Внеклассное мероприятие для 7-8 классов "Русский музей"(приурочена неделе искусств)

Внеклассное мероприятие для 7-8 классов «Русский музей»(приурочена неделе искусств).

( в холе на 3 этаже висят репродукции картин русских художников: «Озеро Русь»И.И.Левитан 1899-1900г(1м49см×2м 8 см) Государственный Русский музей «Царевна-Лебедь»М.А.Врубель 1900г (142,5 × 93,5 см)Государственная Галерея Эрмитаж, «Не ждали» И.Е.Репин1884–1888 г( 160,5 х 167,5 см) Государственная Третьяковская галерея, «Грачи прилетели»А.К. Саврасов 1871г (62 × 48,5 см )Государственная Третьяковская галерея,«Март» И.И.Левитан 1895г (60 × 75 см)[ Государственная Третьяковская галерея«Девочка с персиками» В.А.Серов 1887г (91 × 85 см) Государственная Третьяковская галерея,«Боя́рыня Моро́зова»В. И. Суриков  1887г (304 на 587,5 см)Государственная Третьяковская галерея

Купчиха за чаем»Б.М.Кустодиев 1918 г(120 × 120 см)Государственный Русский музей .«Вечернийзвон»И.И.Левитан,1892 (87,5 × 109 см)Государственная Третьяковская галерея, «Опять двойка»Ф.М.Решетников1952г (101 × 93 см)Государственная Третьяковская галерея«Неравный брак»В.В.Пукирев1862г (173 × 136,5 см)Государственная Третьяковская га«Алёнушка»В.М.Васнецов1881 г(173 × 121 см)Государственная Третьяковская галереялерея «Утро в сосновом лесу» И. И.Шишкин1889 г (139 × 219 см), «Богатыри»В.М. Васнецов1898г (295,3 × 446 см)Государственная Третьяковская галерея, И.Е.Репин1870-1873 г (131.5 × 281 см.)Государственный Русский музей

Цель: приобщение учащихся к шедеврам мировой художественной культуры.

Задачи:

• познакомить учащихся с некоторыми жанрами живописи;
• дать представление об особенностях творчества великих русских художников В.Г. Перова, И.И.Левитана, А.И. , И.И. Шишкина, И.К. Айвазовского и др.;
• развивать умение читать картину, чувствовать её основное настроение и находить точные слова для его выражения.

Ход занятия

-Друзья, сегодня в рубрике «русский музей» мы продолжаем знакомить вас с интересными музейными экспонатами. Предлагаем вашему вниманию репродукции картин наших русских художников.

 По-разному складываются судьбы картин, как и судьбы их героев. И первое наше знакомство мне бы хотелось начать с картины «Март» 1895 года. сегодня хранится в Третьяковской галерее. Исаак Левитан известен как основоположник пейзажа настроения.. Исаак Левитан так и не получил законченного художественного образования, однако его полотна участвовали в экспозициях передвижников, на Всемирной выставке в Париже и пополняли коллекцию Павла Третьякова. Одной из таких работ стала картина Он любил писать природу центральной России, а особенно — Тверскую губернию. Летом 1894 года он познакомился с Анной Турчаниновой — женой сенатора, которому принадлежала усадьба Горка. Между ними начался роман, и вскоре художник переехал к Турчаниновым. Специально для Левитана построили двухэтажный дом на берегу озера. Там он жил и работал над своими пейзажами с августа по сентябрь 1894 года.

Считается, что именно любовное увлечение вдохновило художника на работу «Март». Только вот отношения с Анной Турчаниновой к весне 1895 года разладились. Горничная имения Мария Честнокова вспоминала: «В усадьбе, да и на деревне, говорили, что и обе старшие дочери Анны Николаевны в него влюбились». 35-летний Левитан был подавлен

Несмотря на подавленное настроение, Левитан создал новую работу. И не мрачную картину, а полный жизнелюбия пейзаж: безоблачное голубое небо, скворечник на вершине березы и синие тени на снегу, которые предвещали скорую весну.

Художник завершил картину всего за несколько сеансов — полностью писал с натуры и без предварительных этюдов. Левитану помогала младшая дочь Турчаниновых, Анна, которая подносила ящик с красками и слушала его рассказы о природе. Левитан торопился: несмотря на то, что снега было еще много, под теплыми солнечными лучами пейзаж мгновенно менялся. На местах, где еще вчера лежали сугробы, на следующий день уже текли ручьи.

Исследователи творчества Исаака Левитана отмечали, что в картинах «Март» и «Золотая осень», которую он тоже написал в Горке, заметны черты импрессионизма. Художник Игорь Долгополов писал: «Ему не свойственна постоянно повышенная гамма палитры импрессионистов, власть голубых и синих тонов, которая бесконечно приятна, но идет иногда в ущерб глубине проникновения художника в настроение пейзажа. Пленэр решается Левитаном мощнейшей цветописью. «Март» Левитана — своеобразный манифест русского пленэра».

В картине Левитан изобразил часть стены бледно-желтого дома Турчаниновых. Из одушевленных героев картины он написал только запряженную в телегу лошадку Дианку у крыльца. О присутствии человека говорят лишь его следы на дорожке и незакрытая дверь в дом.

Картина «Март» вдохновила многих других живописцев. Вскоре Игорь Грабарь написал «Февральскую лазурь», Николай Ромадин — «Весенний снег», а Константин Юон работу «Русская зима. Лигачево». Яркое изображение снега, чистого голубого неба и синих теней деревьев стало популярным мотивом русских пейзажистов XX века.

--Картина «Не ждали»
Холст, масло. 160,5 х 167,5 см
Годы создания: 1884–1888
Ныне хранится в Государственной Третьяковской галерее

В этом году исполнилось 175 лет со дня рождения Ильи Репина, выставка его работ доживает последние деньки в Третьяковской галерее на Крымском валу. По такому случаю делюсь с вами удивительными, порой даже шокирующими фактами о его биографии и творчестве, которые я узнала на юбилейной экспозиции:

Факт 1. Главным героем картины "Не ждали" изначально была женщина.

Факт 2. Когда появился итоговый вариант работы, кто-то видел в образе вернувшегося каторжника Иисуса, кто-то — блудного сына.

