Методическая разработка Современная сказка: визуальный образ спектакля в театре, где играют дети

Краткая аннотация

Автор данной разработки предлагает свою методику создания визуального образа спектакля в Театре, Где Играют Дети; раскрывает особенности организации театральной деятельности в учреждении дополнительного образования на примере работы над постановкой спектакля "Позовите Синего Слона!" (по пьесе Ксении Степанычевой "Розовый бантик".
В качестве приложений приведены тексты пьес, фотографии костюмов, чертежи декораций.

Разработка адресована руководителям школьных театров и  театральных студий УДОД, а также студентам педагогических вузов и колледжей.

Введение

Как только речь заходит о детском самодеятельном театре, один за другим возникают самые разнообразные вопросы:

– В чем его специфика?

– Какой выбрать репертуар?

- Как найти "своего" зрителя?

- Как создать визуальный образ спектакля при весьма скудном бюджете?

- Может ли спектакль детского театра стать фактом искусства, или его  следует рассматривать только форму культурно-досуговой деятельности?

– Что важнее – процесс или результат?

Этот последний вопрос, пожалуй, можно считать отправной точкой разговора о деятельности любого самодеятельного театра и, в большей степени,  – театра, где играют дети.

Вряд ли сегодня стоит кому-то доказывать, что самодеятельный театр, а в особенности театр, где играют дети, необходим как воспитательное, образовательное, социальное средство воздействия на молодых людей, и не приносит ничего кроме пользы.

Театр развивает воображение, внимание, память, дает понимание коллективного творчества, умение работать в партнерстве, а также способствует формированию в коллективе особой эстетической среды. Театральное искусство дает возможность самоутверждения, открывает пути познания собственной личности. Сцена как бы раздвигает рамки одной жизни, дает возможность «прожить» несколько реальностей, обогащает и развивает духовный мир подростка.

Некоторые педагоги считают, что главное - процесс. Игра ребенка, прежде всего, должна доставлять ему удовольствие, эстетическое наслаждение, дети играют не для того, чтобы кому-то понравиться: их захватывает процесс перевоплощения, вживания в роль.

Встречается и противоположная точка зрения - когда главным становится результат – «выход» высококачественного сценического произведения.

Но наиболее успешными и жизнеспособными театрами становятся те коллективы, которые осознают неразрывность процесса и результата -  важнейшую составляющую творчества. Это присуще не только профессиональным театрам, но и ХОРОШИМ театрам, где играют дети.

Любительский театр - от слова «любить». Конечно, хорошие профессиональные актеры тоже любят свою работу, но разница все равно есть. Зачастую бывает так, что степень искренности в любительском театре просто зашкаливает и намного превосходит ту, которую видишь в профессиональной постановке.

Спектакль всегда остается спектаклем - произведением театрального  искусства независимо от того, насколько он масштабен, от того, сколько десятков или сотен людей в нем занято, от того, сколько финансовой прибыли он принес.

Как говорил выдающийся театральный режиссер Питер Брук: «Человек вышел на сцену — начался спектакль». Общепринятым в театральных кругах считается утверждение, что человек, играющий на улице на разложенном прямо на мостовой коврике, — это уже настоящий театр.          А ведь есть множество спектаклей, в которых заняты сотни актеров, декорации этих постановок измеряются многими квадратными метрами и тоннами, изготавливают их десятки художников, мастеров, рабочих; освещают — десятки осветителей... Но случается, что человек на коврике создаст более впечатляющее произведение искусства, чем «грандиозный» спектакль-гигант.

Ведь дело не в размерах, не в размахе, а только в мастерстве, в художественном качестве театрального коллектива и таланте его режиссера и руководителя. Внешние условия, денежные и технические средства — это все величины относительные, абсолютным остается только одно — талантливость и творческий потенциал коллектива.

Но как бы высоко не было актёрское мастерство исполнителей - следует всегда помнить,  что театр для публики - это всегда праздник, яркие незабываемые впечатления, всплеск эмоций. Художественное оформление спектакля, включая все элементы: сценографию, костюмы, грим, - один из важнейших компонентов спектакля. За редким исключением, это первое, что видит зритель. Раскрылся занавес и пока неизвестно, что происходит, а подсознание зрителя уже воспринимает картинку.

Вышел актер и еще не сказал ни слова, но его внешний вид уже каким-то образом воздействует на восприятие человека. Разумеется, это воздействие должно работать на ту идею, которую старался донести до зрителя педагог - постановщик. Поэтому, все оформление спектакля должно быть направлено на создание единого художественного образа спектакля, включая его художественное оформление: это и манера актерской игры, и костюмы персонажей, их грим, прически, и декорации, и музыкальное оформление.

Театры, где играют дети - задачи и проблемы. Саратов.

На протяжении многих лет к деятельности детских (да и взрослых любительских) театров применялось высокомерно-пренебрежительное слово «самодеятельность». Но сейчас, на данном этапе развития общества, любительское театральное движение ближе по своей сути к древнему театру. Дети, также как и актёры древнегреческого театра много лет назад, находятся в поисках глубокого смысла и законов, управляющих человеческой жизнью, и того, что способно изменить человека, сделать его целостным, свободным и независимым.

В Театре, Где Играют Дети, как в лаборатории, возможно всё: пройти, испытать, почувствовать, измениться. Дети из театра выходят в мир иные: живые, энергичные, внимательные, глубокие в своем понимании жизни.

В профессиональном театре свои слабости: интриги, зависть, стремление "выбиться в примы", получить звание...

У детского театрального коллектива свои нюансы - нельзя знать наверняка, кто будет играть в следующем сезоне: одна перешла в выпускной класс и её ждёт ЕГЭ, другой поступил учиться и уехал, третьего папа записал "на бокс" и время репетиций и тренировок совпадает…

Но здесь нет разлада – все работают на одно общее дело. Нет любимых и нелюбимых актеров. Не надо по пять лет ждать своей роли. Здесь всё проще: сегодня  Принца играешь, а завтра сидишь на аппаратуре, музыку включаешь. И эта возможность реализоваться, раскрыться, прожить не одну, а много разных жизней, несомненно, сказывается на результате.

Наш Саратов частенько претендует на звание "театральной столицы Поволжья". Академический театр оперы и балета, театр драмы им. И.А.Слонова, театр юного зрителя им. Ю.П.Киселева, театр русской комедии,  театр кукол "Теремок",  театр оперетты,   муниципальный новый драматический театр "Версия", народный театр драмы "Свободный театр".

Из  них  лишь три: оперный, драматический, а с недавнего времени - и ТЮЗ - расположены в настоящих зданиях, построенных именно для театров. Остальные располагаются в зданиях кинотеатров, клубов, просто приспособленных помещениях, где тесно и неудобно и зрителям и артистам и работникам реквизиторских,  бутафорских, пошивочных цехов.

Саратов гордится своими земляками -  это Евгений Лебедев, Борис Бабочкин, Борис Андреев, Евгений Миронов, Максим Матвеев,  Олег Янковский (приехал в Саратов в семилетнем возрасте), Сергей Сосновский, Галина Тюнина и многие другие.

Особое место занимает Олег Павлович Табаков - хотя актёром в Саратове он никогда не работал, и учился в Москве, но первые шаги на сцене сделал в 1950—1953 годах в театральном кружке «Молодая гвардия» Саратовского дворца пионеров и школьников.

Этим фактом своей биографии Олег Табаков невольно повысил статус театральных студий при учреждениях дополнительного образования - каждому обучающемуся рассказывают: "вот, дескать, Табаков также пришёл, занимался-занимался…да и стал народным артистом и Художественным руководителем МХТ им. А. П. Чехова! И ты сможешь…"    Такая детская  театральная мечта по-саратовски…

Детские театральные объединения в Саратове работают по самым разнообразным направлениям: это и музыкальные, и поэтические, и пластические, и драматические студии. Но все они преследуют одну цель: научить ребят навыкам поведения и межличностного общения,  раскрыть  мир человеческих отношений и характеров через игру, лицедейство; воздействовать на память, волю, воображение, чувство, внимание, мышление ребенка.

