Конспект открытого урока по предмету " История искусства"8 класс отделение "Живописи" на тему "Импрессионизм в искусстве"

Открытый урок по истории искусств в 8 классе  на тему «Импрессионизм в искусстве»

Кулабнева О.Д.

Состав учебной группы: 8 человек

Цель учебного занятия: раскрыть особенности импрессионизма как художественного стиля, взаимодействие импрессионизма в музыке, литературе и живописи на примере произведений художников-импрессионистов и музыки К. Дебюсси, К. Сен-Санса, Римского-Корсакова , Мориса Равеля ,поэта К. Бальмонта.

Задачи: 

1) расширить представление о направлении французского искусства второй половины XIXв. – импрессионизм

2) русский импрессионизм: чем он отличается от французского, в чем его особенность.

3)показать, что явление музыкального стиля – наиболее общее, опорное для искусства понятие, без осознания которого невозможно полноценное приобщение к музыкальному искусству;

4) познакомить с творчеством художников-импрессионистов, композиторов-импрессионистов и поэтов - импрессионистов.

Форма учебного занятия:  урок-презентация

Форма организации работы: групповая.

Необходимое оборудование и материалы: компьютер, экран, аудиозаписи, презентация, сборник стихов.

Музыкальный материал:

«Диалог ветра с моря» из симфонической сюиты «Море» Клод Дебюсси, Римский-Корсаков «Океан – море синее», Камиль Сен-Санс «Карнавал животных» - «Лебедь». Морис Равель «Игра воды»

Художественный материал:

Клод Моне «Впечатление. Восход солнца», Камиль Писсарро, Пьер Огю́ст Ренуа́р, К. Коровин, Исаак Левитан, Игорь Грабарь.

План занятия.

I. Организационная часть. 5 минут.

II. Основная часть. 35 минут.

III. Итог. 5 минут.

Ход занятия.

1. Организационная часть. 5 минут.

Приветствие гостей вечера искусств – родителей   учеников, преподавателей.

2. Основная часть.

Учитель.  (Слайд1)Импрессионизм возник почти одновременно в живописи и в поэзии, позднее его влияние распространилось на скульптуру, музыку, литературу, театр. Давайте же разберёмся в понятии «Импрессионизм».

Импрессионизм (фр., от impression — впечатление) — направление в искусстве конца XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке.

Учитель. Движение импрессионистов создавали французские художники Эдуард Мане, Камиль Писсарро, Эдгар Дега, Пьер Огю́ст Ренуа́р. (Слайд2) 

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце»  (Слайд3), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872 году дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari» (журнал  Шаривари Слайд4)для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.

Ученик  Импрессионисты вышли на открытый воздух. Художники стали зависеть от погоды, а потому работали быстро: резкими мазками накладывали на холст краски чистых цветов – желтого, зеленого, красного, синего. Положенные рядом, они дают в глазах зрителя, отошедшего от картины на достаточное расстояние, желаемый результат. Метод такой цветовой мозаики получил название оптического смешения цветов. Нанесение на холст красок раздельными мазками позволяло импрессионистам сохранить всю свежесть и яркость натурального цвета. Иногда они смешивали краски с белилами, делая свою цветовую гамму еще более светлой. Импрессионисты ценили очарование неповторимости и красоты каждого момента жизни. В своих картинах художники старались отразить мимолетные впечатления от реально существующего мира, выразить изменчивую игру света, тончайшие цветовые оттенки, передать свои мимолетные настроения, ощущения растворенности предметов в сверкающем солнечном свете.

Учитель. Все эти приемы стали новым словом в искусстве живописи.

Клод Моне (1840 – 1926) больше, чем кто-либо, содействовал становлению импрессионизма. Давайте познакомимся с творчеством французского художника Клода Моне. (Слайд5).

Ученица(Библиограф) Клод Оска́р Моне́1840-1926г французский живописец, один из основателей импрессионизма. Считается одним из ключевых предшественников модернизма.

