подборка лекций по МХК

 Культура и искусство Китая

Искусство Китая

Вступление

Китайская культура - одна из древнейших. Она зародилась за несколько тысячелетий до нашей эры и с тех пор развивалась непрерывно вплоть до современности на единой территории. Бесчисленные набеги кочевников, жестокие и кровавые междоусобные войны, иноземные завоевания многократно разоряли и опустошали страну. Пожары не раз выжигали цветущие города, легкие деревянные постройки разрушались дотла, уничтожались ценные свитки живописи, ревниво хранившиеся в древних музеях и частных собраниях. Однако величие китайской культуры появлялось в том, что она продолжала существовать и противостоять всем потрясениям как единый прочный массив. Ни одно из племён завоевателей не смогло противостоять свою культуру китайской. Все эти племена, завоевав страну, утрачивали свой родной язык, свою письменность, целиком попадая под воздействие Китая. Города восстанавливались по прежним чертежам и в тех же традициях, и, как только наступало время передышки, страна снова начинала жить интенсивной хозяйственной и духовной жизнью.

Обилие памятников искусства, созданных в древности и в пору расцвета средневековой культуры, поистине грандиозно, несмотря на чудовищные потери, понесённые страной. И в настоящие время каждого, кто побывал в Китае, поражает ощущение древней культуры, не утратившей своей жизненности, чувство ожившей истории, сочетающийся с кипучей молодой и полной смелых дерзаний современной жизнью великого народа.

Основные этапы истории искусства Китая.

Мы часто широко и произвольно употребляем выражения: “ Культура Китая” или “ Искусство Китая”. Однако ошибкой было бы думать, что все 5000 лет развития искусства это один большой этап. Тот, кто хоть немного знаком с китайский искусством, при всём своеобразии и общности его художественного стиля, всегда отличит его древние памятники от памятников раннего средневековья, а раннее средневековье от поздних периодов. Китайское искусство прошло далеко не гладкий путь развития. В связи с историческими судьбами, переживаемыми страной, оно имело свои этапы подъёма и упадка. На протяжении пяти тысяч лет, начиная от древнейших периодов известной человечеству китайской истории, зарождались новые и по содержанию и по форме виды и жанры искусства и литературы, многие из которых со временем или сходили со сцены, или до неузнаваемости изменяли, подготовив почву для развития новых явлений, Вместе с тем каждый из исторических периодов, даже самых смутных и мрачных, внёс свой вклад в историю искусства Китая. И в самом деле отличительной чертой китайской культуры явилось то, что ни одно из её значительных явлений не прошло бесследно. Все они, порождая и видоизменяя друг друга, образовали как бы длинную цепь из сложных звеньев, чрезвычайно различных и в то же время спаянных воедино.

История китайской культура такова, что её периоды нельзя рассматривать изолированно, не касаясь предшествующих этапов. Для того чтобы сделать правильный выводы, исследователь неизбежно должен смотреть в глубь веков, рассказывая о близких нам временах, всё время ссылаться на далёкое прошлое, иначе не будет достаточно раскрыт и сам предмет существования.

Когда вы знакомитесь с историей таких старых китайских городов, как Пекин, вас поражает не только то, что центральные улицы этой столицы прямы, как стрелы, и пересекают весь город от одного конца до другого, не только то, что в центре располагаются грандиозные роскошные дворцовые ансамбли, а также не только количество крепостных ворот и башен в стенах города. Вас изумляет, что уже за много веков до нашей эры, точно по такому же плану, с такими же количеством ворот, прямыми магистральными улицами и дворцами посредине возводились в Китае города, планировка которых оставалась неизменной, несмотря на то, что сам облик отдельных зданий городов, сжигавшихся пожарами дотла, менялся многократно. Какое бы явление китайской культуры вы ни взяли, вам обязательно придётся прежде всего узнать его первоистоки. В самом этом обстоятельстве нет, пожалуй, ничего оригинального, ибо также следует подходить и к культуре любой другой страны. Однако ни в одной другой стране существующие принципы искусства не уходят своими корнями так далеко в глубь веков, а часто и тысячелетий, не прошли такого бесконечно длинного исторического пути.