Как схожи цели и задачи театров, где играют дети - так схожи и проблемы. Отсутствие помещений с оборудованной сценой и зрительным залом (за редким исключением); нехватка профессиональных педагогов по ведущим актёрским дисциплинам (речь, движение, сценический бой и др.); микроскопическое финансирование - на грани бедности. Но детские коллективы умудряются не только выживать в условиях для театра не пригодных, не только создавать замечательные теплые спектакли и привлекать публику, но и глядеть в будущее с оптимизмом.

Проблемы оформления, сценографического решения  спектаклей в детских театральных коллективах ставятся далеко не в первую очередь. Главный интерес сосредоточен на раскрытии юного актёра, на освоении им навыков верного самочувствия, проживании роли, веры в предлагаемые обстоятельства и так далее. Одним, словом, была бы создана верная жизнь на сцене, а в какой пространственной среде, в каком материальном мире эта жизнь протекает - это уже вопрос третьего (а то и пятого- восьмого!) плана.

Внешний образ спектакля  адресуется публике - о месте действия, о времени, эпохе, о жанре, о ритме и тональности будущего зрелища. Так появляются нарисованные облачка, окошки, кустики, но создать правдоподобное пространство комнаты, леса, замка при малых финансовых затратах почти невозможно

"Проще" с организацией сценического пространства, когда действие пьёсы разворачивается в помещении.

… Какое-нибудь «старинное» кресло из стула, диван (из трёх стульев), расположенный посреди сцены (чего в настоящей комнате практически не бывает), столик «для антуража», аляповатые шторы - и вот как бы реальная комната для жизни героев Чехова или Островского.

Для фольклорных сказок устраивается "печь" из тех же стульев, декорированная листами ватмана, добывается лоскутное одеяло и посуда "под хохлому".

Покончив со "сценографией", вся труппа детского театра погружается в проблему костюмирования спектакля - и опять в ход идут старые шторы, мамины юбки, совершаются походы в магазины сэконд-хенд…

О целостности художественного образа в таком случае говорить неуместно: спектакль "одевается" как может - бедность… Хотя каждый руководитель театра, где играют дети знает, что костюм как элемент сценографии способен создавать особую цветовую гамму, формировать стилистику и общую атмосферу спектакля.

Костюм – это часть образа, создаваемая актером на сцене. Вряд ли кто-нибудь не отличит театральный костюм от бытового, повседневного.

Театральный костюм позволяет ребенку-артисту проявить в исполнительской деятельности эмоциональную экспрессию, ярко выполнить эмоциональные действия, раскрывая художественный образ героя: интонацией и мимикой, тембром голоса, особенной дикцией, ритмом и пластикой. В детском спектакле принятие образа овеществлено переодеванием, поэтому важно, чтобы костюм помогал подростку выразить своё чувственное отношение к раскрытию образа героя спектакля.

Детский костюм требует особой подготовки: при его изготовлении необходимо учитывать принцип безопасности и комфортности, подбирать ткань, которая не вызывает у ребенка аллергии, фурнитура не должна наносить царапин, крой костюма – свободный, не стесняющий движений, не причиняющий дискомфорта.

Непременная часть репертуара - сказки.

Разумеется, работа над спектаклем начинается не с костюма. Сначала выбирается пьеса. И вот тут руководитель не должен ограничивать себя, "оглядываясь" на финансовые возможности! Конечно, редкий детский театр "потянет" спектакль с историческими костюмами… Но, зачастую, руководитель, испугавшись необходимости делать меховые боярские шапки или кружевные платья на кринолинах, "наступает на горло собственной песне" и выбирает пьесу бытовую, современную: костюмы шить не надо, можно играть в своём, повседневном… Выход? Не всегда… Не всегда детям интересно играть "самих себя".

 Практические эксперименты и теоретические споры детских театральных педагогов начала XX в. привели их к выработке ряда методических рекомендаций:

• с учениками начальных классов полезно заниматься различными видами драматизации, но никак не рекомендуется готовить с ними спектакли;

• с учениками средней школы уже можно подходить к работе над целостными постановками, но текст лучше адаптировать так, чтобы он стал удобен для детского исполнения; кроме того, в работе с этим возрастом нежелательно брать бытовые драмы и бытовые роли;

• со старшими детьми 15–16-ти лет можно браться за любые серьезные постановки и тщательно работать над ними в режиме полупрофессиональной студии.

Как быть, если театр разновозрастный (как чаще всего и случается в коллективах учреждений дополнительного образования)?

Детские самодеятельные театры всегда "страдают" по части репертуара, и влияет на это множество факторов. Пьес, действительно интересных для детей, публикуется не так много. Практически нет  густонаселённых пьес - обычно 5-8 персонажей - и всё! А ведь в коллективе обычно 15-20 человек. И никто не хочет играть Восьмого стражника! А если  в театре нет мальчиков - вообще  беда! Таких пьес днём с огнём не сыскать!

И тут на помощь приходит СКАЗКА. Причём,  такая сказка, чтобы и маленьким была понятна, и старшие бы не кривились скептически - "ну-у-у, сказочка"…

Сказка бывает очень разная, а главное, разнообразная. Она и  эстетическая, и поэтическая, и патриотическая… Иными словами – нравственная.

Сказки разделяются на  народные и литературные. 

Народные сказки – самая древняя из распространенных форм устного народного творчества. Присутствующая у всех народов, такая сказка отражает убеждения, воззрения, главенствующие черты национального характера, обличает классовые отношения, одновременно показывая старинный быт.

По своему внутреннему содержанию сказки весьма разнообразны: народные богатырские, бытовые, былинные, волшебные, сказки о животных

Сказки литературные – сказки, рожденные благодаря отдельному автору, а не народу. Литературные сказки сочиняли многие писатели, используя иногда народные сказочные сюжеты, мотивы, но чаще создают свои собственные оригинальные авторские сказки, заселяя новыми вымышленными персонажами, героями.

Сказки сопровождают жизнь человека с самого детства: их рассказывают самым маленьким детям, их читают и взрослые люди.             От "Курочки Рябы" до фэнтази "Властелин Колец" - сказка всегда находит своего почитателя.

Знакомство со сказкой помогает ребёнку понять окружающую действительность - так считают психологи. Любая сказка - это рассказ об отношениях между персонажами - будь то люди, животные, предметы или стихии.

Как правило, ребенок не любит наставлений, и сказка не учит его напрямую  - она предлагает образы, которые ему интересны, а жизненно важная информация усваивается сама по себе, незаметно.

Приобщаясь к сказке, ребёнок приобретает абсолютно новый для себя вид психической активности - умение мысленно действовать в воображаемых обстоятельствах, а это умение - основа для любой творческой деятельности. Сказки повествуют детям готовую фантастическую историю, но оставляют при этом простор воображению.

Через сказку легче всего объяснить первые и главные понятия нравственности: что такое "хорошо" и что такое "плохо". Сказочные герои всегда либо хорошие, либо плохие - это очень важно для разграничения добра и зла. Ребенок отождествляет себя с положительным героем. Таким образом, сказка детям прививает добро. А злодеи в сказках всегда бывают наказаны, а значит - единственный способ избежать наказания - не быть злодеем. Понятие о добре предстает в сказке не в виде законов и правил, а в виде образов сильных и храбрых богатырей или рыцарей, в виде доброй волшебницы или феи, всегда готовых прийти на помощь.

Выбирая детскую сказку исключительно важно учитывать возраст и особенности психического развития.

Малыши замечают и любят повторяющиеся сюжетные обороты. Этот прием хорошо известен нам по таким детским сказкам, как Репка, Теремок, Колобок.