Один из главных сюрпризов достался меценату Павлу Третьякову. Он купил за 7000 рублей превозносимую критиками картину известного художника, посетители Третьяковки с нетерпением ждали ее прибытия с XII выставки передвижников. Привлекал публику и злободневный сюжет: политический, выпущенный досрочно, не успевает предупредить домашних об освобождении и ошеломляет их своим появлением. В начале 1880-х выходили на свободу по амнистии осужденные в 1870-е годы народники.

Два года картина мирно висела в Третьяковке, но в 1887-м случился скандал. Когда Третьяков отсутствовал в Москве, в галерею наведался Репин с ящиком красок и быстро переписал голову входящего. Герой полотна, по свидетельствам очевидцев, стал выглядеть моложе, но гордость убежденного революционера в его чертах сменилась безволием и растерянностью. Увидев картину, Третьяков пришел в ярость от самоуправства Репина и, кроме того, решил, что она исправлена некачественно. Думал уволить смотревших за галереей слуг, которые никак не ожидали его гнева: им и в голову не пришло помешать художнику, давнему другу и советчику хозяина галереи. 

И Репин удивился возмущению Третьякова, но, когда тот на следующий год прислал картину для исправления, доработал ее. Полученный результат устроил обоих.

1. Бывший арестан. Народников в начале 1880-х по царскому помилованию мог быть досрочно освобожден не революционер, а сочувствующий, из тех, кто присутствовал на сходках, но в акциях не участвовал: серьезных заговорщиков того периода если и амнистировали, то не раньше 1896 года. Героя могли осудить по статье 318 Уложения о наказаниях за членство в запрещенном кружке (каралось заключением в крепости, ссылкой либо каторгой). Моделью Репину послужил друг, писатель Всеволод Гаршин. Страдая от депрессии, Гаршин покончил с собой в год завершения картины, в 1888-м. 

2. Армяк. Крестьянская одежда героя, означает, что мужчина отбывал наказание в исправительных арестантских ротах далеко от дома: за отправленными по этапу не возили одежду, в которой их взяли, а по освобождении выдавали тряпье, купленное на пожертвования Обществом попечительным о тюрьмах. 

3. Старуха. Мать героя, которую Репин писал с тещи, «Вошедший, — видит только то, что не видит зритель: глаза матери». 

4. Дама. Супруга героя. Репин писал ее с жены Веры и с племянницы . И мать, и жена в трауре — знак того, что в семье кто-то умер недавно, в пределах года. 

5. Горничная. Девушка неохотно впускает в комнату бедно одетого человека, не признав в нем главу семьи: видимо, ее наняли уже после его ареста. 

6. Мальчик. Сын героя, мальчик в мундире гимназиста, узнал вошедшего отца и обрадовался. Репин писал мальчика с Сережи Костычева, сына соседей по даче, будущего академика РАН, изучавшего дыхание растений. Портреты Николая Некрасова и Тараса Шевченко, писателей и публицистов, которых народники считали идейными вдохновителями, — знак того, что члены семьи ссыльного разделяют его убеждения. 

НАША СПРАВКА Бурлак - наемный рабочий в России, который при помощи бечевы тянул речное судно против течения. Бурлацкий труд был сезонным. Лодки тянули по «большой воде»: весной и осенью.

В СССР бурлацкую тягу запретили в 1929 году. Но в годы Великой Отечественной войны она периодически использовалась на некоторых малых реках из-за отсутствия буксиров."Бурлаки на Волге"

В 1869 году художник с товарищами отправился по Неве до Усть-Ижоры рисовать этюды. Среди гулявших по берегу людей они увидели оборванных и почерневших от солнца бурлаков, которые тащили тяжелую барку.

2. Знакомство с героями. Чтобы сделать свое полотно правдивым, художник отправился на Волгу. Репин поселился в Ширяеве и вскоре подружился с одиннадцатью бурлаками. Он встречал их во время работы, какое-то время шел с ними в ногу, а во время отдыха беседовал.

3. Священник и боец

Бурлацкая ватага собрана из людей с разными характерами и судьбами. Ни один не повторяет другого.

Волге Репин встретил своего любимого героя - расстриженного священника Канина. Художника поразило в бурлаке все: одежда, тряпица, которой тот повязал голову, выражение лица, а главное - глаза. Репин увидел его мельком. Бурлаки прошли, а он все находился под впечатлением. Пришлось друзьям художника по Волге догонять ватагу. Репин договорился с Каниным о портрете - так появился главарь бурлаков. Он изображен в первом ряду с правой стороны

Рядом с Каниным - широкогрудый силач, заросший черной бородой. Из-за частых побед в кулачных боях его называли нижегородским бойцом.

За передовой двойкой с озлобленным взглядом идет Илька-матрос. Как рассказывал Репин, Илька всегда сетовал на жизнь и часто матерился.

Слева от матроса - высокий бурлак в шляпе. Он не прилагает особых усилия, не думает о других, а просто курит трубку.

Следом справа молодой деревенский паренек Ларька. Он будто пытается сбросить с себя лямку - «бурлачок» совсем еще не привык к такому труду.

Сосед паренька - больной старик. Он уже выбился из сил и утирает со лба пот. За Ларькой - еще один любитель покурить. Он спокоен, прилег на плечо юнца и набивает трубку. Тем временем за его спиной плетется калмык.

Осталась замыкающая тройка.Ближе к нам - отставной солдат Зотов. Он единственный изображен в сапогах, потому что еще не успел их сносить, не приноровился к бурлацкому делу. Дальше - грек, со злостью оглянувшийся на баржу, где сидят наемники. В разговоре с Репиным, бурлаки называли их кровопийцами. Последний отстал. Он изо всех сил тянет корабль.

Факт 12. Картину "Бурлаки на Волге" у Репина купил князь Владимир Александрович, сын императора Александра II, чтобы повесить... в бильярдной!

-Боярыня Морозова .Суриков выбрал очень актуальную живописную нишу. Его работы помогали думающим людям найти ответы на вопросы: «Кто такие русские? Как они жили, как одевались, во что верили?»

Для этого копнем глубже. В саму историю этой женщины. Феодосия Прокопьевна была близкой родственницей первой жены царя Алексея Михайловича (отца Петра I). Хрупкая и изящная девушка, Феодосия вышла замуж в 17 лет за одного из самых богатых людей государства — Глеба Ивановича Морозова.