История Китая грандиозна. Её нельзя рассказывать последовательно и подробно на протяжении нескольких страниц. Однако можно наметить те этапы и основные черты, которые особенно ярко определили пути развития китайской культуры, способствовали сложению её главных качеств.

Китай, подобно многим другим государствам, пережил первобытнообщинный строй, а затем рабовладельческий. Уже в III тысячелетии до н. э в Китае существовали многочисленные неолитические поселения, обнесённые рвами. От этого времени до нас сохранились следы древнейшей китайской культуры - тонкостенные глиняные сосуды в виде кувшинов и амфор, имеющих разнообразные, правильные формы, выполнение на гончарном круге. Все эти сосуды обжигались в печах при высоких температуре, лощились кабаньим зубом, чтобы иметь гладкую поверхность, и расписывали красивыми узорами, состоящими из крутых завитков, сетчатых линий, зигзагов и ромбов. Чёрные, красные, фиолетовые и белые краски наносились на тёплый красноватый тон глиняного черепка. Сохранились также и тонкие, как яичная скорлупа, блестящие и гладкие аспидно-черные сосуды, восходящие к этой же исторической эпохе. Многие формы этих предметов гончарного искусства, например трехногие “ли” или округлые кувшины с невысоким горлом, сохранили своё существование в течение многих последующих веков.

Во II тысячелетии до н. э на территории Китая возникли первые государственные образования и появились города с правильной планировкой. К этому же времени относится и возникновение письменности, сложение и утверждение определённых символов и мифологических образов, связанных с природой. Великолепные бронзовые сосуды, дошедшие до нас в большом количестве от этого и последующего древних исторических периодов, изощрённой фантазией своих символических узоров и форм, своими подчас огромными размерами и тончайшей обработкой свидетельствуют о зрелости искусства и культуры Древнего Китая.

Искусство этого времени имеет уже свои ярко выраженные специфические особенности. Древнекитайскую бронзу можно отличить сразу по узорам и формам. Сосуды изготовлялись отливанием металла в специальные глиняные формы. На таких сосудах можно было встретить драконов и других мистических животных. Такие сосуды подчас достигали веса в 600 - 650 кг. Маленькие сосуды обрабатывались не с меньшой виртуозностью. Фантастические рельефы, изображение диковинных животных и рыб, виды природы - это составляло украшение сосуда. Необычайные формы и невиданная симметричность составляет китайское искусство.

Середина I тысячелетия в истории китайской культуры является особенно знаменательным периодом. Именно в это время начинают обобщаться научные сведения, почёрпнутые из многовековых наблюдений над природой. В VII веке до на н. э был создан лунно-солнечный календарь, а в IV веке до н. э был составлен первый в мире звездный каталог. Большой точности достигли биологические знания, сведения о растениях и животных. Вместе с тем познания этого времени теснейшим образом сплетались с мифологией и культами природы, которые являлись как бы обобщением представлений древних китайцев о мире.

Наряду с ростом научных познаний о природе и вселенной возникли и потребности в философском обобщении этих сведений. I тысячелетие до н. э весьма богато философскими исследованиями, касающимися вопросов мироздания и структуры общества. Древнейшими из философских учений, а большой мере оказавшими влияние на различные области культуры и изобразительного искусства, были конфуцианство и даосизм, значительно изменившиеся на протяжении последующих столетий, но пронёсших некоторые из своих принципов вплоть до времени позднего средневековья.

Конфуцианство - Этико-политическое учение в Китае. Основы конфуцианства были заложены в 6 в. до н. э Конфуцием. Выражало интересы наследственной аристократии. Конфуцианство объявляло власть правителя (государя) священной, дарованной небом, а разделение людей на высших и несших(“благородных мужей” и “мелких людишек”)- всеобщим законом справедливости. Со 2 в. до н. э и до Синьхайской революции 1911 - 13 конфуцианство являлось официальной государственной идеологией.