Ученик. он был самым продуктивным , самым общительным (он знал всех) , самым вдохновляющим . Его многогранная работа, несомненно, является наиболее представительной в этом движении. Это соответствует стандартам импрессионизма в том виде, в каком мы их видим сегодня: разрыв с академизмом, субъективное восприятие предмета, живопись под открытым небом, использование ярких цветов, разбавление форм и контуров ...Клод Моне картина «Впечатление. Восход солнца».(Слайд6)

Никто не мог себе представить, что небольшая картина, написанная Клодом Моне в 1872 году, станет причиной скандала и революционного переворота в живописи. Название этой картины: «Впечатление» по-французски звучит impression (импресьон), и дало название новому направлению в живописи, названного импрессионизмом. На картине изображен порт города Гавр (Франция).Полотно впервые экспонировалось на выставке 1874 года. Особенность Клода Моне, как художника в том, что он писал внешний мир, писал природу, его мало занимали сцены жизни, его интересовало состояние природы, впечатление, произведенное природой.

Замысел картины художник передал такими словами: «Как много надо работать, чтобы передать то, что я хочу уловить: «мгновенность» и, главное, атмосферу и свет, разлитый в ней». Моне писал об истории создания этой картины: «Для меня солнечный свет был источником вдохновения, каждая секунда восхода солнца уникальна и неповторима. В то утро я вскочил с постели, чтобы поймать неуловимое. На восходе освещение постоянно меняется, его нужно писать сразу же, каждый оттенок. И не говорите мне, что в студии можно воссоздать все по памяти. Главное поймать момент. Сколько у меня было времени? Минут десять, не более, я схватил мольберт, кисти и стал наносить размашистые крупные мазки. Тонкие переходы цвета, легкая основа. Небо, доки, вода и бесчисленное количество оттенков серого. Более быстрые, резкие мазки — мачты на лодках, очертания пристани, теряющиеся в восходе. И, наконец, огненными тонами само солнце!» На вопрос понимал ли художник значимость этой картины для искусства, Моне усмехнулся и сказал: «Я просто писал, еле поспевая за светом, для меня эта работа была очередной, которую не удастся продать.»

(слайд7)

Ученица (Библиограф) Пьер Огю́ст Ренуа́р 1841-1919 французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма

Учитель.  Ренуар происходил из относительно бедной семьи, в начале своей карьеры он жил в бедности. Юный Ренуар, когда ему было всего 13 лет, его талант дизайнера фарфора позволил ему удовлетворить свои потребности – его работа, заключающаяся в росписи фарфоровых сервизов, приносила удовлетворение и заработки, но технический прогресс, внедривший технику печати, свел его ремесло на нет. Скопив кое-какие средства, юноша решил учиться, выбрав для себя Школу при Академии художеств, где попал в мастерскую Шарля Глейра.

Ученица (Библиограф)  В 1874 году Ренуар часто посещает Аржантёе, где живёт Моне – вместе они пишут на пленэре, работают в эскизной манере, уделяя особое внимание Сене как сюжету. Это совместное творчество окажет значительное влияние на творчество обоих художников. Кроме богатых пейзажей и бульварных просторов, импрессионистов неизменно влёк театр с его многочисленными образами, сюжетами, разномастной публикой, и Ренуар не был исключением. Любимые темы  Ренуара это портреты, интерьеры, пейзажи, обнаженная натура, морские пейзажи, натюрморты и жанровые картины.

(Слайды 8,9,10):Картины «Ложа», «Танцовщица», «Парижанка» явились прекрасным примером работы мастера . В начале 80-х Ренуар уважаемый художник, а в 1883 году была устроена его первая персональная выставка.

Ученик. «Портрет актрисы Жанны Самари» (1877) (Слайд11.) – одна из картин Ренуара, которую по праву относят к работам, где портрет наиболее отвечает стилю импрессионизма. Задумчивая загадочная улыбка, открытый взгляд, передают живой ум актрисы, ее чувственность и грацию. Ренуару нравилось бывать в доме Жанны, общаться с ней, любоваться ее красотой. Актриса также часто посещала мастерскую художника, хотя ее свободолюбивый характер допускал и пропуски назначенных с Ренуаром сеансов позирования. Полотно находится в ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве.