Дети постарше готовы к восприятию волшебных сказок, сюжет которых им интересен  и развивает их  мышление, воображение, эмоции, поведение. Но к этому возрасту, как правило, прочитаны (или просмотрены) все сказочные "шлягеры" (сказки разных народов; все серии про Волшебника Изумрудного города и Мумми-троллей;  гениальные переложения Е.Шварца и обработки А.Н.Афанасьева)

Хорошие сказки не меняются. Они всегда несут в себе позитивный заряд, даже если это печальные сказки (сказки С.Козлова). Не меняется и роль сказок, хотя современные дети  получают огромную информацию о мире и людских отношениях из всевозможных источников.

Несмотря на огромное количество уже имеющихся сказок ("читать - не перечитать" то, что написано за несколько веков до нас), детям всегда, не зависимо от их возраста, нужны новые  современные сказки.

Конечно, очень полезно узнать об огниве, тереме, лаптях, сусеках и молодильных яблоках. Это важно, так как является неотъемлемой частью народного фольклора. Но детям обязательно нужны сказки, описывающие ситуации, в которые ребёнок попадает ежедневно сегодня, в современной жизни - написанные понятным и простым языком, лёгкие и без нравоучений. Из этих, кажется, простых, "бытовых" сказок можно узнать много интересного - если прислушаться и присмотреться к  окружающим нас предметам.

Главная сила и главная опасность любой сказки состоит в том, что она влияет прямиком на подсознание. Для ребенка сказка — первый источник представлений о том, что есть добро, а что есть зло, не в значении примитивно-бытового «хорошо-плохо» (это ребенок усваивает в повседневном общении с родителями), а именно в морально-этическом плане.

Например, некоему ребенку долго пытаются объяснить, почему нехорошо брать себе слишком много конфет, когда рядом есть другие дети: мол, им будет обидно, и вообще жадность - это некрасиво.  Ни один из этих аргументов не действует. Но стоит ему сказать, что он ведёт себя как  Дуремар (или любой другой отрицательный сказочный персонаж), в подавляющем большинстве случаев поведение «жадины» резко меняется. Дуремаром быть никому не хочется, жадина начинает делить конфеты поровну. Абстрактное  «нехорошо»  еще непонятно, а вот наглядное, представленное в лице некоего персонажа, активно влияет на поступки.
         

 Некоторые из современных сказок сказками вообще не являются. Даже если прибегают к набору персонажей из «обоймы» народной сказки. К ним относятся произведения вроде «Путешествие в страну Математику». Задача такой псевдосказки — дать ребенку минимальные научные знания о том или ином предмете: математике, геометрии, географии, физике, истории и т.п. А персонажи и слабая видимость сюжета присутствуют исключительно для того, чтобы детям было не скучно читать о том, что у треугольника три угла, а у квадрата — четыре.

Иногда встречаются такие учебно-методические "сказки" и о правилах дорожного движения, или правилах поведения. Единственная цель которых — привлечь внимание детей к какой-то теме. К литературе как к искусству эти псевдосказки никакого отношения не имеют. Не стоит путать их с настоящими сказками. Если давать ребенку исключительно произведения «учебно-методического» жанра, он усвоит много полезного. Но — для разума, а не для души. А одно другое никак не заменяет.

Сказки веками подготавливали детей к взрослой жизни. Но ведь жизнь несколько веков назад отличалась от нашей современной жизни! И ценности нашего общества весьма отличаются от древних. Старые  сказки призывают своих читателей-слушателей не только к смелости, доброте, трудолюбию, но порой и к безоговорочной покорности, чем могут задать не слишком пригодную к современности установку. В наше время идти "туда не знаю куда и искать то не знаю что"  нелепо и  даже вредно… Определение цели важно!

К современным сказкам надо относиться осторожно. Их очень много, и они — очень разные.

Практические советы и описания, приведённые в данной методической разработке, относятся к  сказке, выбранной нашим коллективом. Это литературная, авторская сказка. Автор российский драматург, сценарист - Ксения  Степанычева.  В журнале «Мир детского театра» была опубликована пьеса «Розовый бантик», которая стала лауреатом всероссийского конкурса пьес для детей «Мы дети твои, Россия» (2007 г.).

Герои этой сказки - вещи и явления (например, Лунный свет). А отношения между ними - житейские, человеческие.

Так как Ксения Степанычева - наша землячка, нам удалось встретиться с ней в один из её приездов в Саратов, и даже пригласить на премьеру. На все наши изменения в пьесе, Ксения Степанычева дала "добро". Что же мы изменили, создавая спектакль?  

Адаптация текста пьесы

1. Изменили название. Почему-то название не понравилось сразу. Что-то барби-конфетно-приторное. Хотя после прочтения пьесы мы поняли, что Бантик - героиня отважная и добрая, но название по-прежнему не нравилось: ведь не одна она там! Изменение на "Бантик и её друзья" или "Приключения в школьном коридоре" тоже были безликие и неинтересные.

А вот призыв "давайте синего слона позовём" запал в душу, даже стало крылатым выражением при возникновении трудной ситуации в театре. И в итоге стало названием нашего спектакля: сначала "Давайте позовём синего слона", а потом: "Позовите Синего Слона!"

2. Придумали новое начало. То есть воплотили исходное событие. Школа как она есть - дневной школьный коридор - со школьниками, директором, учителями. Появилась сама девочка Аня, про которую так часто упоминает Бантик. Проигралась сама сцена потери бантика - то есть не факт падения заколки с головы, а показ того, что бант был - и нету, и девочка ищет его. В начало вписаны и некоторые намёки на другую добавленную сцену - "В чулане". Это сцена получения географических учебных пособий, разговор о захламлении школьного чердака (это до сих пор существует в наших школах!)

3. Изменили ритм речи Барабана. У Ксении Степанычевой он говорит по слогам и стучит одновременно. Это навязчиво, тормозит речь, делает её неестественной. Сложно передать интонации. К тому же, барабан у нас был старый, пластиковая мембрана треснула - и звук выходил неприятный, дребезжащий.

4. Дописали сцену "В чулане". Сделано это было из-за того, что не хватало ролей, актёров у нас больше, а играть хотят все. Так появился чулан, куда складывали не совсем уж хлам, а то, что могло ещё для чего-то понадобиться. Мудрая Завхоз предполагала, что придут времена - и эти старые вещи пригодятся. Так появились Карты - Физическая и Экономическая, Глобус и Музыкальные Тарелки (от ударной установки).

Наши герои познакомились с ними, примирили поссорившиеся Карты, Барабан нашёл свою давнюю подружку - Тарелки. Бантик проявила свою заботливую хозяйственность - они вымыли и вычистили этот чулан, подняли самооценку его обитателей (сделали им таблички-подписи, "Вы теперь не хлам, а Склад!")

5. Дописали финальную сцену "Снова в школьном коридоре", где зрители видят: карты и глобус действительно пригодились! Ударные Тарелки воссоединятся с Барабаном, а герои обязательно встретятся: ведь Аня опять потеряла свой бантик! А Школьная Нянечка нашла и положила на видное место! Значит, следующей ночью приключения продолжатся! Но это будет уже совсем другая сказка: ведь встретятся друзья! Пыль и Паутина сидят мокрые и не будут никого душить! С Хламом можно договориться, а Лунный свет покажет дорогу. Возможно, даже ненасытная Летучая Мышь придумает какие-то новые козни и надо будет опять с ней бороться! Это же так интересно!

6. И наконец - появление Синего Слона!  В пьесе последнее заявление Синего Карандаша ("Мой друг, синий слон, мог бы поднять его одним хоботом!") вызывает насмешку и некоторое раздражение его брата - Жёлтого Карандаша ("Опять! Опять ты со своим слоном!") Выходит, что Синий только и будет рисовать сам себе своего друга….  Мы решили вывести МЕЧТУ на сцену! И Синий Слон появляется в финале - когда все рады возвращению Бантика, рады за Аню и за своих верных друзей.  