У него была роскошная усадьба, десятки тысяч крестьян. А главное — он был ближайшим советником самого царя! Не было у боярина Морозова только одного — наследника.

И вот молодая жена родила ему долгожданного сына!

Казалось бы, впереди счастливая сытая жизнь… Но одно событие не даст этому случиться.

После реформ патриарха Никона церковь «раскололась» на два противоборствующих лагеря. Феодосия сильно переживала, но твёрдо решила оставаться на стороне старообрядцев.

Затем умер муж, ее защитник. Старообрядцев преследовали. Феодосия не стала скрывать своей веры. Наоборот, активно выражала свое несогласие с нововведениями.

Например, приказала носить себя в кресле на богослужения в «новообрядческие» церкви, показывая своё презрительное отношение к реформе.

Царь был возмущен поведением Морозовой, но за неё вступалась царица — Мария Ильинична Милославская.

Но вскоре и она умерла, и заступиться за боярыню Морозову было уже некому.

А тем временем Алексей Михайлович решил жениться второй раз, на Наталье Кирилловне Нарышкиной (матери Петра I).

В те времена вторую свадьбу играли более скромно, чем первую. Царь же устроил невероятно пышное торжество. То ли Морозова осуждала второй брак, то ли была недовольна чрезмерной пышностью, но факт остаётся фактом — она не пришла на свадьбу!

Алексей Михайлович пришёл в ярость… И приказал арестовать Феодосию.

Ее пытали на дыбе, принуждая отказаться от старой веры. Но она устояла. За это ее уже были готовы сжечь на костре! Но заступились бояре, так как это было слишком жестоко по отношению к представительнице их сословия.

Тогда, чтобы не вызывать много шума, царь приказал тихо и незаметно уморить женщину голодом в тюрьме.

А тем временем все ее имущество было конфисковано и подарено отцу новой царицы.

Вот теперь гораздо проще оценить силу образа боярыни, который создал художник. Василий Суриков изображает ключевой момент из истории боярыни Морозовой. Ее везут в боровскую тюрьму, чтобы уморить голодом в земляной яме.

Она, знатная и богатая, едет на простых санях с соломой. Так художник подчёркивает пережитые унижения: арест, пытки, приговор к сожжению. Но она по-прежнему не отступает от старой веры. Вся в чёрном, с бледным и худощавым лицом. Она тянет руку с двуперстием вверх. Этот образ Суриков очень долго искал. Случайно увидел женщину на старообрядческом кладбище. Он понял, что такое лицо «сразу всех победит», то есть в толпе станет притягивающим взгляд центром. Суриков создал невероятно красочную и разношерстную толпу. Здесь можно долго разглядывать узорочье старинных одежд. Кто-то безумно жалеет боярыню и плачет. Кто-то вдохновляется и верит ещё больше. Кто-то поражается такой смелости и силе духа. Обратите внимание, что старообрядческим двуперстием боярыне отвечает лишь юродивый, сидящий на снегу. Ему терять нечего. А вот все остальные не готовы так смело идти против царских законов. Рядом с санями идёт сестра Морозовой, княгиня Урусова. Ей предстоит совершить такой же подвиг. Она погибнет от голода в той же яме на руках у сестры. Но для толпы ее трагедия останется незамеченной. Образ княгини олицетворяет всех безымянных погибших за старую веру.

Однако не сразу дались… сани. Вернее, их движение.

Они никак не хотели ехать. Встали на месте и все тут!

Чего только не предпринимал Василий Иванович! Менял положение полозьев саней на снегу, угол оглоблей, соединяющих сани и лошадь, – ничего не помогало!

И тут ему пришла в голову идея нарисовать рядом бегущего мальчика! И сани сразу «поехали»! Глядя на них, почти физически ощущаешь, как они едут, упорно раскалывая толпу. Тоже очень интересное решение, созвучное сюжету.

Суриков понимал, что снег — один из главных героев его картины. Он обязан быть очень реалистичным. Чтобы мы слышали его скрип под полозьями. Со снегом у Василия Ивановича отношения сложились особые. Он писал его только с натуры на улице, стараясь поймать тончайшие оттенки.

Натурщиков он тоже просил позировать на морозе, чтобы уловить оттенки кожи под воздействием холодного воздуха.

Через год после написания «Боярыни Морозовой» умерла жена Василия Сурикова, Елизавета Шаре. Ее здоровье всегда было слабым (порок сердца). Художник решился показать ей свою родину: повёз в Сибирь, в Красноярск. Она не выдержала этой поездки.

Он сильно переживал потерю, винил себя в том, что настоял на путешествии. И по-настоящему оправиться так и не смог.

Поэтому «Боярыня Морозова» так и осталась его непревзойденным шедевром. Да, были ещё «Взятие Сибири Ермаком» и «Взятие снежного городка». Но все же они уступают во многом его «Боярыне». 

-«Девочке с персиками» — самой известной картине Серова

Эту картину знают даже далекие от искусства люди. Те, кто интересуется творчеством этого художника, знают еще и то, что ему позировала 11-летняя Вера Мамонтова — дочь известного мецената и богатого промышленника.

1. Свою самую знаменитую работу Валентин Серов создал в молодом возрасте — ему на тот момент было всего 22 года. Весной 1887 года он вернулся из Италии и остановился погостить в подмосковном имении Саввы Мамонтова Абрамцево. Художник работал вдохновенно и словно на одном дыхании, но при этом позировать девочке пришлось достаточно долго.
2. Серов позже писал о том периоде: «Все, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти».
3. 2. Усадьба в Абрамцево была настоящим домом творчества: здесь гостили Тургенев, Антокольский, Суриков, Коровин. Веру Мамонтову писали многие художники, гостившие в Абрамцево: Репин, Васнецов, Врубель также создали ее портреты. Врубель наделил ее чертами «Снегурочку», «Египтянку», Тамару на иллюстрациях к «Демону». Васнецов так объяснял желание художников писать ее: «Это был тип настоящей русской девушки по характеру, красоте лица, обаянию». Но самой известной стала картина Серова «Девочка с персиками».
4. . Картину Серов подарил Елизавете Мамонтовой, матери Веры, и портрет долгое время висел в той комнате, в которой и был написан. Позже картина попала в Третьяковскую галерею, а в Абрамцево осталась копия. После «Девочки с персиками» о Серове заговорили, и вскоре он стал одним из самых модных портретистов. Но как же сложилась дальнейшая судьба самой Веры Мамонтовой?
5.  Вера вышла замуж за Александра Самарина, предводителя московского дворянства, министра по делам церкви. Венчание состоялось в церкви Бориса и Глеба, разрушенной позже большевиками. Сейчас на ее месте, рядом с выходом из станции метро «Арбатская», стоит часовня.
6.  Брак был очень счастливым, Вера родила троих детей, но в 32 года ее жизнь неожиданно оборвалась. За несколько дней она сгорела от сильного воспаления легких.
7.  После ее смерти Александр Самарин так никогда и не женился, а в память о жене построил храм Живоначальной Троицы в Аверкиево, возле их усадьбы.