Даосизм - Одно из основных направлений древне-китайской философии; возникло в 4-3вв. до н. э, главные трактаты “Лао-цзы” и “Чжуан-цзы”. Основное понятие -дао. В центре учения Даосизма, противостоящему конфуцианству и моизму, - призыв к человеку стряхнуть с себя оковы обязанностей и долга и вернуться к жизни, близкой к природе.

Середина I тысячелетия до н. э и начало нашей эры, когда складывалось и расширялось единое китайское государство, - периоды в истории Китая, создавшие свой мир неповторимых сюжетов и образов в искусстве. Вместе с тем именно в эту эпоху как бы закладывается основной фундамент последующей культуры китайской нации. Развиваются и утверждаются в своих основных ранее существовавшие принципы архитектуры и градостроительства, складывается определённый стиль живописи и скульптурного рельефа, зарождается монументальная пластинка.

Особенно плодотворным в области изобразительного искусства были так называемые период Чжаньго (IV - III века до н. э) и период хань (206г до н. э - 220г. н. э). В эти годы происходит создание единого китайского государства. В ханьском искусстве при большой преемственности его стиля заметны те разительные перемены, которые постепенно произошли со времени более древних эпох. Уже в IV веке до н. э взамен таинственной символики древних сосудов и бронзовых изделий, в резных предметах из камня и в других областях искусства появляются новые сюжеты и темы, где фантастика сплетается с мотивами реальной жизни, где монументальность древних бронзовых изделий и узоров сменилась виртуозным изяществом и значительно большей лёгкостью гравированных изображений. Ханьское время дало богатейший материал для изучения мифов, исторических легенд, обычаев и религиозных представлений Китая этого переходного от рабовладения к феодализму периода.

Период средневековья, начавшийся в Китае в III - IV веках н. э., застал уже богатые и стойкие традиции в различных областях культурной жизни. Однако от этого могущества и единства древнего рабовладельческого государства остались лишь руины. Сметённая грандиозными народными восстаниями империя Хань пала, и страна, ставшая добычей кочевых племён, надолго осталась разобщённой. Новое государство “Северное Вэй”, объединившее север страны, положило начало и новой эпохе. Постепенно начало снова налаживаться хозяйство и экономика страны. Укреплению и объединению государства, произошедшему в V - VI веках н. э., а также укреплению новых феодальных отношений помогала и новая идеология - буддизм.

Буддизм - буддизм, пришедший из Индии и бывший на территории Китая первой единой религиозной системой, проповедовал идеи милосердия, смирения на земле и непротивление злу, а также обещал спасение в раю для всех верующих и помощь милосердных богов - бодисатв. Являясь опорой феодального государства, это учение уже в V -VI веках получило чрезвычайно широкое распространение, заняв первое место среди прежних религий Китая, от которых буддизм позаимствовал много местных особенностей и старых народных культов.

Периодами развитого феодализма и наивысшего расцвета всех областей китайской средневековой культуры были VII - XIII века - время господства двух государств - Тан (618 -907 ) и Сун (960 - 1279). Именно это время утвердило в веках наивысшие достижения творчества - поэзию и живопись. Периоды Тан и Сун были блестящими этапами культуры, когда расцвета достигли многочисленные виды, формы и жанры искусства. Живопись этой исторической поры является высшим достижением искусства Китая. Она отражает весь тот мир идейных представлений с его преклонением перед красотой природы. Пути искусства периодов Тан и Сун в связи с разными судьбами государства во многом так же различны. Во время династии Тан большую роль играла монументальная скульптура и архитектура, они отличались общим для всей эпохи духом ясной гармонии, классической красоты и спокойного величия форм. При Сунах, могущество страны уже было подорвано, архитектура теряет свою гармоничную монументальную мощь. Она приобретает более изысканный и интимный характер. Строгая чёткость форм сменяется вытянутостью пропорций и изящной легкостью силуэта. Монументальная скульптура так же постепенно утрачивает своё значение. Вместе с тем живопись достигла в этот период небывалого подъёма.