Для Ренуара 1876 г. был отмечен внутренним подъемом. За приемлемую цену художник снял студию с садом, расположенную на Монмартре. Танцевальный зал Мулен де ла Галетт, расположенный неподалеку, был местом, где царила непринужденная атмосфера, звучала красивая музыка, и постоянно находились очаровательные женщины – желанные спутники Ренуара. Художник воодушевляется идеей передать этот праздник жизни, и принимается за написание одной из своих известнейших работ – (Слайд 12 )«Бал в Мулен де ла Галетт». Нарисованная картина показала, что ему по силам создание многофигурной композиции. Художник приглашает позировать своих друзей и знакомых, а журналист Жорж Ривьер тонко сравнил работу с портретом парижской жизни. Учитывая, что картина писалась на пленэре, изображенные персонажи мужского пола почти каждый день помогали приносить и уносить полотно приличного размера. «Солнечное искусство» Ренуара раскрыто в этой картине наиболее полно.

Учитель: Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса (Возрождение), импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов. Следующий художник Камиль Писсарро (1830-1903г). (Слайд 13)

Ученица(Библиограф) Жако́б Абраа́м  Камиль Писсаро 1830-1903 французский и (номинально) датский художник еврейского происхождения, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма и неоимпрессионизма. Единственный участник всех восьми групповых выставок импрессионистов с 1874 по 1886 год.

Учитель : В группе импрессионистов  самым старшим был Камиль Писсарро (1830–1903). Друг всех, он также был учителем двух знаменитых художников Поля Гогена и Поля Сезанна. Он очень увлечен импрессионистической эпопеей, он единственный, кто участвовал во всех их выставках (всего восемь). Его преклонный возраст не делал его самым консервативным, как раз наоборот.  Камиль Писсарро был человеком опытным во всех смыслах этого слова. У него было солидное художественное образование, но он также любил новые впечатления. Когда появились первые пуантилистические работы ( Жорж Сёра , Поль Синьяк ), заморозившие кровь большинства импрессионистов, Писсарро был полностью очарован до такой степени, что попробовал это сам.

Ученица : Писсарро обращался в основном к пейзажам. Его источником вдохновения была земля, по которой он ходил. Воздух, который он рисовал очень плотным, и свет, который влиял на восприятие всего пейзажного произведения. Чистые цвета, плотные мазки, серии картин, которые написаны в разное время суток. Все это можно увидеть в произведениях Писсарро. Первые работы принесли одни разочарования и прозвища, самым обидным из которых было «специалист по капусте». Восхищаясь Курбе и Коро, испытывая неудовлетворение академическим нормам, Писсарро старательно пытается нащупать свой путь. Это ему удаётся только после знакомство с Моне, Ренуаром, Сислеем и Сезаном .Камиль Писсаро много работает на пленэре, совершенствует технику, индивидуализирует стиль и выставляется в Салоне, однако, это никак не сказывается на продаваемости его картин. Его картины приобретают больше света, насыщенный колорит, лёгкую фактуру, оставляя лёгкие намёки на выверенность композиции Коро, что делает Писсарро узнаваемым и непохожим на других. В 1900-е гг. Писсарро, наконец, добивается признания. К концу жизни художник стал свидетелем, как его картины выставляются в различных музеях Европы и США, а от покупателей нет отбоя, и оцениваются полотна очень высоко.

Ученик. Камиль Писсарро «Бульвар Монмартр». (Слайд.14) Настоящее признание к Писсарро пришло только после шестидесяти лет. Воздух в картинах Камиля Писсарро всегда очень плотный, очень густой. Мы видим сплав цвета и объема. Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на одно мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени. Самые известные его работы — это виды Парижа с широкими бульварами, с огромной толпой, которая идет вперед. И он писал их примерно так же, как Клод Моне — днем, ночью, в разное время суток. Давайте посмотрим на «Бульвар Монмартр в Париже»(слайд15) работа 1897 года. Писсарро очень любил писать бульвар Монмартр днем, вечером, ночью, утром, в дождь и в разных других состояниях. Он его писал из гостиничного номера с тремя окнами. Потом такие же эксперименты он будет проводить с различными другими улицами и местами Парижа. Одних даже изображений при разной погоде в течение 1900 года Писсарро написал целых семнадцать. Он изображает шумные, очень светлые городские площади и бульвары. Они у него буквально живут, они дышат и меняются каждую секунду.

Ученик : Перед нами полотно, которое находится в Эрмитаже. Здесь Писсарро очень виртуозно передал все атмосферные эффекты, красочную сложность, тонкость этого опасного дня. Мы видим одновременно и динамику самой городской жизни, которая воплощена быстрой кистью художника. Он создает образ современного города. Не парадный или официальный, а обыденный, но при этом одновременно возбужденный и живой.

