил себя в мундире именно этого полка и относящемуся  к тому же времени. Подтверждал  данный факт и редкий документ - воспоминания Струйского о Рокотове. Молодой помещик был поклонником русского изобразительного искусства. В те годы он и стал собирать ставшую потом известной великолепную коллекцию работ русских художников. Не менее страстно Николай Еремеевич  увлекалсяв русской литературой и, особенно, поэзией. Он был знаком со многими   известными литераторами того времени. Его богатство позволяло ему быть щедрым хозяином, и у него в Рузаевке гостили многие знаменитости. Но быть просто сторонним наблюдателем ему было мало. Он тщательно записывал, все, что слышал от своих гостей. Хозяин Рузаевки и сам пописывал вирши, однако, несмотря на весь пафос и  романтическую экзальтацию, эти стихи не были высокой поэзией. И все же свой след в русской культуре и литературе он оставил. Кроме увлеченного коллекционирования произведений искусства, написания бесценных свидетельств - воспоминаний о своем общении   с самыми прославленными  авторами, он создал замечательную типографию, оснащенную всеми техническими новинками книгопечатания того времени. Книги печатались на великолепной дорогой бумаге. Его издания  на религиозные темы, по изобразительному искусству и литературе были столь высокого качества, что выигрывали в сравнении с продукцией знаменитого во всем мире скандинавского издательства «Ашетт». Книги, изданные рузаевской типографией, любила дарить своим иностранным гостям, государям и послам, императрица. Естественно, они были и в ее личной библиотеке. Струйский основательно готовился к своей новой семейной жизни. Он мечтал о многочисленной семье. Поэтому  у себя в Рузаевке выстроил большой четырехэтажный дворец по проекту самого Растрелли - архитектора царского Зимнего дворца. Своей молоденькой жене он сделал   к свадьбе уникальный подарок. Это не были ни дорогие бриллианты, ни бесценные шубы, ни парижские наряды. Он подарил своей любимой  великолепный храм Пресвятой Троицы, большой,  светлый, под высоким куполом. Значит, знал, что храм  для нее был важнее, чем богатства материальные. Проект храма  сделал другой знаменитый архитектор - Баженов. Ни одна женщина за всю историю человечества не получила столь великий и возвышенный дар. Сравнивая два созданных Рокотовым  портрета Струйских, нельзя не прийти к выводу, что изображены очень разные люди. Красавица Александра Петровна поражает еще и  гармонией своей души, видна не только ее доброта, но и сильный характер, серьезность и способность к самопожертвованию и в то же время очень естественная скромность. А эти качества никак не традиционны для светских красавиц XVIII века. Почему она не стремилась к жизни беспечной и легкой, с балами, флиртом и поклонением ей, как богине? Что таится за умным, тронутым печалью, но уверенным взором? Какая ей доступна тайна бытия? За этот ее  «неразгаданный» взгляд исследователи и назвали ее русской Джокондой. У  итальянки Моны Лизы  Леонардо да Винчи запечатлел ее таинственную непонятную полуулыбку. У русской красавицы вся тайна мироздания спрятана в чуть раскосых глазах необыкновенного цвета. Видимо, все же ответ был в том, что она  верила в Господа и поэтому знала истину. У ее супруга - заостренные черты не вполне симметричного лица, взлохмаченные как будто сильным порывом ветра волосы. Взгляд - фанатичен. И весь он  такой, что, кажется,  сейчас вскочит и убежит. Ему, явно, не чужды капризы, некая взбалмошность, осознание своей власти богатого человека. Несмотря на это кажущееся, внешнее несоответствие супруги прожили спокойную, достойную семейную жизнь. Александра Петровна родила восемнадцать детей. Но десять из них умерло в младенчестве, а четыре пары близнецов - семь сыновей и дочь благополучно выросли. Муж нередко писал посвященные своей супруге стихи. Сейчас они кажутся громоздкими и  без меры торжественными. Но одно в этих произведениях было прекрасно: Струйский придумал своей жене изумительное лирическое имя. Он называл ее Сапфирой.  Сколько в этом прекрасных ассоциаций! Сапфир - дорогой и редкий драгоценный камень синего цвета. Возможно,  в этом проявилось представление о каком-то необыкновенном цвете ее глаз. Кроме того, сапфир - символ верности и высоких душевных качеств. И с годами он не стал называть ее иначе. Но было в  как будто бы блестящей характеристике Струйского одно темное пятно: при всей своей просвещенности и тонкости восприятия прекрасного он оставался  жестким  крепостником. Он считал себя знатоком законов и сам судил своих крестьян, подчас  несправедливо и жестоко. Супруги прожили вместе 24 года, до самой смерти Николая Еремеевича. И смерть его была тоже неординарной. Узнав о кончине императрицы Екатерины Великой, которой он был бесконечно предан, осознавая ее предназначенность Господом быть матерью народа русского и защитницей государства, он вбежал в гостиную, где висел ее портрет, тоже выполненный Рокотовым, и рухнул рядом бездыханным. Он умер от инсульта  в один день с императрицей. Вряд ли можно представить себе более преданного поданного! Интересно, что у него во дворце висела  единственная  авторская копия портрета царицы. Оригинал находился в Зимнем дворце. Этот портрет так нравился Екатерине Великой, что она на  русских ассигнациях повелела печатать именно такой свой профиль. Александра Петровна пережила мужа на 43 года, она умерла в 1838 году  на восемьдесят четвертом году жизни. По воспоминаниям современников она до последних дней сохраняла следы былой красоты. Александра Петровна мудро правила семейным  состоянием. Оставила детям большое наследство. Было известно и о том, что она не разделяла убеждений своего мужа по  обращению  с крепостными. При ней им жилось значительно легче. Своим детям она была мудрым советчиком. Известно, что она оживленно переписывалась и со своими внуками. Кстати,  один из них - Андрей Полежаев - стал довольно известным поэтом. В Пензе существует его музей. Как и ее умерший супруг, Струйская была гостеприимной хозяйкой, у нее даже бывал в гостях А.С. Пушкин. Искусствоведы назвали ее самой красивой русской женщиной ХVIII века. Конечно, ее судьба была удивительной. Воспитала восьмерых детей. Вела большое хозяйство. Жила во дворце Растрелли. Молилась в храме Святой Троицы Баженова. Ее красоту запечатлел Рокотов. Чудеса продолжались и после ее кончины: через 125 лет после этого у нее появился восхищенный поклонник - известный поэт Николай Заболоцкий. В 1953 году он написал ставшее знаменитым стихотворение «К портрету Струйской». Говорят, что он часто приходил в Третьяковскую галерею (где теперь выставлен портрет) и останавливался, любуясь таинственной красавицей. Но и он мало что отгадал. В его стихотворении  больше  вопросов, чем ответов.  