Острая социальная борьба, заполнившая всю историю Китая XV - XVIII веков, коснулась и художественной культуры, Зарождаются и развиваются новые виды и жанры изобразительного искусства, рушатся прежние идеалы. Так, монументальная скульптура теряет окончательно своё художественное значение, приобретая декоративно-прикладной характер в садово-парковых ансамблях. Огромную роль начинают играть прикладные виды искусства, связанные с развитием ремёсел и внешней торговли. Поэзия уступает место драме, новелле и повести, гравюра и народный лубок завоёвывают себе значительное место в искусстве.

Живопись

Китайская картина

Китайская картина не является картиной в нашем понимании. У неё нет ни тяжёлой золочёной рамы, ни даже тонкого багета, который бы ограничивал её от плоскости стены, превращая в изолированный замкнутый мир. Да и зачем нужна была китайской картине рама, если эта узкая и длинная полоса бумаги или специально обработанного проклеенного шёлка с двумя валиками по краям бережно хранились в специальных ящиках и развёртывалась только в редких случаях для рассматривания. С древнейших времён, по всей видимости на рубеже нашей эры, была выработана эта форма живописных свитков. В Китае, где в помещениях не было прочных и массивных стен, как в Европе, а воздух в комнатах во многом определялся климатом улицы, вывешивать картины, не защищённые, как у нас, стеклом, было бы для них вредно. Вместе с тем картина бала своего рода ревниво оберегаемой драгоценностью, которую не принято было выставлять на всеобщее обозрение и которая коллекционерами показывалась только узкому кругу ценителей.

Китайские свитки имеют две формы. Одна из них вертикальная, когда развёрнутый и повышенный на стену свиток висит перпендикулярно к полу, и другая горизонтальная, когда свиток постепенно развёртывается и по мере рассматривания снова свертывается на столе. Вертикальные свитки обычно не превышают 3 метров, тогда как горизонтальные, являясь своеобразной панорамой, иллюстрированной повестью, где показана либо серия объединённых в единую композицию пейзажей, либо сцены городской уличной жизни, достигают подчас свыше десяти метров.

Пейзажная живопись

Живопись в Китае как вид искусства издревле пользуется большим уважением. Со времён средневековья дошли стихи, прославляющие живопись, трактаты о творческих путях путях живописцев, описание отдельных картин и своеобразные сводные истории живописи, сообщающие сведения о многочисленных художниках различных эпох. Однако в наши дни многие из тех художников, от которых не сохранилось вещественных доказательств их существования, отошли в область легенд, превратились в своего рода символы, связанные с определёнными художественными направлениями. Многие знаменитые картины погибли при пожарах, иные сохранились только в поздних копиях. И все же уцелевшие произведения дают возможность восстановить основной путь развития китайской живописи, выяснить изменения, которые совершались в ней на протяжении различных эпох, а сохранившиеся трактаты позволяют понять, какой эстетический смысл вкладывали сами художники в свои произведения.

Китайская живопись представляет собой объединение художественного искусства с поэтическим. На китайской картине не редко встретишь изображение пейзажа и иероглифические надписи, поясняющие суть картины. В китайском пейзаже можно увидеть голые островерхие горы севера, меняя окраску от освещения дня. Белоснежные могучие сосны у их подножий, выжженные солнцем пустыни с остатками древних городов, заброшенные скальные храмы, тропические леса юга, населённые бесчисленным множеством зверей и птиц. Незнающий человек скажет, что картины Китая однотипны, что одни только “ Ветки да горы”. Хотя того не подозревая, что за всей этой чудной природой кроется замечательные стихи. Лиричные и трепетные. Сложность китайской живописи отпугивает того, кто с ним мало знаком. Его образы и формы, его идеи, а зачастую и техника представляется нам не понятными. В самом деле: откуда нам знать, что две дремлющие в прибрежных камышах пушистые мандариновые уточки или летящая в небе пара гусей на картине живописца являются символами не расторжимой любви, понятными каждому образованному китайцу, а сочетание бамбука, сосны и дикорастущей сливы мэйхуа (по-китайски: три друга холодной зимы), изображение которых мы беспрерывно встречаем и на китайских картинах и на вазах, означают стойкость и верную дружбу. И если мы взглянем на картину художника Ни Цзаня (XIVв.), где написано тонкое деревце с обнажёнными ветвями, выросшее среди маленького острова, затерянного среди безбрежной глади воды, мы воспринимаем сначала лишь показанный художником печальный пейзаж. И только прочтя помещённую в верху картины красивую надпись, понимаем, что художник в этом лирическом и грустном пейзаже изображал не только природу, но хотел передать свои горестные чувства, вызванные завоеванием его родины монголами. Аллегория, символ и поэтическое образное толкование мира вошли исстари в плоть и кровь китайской действительности. Мост через озеро, пещера в скалах, беседка в парке часто получали такие названия: “ Мост орхидей”, “Ворота дракона”, “Павильон для слушания течения реки” либо “Беседка для созерцания луны” и т.д. Детям часто давали и дают поныне поэтические имена, навеянные образами природы:”ласточка”, “Росточек”, “Мэйхуа” и т.д.