-Девятый вал Почему художник так назвал свою картину?

Согласно биографическим данным Айвазовского известно, что он немало времени прожил в Феодосии, небольшом приморском городке, что находится на полуострове Крым. Там Иван Константинович водил знакомство с моряками, от которых узнал легенду о том, что волны во время шторма имеют различную высоту.

И та волна, которая идет девятой по счету - самая опасная, она имеет такую разрушительную силу, что способна разбить все корабли на мелкие кусочки. Если после девятой волны удавалось выжить – то появлялась реальная возможность спастись. Именно эта легенда моряков нашла отражение в полотне Айвазовского.

После окончания Императорской Академии художеств Айвазовского, как молодого, подающего надежды живописца, в 1840 году отправили за границу. К слову, так в то время поступали со всеми талантливыми выходцами и не только из этой Академии – так сказать, студенты отправлялись на «распределение».

Именно в этом путешествии, продлившемся почти 4 года, судьба подарила Айвазовскому сюжет для будущей картины. Корабль, где находился Айвазовский, спокойно плыл у испанских берегов, и вдруг разыгрался страшный шторм.

Буря была такая сильная, что казалось молодому живописцу из России ждет неминуемая гибель. Но ему удалось спастись и остаться в живых. Самое интересное, что пока все другие пассажиры корабля в ужасе сидели в каютах и молили Бога о спасении, Айвазовский осмелился выйти на палубу, чтобы запечатлеть момент шторма в своем сознании. Именно так зарождался образ нового произведения в мыслях художника.

Известно, что Иван Константинович ни одного своего произведения не написал с натуры. Когда он видел что-то привлекательное, то запоминал это, наспех делал какие-то наброски, а затем уже создавал произведения искусства в мастерской, просто воссоздавая образы увиденного в своей памяти. Он имел фотографическую память.

Поэтому многие картины получались быстро! Например, «Девятый вал» - картина размером 2 на 3 метра, но Айвазовский нарисовал полотно всего 11 дней! Иван Константинович считается весьма плодовитым мастером: его перу принадлежит около шести тысяч картин!

Взглянув на полотно, мы видим последствия кораблекрушения из-за разыгравшегося сильного шторма. По морю плывут обломки корабля, на которых держатся уцелевшие матросы. Видно, что один из них уже настолько выбился из сил, что готов подчиниться стихии и идти ко дну. Но другой, более опытный моряк, старается удержать обессиленного человека на остатке от мачты.

Немного поодаль виднеется еще один матрос, который машет красной тканью, надеясь, что какой-нибудь корабль будет проплывать мимо и заметит их. А может, он машет тому, кто уже мертв? Двое людей, сидящих рядом с этим человеком, смотрят на него, но уже не с надежной спастись, а с отчаянием. Совсем недалеко в волнах плавает утонувший человек. Неужели и правда, их судьбы печальны, спастись уже никак получится? Или все же надежда на спасение есть?

Где же этот девятый вал?

На него указывает рукой моряк, находящийся в стороне от всех. Он один из всех заметил эту реальную опасность. Своим указательным жестом он пытается предупредить товарищей по несчастью, но те отвлеклись на другие дела.

Этот человек будто бы говорит зрителю: "Все, что изображено на картине, не имеет значения. Самое главное и опасное для жизни находится за ее пределами".

-«Охотники на привале»

Василий Перов сам был страстным охотником, и тема охоты ему была хорошо знакома. В 1870-х гг. он создал так называемую «охотничью серию»: картины «Птицелов», «Рыболов», «Ботаник», «Голубятник», «Рыбная ловля». За «Птицелова» (1870) он получил звание профессора, а также место преподавателя в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Но самой яркой и узнаваемой в этом цикле безусловно стала картина «Охотники на привале».

Так, прототипом картинного рассказчика стал известный московский доктор и заядлый охотник Кувшинников, прообразом скептика – врач и художник-любитель Бессонов, а в роли самого «зеленого» собеседника (скорее, слушателя) выступил еще один эскулап по фамилии Нагорнов, впоследствии член столичной городской управы.

Самый старший в компании, бывалый охотник, видимо, из дворянского сословия. Он увлеченно и страстно делится с друзьями своими легендарными охотничьими свершениями, надеясь, таким образом усилить личный авторитет в глазах окружающих.

Посередине расположился мужчина, которому лет 35-40. Он из тех зажиточных крестьян, которые с недоверчивой ухмылкой слушают байки охотливого рассказчика.

Крайний справа – молодой начинающий охотник, новичок, который воспринимает россказни старшего товарища за чистую монету. Он так увлечен монологом краснобая, что застыл в удивленной позе и вдобавок забыл разжечь подготовленную для раскуривания папиросу.

-Виктор Михайлович Васнецов говорил, что картина «Богатыри» – это его обязательство перед народом, благодарность ему за то, что «вырастил, воспитал, вооружил уменьем». Замысел у него возник еще в 1871 году.

Он набросал карандашом эскиз. Через пять лет в Париже повторил рисунок уже в красках. В мастерскую к нему в этот момент вошел Василий Поленов и восхитился. Васнецов же щедро предложил, мол, бери себе, раз нравится. Поленов возмутился тем, что Виктор Михайлович Васнецов так легко разбрасывается столь замечательными работами, однако сам художник не видел на тот момент ничего особенного в этюде. Поленов предложил сегодня широко известную сделку: «Ты даешь мне слово, что эскиз этот будет наброском к большой картине. Когда напишешь ее, подаришь мне этот эскиз, но не раньше». Написав своих трех богатырей, Виктор Михайлович Васнецов таки подарил Поленову тот эскиз.