Создание замысла художественного образа постановки.

Каждый режиссёр, разумеется, знаком со специальными терминами, относящимися к технологии сцены. Слова «падуги», «портал», «штанкет», «колосники», "авансцена" звучат загадочно и заманчиво….. но нам всё-таки приходится возвращаться в жестокую реальность детского любительского театра.

То ли по недомыслию, то ли с целью «вредительства», практически все актовые залы школ  строились с крошечными «глухими» сценами - низкими, узкими и длинными как трамвай. Зачастую на сцене имеется большое окно - как раз там, где полагается быть кулисам. Зато занавеса нет вообще, как и остальной «одежды» сцены (если не считать драпированного задника с непременной "школьной атрибутикой" (раскрытая книга-глобус-перо) или  государственной символикой.

Многие школы вообще не имеют сцены, да и самого актового зала!  Праздники и «линейки» проводятся в коридоре, в спортзале….

Но тяга к театральному искусству есть и в таких школах. И, не имея своего драмкружка, они обращаются…ну, например к нам: "А покажите ваш спектакль у нас в школе! Сцены у нас нет, зала у нас нет…А зрелища хочется!".

Именно эти условия «полевого стана» - когда приходится играть спектакль в рекреации, спортзале, классной комнате – и породили идею создания переносной сборно-разборной конструкции, получившей название «кибитка».

Конструкция может выставляться и так и эдак – в соответствии с замыслом режиссёра и темой спектакля – это целая система ширм (по Базанову – «мягкие декорации»). Однажды, определяя наше место в программе фестиваля, раздражённая организаторша, узнав, что нам нужно время на монтаж декораций, буркнула: «Тогда играйте первыми, раз вам  ещё вашу «кибитку» раскладывать!» С тех пор и прижилось – КИБИТКА.

А раскладывание её занимает от 5 минут до получаса – в зависимости от количества установщиков, их толковости и….роста. Кибитка стала традиционной конструкцией нашего театра.

 "Кибитка" (описание  конструкции)                                              

1. СТОЛБЫ. У нас имеется 8 столбов-опор. Ну, не «столбов», конечно…это даже не бруски и не черенки для лопат (первые слишком длинны и тяжелы, вторые – коротки) У нас это двухметровые сантехнические трубки диаметром 50 мм, имеющие на одном конце соединительную часть. Трубки эти мы разрезали пополам, и соединили так, что соединительная часть оказалась посредине. Теперь мы можем везти спокойно 16 метровых отрезков трубок, не раздражая кондукторов и проводников.

2. СТОЙКИ. Это равносторонние треугольники, вырезанные из толстой ДСП, стороной 30 см. Посредине каждого треугольника уголками закреплен кусок черенка длиной 30 см и таким диаметром, чтобы трубка легко, но плотно надевалась на него.

3. ГРУЗЫ. Каждый треугольник-стойку, с торчащей 2-метровой трубкой-«столбом» необходимо пригрузить. У нас это части разъёмных гантелей по 1 кг.500 г. Можно просто кирпич.

4. СОЕДИНИТЕЛЬНЫЕ ТРУБКИ металлические. Диаметр у них разный (какие удалось собрать) Длина – от 50 см до 1.75. На концах трубок просверлены отверстия. Крепятся они на штыри (гвозди без шляпок длиной не менее 5-8 см). Штыри забиваются в деревянные плашки, которые наглухо вставлены в верхние концы СТОЛБОВ.

5. ШИРМЫ. Могут быть однотонные, могут быть расписаны пейзажами, или элементами комнаты (окна, двери). Могут быть скроены по размеру трубок («ширмы внатяг») или быть значительно длиннее, чем трубка – тогда ширма висит складками. В середине полотнища может быть разрез («проходная» ширма) или ширма может быть «глухая», без разреза. Иногда надеваются два полотнища на одну трубку – в нужный момент первое полотнище падает и остаётся второе – картина меняется.

Крепятся полотнища так: сверху прострачивается кулиска под трубку. Боковые края оборачиваются вокруг СТОЛБА-ОПОРЫ и крепятся липучками (булавками, завязками). Низ при желании можно пригрузить бруском.

Выставляя опоры и ширмы в различных комбинациях, мы можем иметь «арьерсцену», где находятся актёры, не занятые в эпизоде и реквизит; различные выгородки, в которых происходит действие; «кулисы», из которых появляются герои: и даже занавес!

Занавес устроить сложнее всего. Опыт показывает, что максимум его длина  может быть 3, 5 м. Если трубка длиннее - образуется провис. Соединив 2 абсолютно гладкие ровные трубки и установив в центре «сторожок», мы прицепляли к полотнищу кольца для ключей (через каждые 10 см). Двигается такой занавес вручную, желательно высокими актёрами – за верхнее крайнее кольцо. И хотя при открывании-закрывании кольца издают противный скрежет – функцию свою занавес выполняет.

Ткани для ширм мы использовали разные: плащёвка и палаточная ткань; бязь и ситец (тяжеловаты и мнутся); подкладочный шёлк (лёгок, но просвечивает). Особенно хороши тяжёлые шелка с синтетикой (не мнутся, легки, но страшно электризуются! Всегда нужен «антистатик»)

Жюри разных театральных фестивалей вначале удивляются такой замысловатой конструкции, но всегда отмечают, что дети чётко понимают - где у них что: где улица, где кухня,; в какой ширме проход, а какая двигается; "глухое"  полотнище или "распашное"… "Да они просто живут в этих занавесках!" - воскликнул однажды председатель жюри областного конкурса Владимир Захарович Федосеев.

Применяя, как правило, однотонные ширмы мы изменяем место действия  деталями, дополнениями, и, конечно же - костюмами.

Сценографическое оформления спектакля «Позовите Синего Слона!»

Место и время действия:

1. День, школа (бытовое пространство)
2. Ночь, ночная школа (чердак, кладовка, крыша.)

Образ спектакля – ЧЁРНАЯ ДЫРА.

Принцип оформления  построен на работе ширм.

Основная художественная нагрузка лежит на костюмах и том,  с чем ребята работают. Трансформация происходит через ширмы и занавески (полотна) и персонажи.

Вешаются полотнища -"паутина" и все "отыгрывают" чердак.

Закрывают/открывают ширмы - и место действия меняется через персонажей.

Школьный коридор с наступлением ночи "меняет" масштаб пространства (мы переходим в не бытовое, сказочное, несуществующее пространство).

Наш спектакль - это сказка-приключение, а чердак - это целый неизведанный мир.

Ищем не выкройки, а характер! или  Как мы создавали костюмы.

В среде детских любительских театров живёт спор, сродни спору "что было первое - курица или яйцо". Руководители театров спорят - без чего может обойтись детский спектакль, а без чего - никогда: костюмы или декорации?

Одни говорят: главное - ДЕКОРАЦИИ, а сыграть можно и в "чёрных силуэтах", обозначив героя деталями (шляпкой, передником, воротником).    

Другие говорят: главное - КОСТЮМЫ, а "дворец", "лес" и другие места действия дорисует детская фантазия, "увидев" в театральных кубиках троны, дубы и всё остальное….

В нашем театре костюм — это визуальный момент, он имеет первостепенное значение для спектакля, и такой же смысловой момент, как и сценография. Театральный костюм - это средство преображения актера и один из элементов игры. Прежде чем костюм «заиграет», он должен пройти множество этапов: от идеи до материального ее выражения.

Работая над костюмами, мы учитывали характер персонажа, место действия, жанр пьесы и многое другое, в том числе и удобство и безопасность костюма для ребёнка.  

Первая стадия создания костюма  - "переговорная" - проходила довольно долго: уж слишком непривычные персонажи действовали в пьесе. Помимо идеи необходимо было продумать все сцены и все костюмы и придумать целый мир, который потом воплотится на сцене.