Это сложное образное мировосприятие, постоянное общение к образом природы для передачи своих чувств зародилось в Китае ещё в глубокой древности. Вся китайская мифология связана с борьбой человека против стихий, с наивным и образным толкованием явлений природы.

Китайская живопись двусмысленна. Поэты, художники во времена господства иноземных династий или в те годы, когда страну разоряли не умные и жестокие правители, писали стихи и картины, где в традиционные сюжеты и формы они вкладывали совсем иной, скрытый подтекст. Так, художник XVII - XVIII вв. Ши Тао на картине “Дикие травы”, где видна только дорога, заросшая сорняком, помещает надпись, полную скрытого смысла:”Вот, что растёт на проезжей дороге”. Под дикой травой, засоряющей путь, художник подразумевал завоевателей- маньчжуров, пришедших к власти в 1644 году и надолго задержавших столь славный в прошлом путь развития китайской культуры. Китайская живопись неразрывно связана с поэзией. Порой художники дополняли свою картину строками из стихов. Надо сказать, что китайские художники порой были и замечательными поэтами. Один великий китайский критик Чжан Янь-юань подчеркнул неразрывность поэзии с живописью и сказал: “ Когда они не могут выразить свою мысль живописью, они писали иероглифы, когда они не могли выразить свою мысль через письменность, они писали картины”.

Это сочетание картины и надписи необычно для европейского восприятия. Однако китайские художники не только дополняли и эмоционально обогащали смысл своих произведений стихами, которые рождали как бы новые образы, развивали фантазию зрителя, но и вписывали с таким мастерством и блеском свои иероглифы в картину, что она приобрела от этого какую- то особую законченность и остроту. Сама по себе каллиграфия в виде надписей часто отдельно помещалась на свитках, образуя картины из одних иероглифов, и имела много разных стилей.

Тысячелетиями исчисляется развитие пейзажного жанра в Китае, известного как одно из величайших достижений мирового искусства. Китайский пейзаж не похож на европейский. Их отличает не только разница формы картины. Китайский пейзаж “ Шань-шуй”,т.е. “горы- воды”,сложился и достиг необыкновенного расцвета уже в средние века к VII - VIII векам нашей эры, положив начало всей дальневосточной пейзажной живописи, тогда как пейзаж в Европе возник как самостоятельное явление лишь в эпоху Возрождения и разделился на множество направлений в связи с национальными особенностями разных стран. В европейском пейзаже мир, изображенный художником, словно увиден им из окна. Это часть природы, сельской местности или города, которую может охватить глаз живописца и где человек, даже если его и нет на картине, всегда чувствует себя как бы хозяином. Китайский художник воспринимает пейзаж как часть необъятного и просторного мира, как грандиозный космос, где человеческая личность ничто, она как бы растворена в созерцании великого, непостижимого и поглощающего её пространства.