Городской пейзаж стал главным жанром творчестве этого выдающегося импрессиониста, или, как его еще называли, певца Парижа. Можно посмотреть на ночной Манмартр, здесь воздух буквально плавится от горящих фонарей и витрин. Что также любопытно, улица здесь не прямая, она выгибается дугой и украшается этими огнями от фонарей и ламп. Также, интересная серия «Набережная Малаке в солнечную погоду». Писсаро пишет эту набережную каждый день пока приходит весна. Таким образом он пытается запечатлеть приход этого прекрасного времени года, то в более сумрачное время, то в солнечное. Писсарро категорически не соглашался с теми, кто считал парижские улицы безобразными. Для него они были светлыми, а интенсивность жизни на них, меняющаяся в считанные мгновения, приводила его в восторг.

Учитель : Возвратившись в Париж в начале 1897 года, он с интересом наблюдает за метаморфозами, происходящими на Монмартре, когда многолюдная улица внезапно становилась пустынной, и наоборот. Находясь в Гранд Отель де Рюсси, художник профессионально фиксировал все эти подробности, несмотря на плохое зрение. Результаты наблюдения вылились в тринадцать картин импрессионистического направления.

Ученица :Мотив этих произведений один – бульвар Монмартр, изображенный под одним и тем же углом зрения. Казалось бы, такой момент, должен был привести к тому, что все полотна будут однообразными, но Камиль Писсарро увековечивал знаменитую улицу, меняя не только время суток, но и состояние погоды, а также учитывая свое настроение. (слайд16)

«Бульвар Монмартр в дождливую погоду» – одна из картин этой знаменитой серии, на которой крошечные фигуры людей, прячась от непогоды под зонтами, не прекращают движения, создавая ритм импульсивной жизни огромного города. Снуют экипажи, от которых остаются отражения в скоплениях воды, образовавшихся после дождя.

Полотна этой серии, во многом превосходят работы, в которых художник изображал сельские пейзажи, прежде всего, это касается впечатлений легкости и подвижности, которыми Писсарро насытил картины, передающие бурлящую жизнь Парижа.

Учитель. Композиторы – импрессионисты унаследовали от художников стремление передать тончайшие настроения, изменчивость игры света, показать различные цветовые оттенки. Их музыкальные произведения отличаются особой красочностью и колоритностью. Музыка становится сферой чистого наслаждения: в ней слышится восторг и томность, вызванные созерцанием красоты внешнего мира. Композиторы-импрессионисты стремились отобразить в музыке мгновение или впечатление, эмоцию – отсюда стремление импрессионистов к миниатюрным формам. Музыкальный импрессионизм зародился в 80-90-х годах XX века в творчестве французских композиторов – Клода Дебюсси и Мориса Равеля, Камиля Сен-Санса. Подобно художникам, эти великолепные музыканты смогли раскрасить музыку и сделать ее картинно-образной. В своих произведениях они воспевали одухотворенность и поэтичность природы.

Ученица-Библиограф.  Клод Дебюсси́ (полное имя: Ашиль-Клод Дебюсси́,  1862 г.- 1918 г.— . Ведущий представитель музыкального импрессионизма. (слайд17) – выдающийся французский композитор. Основоположник импрессионизма в музыке. Его музыка наполнена светом, прозрачна и невесома. Влияние живописи на композитора было настолько велико, что многим своим сочинениям он дал названия, связанные с изобразительным искусством: «Эстампы» (произведение графического искусства), «Эскизы», «Этюды» и т.д.

Понимание того, как оркестр может нарисовать живописные картины, пришло к Дебюсси во многом от русского композитора Н. Римского-Корсакова.

Учитель. (слайд 18) Слушаем фрагмент «Диалог ветра с моря» из симфонической сюиты «Море» Клода Дебюсси и сравните с произведением Римского-Корсакова «Океан – море синее».

Музыке Дебюсси очень близки акварельные краски и постельные тона. Частыми обозначениями характера исполнения произведений являются не указания темпа, а такие замечания, как «вполголоса», «шепотом», «напевая».