Первое, что решили - не пытаться воспроизвести форму предмета! То есть не шить на Карандаша балахон-трубу; не делать Барабан из обручей хула-хуп, так, чтоб актёр в него весь помещался; не пытаться делать костюм-конструкцию в виде банта, чтобы только голова и ножки актрисы торчали…

Дети приняли самое деятельное участие в "костюмировании" спектакля, принеся из дома готовые костюмы Мышонка, Летучей Мыши-Бэтмэна и даже костюм "Ночь" - для Лунного Света.

И  тут же сразу, безо всяких лекций о ТЕАТРАЛЬНОМ костюме, им стало ясно, что маскарадные новогодние костюмы на сцене не годятся - не только по размеру, а главное - по сути!

Для создания  образа персонажа необходимы знания характера героя, его привычек, среды проживания, любых других «мелочей». И, конечно же, важно знать - кто кого будет играть и учитывать  черты самого актера, его пластику и фактуру.

Большое внимание мы уделили подобру правильной цветовой гаммы. Ведь у автора просто написано "Синий карандаш", "Жёлтый", "Розовый бантик" - а оттенков этих цветов десятки. Ну и, наконец - выбор материала для костюма. "Сметы расходов", как в  профессиональном театре, у нас не существует - потому что расходовать, в общем-то, нечего. Но нам повезло: в то время в Саратове были большие распродажи тканей и нам удалось за маленькие деньги купить много ткани и "одеть спектакль" во всё новое, а не  распарывать старые шторы и вещи, как обычно.

Прежде чем сшить костюмы - их необходимо нарисовать. Прежде чем нарисовать - их надо придумать! А прежде, чем начать придумывать - надо ещё раз внимательно прочитать пьесу, чтобы понять: кто они - эти действующие лица? Какие они? И какие костюмы необходимо для них сделать.

Карандаши - Синий и Жёлтый.                

Это подростки. Хорошие, добрые, но не пай-мальчики. Любят "поприкалываться", поклонники хип-хопа. Не прочь произвести впечатление на новенькую девочку;  имеют свои сложившиеся отношения с другими обитателями - Барабаном и Мышонком.

Поэтому костюмы им были придуманы с учётом подросткового стиля - длинные шорты и "ветровки" с капюшонами, объёмными карманами, шнурками, патами, пряжками. Чтобы избежать монотонности, для отделки использовалась ткань другого оттенка, немного отличающаяся от основной. Также были подобраны футболки и носки (жёлтые и синие), но до полного фанатизма мы решили не доходить и обувь цветную не делать. Зато кеды были куплены одинаковые.

Ну и как дань образу - конусообразные шапки, которые, впрочем, довольно быстро снимались и забрасывались за кулисы. Потом, в некоторых сценах, шапки опять появлялись на головах Карандашей. Именно так мальчишки обычно используют галстук: надевают в торжественном случае, но как только парадный момент прошёл - снимают и небрежно запихивают в карман.

Мышонок                             

Местный хулиган. Вернее, просто озорник и хвастун. Он смелый, шустрый, хотя и маленький. У нас эта роль досталась девочке, ученице 5 класса. Из "мышиных" признаков (именно как зверька) - только уши и хвост. Ну и цвет - серый. Большие серые мешковатые штаны, которые держатся на подтяжках. Подтяжки серебристые - ведь и озорники не прочь приукрасить себя! Серая бейсболка с ушами, хвост - гибкий.

И всё же мы решили не надевать на Мышонка серый "верх" (свитер или рубашку), а дали ему чёрно-белую тельняшку. Во-первых, чтобы также избежать монотонности, а во-вторых, тельняшка - это и храбрость ("нас мало, но мы в тельняшках"); и достоинство ("и все биндюжники вставали, когда в таверну он входил"), и что-то от "митьков"; и чёрные (попал в мышеловку) и белые (нашёл друзей) полосы его жизни….

Обут Мышонок в старые, потрёпанные раритетные кеды производства 70-х годов.

                                                    Алоэ                                  

Этот персонаж удивил ещё на этапе прочтения "действующие лица". Почему алоэ? Не кактус, не фикус, не герань? Уже потом, после прочтения сказки, стало ясно, почему Ксения Степанычева ввела именно это комнатное растение - было необходимо лекарство!

Итак, Алоэ. Одно из народных названий - "колючий цветок".                И характер у персонажа колючий. Видимо, он так устал от признания своей полезности (ведь все знают, что это крайне полезное лекарственное растение!), что решил стать врединой и жадиной.  

У нас эту роль играла девочка, сама по натуре гламурная и капризная - и эти черты она привнесла  и в свою героиню. Поэтому, помня уговор - "не копировать форму", зациклились на подборе цвета. Мы искали именно такой оттенок зелёного - слегка белесого, чуть прозрачного, с небольшим глянцем.

Подошла портьерная ткань "жатка". Из неё была сшита пышная юбка а-ля "стиляги", платок-накидка на плечи, концы которой имитировали листочки алоэ (один из них откреплялся). На голове у Алоэ была небольшая корона (какие обычно делают принцессам) из той же ткани, с зубцами в форме листьев алоэ. Чтобы актриса чувствовала себя комфортно - могла садиться на пол, нагибаться - под юбку были сшиты штанишки-"велосипедки", которые очень сочетались с зелёными кедами.

Эти кеды немного гасили  "принцессистость", и зритель сразу верил, что такая девчонка непременно полезет на чердак, на крышу, за приключениями.

Барабан         

Необходимо было понять - какой это барабан: пионерский? Большой, из духового оркестра? Игрушечный? Ну, в школе, скорее всего, мог бы оказаться пионерский барабан…но в пьесе не было ни малейшего намёка…ни фразы "Всегда готов!", ни "пионерского задора"… Решили, что наш Барабан будет из ВИА - вокально-инструментального ансамбля: это ещё в школах встречается - в отличие от пионерии.

Руки актёру оставили свободными - не стали использовать барабанные палочки. А костюм сделали в лучших традициях времён расцвета ВИА - вишнёвые плюшевые брюки с серебряной отделкой, такой же жилет и белая рубашка.

Сам барабан (средний барабан из ударной установки) был тоже вишнёвого цвета, с никелированными  ободами и крепился на широкими серебряными лямками на животе актёра. Костюм просто слился с барабаном.

 Звук извлекался просто руками. Вот такой персонаж - немного пустоватый, шумный, растерявший свои палочки, но не растерявший желания задавать темп, ритм, бить тревогу (если понадобится).

Розовый Бантик                       

Вот вроде бы всё ясно и понятно, но.. Какой это бантик? Из ленточки? Какой? Атласной? Капроновой? Завязывают сейчас девочки бантики? А может это был готовый бант, который крепится зажимом?  Бантик говорит "меня  забыла девочка Аня" - значит, снимала с головы? Положила куда-то и забыла?  А во время знакомства с Барабаном она говорит "меня  потеряла девочка Аня". Значит, незаметно слетел…

Наконец, в тексте нашлась подсказка!

Желтый  Карандаш (указывая на Розовый Бантик). Зато у нее зубы есть, и она тебя сейчас так покусает!..

 Желтый  Карандаш (Мышонку). Ты будешь первым!.. У нее, знаешь, какие зубы? Во!.. (Показывает руками очень большие зубы.)

Синий  Карандаш. Да нет — во!.. (Изображает еще больший размер.) Вот такие у нее зубы!

"Бантик с зубами" - это заколка! Бантик-заколка, который держится в волосах зубчиками. Заколки для девочек обычно милые, простенькие, с блестяшками… Такое платьице и придумали для героини: немного оборочек, рукав-фонарик, юбка "татьянка", отделка блестящей тканью с пайетками. Ткань хлопчатобумажная, сорочечная, приятного розового оттенка. Розовые колготы, малиновые туфельки…

Но этот фасон, так мило смотревшийся в эскизе, не подошёл девочке, получившей роль Бантика! На крепенькой пятикласснице, с весьма условной талией, платье просто "не сидело"!