Китайский пейзаж всегда фантастичен, несмотря на свою реальность, он как бы обобщает наблюдения над природой в целом. В нем часто присутствует изображение гор и вод - это устоявшаяся издревле традиция, связанная с религиозно- философским пониманием природы, где взаимодействуют две силы - активная мужская “янь” и пассивная женская “инь”. Близкие к небу горы - это активная сила, мягкая и глубокая вода - пассивная, женская. В древности, когда зародились эти представления, горы и воды обожествлялись как властители человеческой жизни. Вода приносила урожаи, дарила посевы или несла страшные наводнения, от нее зависело счастье или горе людей. Недоступные, окутанные извечной тайной горы были местом, куда уходило солнце. Своими вершинами они соприкасались с небом. Эта древняя символика, давно утратившая в Китае свой первоначальный смысл, тем не менее легла в основу прочной традиции изображения природы.

Определённое содержание и значение китайского пейзажа породило и его особую роль в живописи, а также необычную форму и многочисленные художественные приёмы его написания. Многие из китайских картин, где лишь намёком показана какая -либо деталь природы, воспринимаются как пейзаж, хотя и не относятся к этому жанру. Природа как бы помогает художнику придать своей картине возвышенность, глубину и поэтичность. Китайский художник никогда не писал с натуры и никогда не делал этюдов, как это принято в европейской живописи. Впечатление, которое остаётся от многих китайских произведений, таково, будто художник только что осязал шелковистые перья изображённой им маленькой птички или подсмотрел танец двух бабочек над цветущим деревом. Это впечатление основано на том, что китайский художник до того, как писать свои картины, подобно естествоиспытателю, с бесконечной тщательностью изучал природу во всех мельчайших её проявлениях. Он прекрасно знал структуру каждого листа, движение медлительных гусениц, пожирающих спелые плоды, он знал мягкую поступь крадущегося тигра и настороженный поворот головы молодого оленя, прислушивающегося к шорохам леса. Живописец словно посвящает зрителя в скрытые от него многочисленные тайны природы.

Китайский живописец изображает природу в двух аспектах. Один - это пейзажи гор и вод - “шань- шуй”, т.е. тип классического китайского пейзажа на длинных свитках, где важны не детали, а общее ощущение величия и гармонии мира, другой, не являющийся пейзажем в полном смысле этого слова, так называемый жанр “цветов и птиц” - своеобразный мир жизни животных, также необычайно распространённый в древности и сохранивший свою жизнеспособность в наши дни. Иногда произведения этого жанра писались на круглых и альбомных листах, на ширмах и веерах и изображали то птичку на ветке, то обезьяну, качающую детёныша, то стрекозу, порхающую над цветком лотоса. Именно здесь художник позволяет себе рассматривать каждое движение растения или животного словно в увеличительное стекло, бесконечно приближая их к зрителю и в месте с тем воплощая подчас в этих маленьких сценах единую и цельную картину природы.

В пейзажах “гор и вод” природа, напротив, словно отдалена от зрителя, представляя перед ним как нечто титаническое и могучее. Всматриваясь в этот пейзаж, человек себя чувствует себя бесконечно малой частью этого мира, и всегда с тем безумная смелость и бескрайняя широта развёрнутых перед ним просторов вызывает в нем восхищение и гордость. Сам мир китайской живописи - это мир природы, с жизнью которой всеми нитями связан человек.

Китайские живописцы со временем выработали свою, непохожую на европейскую, способов изображения. В китайском пейзаже самый дальний объект расположен выше предыдущего. Поэтому китайский пейзаж он выглядит более объёмно. А европейский пейзаж строится по принципам линейной перспективы, т.е. дальность картины выражена уменьшением дальних объектов относительно переднего плана. В китайском пейзаже на переднем плане размещены крупные объекты: скалы, деревья иногда строения. Эти детали переднего планы являлись, своего рода масштабными единицами. Дали почти не видно, она как бы смазана, затянута дымкой.

Травинка, по которой ползёт букашка, или гусь, в камышах зовущий подругу, - эти скромные изображения в китайской картине ни когда не ощущаются как обычная будничная сцена. Зритель чувствует и воспринимает подобные композиции как жизнь огромного мира, где каждый стебель является выразителем великих и вечных законов бытия.