Учитель. Интересно разобраться с русским импрессионизмом: чем он отличается от французского, в чем его особенность? (Слайд19)

 Ученик : У русского импрессионизма есть собственное лицо. Этому стилю отдали дань многие великие художники из России. Мы сравним, как по-разному они заимствовали стилистические приемы импрессионизма и использовали в своем творчестве.

🚂 Первая выставка импрессионистов прошла в 1874 году. За год до этого в Париж приехали два пенсионера Императорской академии искусств — Василий Поленов и Илья Репин и пробыли там до 1876 года. Репину парижское искусство в целом не понравилось, но импрессионистов он выделял как что-то новое и интересное.

🔜 В это время в России зарождалась школа национального искусства, начиналось движение передвижников. В обществе царили другие настроения: пока французы были готовы любоваться природой, прудами и парижскими кафе, художники в России хотели воспитывать, обучать, менять реальность, которая их не устраивала.

Ученица .Перенимать импрессионизм в чистом виде в России было не интересно и не актуально, но к 1880-м он стал влиять на всю школу русской живописи:

▪️(слайд20) Цвет. Передвижники подняли новые актуальные темы, но поначалу их живопись была достаточно академичной. «Бурлаки на Волге» Репина желтоваты, не чувствуется простора, Волга показана довольно условно. На более поздних пейзажах Левитана Волга уже дышит, есть ощущение живой природы. Палитра осветляется, появляется много белого, новых оттенков.

▪️ Ученица (библиограф  ) Алексе́й Кондра́тьевич Савра́сов, ( 1830-1897г) — русский живописец, один из наиболее значимых московских пейзажистов пореформенной эпохи, создатель ставшей архетипической и культовой картины «Грачи прилетели». (Слайд21 ) Один из членов-учредителей Товарищества передвижников (с 1870). Академик Императорской Академии художеств 

-Пленэр. У русских художников довольно рано появилось понимание, что природу надо писать на природе. Уже на картине 1871 года «Грачи прилетели» мы видим, что Алексей Саврасов придумал ее не в студии, делал этюды на местности — хотя визуально это еще не импрессионизм. Однако после знакомства с открытиями французских импрессионистов пленэр становится культом и для русских художников.(Слайд22)

▪️ Отказ от контуров. Русские художники начали лепить объем цветом, как импрессионисты. При этом если, например, у Моне предмет будто растворяется в пространстве, в русском импрессионизме он остается весомым.

▪️ Этюдность. Русские импрессионисты первого поколения (Коровин, Серов) не работали в классической французской технике — смешение красок на холсте. Однако для них было важно передать ощущение свежести, жизни, «не засушить» своих работ. Поэтому они стремились показать «внутреннюю кухню» художника: как ложится краска, какие остаются следы от кисти. Картины носили этюдный характер, за что поначалу авторов обвиняли в лени: якобы они не хотели доводить начатую работу до конца. Отсюда главный признак русского импрессионизма — картины, похожие на этюды, с длинными, активными, трепетными мазками.

❓ Этюдный подход высветил важную проблему искусствоведения — «non finito», или незаконченности. Если работа выглядит недоработанной, то в какой момент художник может считать ее завершенной? В классической живописи с детальной проработкой полотна такого вопроса не стояло.

🔀 В чем отличие русских импрессионистов:

▪️ Психологизм. В портретах фигура человека, его одежда, интерьер могут быть показаны условно, но лицо всегда сохраняет весомую портретность.

▪️ Деревенский характер. Французский импрессионизм — это или городская жизнь с оживленными улицами и кафе, или прогулки на природе. Русский часто изображает менее динамичные деревенские пейзажи.

- Композиция. Фрагментарных, не академических композиций и как бы случайных ракурсов немного по сравнению с более привычными композициями, особенно на начальных этапах.

Ученик. Константин Алексеевич Коровин 1861-1939 г. (слайд 23) Талантливый русский художник, импрессионист. Коровин получил отличное художественное образование, обучаясь в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его учителями были В.Д. Поленов и А.К. Саврасов. В.Д. Поленов оказал огромное влияние на формирование творческого мировоззрения художника. С 1879 года Константин участвует в выставках ученических работ, которые организуют в училище. На первой выставке Коровин представил полотно «Весна», в котором наметился присущий начинающему художнику лирический настрой.