Любите живопись, поэты!

Лишь ей, единственной, дано

 Души таинственной приметы

 Переносить на полотно.   

Ты помнишь, как из тьмы былого,

 Едва закутана в атлас,

С портрета Рокотова снова

Смотрела Струйская на нас?  

 Ее глаза, как два обмана-

Полуулыбка, полуплач.

Ее глаза, как два тумана,

Покрытых мглою неудач.

   Соединенье двух загадок-

Полувосторг, полуиспуг,

Безумной нежности припадок,

Предвосхищенье смертных мук.  

 Когда потемки наступают

И начинается гроза,

Со дна души моей мерцают

Ее прекрасные глаза.  

 А к  памяти о ней время оказалось жестоким. Остался только ее портрет в музее, но все остальное, ее окружавшее, исчезло. Во время революции сожгли дворец  великого Растрелли вместе с коллекцией бесценных картин (по преданию там был еще один рокотовский портрет Александры Петровны), разрушили храм Святой Троицы Баженова и уникальную типографию. Бессмысленно и бездарно. Наверное, так получается всегда, когда властвует зло и хочет уничтожить память о святом и прекрасном.  

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования  

«ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

История картин.

  Алексей Саврасов. «Грачи прилетели».

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

Алексей Саврасов. «Грачи прилетели».

Картину «Грачи прилетели» А.К. Саврасов написал в 1871 году. Практически сразу простота и безыскусность этого полотна привлекли внимание современников. Известный меценат и ценитель искусства Третьяков незамедлительно приобрел этот шедевр для своей коллекции.

Основная тема картины – наступление весны. Художнику удалось с необыкновенным мастерством показать пробуждение природы после долгой зимней спячки. Краски ранней весны не бросаются в глаза своей яркостью. Наоборот, в полотне преобладает серовато-коричневая гамма, спокойная и приглушенная.

На картине мы видим окраину деревни или небольшого села. Первый план полностью отдан изображению весенней природы. Слева – рыхлый, талый снег со следами животных и птиц. В нем уже ничего не осталось от зимнего великолепия и белоснежной пышности. Сразу понятно, что от этой приметы холодного времени года скоро не останется и следа. Справа снег уже превратился в весеннюю проталину, наполненную прозрачной, холодной водой. На передний же план художник поместил и березки, тоненькие, трогательные и какие-то особенно беззащитные в своей обнаженности. Время их расцвета еще впереди. А пока голые ветви деревьев облюбовали грачи. Это первые предвестники и глашатаи весны. Птицы вернулись в родные края и обживают свои гнезда.

Следующий план картины начинается за дощатым забором. За ним простирается бескрайнее поле, на котором еще лежит снег. Земля ждет начала сельскохозяйственных работ. Здесь же видны крыши деревенских домишек и старая церквушка с заброшенной колоколенкой. Дальний край поля сливается с линией горизонта. Небо на картине Саврасова также свидетельствует о скором приближении весны. Сквозь пелену облаков уже проглядывает яркая синева, на фоне которой особенно ярко и контрастно выглядят силуэты грачей.