В центре композиции восседает на огромном черном коне Илья Муромец. Телосложения он крепкого и могучего. Приставив руку ко лбу, Илья Муромец обозревает округу. В одной руке у него копье и щит, с запястья другой свисает тяжелая булава – о ней сказано «палица булатная сорока пудов». Но рука Ильи Муромца не сгибается под этой тяжестью, словно браслет какой, а не сорок пудов на ней. Среди трех богатырей на картине он атаман, главный над всеми.

Слева от него на картине «Богатыри» другой легендарный герой русских былин – Добрыня Никитич. Он знатного происхождения, что видно и по его изящной кольчуге и по переливающемуся, сияющему алмазами да рубинами алому щиту, и по изысканной тонкой сбруе белоснежного статного коня. Рука его на картине «Богатыри» наполовину вынула меч из ножен, он готов в любой момент выхватить его и, можем быть уверены, промедления не допустит.

Справа на картине Виктора Михайловича Васнецова на буром коне Алеша Попович, самый молодой из трех богатырей. В руках у него лук со стрелами, а на боку висят гусли – не только персонажи былин воевать могут. Алешу легко представить весельчаком, песенником, в его образе сильно лирическое начало, а сила его – в сметливости и ловкости. Конь Алешин пощипывает траву и кажется беззаботным.

Васнецов выбрал интересный ракурс – зрители смотрят на героев полотна снизу вверх. За счет этого фигуры трех богатырей на картине кажутся громадными, а пейзаж – не просто фоном, на котором они написаны. За их спинами – земля, которую они готовы защищать, которая может чувствовать себя в безопасности, пока у нее такие стражи.

Илью Муромца для картины «Богатыри» Виктор Михайлович Васнецов писал с абрамцевского крестьянина-извозчика Ивана Петрова. Прототипом юного Алеши Поповича стал Андрей, сын мецената Саввы Мамонтова, в чьем имении в Абрамцеве летом гостил Васнецов с семьей. А вот Добрынюшка для художника практически семейный богатырь. Искусствовед Николай Прахов утверждал: «Лицо Добрыни является собирательным типом Васнецовых — отца, дяди и отчасти автора». А вот с лошадьми все однозначно – все они из конюшни Саввы Мамонтова.

«Алёнушка». Увидел в селе Ахтырка девочку-сироту лет 11-12. И так её грустные глаза запали художнику в душу, что он задумал написать её портрет.

Итак, Васнецов на основе эскизов приступил в 1880 году к созданию картины.

Девочку он поместил в необычный пейзаж.

Он добавил густой лес позади девочки. Перед ней поместил пруд. А саму героиню посадил на большой камень. 

Этот пейзаж словно не даёт Алёнушке уйти. Сзади лес, перед ней – вода, которая так и тянет прыгнуть в неё.

Основная тема произведения — тоска Алёнушки по потерявшемуся брату. В то же время, лицо героини выражает надежду на счастливое будущее, которое, конечно же, обязательно наступит. Минорный настрой полотна подчёркивают неподвижные ели, тёмная вода и хмурое небо. Отлично показана связь, существующая между природой и человеком. Кажется, что всё живое сопереживает Алёнушке и как бы старается её утешить. Все фрагменты полотна не диссонируют с общим настроем, а лишь дополняют и подчёркивают его. Каждая деталь навевает грустные мысли и заставляет испытывать щемящую тоску.
-«Неравный брак» Пукирева.

Замечали ли Вы раньше, что на картине ТРИ невесты? По крайней мере три женщины, на которых надеты венки невесты. Но обратите внимание, что рядом с женихом, буквально за его плечом стоит дама.

Часто ее называют свахой. Тогда почему же на ней венок невесты? И стоит она как будто в белом одеянии…

Но есть ещё одна женщина с венком на голове.

Прямо за спиной священника!

Мы видим лишь часть лица. Но венок на ее голове тоже говорит о том, что она невеста.

Так кто эти дамы?

Если ту, что рядом с женихом, ещё можно было принять за реального человека. То та, что рядом со священником, никак не может быть реальной! Никто не может стоять так близко к нему во время церемонии бракосочетания.

И вот этот момент мистики завораживает. Оказывается, мужчина пережил двух жён! Это ещё больше усиливает контраст между женихом и невестой!

С одной стороны — пожилой мужчина, вокруг которого вьются призраки. И в его глазах нет ни капли сочувствия.

С другой стороны — юная девушка, почти ребенка. С тонкой полупрозрачной кожей. С заплаканными глазами и посиневшим виском. Она несчастна однозначно и бесповоротно. Потому что будущему мужу её ни капли не жаль. Как и родителям, которые отдают дочь за старика.

В то время такие браки были повсеместны. За 2 года до этой картины Синод даже выпустил указ о недопустимости таких браков.

Но они продолжали свершаться. Картина же окончательно всколыхнуло общество и всем стало ясно: это НЕ норма! Зрелые мужчины стали отказываться от возможности жениться на слишком юных девушках.

Василий Пукирев мастерски использовал приём «Мгновение ДО». (Первым такой прием использовал Микеланджело. Он изобразил мгновение до того, как человек оживет от прикосновения Бога.)

Это когда мы видим, что художник как бы останавливает мгновение за секунду до кульминации.

Ведь невеста уже протянула руку, чтобы священник надел ей кольцо. И все это тоже на основе контраста. Светлая рука девушки почти касается темной руки священника. Ещё секунда и ее свобода прервётся. Она будет женой этого мужчины. Она принесёт себя в жертву. Ради славного имени своей семьи.

Дело в том, что перед нами Прасковья Матвеевна Варенцова. Она была внебрачной дочерью дворянина. Семья хоть знатная, но не богатая. Замужество позволяло неплохо пристроить девушку, которой нечего было и надеяться на наследство от отца. У него были и законнорождённые дети.

Также по письмам современников мы можем предположить, что в девушку был влюблён сам художник, Василий Пукирев. Но несмотря на то, что она была внебрачным ребёнком, ее не готовы были выдать за крестьянина. Ведь Пукирев был из низшего сословия. И стал художником исключительно благодаря своему таланту.

Михаил Александрович Врубель написал картину «Царевна-Лебедь» по мотивам пушкинской сказки.
Картина была написана благодаря впечатлению от оперы Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане», где партию царевны исполнила жена художника Надежда Ивановна Забела.