Чтобы завершить образование, Константин отправляется в Санкт-Петербург и поступает в Академию художеств. Однако методы преподавания, которые там использовались, разочаровали начинающего художника, и он покинул Академию. При этом в Петербурге Коровин знакомится с Камилем Коро, Ш. Добиньи.

Важную роль в творческом развитии художника сыграл мамонтовский кружок. Полотно «Северная идиллия» отражает любовь членов этого кружка к искусству. Упомянутая работа показывает, что художник обладает незаурядным чувством цвета, создающим некоторую музыкальную гармонию.

В середине 80-х годов Коровин становится главным декоратором Русской частной оперы в Москве. Значительное влияние на художника оказывают поездки в Париж. Они приносят вдохновение для новых пейзажей, знакомят художника с символизмом. С 1901 года Коровин преподает в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1923 году он уезжает на постоянное место жительство во Францию.

Ученик. «Портрет хористки» (слайд24) Константина Коровина считается одной из первых картин русских художников, выполненных в импрессионистской манере: его больше занимают чисто художнические задачи (соотношение тонов, характер наложение мазков, игра световых рефлексов на лице и одежде), чем раскрытие характера героини.

Ученик. Осень (слайд25) – самое красивое и грустное время года. Торжественная игра красок листвы, первые дожди и последние лучи солнца. Это во все эпохи привлекало творческих людей: поэтов, писателей, музыкантов, живописцев и фотографов. У каждого своя осень. У Алексея Саврасова она поздняя. Пора тоски и разочарований. Написана в реалистичном стиле в непростой период для автора. У И. Левитана это золотое, яркое время года. Много света, глубокая палитра красок, хорошее настроение. А непревзойденный пейзажист Иван Шишкин приглашает нас в торжественный, яркий и загадочный осенний лес.
«Осень» Константина Коровина – очень смелая работа. Здесь, как в истинном импрессионизме, нет четкой прорисовки деталей. Широкие, небрежные яркие мазки краски создают осенний колорит и настроение. Единственная прописанная деталь на холсте – маленький сельский домик. Он серого цвета, одноэтажный, с коричневой трубой. Выглядит очень уютно. Так и хочется зайти к хозяевам в гости на чай, отдохнуть. Пастозные мазки хаотичны, лишь на первый взгляд. Рядом с хижиной четко различима в зелени листвы белоствольная березка. Видна проселочная дорога, усыпанная красными и желтыми листьями. Слева растет рябина, уже по-осеннему красная. А при более детальном рассмотрении, в вихре осенних красок можно увидеть рыжеволосую девушку, сидящую на скамейке. Будто сама осень пожаловала. На девушке белый сарафан. А рядом сидит маленький мальчик, одетый по-крестьянски. На нем белая рубашка, темные штанишки, а на ногах лапти. Коровин в этой работе превзошел своих русских учителей реалистов и французских кумиров импрессионистов. Эта картина – загадка. Чем дольше на нее смотришь, тем больше видишь новых деталей.

УЧЕНИК. Грабарь Игорь Эммануилович (Слайд26). (1871-1960) — русский художник, деятель науки, культуры и искусства.

Увлечение живописью приходит к нему во время обучения в Егорьевской гимназии и московском лицее. Молодой Грабарь изучает картины знаменитых художников, пробует самостоятельно писать пейзажи на пленэре и рисунки с натуры.

Высшее образование художник получает в стенах Петербургского университета, учась на историко-филологическом факультете и одновременно изучая азы юриспруденции. В 1894 году Грабарь поступает в Академию художеств на курс Ильи Репина. (Слайд27). Здесь он открывает для себя идеи и творчество импрессионистов и пытается перенимать их опыт в своих работах. Знакомство с зарубежным искусством художник продолжил в путешествии по Европе (1895-1901). С 1908 года Грабарь работает над выпуском «Истории русского искусства», где публикуются его статьи об архитектуре, монографии, организует выставки картин русских художников.