К решению проблемы подключилась активная и финансово обеспеченная мама девочки. Закупив дорогих и очень красивых тканей, отделочных материалов, придумав фасон, она сама сшила дочке костюм - раз уж ребёнок получил главную роль! Платье получилось шикарное! Просто королевское!

….И абсолютно "выламывающееся" из общего строя и образа спектакля. Оно кричало публике: "Я - ПЛАТЬЕ!!! Я - из лучших розовых тканей!"…и вся история была уже неважна…

Мама посмотрела на свою красавицу, вздохнула, платье подарила в фонд театра, а мы стали придумывать следующий вариант костюма.

В итоге из обычного недорогого розового габардина были сшиты юбка-шорты, очень коротенькие, в складку и свободная блузка без рукавов, со слегка спущенным плечом. На плечах и по низу шорт - блестящая тёмно-розовая отделка. Блузка надевалась навыпуск (раз уж у девочки пока нет талии!) и по силуэту костюм напоминал одежду времён нэпа… Поэтому появилась шапочка-сетка из розовой  нити.

Юбка-шорты давала полную свободу движений - героиня ползала, сидела на корточках, забиралась на кубы. Сдержанный простой силуэт не подавлял на сцене других героев, как это было бы, если бы платье было пышное.

Лунный Свет    

У автора это мужской персонаж. У нас играла девушка, и над костюмом пришлось поломать голову…. СВЕТ!!! Как его показать? Вроде бы всё ясно - лёгкий белый балахон как у молодой Аллы Пугачёвой, и высветить лучом. Но одновременно этот силуэт здорово напоминает и "приведение с мотором" - "страшное, но симпатишное"… А у нас персонаж лирический…

Решили - раз Лунный Свет сотворила чудо: появилась внезапно, перенесла Бантик к её девочке - значит, это фея… И костюм наш неуловимо напоминал Фею из фильма "Золушка".

Платье на широких бретелях, облегающее фигуру, из белого плотного трикотажа. В конструктивных швах на уровне бедра вставлены капроновые клинья из молочно-белой ("лунно-белой") вуали. Сзади клинья скроены подлиннее и образуют небольшой шлейф. В полотнище центрального задника была вшита вставка из такой же вуали ("окно"). И у зрителя создавался эффект, что Лунный Свет просто вливается в окно.

На голове - ободок из серебряной парчи, к которому прикреплен полумесяц из серебряной голографической плёнки, дающей интересный эффект в лучах софитов, и полосы вуали, концы которых закреплялись на кистях рук. Важно было избежать сходства со свадебной фатой! Когда Лунный  Свет поднимала руки или водила ими - полосы вуали повторяли движения, создавая эффект струящегося света..

Пыль                                      

Ещё один персонаж, совершенно не имеющий формы (как и Лунный Свет). Решили, что костюм должен быть похож на пыльный мешок.

Это был широкий комбинезон с капюшоном, по низу рукавов и штанин сборки на резинку. Цвет - серый, глухой. По рукавам, штанинам и краю капюшона - отделка из велюрового трикотажа, удивительно напоминающего комья слежавшейся пыли - и по цвету и по структуре. Этим же трикотажем обтянута обувь пыли. Применяется грим доля придания румяному детскому лицу более зловещего выражения.

Паутина                                     

Постарались не сбиться на образ Спайдермена! Случайно попалась ткань, одновременно  напоминающая и тельце паука и паутину - чёрный, жатый какими-то пупочками, поблёскивающий трикотаж… (Что из такой ткани можно сшить в "мирной", нетеатральной  жизни - просто загадка!)

А мы сшили облегающие штанишки-велосипедки и такую же кофточку, с капюшоном из сетки. Из этой же сетки сделан был большой бант, венчавший голову актрисы. Грим и чулки в крупную сетку дополняли образ. Но главная деталь - это юбка. Два обруча из проволоки, соединены  тонкими полосками основной ткани  и крепятся пояском на талии. А в ячейках между обручами и соединительными полосками сплетена паутина из белой нити и посажены блестящие декоративные пауки.

Пыль и Паутина прикидываются добренькими, поэтому мы постарались, чтобы их костюмы были привлекательными, а не страшным с самого первого появления.

Старый Хлам                          

Хотя эту роль и получил самый высокий мальчик в нашем театре, но всё равно - одному ему образ ОГРОМНОЙ кучи всякого старья ему не создать.

Костюм состоит из полотнища, площадью  49 м², то есть семь метров в длину и столько же в ширину. Сшито оно из самых разных кусков ткани тёмных, линялых цветов. Посредине полотнища - отверстие с воротом, в которое актёр просовывает голову. На голове - шляпа с полями, изготовленная из тех же кусочков ткани. С полей шляпы на спину и плечи свисают куски ткани (как у пасечника). Когда актёр сидит на кубах, опустив голову в шляпе - создаётся впечатление непонятной горы, хлама.

Но по сюжету Хлам шевелится. Реагирует на шум, производимый героями с целью Хлам разбудить. Наконец, он двигается, давая героям пройти!  Для этого под это самое огромное полотно забирается 6-8 актёров, которые создают всевозможные холмики  и впадины в этой горе хлама, раскинувшегося по всей сцене.

В процессе репетиций выяснилось, что ноги ближних актёров при манипуляции тканью всё-таки иногда видны. Даже в чёрных брюках, они создавали ощущение чужеродности: как будто Хлам завалил людей в чёрных брюках…. Поэтому из остатков тканей, из которых было собрано всё полотнище Хлама, сшили "ползунки" - брюки, с зашитыми внизу штанинами.

Летучая Мышь                                  

Персонаж, безусловно, отрицательный: не признавала родства, хотела съесть… И главное дело для неё - обед, "серьёзнее обеда может быть только ужин".

На роль была назначена крупная (даже толстенькая), но очень пластичная и подвижная девочка. Костюм состоял из брюк под колено (с манжетами), что зрительно  добавляло  объёма и курточки с рукавами-крыльями. Для того, чтобы крыло было пропорционально и похоже - были выполнены конструктивные швы, имитирующие перепонки и в руках актриса держала палки по 60 см, обтянутые той же тканью и являющимися продолжением крыла. Двусторонняя синтетическая ткань (коричневая - лицевая, серая - изнаночная) создали дополнительный эффект.

На голове крепились ушки-рожки, а чтобы добавить зловещести - надевали иссиня-чёрный парик "каре". Однажды парик забыли, обнаружилось это в разгар спектакля, а так как Летучая Мышь появляется только в конце спектакля - актриса, чтобы не испортить образ своей приличной школьной стрижкой, успела сделалть себе за кулисами такой "зловещий" начёс, что парик был исключён, а начёс стал обязательным.

 Географические Карты - Физическая и Экономическая              

Тут мы не удержались и пошли по пути реализма-натурализма: костюмы сшиты из старых настоящих географических карт.

Это просто квадратного балахон силуэта, и когда актриса раскрывает и разводит руки в стороны - полная картина "Карты Европейской части СССР".  Собственно, карте ничего больше и не полагается, но в секонд-хэнде нашлись чудесные "географические" брюки (в количестве 3 штук). Полная имитация карты - с сеткой параллелей и меридианов. И кокетливые шарфы-банты из голубого шифона на голове.

Карты - подруги, немного сплетницы, и враждуют с глобусом, потому что они тоненькие, а Глобус толстый.

Глобус                                

Выклеить шарообразный костюм из папье-маше, конечно, реально…но мы же условились - не повторять форму предмета буквально!

Поэтому Глобус был в чёрных брюках (как и полагается ножке глобуса). Из тех же "географических" брюк (их же было куплено три штуки) выкроили рукава и ободок с козырьком на голову, а кофта была сшита из двух кругов со сложной системой вытачек, придающих кругу форму полушара.