Художник часто писал портреты жены, она вдохновила его на создание знаменитой картины «Царевна-Лебедь», хотя портретного сходства в этом случае нет. Вдохновленный ее исполнением, Врубель написал одну из самых загадочных своих работ.

Картина была написана в Черниговской губернии, дома у родственников Врубеля. Главой этого семейства был другой известный русский художник Николай Ге.
На картине изображён момент трансформации лебедя в хрупкую царевну-красавицу. Это мгновенье как бы застыло, что добавляет нереальности и без того фантастическому происходящему.

 Надежда Забела- выдающаяся оперная певица –жена Михаила Александровича Врубеля,которая стала для него музой, женой и ангелом-хранителем, оберегающим его до последних дней жизни. Она вдохновила его на создание множества работ, в том числе и самой загадочной – «Царевны-Лебеди», и пыталась сделать невозможное – спасти от безумия. Огромные глаза Царевны-Лебеди полны печали, тревоги и словно предчувствия беды.Картина была сразу же приобретена меценатом Морозовым, а после его смерти в 1910 году, согласно завещанию попала в Третьяковскую галерею.

В 1901 г. у них родился сын Савва, однако счастье омрачало наличие у него врождённого порока – заячьей губы. Из-за этого у художника началась глубокая затяжная депрессия, что стало толчком к развитию душевной болезни. Её симптомы проявлялись и раньше, но болезнь ребёнка их усугубила. В 3-хлетнем возрасте малыш скончался от пневмонии, что окончательно подорвало психическое здоровье Врубеля.

С тех пор долгое время Врубель проводил в психиатрических клиниках, но жена не теряла надежды и пыталась облегчить его состояние всеми возможными способами. Зная о том, как на него действует её пение, она привозила в больницу аккомпаниатора и пела для мужа. Она старалась не выдавать своего беспокойства и поддерживала художника до последних дней. Именно поэтому Надежду Забелу называли ангелом-хранителем Врубеля. Женщина проявляла необычайную стойкость, хотя ей довелось перенести немало: смерть ребёнка, болезнь матери, смерть отца, безумие и гибель мужа. Она пережила Врубеля всего на три года и ушла из жизни в 45 лет.

Два пишем, пять в уме: интересные факты о картине «Опять двойка»

«Мне хотелось сказать, какое это серьезное дело — отметка», — объяснял идею картины «Опять двойка» художник Федор Решетников. Хотя отметка, по замыслу автора, должна была быть отличной

Решетников задумал картину об успешной сдаче школьных экзаменов: ходил на уроки и садился с блокнотом на задней парте. Один из учителей, желая продемонстрировать гостю знания школьников, вызвал к доске лучшего ученика в классе. Но тот растерялся в присутствии постороннего, которого дети считали проверяющим из министерства, и не смог решить задачу. Решетников отметил, что гамма чувств на лице расстроенного школьника гораздо выразительнее, чем радость отличника, получившего заслуженную пятерку.

А когда с плохой отметкой пришла домой дочь художника Люба, Решетников, отчитав готовую разрыдаться девочку, подумал, что действие картины нужно перенести из школы в семью. Реакцию родных ребенок принимает ближе к сердцу, чем осуждение учителем и одноклассниками, а значит, воздействие на зрителя будет сильнее.1. Двоечник. Сначала художник писал школьника «лет десяти» с того самого отличника Сережи, который смутился у доски. Но когда мальчик догадался, что его собираются изобразить в роли двоечника, он наотрез отказался позировать, и Решетникову пришлось искать других натурщиков.2. Румянец. Решетников просил позировавших ему мальчиков растирать щеки и уши снегом, ведь у героя картины должен быть такой цвет лица, как будто он только что вошел в дом с морозной улицы.3. Портфель. Этот потертый «артефакт», написанный, как выразился художник, «с портретным сходством», принадлежал одному из мальчишек-натурщиков. Владелец был вратарем дворовой футбольной команды, и портфель часто служил штангой ворот.

4. Коньки. Вещественная улика указывает на причину двойки. Нерадивый ученик, по словам Решетникова, «снова после школы играет в футбол или бегает на коньках, не замечает, как быстро пробежало время, а уроки опять не сделаны — авось завтра не спросят».5. Мать. «Этот образ очень сложный, — писал художник, — в нем должны быть выражены и укор, и огорчение, и строгость, и теплота, и материнская любовь». Подходящее выражение лица у натурщицы художнику удалось поймать, когда женщина пришла всерьез расстроенная из-за каких-то личных проблем. Он намеренно не выказал сочувствия, желая, чтобы модель подольше оставалась искренне огорченной6.Старшая сестра. Художник придал пионерке-отличнице осуждающее выражение лица вместо сочувственного в последний момент, когда картину уже повесили в выставочном зале.7. Младший брат. Подходящего по типажу мальчика шести-семи лет вместе с его старшим братом художник случайно встретил на улице и уговорил позировать. Решетников намеренно провоцировал детей рассказывать друг о друге, кто чем провинился, чтобы написать ехидную улыбку младшего брата.8. Собака. Художник «разбавил» назидательный пафос картины, изобразив пса, который рад приходу хозяина с любыми отметками. Чтобы надолго удержать «собаку-модель» в нужном Решетникову положении, ее владелец стоял с обещанным псу куском ветчины в зубах, руками прижимая лапы животного к своей груди9. Велосипед «Ветерок». Этот детский велосипед легко переделывался из двухколесного в трехколесный и обратно. Мальчик на картине предпочел менее устойчивый вариант — более взрослый и похожий на культовый подростковый «Орленок», для которого дошкольник еще мал..10. Репродукция. В основе композиции картины — треугольник, и вершина его упирается в висящую на стене репродукцию другого полотна Решетникова — «Прибыл на каникулы». Подразумевается, что бравый мальчик-курсант с той картины должен служить примером нерадивому ученику. А репродукцию картины «Опять двойка» художник позже изобразил на полотне «Переэкзаменовка», намекая на причину, по которой герою приходится проводить за учебниками летние каникулы.