После 1910 года он оставляет живопись и отдает себя другим направлениям творческой, научно-просветительской деятельности. Так, по его проекту был построен подмосковный санаторий «Захарьино», выдержанный в традициях архитектуры Возрождения.( Слайд28)

В период с 1913–1925 художник занимает должность директора Третьяковской галереи и проводит реформу ее экспозиции: переразмещение картин в соответствии с исторической последовательностью. Большое значение для науки имеет и составленный им каталог хранимых в галерее работ. В круг интересов художника входила реставрационная, музееведческая работа и деятельность по охране памятников культуры и старины. Спасение произведений древнего искусства во Владимире, Новгороде, Пскове – лишь часть его заслуг в этом направлении.

С 1924 года Грабарь вновь берет в руки кисть.( Слайд29) Пишет натюрморты, местные пейзажи, камерные портреты своих родных и творцов науки и искусства («портрет матери», «портрет академика С.А. Чаплыгина», «Автопортрет с палитрой»). Его полотна отличаются реализмом, вниманием к особенностям передачи света и воздуха, к которым он подходил аналитически. Творческий метод художника часто характеризуют как научный импрессионизм. Впоследствии он отходит от него и сосредотачивает внимание на проблемах передачи цвета.

Ученик. Игорь Грабарь «Февральская лазурь». (Слайд30) Зимний пейзаж – излюбленный сюжет любого русского художника, и Игорь Грабарь не стал исключением. Его зима – лёгкая, свободная, спокойная. Созерцательной красотой отличается и «Февральская лазурь» (слайд 31).

Очень примечателен нестандартный подход к ракурсу картины – зрителю предлагается взглянуть на заснеженную березовую рощу как бы из-под низа. Такой приём расширяет пространство и позволяет ощутить весь простор зимнего леса. В картине использованы традиционные цвета зимы – белый, голубой, серый, ультрамариновый. Однако их удивительное сочетание и особая техника делает пейзаж настолько реалистичным и родным, что невольно создаётся впечатление — эту чудесную картину вы наблюдали уже не раз в своей жизни.

Почти невероятным является уникальное умение мастера передавать тончайшие нюансы природы. Вот и в этой работе мы можем ощутить непросто зиму, а ту неуловимую пору, когда весна делает первые несмелые шаги. Это отображено в голых стволах деревьев и чуть потеплевшим колоритом солнечных лучей. Вызывает восхищение мастерски воссозданные деревья – на переднем плане красуется «главная героиня», большая берёза, чуть поодаль берёзки поменьше или вовсе молодые тоненькие стволы, однако, всё внимание «забирает» чудесно переплетённая крона деревьев. Будто замысловатый узор в светящемся инее, сложное кружево веток занимает большую часть полотна.

Картина исполнена в импрессионистской манере с присущей эмоциональностью и красочностью, а индивидуальная манера делает её истинным зимним шедевром. (1904 г. Холст, масло. 141×83 см. Государственная Третьяковская галерея, Россия.)

Ученик. Исаак Ильич Левитан (1860-1900). (Слайд32). Родился в интеллигентной, но бедной еврейской семье. Несмотря на это, родители стремились обеспечить детям (а их было четверо) достойное образование, и не противились выбору сыновей, когда они пожелали связать свою жизнь с искусством. Авель и Исаак поступили в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Склонность к искусству, именно к пейзажной живописи, и понимание природы появились у Левитана еще в детстве. Во многом на фоне этого чувства сложились столь плодотворные отношения юного художника с уже прославленными учителями - В. Г. Перовым и А. К. Саврасовым. На Левитана также влияют и другие его современники, например К.А. Коровин, Ф.А Васильев и В.Д. Поленов. В этот же период, во время своего ученичества, он проникается творчеством Жана Батиста Коро, вдохновителем импрессионистов.

Ученик. Картина «Березовая роща». (Слайд33). В искусствоведческой среде о ней говорят, как об образце "русского импрессионизма". Схожесть с французскими "впечатленцами" заключалась в "развитом пленэрном начале, в стремлении приобщить зрителя к своему впечатлению от неповторимого момента, живого контакта с вечно движущейся световоздушной средой. Передача жизни "здесь и сейчас", фиксация трепета, зыби воздуха, праздничность переживания, фактурное богатство, фрагментарность композиций - все эти качества присущи и указанным работам Левитана, и характернейшим произведениям французского импрессионизма".

В то же время Левитана отличает вдумчивость, постепенность, даже роковая для французских импрессионистов неторопливость. Его картины не есть впечатление от природы, они являются его источником. Левитан скорее нащупал интересный метод, позволяющий довольно точно передать чувства, впечатление и трепетно-священное отношение к природе.