Материал - голубой утеплитель-пенопропилен  3 мм толщиной. Континенты вырезаны со старой карты мира и наклеены вручную.

Глобус крутился вокруг своей оси при помощи круга "Грация".

Медные тарелки                            

Тарелки - подружка Барабана. Когда-то они были очень близки - ведь они из одной ударной установки! Тарелки (с частью установки) закинули на чердак, но, хотя краска и облупилась, а медь потускнела - всё же можно понять, что это - участники одного ансамбля.

Белая рубашка (как и Барабана), жилетка такого же фасона, но из чёрной сетки, и лишь одна полочка из плюша с маленьким серебряным кусочком отделки. Чёрные скучные брюки…но половина одной штанины - вишнёвый плюшевый клёш с серебряным лампасом! В руках у актрисы - медные тарелки.

Девочка Аня и Школьницы.

Форма состоит из чёрных юбочек (брюк) и жёлто-коричневых клетчатых жилетов. В тон жилетам - банты в причёсках школьниц: жёлтые с коричневым. И только у Ани бант - розовый, с блёстками. Точь-в-точь как костюм у исполнительницы Розового бантика.

Директор, Учительница, Завхоз, Школьная нянечка.

Здесь мы использовали обычные цивильные костюмы. Девочкам подобрали фасоны постарообразней, юбки ниже колен - чтобы "прикрыть" их юность. Нянечка - в типичном сатиновом халате, платке, калошах.

Анализ пьесы. Распределение ролей.

Пьеса "Розовый бантик" сразу нам понравилась - понятные герои, много смешных реплик, живой язык… Немного насторожила главная героиня: слова "простите" и "спасибо-пожалуйста" на каждом шагу! Вроде бы хорошо - вежливость, но немного приторно и затянуто. В процессе обсуждения все мнения сошлись на том, что сейчас даже самые воспитанные дети так не разговаривают.  

При анализе пьесы мы иногда используем парадоксальный подход Мейерхольда, предлагающий воспринимать пьесу противоположно тому, как это принято традицией: то есть если пьеса считается мрачной, читайте ее как жизнерадостную; если легкомысленной, то ищите в ней философскую глубину. Сказка "Розовый бантик" на первый взгляд показалась простенькой детской историей-путешествием. Но поискав в ней что-то ещё, кроме как все "шли-шли и пришли", мы смогли определить и тему, и идею пьесы.

Сразу после читки все задумались - как можно воплотить перемещения героев? Школьный коридор - и тут же - закуток, где Мышонок попал в мышеловку (они ведь туда побежали!); КАК спустится Лунный свет, если у нас над сценой просто потолок? Чердак, где царят пыль и паутина, а потом вдруг он оказывается завален старым хламом?. С чего начать?

"Без всякого чтения новой пьесы, без бесед о ней, артистов сразу приглашают на первую репетицию новой пьесы" - так описывает новый подход к пьесе К.С. Станиславский. И это пишет сам творец застольного периода! Почему же он отказался от "застолья", поменяв его на новый метод, который был как бы менее солиден по сравнению с научными обзорами, спорами, чтением за столом? А потому, что было замечено, что в процессе застолья у артиста рождалось предвзятое отношение к пьесе как к чему-то чужому, навязываемому.

Мы стараемся не затягивать застольный период, но не потому, что детям скучно сидеть на одном месте, а потому, что у них вырабатывается "сидячий рефлекс", позиция наблюдателя, созерцателя - ведь пока только работает режиссёр. А когда приходит "вставать из-за стола" - актерам приходится все как бы начинать заново, напрочь забыв то, о чем говорили за столом.

Прослушав текст пьесы "Розовый Бантик",  подумав и покричав, что поставить это "невозможно", что "это сценарий для кино!", дети выразили жажду оказаться на сцене и попробовать-таки воплотить всё это в спектакле.

Но перед этим актёров ждёт ещё один важный пункт: РАСПРЕДЕЛЕНИЕ РОЛЕЙ.

Способы распределения могут быть различными. Можно вывесить список действующих лиц, как это делают в театре. Можно просто объявить, кто кого играет. Можно предложить детям самим выбрать себе роль – вариант чрезвычайно сложный и в психолого-педагогическом смысле весьма эффективный, но мы его никогда не используем. Существуют и некоторые запреты. Нельзя эксплуатировать физические недостатки. Нельзя усугублять психологические проблемы.

Все девочки нашего коллектива понимали, что Розовый бантик - главная роль, все "примеряли" её на себя….

Высокие "фигуристые" девушки вздыхали, что им уж она точно не достанется. А каждая маленькая актриса надеялась…

Они просто не осознавали, что положительную роль играть куда труднее, чем отрицательную! И как трудно быть на протяжении всего спектакля на сцене - и при этом не заскучать, не "сдуться", а всё время жить этим радостно-наивным и приторно-вежливым персонажем.

Роль досталась пятикласснице Маше Пантеевой - девочке не самой маленькой, не самой худенькой, но живой, восторженной и способной (хоть и не сразу!) выучить много текста. (во втором составе - Яна Зенюкова, 8 кл.)

Роли Синего и Жёлтого Карандашей достались старшим мальчикам, по жизни таким же шутникам и "прикольщикам" как и их персонажи. (Жёлтый - Никита Болотов 10 кл.; Синий - Илья Мушенков, 9 кл)

Роль Барабана поручили Владу Каренко, 9 класс. Влад очень маленького роста, и на сцене всегда  немного суетится. Очень старался восполнить недостаток своего роста грохотом барабана. Трактовал свой персонаж таким  шумным подростком, который раньше был очень деловитый (как член совета дружины!), а сейчас немного не при делах. (во втором составе эту роль играет студент Дмитрий Антропов, очень высокий парень, и у него Барабан - слегка пустоватый, но добрый и весёлый простак)

Алоэ играет Лена Смирнова, 7 класс. В жизни - потрясающе трудолюбивая и очень скромная. Для роли капризного и немного вредничающего Алоэ Лена перепробовала кучу интонаций - "тупой блондинки", "Барби-вредины", "Ренаты Литвиновой". Нашла свою и выдерживала её на протяжении всего спектакля.

И наконец, Мышонок. Маленькая худенькая белобрысая Лена Ерофеева, 5 класс, первый год обучения. Прекрасный музыкальный слух позволил ей хорошо исполнить небольшой танец-пантомиму, наблюдательность и способность к подражанию - выдать на сцене повадки хулиганистого озорника.

Шесть главных персонажей. Им надо было быть НА ВСЕХ репетициях, они, появляясь один за другим, уже не уходят со сцены до финала.

Остальные персонажи распределились с учётом внешних данных и творческих способностей, и мы перешли непосредственно к РЕПЕТИЦИЯМ.

Репетиционный процесс. "Повторенье - мать ученья, но злейший враг искусства" (С.В.Клубков)

Репетиции ни в коем случае не должны быть скучными! Простое бездушное повторение ничего не даёт для развития юного актёра.

"Разводка" (в театре - распределение актеров, занятых в спектакле, по различным местам сценической площадки) у нас проводится одновременно с  этюдным методом проведения репетиций, в основу которого положены импровизация (этюды) на темы отдельных сцен. Такие этюды позволяют детям-актерам точнее понять существо характеров и взаимоотношений персонажей.

Репетиции в выгородках  мы проводим довольно долго, потому что все декорации, бутафорию и костюмы делает один и тот же человек (у которого не сто рук!) и процесс затягивается до самой генеральной репетиции. Дольше всего не удавалось сделать ширмы. Мы репетировали с  ширмами-занавесами от других спектаклей (красного и оливкового цвета). Казалось бы, какая разница - размеры совпадают, все крючки и кольца на местах…но когда, наконец, были готовы тёмно-синие ширмы - "заиграло" сразу всё  - и костюмы, и дети!