Картина оставляет после себя ощущение весенней свежести, легкости, прозрачности, радостного предчувствия и предвкушения. Это своеобразный символ обновления всего живого в природе. 

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования   «ДШИ  Починковского  района»

Курс лекций.

 История картин.

В. Серов  «Девочка с персиками»

История изобразительного искусства.

ДХШ.

Разработчик: преподаватель художественного отделения

                        МБУ ДО «ДШИ      Починковского района»

                        Казакова Инна Викторовна

2017

12 интересных фактов о «Девочке с персиками»

1.  ДЕВОЧКА. Озорной характер Веры Мамонтовой читается и в ее лукавом взгляде, и в складке губ — того и гляди рассмеется. Растрепанные волосы, румянец во все лицо, пылающая мочка уха указывают на то, что она только что носилась по двору. А через минуту вскочит и побежит дальше. Тем не менее это был ее первый опыт продолжительного позирования. Искусствовед Элеонора Пастон говорит: «Считается, что ее внешние черты Врубель придал «Снегурочке», «Египтянке», Тамаре на иллюстрациях к «Демону». Веру Саввишну со временем прозвали «абрамцевской богиней». Ее портреты также писал Васнецов («Девушка с кленовой веткой», «Боярышня»).

2.  БЛУЗКА. На Вере повседневная одежда, хоть и украшенная ярким бантом. Просторная блуза кажется несколько мешковатой и слишком детской для 11-летней девочки. То, что она не переодевается специально для позирования, подчеркивает спонтанность ситуации и простоту отношений. Розовая блузка становится самым ярким и праздничным акцентом картины, и создается впечатление, что свет исходит не только из окна, но и от героини.

3.  КОМНАТА. Место действия — столовая Мамонтовых в усадьбе Абрамцево, одна из анфиладных комнат.

4. СТОЛ. За большим раздвижным столом всегда собиралось много народу — члены семьи и друзья. Элеонора Пастон рассказывает, что Серов часто работал здесь.

5. ПЕРСИКИ выращены в оранжерее Мамонтовых. Деревья для нее семья купила в имениях Артемово и Жилкино в 1871 году. Выращивал персики артемовский садовник, которого Мамонтовы пригласили к себе после того, как он продал им деревья.

6. КЛЕНОВЫЕ ЛИСТЬЯ. Серов заканчивал работу над портретом в сентябре. Желтеющая листва за окном и на столе — свидетельство долгого терпения девочки. Кроме того, осенние кленовые листья рядом с летними персиками будто напоминают: жизнь быстротечна, и надо радоваться, пока ты юн и светит солнце.

7. ГРЕНАДЕР. Игрушечный деревянный солдат в левом углу — изделие сергиево-посадских кустарей. По словам заместителя директора по науке музея-заповедника «Абрамцево» Елены Митрофановой, Мамонтовы купили игрушку в Троице-Сергиевой лавре в 1884 году. Фигурка была некрашеная, расписывал ее Серов. В Абрамцевском музее есть даже выполненный художником эскиз росписи. Гренадер до сих пор стоит на тумбочке в том же самом углу.

8. КРАСНАЯ ГОСТИНАЯ. Соседняя комната, часть которой видна слева, — так называемая Красная гостиная, где собирались писатели и художники, друзья Мамонтовых. Там они читали по ролям произведения Пушкина, Гоголя, Тургенева, музицировали, дискутировали.

9. СТУЛЬЯ. Добротные стулья из красного дерева достались Мамонтовым от Аксаковых вместе с традицией художественных посиделок. Те два, что стоят у окна, — со спинками в виде лиры — были очень модными в начале XIX века, а в конце его уже превратились в антиквариат. В Красной гостиной виден стул в стиле жакоб. Подобная мебель строгих прямых очертаний, с вставками из золоченой латуни, появилась в России еще при Екатерине II. В Абрамцеве сохранились и стулья-лиры, и жакоб, который по-прежнему стоит в Красной гостиной.

10. ОКНО столовой, как и терраса, примыкающая к Красной гостиной, выходит в Абрамцевский парк, на аллею, названную Гоголевской в честь писателя, любившего здесь гулять. Видно, что оконные рамы далеко не новые, краска на них кое-где облупилась. Это добавляет картине естественности и ощущения того уюта, которое можно испытывать только в «родных стенах».

11. ТАРЕЛКА. Савва Мамонтов увлекался прикладным искусством. В 1889 году он даже открыл при усадьбе гончарную мастерскую, в которой создавались изделия из керамики в технике майолика. В частности, этим занимался Врубель. Судьба тарелки, изображенной Серовым за два года до открытия мастерской, неизвестна, но она настолько гармонично вписана в интерьер, что позже на той же стенке появилась другая майоликовая тарелка, уже из мастерской Мамонтовых. Она и сейчас висит в столовой на этом месте.