«Грачи прилетели»Алексей Кондратьевич Саврасов.В декабре 1870 года у художника возник конфликт с училищем — его упрекнули в том, что у него мало учеников, и лишили казенной квартиры. Расстроенный Саврасов отпросился на полгода в отпуск, взял заказ на исполнение «рисунков и картин зимнего пейзажа на Волге» — скорее всего, от Третьякова — и в самый разгар занятий вместе с семьей уехал в Ярославль.

В Ярославле Саврасов вел «тихую и сосредоточенную жизнь», которую нарушила болезнь жены и смерть новорожденной дочери. Но уже весной 1871 года художник, окрыленный успехом картины «Волга под Юрьевцем», отправился на поиски нового пейзажа. Они привели живописца в село Молвитино (позже переименованное в Сусанино), в нескольких десятках верст от Костромы. Там он и создал первые этюды, которые позже легли в основу «Грачей».

Дописанную уже в Москве картину еще до первой выставки заметил и купил Третьяков, чем сильно разочаровал императрицу Марию Александровну — она смогла приобрести только копию полотна.

На этой картине — все «как в жизни». Мы как будто смотрим в окошко. Но при этом четко знаем — что это рукотворное произведение искусства. Нам доставляет удовольствие это высокое качество, чужое мастерство, запечатленный реализм.

Большинство посмотрит на грачей в ветвях берёз. Потому что это композиционный центр картины. Художник намеренно “ведёт” ваш взгляд сюда. Тонкие полупрозрачные ветки на синем небе совсем не отвлекают наше внимание от птиц.

Важно другое. Это не центр картины. В центре – церковь и дома. Но не они главные герои. В этом “изюминка” работы Саврасова. Смещённый центр композиции в правый верхний угол полотна.

Несмотря на малые размеры полотна, на картине изображено большое пространство. За церковью – бескрайние просторы с талым снегом. Скорее всего, вы их даже не сразу заметите. Настолько ваше внимание будут удерживать грачи и берёзы.

Но бессознательно это влияет на наше восприятие. Вы ощущаете величие природы. И перестаете замечать, что картина небольшая.

Ещё один важный момент. По бокам картины часть берёз “срезаны” рамой.

Этот приём придуман не Саврасовым. Такой эффект “занавеса” можно увидеть ещё у первого русского пейзажиста Семёна Щедрина (18 век).

Есть в картине много деталей, которые придают ему так называемую «русскость».

Как ни крути, наша сельская глушь всегда немного неряшлива, с налётом старины. Мы и сейчас в деревне вряд ли увидим ряды аккуратных домиков с разукрашенными заборчиками.

Но эта потрепанность как раз и мила русскому человеку. Это нам ближе, чем яркие сады и весёлые домики французских или итальянских пейзажей.

Саврасов пошёл другим путём. В его “Грачах” можно разглядеть немного философии. Едва ли драму. Но в них много лирики. Потому что художник добавил своё собственное отношение к природе.

Чувствуется его безграничная любовь к родине. К русской глубинке. Он вплетает в картину душевное тепло. Выходит трогательно. Поэтично.

Лишь “Проселок” можно назвать ещё одним  шедевром Саврасова.

«Утро в сосновом лесу»Картина русских живописцев Ивана Ивановича Шишкина и Константина Аполлоновича Савицкого, написанная в 1889 году;

Первое, что бросается в глаза в этом поистине эталоне живописи - очень насыщенный реализм. Мазки настолько мастерские и изумительные, что мы даже можем почувствовать свежесть утра, запах первой утренней листвы, услышать хруст веток под лапками медвежат... мне кажется, я начинаю даже щуриться от восходящего солнышка.

Как Шишкину удалось создать сотни тонов из нескольких цветов? Неведомая загадка мастера! Еще более интересной является легенда о том, что на месте мишек должны были быть... зайцы!

Но эти милые и нежные животные вряд ли помогли бы автору реализовать намеченную цель - передать мощь и силу. Поэтому на ландшафте было решено изобразить медведей как символ богатырской русской души, ведь медведь - главный лесной царь. Шишкин всю свою жизнь изображал природу, и его несколько беспокоило, что медведи на картине получались не такими, какими он желал их видеть.

Именно поэтому на помощь художнику пришел его коллега и специалист по изображению животных - русский жанровый живописец Константин Савицкий. Первоначально на холсте был изображен только волшебный утренний лес, а медвежата были написаны позднее Савицким. Любопытно, что первоначально картина имела другое название — «Медвежье семейство в лесу».

Когда картина стала известна, и Третьяков приобрел ее, художник Савицкий даже не попросил плату за соавторство. Картина была первоначально подписана двумя авторами. Однако после того, как картина была передана в галерею, Третьяков посчитал работу Шишкина более обширной и стер имя второго художника. Кроме того, Третьяков уточнил: картину заказывал у Шишкина, значит и оплата и авторство будут принадлежать Шишкину. Именно так он стал единственным автором произведения.

Кстати, популярной картина стала именно в советское время, благодаря дорогим по тем временам конфетам «Мишка косолапый» фабрики Красной Октябрь. Производились с 1925 года. В народе конфеты назывались «Три медведя», что чисто математически подходило для истории с "тремя богатырями" Васнецова, пик популярности которой также был замечен в советское время. И никого не смущал тот факт, что богатырей было трое, а медведей - четыре.

-Борис Кустодиев тему купеческой жизни перенял из теплых и светлых воспоминаний о о счастливом детстве и юности. Да, материальные условия жизни его семьи были очень тесными (его отец рано умер, а забота о четверых детях легла на плечи его матери), однако в доме Кустодиева царила атмосфера любви и счастья. 25-летняя вдова пыталась привить своим детям любовь к живописи, театру, музыке и литературе. И у нее это прекрасно получилось! Став известным живописцем, Борис Кустодиев с детства был хорошо знаком с жизнью купца - семья арендовала пристройку в купеческом доме в Астрахани.

Весна 1919 г. В Зимнем дворце, переименованном во Дворец искусств, открывается «Первая государственная свободная выставка произведений искусства». В ней участвуют более трехсот художников, представителей всех направлений. Это первая крупная выставка в революционном Петрограде. Залы дворца заполнены новым зрителем - это фабричные рабочие, матросы, бойцы только что родившейся Красной Армии. В центре стены, предоставленной академику живописи Кустодиеву, - «Купчиха за чаем».