Дети - народ очень смешливый, поэтому первые репетиции в выгородках они много хохочут: смешно, что к брюкам Мышонка прицеплен пояс (вместо хвоста); смешно, что Желтый Карандаш вместо своих жёлтых предметов вынимает  кубик, клубок, расчёску  и малярную кисть (вместо того, что на самом деле  написано в пьесе)…

С процессом "рисования" предметов было много идей. Сначала решили нарисовать всё жёлтой краской на ширмах, закрыть, а в нужный момент снимать закрывающие полотна. Потом решили, что и сами жёлтые предметы должны появляться. Так появились "бокал" и "цветок" - вместо "цыплят" и "песка" - ведь "предъявить" на сцене  песок и цыплят было бы весьма проблематично… Но Синий Слон, которого упорно "рисует" Синий Карандаш не появляется - это ведь мечта!

К тому же эта часть ("Представление Карандашей Бантику") вообще вызвала некоторые затруднения. В пьесе написано - "поют", но ни нот, ни мотива не предложено. Решили, что это будет рэп. Тут же появились и характерные движения - "растанцовка". И именно с этого кусочка зрители меняли своё отношение к Карандашам: в начале - "ну два парня играют в сказке, вон у них шапки-конусы…", а после их "песни"-рэпа зал понимал - "ого, да это свои парни, сейчас что-нибудь "отмочат"!)    

Во время репетиций в выгородках мы намечали и разрабатывали мизансцены и пластику персонажей; искали их характеры и  взаимоотношения, а также дети осваивали и постепенно заучивали тексты своих ролей. Потому что хотя каждый получил свой экземпляр сценария, и даже многие вызубрили слова - всё равно, в основном, текст запоминается на слух, во время репетиций с партнером.

В спектакле нет мебели - только два куба и мышеловка. Мышеловку сделали весьма условной конструкции, из перевёрнутого стула. Делать гигантскую копию настоящей мышеловки не было ни возможности, ни необходимости. К тому же наши декорации должны быть обязательно лёгкие и разборные - ведь дети их сами несут, когда идут куда-то играть спектакль, едут в транспорте. Поэтому был сшит универсальный чехол, годный для любого стула. А так как с мышеловкой происходит трансформация (её сломали) - дуга, символизирующая защёлку, крепилась на ножки, а потом снималась.

Сцена "На чердаке" была оснащена полотнами крашеной марли, закреплёнными на крючках (пыль и паутина). В процессе репетиций мы искали приёмы работы с этими полотнами (пролезть под ними, накрыть, замотать, в итоге - снять).

В самый большой ступор нас вогнала сцена "Старый Хлам". Набросать просто хлам (причём, именно школьные вещи - типа парт, стульев, учебных пособий) - невозможно. Значит - большое полотно! У нас оно - семь на семь, то есть сорок девять квадратных метров.

Шевелился хлам при помощи актёра-исполнителя роли Старого Хлама и 6-8 человек под покрывалом-полотном. Эти репетиции можно назвать "пластическими" - потому что залезть и накрыться - это ещё не всё. Поначалу актёры просто сидели. Их головы, выпирающие из-под наброшенной тряпкой были похожи…ну именно на головы.

Решили, что надо принять такие позы, чтобы было непонятно, что там люди - выставлялись  локти, кисти рук, спины… Когда Хлам "будили" - поза резко менялась - вырастали новые "пики", "вершины" и просто горки. А когда Хлам окончательно просыпался - актёры уже стояли почти в полный рост, работали руками - и хлам рос и "волновался" как бурное море, что вызывало восторженный ужас у самых маленьких детишек.

Эти репетиции были самые весёлые, потому что приходилось руководить "вслепую", с вопросами - "чья это голова?", "это кто у нас здесь?", и самой залезать под полотнище, чтобы понять правильность "расстановки сил".

Когда спектакль готов.

Монтировочные и прогонные репетиции у нас совмещены: здесь проверялись световые эффекты (при появлении Лунного Света),  удобство костюмов и обуви (купленные для Алоэ кеды за два месяца стали малы! …дети…растут!) Также на прогонах иногда используется грим - проверяется его точность, актёр привыкает не трогать лицо, не размазывать грим.

Во время прогонов мы  редко прерываем течение отдельных сцен с целью ее уточнения или повтора; все замечания актерам высказываются по окончанию прогона.

Генеральная репетиция - в полном гриме и костюмах;  с полным сценическим и музыкальным оформлением иногда проводится в присутствии "свежей головы"  - у нас это обычно педагоги дружественных детских объединений, вахтёр, методисты. Премьерный показ мы всегда организовываем для ДОБРОГО ЗРИТЕЛЯ. Это папы-мамы, друзья, одноклассники, выпускники театра. Обычно спектакль "встаёт на ноги" к третьему-четвёртому показу.

Мейерхольд говорил, что спектакль готов только, когда его сыграют пятьдесят раз. В театрах, где играют дети, спектакли редко доживают до пятидесятого показа, но прежде чем играть для широкого круга незнакомой публики - надо раза 2-3 сыграть "для своих".

Была изготовлена рукописная афиша спектакля  с фотографиями, программки растиражированы на ризографе. Программка спектакля сделана в виде фигурки-оригами. Нехитрыми сгибаниями её можно превратить в слона и поставить на стол, на полку. На боках и внутри фигурки - список действующих лиц и исполнителей.

Спектакль "Позовите Синего Слона!" был показан 15 раз. Самым большим испытанием стал показ для учеников коррекционной школы для глухих и слабослышащих детей (в г.Энгельсе). Было волнение - как поймут глухие дети спектакль? Много текста, да и сказка незнакомая. Но по своей методике педагоги данной школы сначала прочитали свои ученикам сказку  на уроках и сделали титры для каждого героя (Барабан, Алоэ и другие), которые показали в начале спектакля. И дети всё поняли - реакция была адекватной, смеялись, хлопали, переживали. Это была первая встреча глухих детей с драматическим театральным искусством (до этого они видели только кукольный театр).

Заключение

Подводя итог исследования работы детского театра на примере постановки спектакля "Позовите Синего Слона!" (по пьесе К. Степанычевой "Розовый бантик") можно сделать вывод:  миссия любительских театров – создать утрачиваемую ауру добросердечности и духовной близости, возникающую при общении артиста и зрителя, повернуть всех участников и свидетелей этого действа лицом друг к другу.

Народная мудрость «Голь на выдумки хитра» подтверждается в условиях малобюджетного театра и помогает создать визуальный образ спектакля в атмосфере  полноценного сценического зрелища.

Театральное искусство в целом  и Театр, где играют дети в частности — крайне изменчивая и подвижная субстанция, постоянно и всецело зависящая от социально-экономических условий, от национальных культурных традиций и изменяющегося общественного сознания современного ему социума.

Многочисленные изменения, происходящие в современном театральном искусстве, и все возрастающая роль театра, где актёры-подростки создают театр новой, актуальной для них реальности, требуют нового научного осмысления, создания современной научно-методической базы с учетом художественных открытий, сделанных в этом направлении за

последние несколько лет.

Театр имеет огромную, фантастическую силу и притягательность для детей-актёров (а также и зрителей), являясь особой, неподражаемой и главное незаменимой моделью человеческой жизни. Во многом именно через искусство театра осуществляется процесс познания человеком мировой и национальной культуры, а, следовательно, и самого себя.

Театр, где играют дети – это, безусловно, художественное явление, где вырабатывается новая ни на что не похожая эстетика, обретающая свой собственный образный язык и имеющая свою собственную художественную ценность. 

           В современных социально-экономических условиях детский любительский театр выступает  как самостоятельное социально-культурное явление. Устойчивая тенденция интеграции в общий культурный процесс, многофункциональность воздействия, постоянное совершенствование творческого потенциала позволяют по-новому рассматривать роль детского любительского театра в российском обществе, воспринимая его новой формой современного театра.

ЛИТЕРАТУРА