Поэзия

Китайская земля пережила много бед в своей истории. Их захватывали, разоряли, сжигали. Но как сказано, что написано пером, то не вырубишь топором. Именно так не сломить китайскую поэзию. Она существовала и будет существовать.

В 1235 г. монгольские орды захватили провинцию Сычуань, а затем двинулись на юг и к 1276 году подчинили себе всю страну, установив на её земле свою монгольскую династию, получившую китайское название Юань.

В китайской поэзии существовали два периода. Период Тан и Сун. Тан - был основан китайской императорской династией в 618 - 907 .Основан Ли Юанем. Господство Тан было подорвано крестьянской войной 874 - 901и борьбой между различными группировками господствующего класса.

Сун - императорская династия в Китае. Пала от монгольских завоеваний.

Это полное трагическими событиями время ярко отразилось в китайской поэзии, придало ей строгость и печальное величие. Китайскую поэзию иногда сравнивают в Китае с осенней хризантемой, прекрасным, но печальным цветком. Горький жизненный опыт научил китайских поэтов трезвому отношению к жизни, а постоянная тревога перед угрозой вражеского нашествия сделала их творчество особенно эмоциональным. Многие стихи писались в то время на музыку и благодаря этому быстро приобретали популярность в виде песен. Накопленная столетиями огромная поэтическая культура давала обильные плоды. Выражения лирических переживаний и настроений в поэтической форме стало обычным в среде чиновничества. Поэтический восторг перед красотой природы или прелестью воспоминаний о любви и дружбе рождали вдохновение, и слова сами лились из души поэтов.

Возмущение и негодование, которыми кипели сердца от сознания позора, ложившегося на отчизну, поруганную завоевателями, тоска и печаль при виде горя народного, отливались в поэтические формы. Так появлялись эти необыкновенные стихи, порой записанные на стене дома или на перилах моста. Словом там, где поэта охватило вдохновение и где, переполненный им, он пропел свою прекрасную песню.

В основе этих стихов не трезвая и холодная мысль(правда, следует оговориться, что было немало стихов, подсказанных книжной мудростью, философской и моральной доктриной), в основе их - чувства. Причём чувства разные - ликование сердца при виде щедрой весны, листьев, цветов и солнце; его печаль в осенний непогожий день, когда в душе, как и на небе, нет просвета; тоска по безвозвратно прошедшей молодости и радость от неожиданной встречи с другом... Нередко - это тонкие эмоции и порой едва уловимые настроения, то подсказанные глубоко личными переживаниями, то вызванные событиями исторической важности.

Подъем поэтической мысли, который охватил Китай в восьмом и девятом веках, в десятом веке пошёл на спад. Не было уже крупных имен и талантов, на сцену вышли поэты - эпигоны, которых увлекала пустая игра красивых слов и звуков. В начале Сунской династии определенной известностью в поэзии пользовалась псевдоклассическая школа “сикунь”, сосредоточившая свой интерес на эстетско-формалистическом отборе лексики. Это школа считала, что она продолжает линию танского поэта Ли Шан -иня, однако в действительности её поэты подражали худшим сторонам поздней танской поэзии. Их творчество тяготело к оторванной от жизни, бездушной и бедной эмоциями, чисто пейзажной лирики. Против влияния школы “сикунь” в поэзии выступил в конце десятого века Ван Юй- чен, а в одиннадцатом веке активную борьбу с нею повели Мэй Яо- чэнь и Оуян Сю. Таким образом, сунские поэты, как в свой время и танское, росли и совершенствовались в борьбе с формалистическим течением в поэзии, эпигонски копировавшим своих предшественников.

Время Танской и Сунской династий не прошло даром. Поэты жившие в тот период, оставили большой след в искусстве, а точнее, в поэзии Китая.