На полотне виден уголок березового леса в прекрасный и яркий, залитый солнцем, день. Художник прекрасно орудует светом и цветом, поэтому солнечные блики превосходно гармонируют с белоствольными березами и сочными зелеными листьями, травой.

Среди трав своими лилово-синими и белыми головками кивают цветы. Тень и свет находятся в идеальном контрасте, что дает картине необычайную живость и естественность, реальность. Сразу появляется летнее настроение, как будто ветерок легким крылом треплет волосы и слышатся птицы…

Символ России, русского духа – березы, наполнены жизнью. Кажется, будто они сами колышутся, поворачиваются навстречу солнечным лучам, чтобы лучше озариться и погреться. Вокруг все дышит радостью и праздником, энергией и светом. Создается такое впечатление, как будто ты стоишь посредине этого леса и дышишь благоуханием летнего дня, и вся эта энергия проходит сквозь тебя, наполняя тебя положительными мыслями и настроением.

Зритель, поглощенный впечатлением от увиденного, становится соавтором и продолжает творить картину в своей голове, в своем сознании и воображении. Найдя тонкую грань между светом и тенью, между насыщенным цветовым решением и техникой письма, Левитан очень близко приблизился к такому течению, как импрессионизм. Полотно вобрало в себя всю прелесть окружающего мира и тонкость человеческих чувств и эмоций.

Учитель. Впервые о литературном импрессионизме заговорили в 1870–1880-е гг. Поэзия импрессионистов ищет живописных мотивов; пейзаж приобретает в ней максимальное значение; она изобилует декоративными сравнениями, насыщена красочными эпитетами больше красочных тонов). Весьма значительную роль играют оттенки, изобилуют (у Бальмонта.) красочные нюансы, выраженные формой прилагательного на «атый», «истый» (лиловатый, золотистый и т. д.), составными эпитетами (серо-голубой, нежно-палевый, слегка лиловатый и т. В русской поэзии рубежа веков импрессионизм обычно связывают с именами К.Бальмонта и И.Анненского.(Слайд34)

Учитель. Прочтение стихотворения «Тишина» Константина Бальмонта.

(Слайд35). В 1895 году он создал своего «Лебедя» – за два года до знаменитого музыкального «Лебедя» Камиля Сен-Санса, причем, и то, и другое произведение посвящены умирающему лебедю, и символизируют процесс таинства ухода, перехода, прощания, откровения, познания некой последней истины, и отличаются лиризмом, мелодичностью:

Заводь спит. Молчит вода зеркальная.
Только там, где дремлют камыши,
Чья-то песня слышится, печальная,
Как последний вздох души.

Это плачет лебедь умирающий,
Он с своим прошедшим говорит,
А на небе вечер догорающий
И горит и не горит.

Итог урока

Учитель. Давайте подведём итог нашего урока. Мы сегодня с вами познакомились с направлением в искусстве – импрессионизм. Свое название это направление получило от названия картины художника, основоположника импрессионизма Клода Моне. Также мы прослушали музыкальные произведения, в которых можно уловить моменты, впечатлится услышанным. От услышанного музыкального произведения, стихотворения и увиденного на холсте у каждого из нас возникают впечатления.

Домашнее задание : По прослушанным произведениям  в стиле импрессионистов нарисовать картину формат А4.

Список источников.

1Филиппова А.Л. История изобразительного искусства. 3й год обучения. Краснодар, 2017.

2.«Великий стиль европейского искусства. Импрессионизм. Эдуард Мане». Газета «Искусство» № 23 2005 г. приложение к газете  «Первое сентября»
3.«Пьер Огюст Ренуар». Газета «Искусство» № 19 2007 г.  приложение к газете  «Первое сентября»
4. «Свет и тени» П. Пиццигони  Хрестоматия I «Мой инструмент синтезатор» Изд. «Композитор» (Санкт-Петербург).

5.Википедия.

6. сайт levelvan.ru «Особенности импрессионизма и его влияние на русскую живопись»

Музыкальные фрагменты :  Сен-Санс»Лебедь»,Золотые рыбки», Равель «Болеро» «Игра воды»,

Клод Дебюсси «Море»,Римский –Корсаков «Океан-море синее»