Это его прощание с прошлым и первые эксперименты по отражению в живописи новой эпохи. Кустодиева нет в день открытия. В течение последних трех лет болезнь наполовину парализовала и приковала его к стулу. Еще в 1911 году у него был диагностирован туберкулез костей, позже образовалась опухоль в позвоночнике.

Болезнь прогрессировала. Но странная вещь: чем сложнее болезнь и чем больше страданий в жизни художника, тем больше в его полотнах жизненных соков, радости, света и цветов. Чем хуже становилось его физическое состояние, тем ярче и веселее была его работа. В живописи Кустодиев нашел свое спасение

Кустодиев написал «Купчиху за чаем» в 1918 году в возрасте 40 лет. Годы счастливой юности давно позади, а с приходом к власти большевиков эта жизнь была безвозвратно потеряна. Усадьбы купцов и торговцы за накрытыми столами теперь жили только в памяти художника.

Картина «Купчиха за чаем» уникальна своей впечатляющей силой и гармоничной целостностью. Сидя на балконе за вдоволь накрытым столом, образ купчихи приобретает поистине символический оттенок.

Детали картины имеют дополнительное смысловое значение: толстый ленивый кот, мурлыкая и сгибая в удовольствии хвост, трется о плечо хозяйки, элегантная купчиха, с удовольствием пьющая чай на балконе, город на заднем плане с церквями и торговыми рядами и, в частности, великолепный гастрономический натюрморт.

«Озеро Русь»

В душе рождаются строчки:

Эх! Взлететь бы белой птицей! В поднебесье покружиться,
Покачаться в облаках, как у мамы на руках.

 Не зря это полотно названо « лебединой песней» Мастера. На картину хочется смотреть и смотреть! За тонкость передачи настроения «художником – поэтом» назвал Левитана живописец Михаил Нестеров. Какой размах и величие просторов Руси!

Живописец вложил в картину искреннюю любовь к жизни и родине. Он стремился создать лирический, но в то же время монументальный образ. Его полотно близко к произведениям импрессионистов и фресковой живописи.

На картине очень четко прослеживаются эпические мотивы. Художник прибегает к панорамному изображению природы. Оно развивается от заднего плана и медленно надвигается на зрителя. Такой прием делает картину более открытой и глубокой.

Благодаря меняющемуся освещению и живости красок художнику удалось очень точно передать живое движение, которое постепенно сменяет спокойное состояние. Отсутствие на полотне человеческих фигур, изображений птиц и животных позволяет сосредоточить внимание на красоте пейзажа и оценить его красоту.

-Исаак Ильич Левитан (1860 -1890) — известный художник, родился в Литве, в образованной, но обедневшей еврейской семье.
В тринадцать лет Исаак поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Его учителями были художники Перов, Саврасов и Поленов. Художник Алексей Саврасов, обратил внимание на талант Левитана и взял его к себе в пейзажный класс.
   Интересный факт, что из-за еврейского происхождения Левитан, окончив училище, звания художника не получил — ему был выдан диплом учителя чистописания.
   Но он был талантлив и трудолюбив, и огромное количество наипрекраснейших пейзажей, портретов вышло из-под кисти великого Левитана. Под его рукой оживали никем ранее не замеченные уголки родной и любимой им природы.
   В 1898г. Левитану было присвоено звание академика пейзажной живописи. Он начал преподавать в том самом училище Москвы, где не получил диплома художника. Исаак Левитан был членом Товарищества передвижных художественных выставок. В 1900г. работы Левитана экспонировались в русском отделе Всемирной выставки в Париже. В 1901 прошла посмертная выставка произведений Левитана в Петербурге и Москве.
   Среди многих замечательных картин было представлено полотно «Озеро. Русь» (1900г.). Эту картину Левитан писал незадолго до своей смерти, и она осталась неоконченной. Тем не менее, картина «Озеро. Русь» считается главным произведением позднего Левитана. Картина является частью собрания Государственного Русского музея в Петербурге.
   Она — одно из трёх самых больших по размеру произведений художника — 1м49см×2м 8 см, и бесценна по значимости. При её написании Левитан использовал огромное количество этюдов и эскизов. Большой труд!

«Вечерний звон»

"Вечерний звон, вечерний звон!
Как много дум наводит он".

Эта знаменитая песня на стихи русского поэта 19-го века Ивана Ивановича Козлова была написана аж в 1827 году. Текст песни представляет собой вольный авторский перевод Козловым с английского на русский стихотворения ирландского поэта Томаса Мура. Если переводить текст дословно, то он будет звучать так:

"Вечерние колокола! Вечерние колокола!
Как много рассказывает их музыка".

Исаак Левитан свой «Вечерний звон» написал значительно позже Мура с Козловым — в 1892 году. Идея изобразить монастырь в лучах заходящего солнца возникла у Левитана не внезапно. Она созревала в его голове довольно продолжительное время. Художник присматривался к разным местам, внимательно вглядываясь в различные пейзажи, выбирая натуру для написания своей картины.

Картина «Вечерний звон» проникнута светлым и умиротворённым чувством. На берегу реки, откуда устремлён взгляд художника, стоят деревянные лодки. На эту сторону не попадает солнце. Но зато на противоположной стороне виднеется храм, стоящий под ясным небом, освещенный вечерними лучами солнца. Это придаёт картине особый шарм. По словам советского искусствоведа Серафима Дружинина, в «Вечернем звоне» Левитану удалось передать "те чувства, которые мог испытать только тонко воспринимающий природу человек, слушая тающий в воздухе вечерний звон". Картина «Вечерний звон» находится в Москве в Государственной Третьяковской галерее.

-Хочется закончить наше мероприятие отрывком из рассказа В.Г.Перова "Наши учителя", где он, между прочим, говорит: "Чтобы быть вполне художником, нужно быть творцом; а чтобы быть творцом, нужно изучать жизнь, нужно воспитать ум и сердце, воспитать не изучением казенных натурщиков, а неусыпной наблюдательностью и упражнением в воспроизведении типов и им присущих наклонностей... Этим изучением нужно так настроить чувствительность воспринимать впечатления, чтобы ни один предмет не пронесся мимо вас, не отразившись в вас, как в чистом, правильном зеркале... Художник должен быть поэт, мечтатель, а главное — неусыпный труженик... Желающий быть художником должен сделаться полным фанатиком, живущим и питающимся одним искусством и только искусством".