Архитектура

История развития китайского зодчества неразрывно связана с развитием всех видов искусства Китая и особенно живописи. И архитектура и живопись этой эпохи являлись как бы различными формами выражения общих идей и представлений о мире, сложившихся ещё в глубокой древности. Однако в архитектуре существовали ещё более давние правила и традиции, нежели в живописи. Основные из них сохранили своё значение на протяжении всего периода средневековья и образовали совершенно особый, непохожий на другие страны торжественный и вместе с тем необычайно декоративный художественный стиль, который отразил жизнерадостный и одновременно философский дух, свойственный в целом искусству Китая. Китайские зодчий был таким же поэтом и мыслителем, отличался тем же возвышенным и обострённым чувством природы, что и живописец- пейзажист.

Горы, высоко вздымающиеся скалы, Сады и другие части природы составляют панораму для здания. Китайский зодчий похож на художника. Он высматривает место и прикидывает что будет сочетаться с этим местом. Он никогда не построит здания, если оно не будет сочетаться с окружающим массивом. Один из художников- пейзажистов в своём поэтическом трактате о живописи передал то ощущение естественной взаимосвязи архитектуры и пейзажа, которое свойственно этому времени: “Вверх башни храмовой пусть будет у небес: не следует показывать строений. Как будто есть, как будто нет... Когда на ровном месте высятся храмы и террасы, то надо бы как раз, чтоб ряд высоких ив стал против человеческих жилищ; а в знаменитых горных храмах и молельнях достойно очень дать причудливую ель, что льнёт к домам иль башням... Картина летом: древние деревья кроют небо, зелёная вода без волн; а водопад висит, прорвавши тучи; и здесь, у ближних вод - укромный тихий дом”.

О том какие архитектурные замыслы сложились ещё в глубокой древности, свидетельствует одно из самых старых, уцелевших до наших дней сооружение - Великая китайская стена. Это великое произведение человеческих рук, стоившееся с IV - III веков до н.э., является одним из самых величественных памятников мирового зодчества. Выстроенная по северной границе Китая для защиты страны от кочевников и прикрытия полей от песков пустыни, стена первоначально простиралась на 750 км, затем, после многовековых достроек она превысила 3000 км. Китайские зодчие строили стену лишь только по самым крутым хребтам. Поэтому в некоторых местах стена описывает настолько резкие повороты, что стены почти соприкасаются. Стена имеет в ширину от 5 до 8 метров, а в высоту от 5 до 10 метров. По поверхности стены идут зубцы и дорога, по которой солдаты могли передвигаться. По всему периметру проставлены башенки, через каждые 100 - 150 метров, для светового оповещения о приближении врага. Стена сначала была собрана из утрамбованного леса и камыша, затем её облицевали серым кирпичом.

Памятников древнего и раннего искусства до на дошло крайне мало . Города состоявшие из лёгких деревянных построек, сгорали и разрушались, пришедшие к власти правители уничтожали старые дворцы и возводили на их места новые. В настоящее время трудно показать последовательную картину развития архитектуры. Китайская дотанского времени. Значительно лучше сохранились культовые сооружения - пагоды, строившиеся из кирпича и камня.

В спокойных и строгих кирпичных пагодах танского времени всё дышит монументальной простотой. В них почти отсутствуют какие-либо архитектурные украшения. Выступающие углы многочисленных крыш образуют прямые и чёткие линии. Самой известной пагодой танского времени является Даяньта ( Большая пагода диких гусей), выстроенная в пределах тогдашней столицы Чанъань (современная Сиань) в 652 - 704 годах. Расположенная на фоне горной гряды, словно составляющей всему городу обрамление, Даяньта видна на огромном расстоянии и высится над всем окрестным ландшафтом. Тяжёлая и массивная, напоминающая крепость в близи (её размеры: 25м. в основании и 60м. в высоту). Погода благодаря гармонии и вытянутости пропорций издали производит впечатление большой легкости. Квадратная в плане ( что характерно для этого времени), Даяньта состоит из 7 равномерно суживающихся к верху и повторяющих друг друга совершенно одинаковых ярусов и соответственно уменьшающихся окон, расположенных по одному в центре каждого яруса. Подобное расположение создаёт у зрителя, захваченного почти математическим ритмом пропорций пагоды, иллюзию ещё большей её высоты. Возвышенный духовный порыв и разум словно сочетались в благородной простоте и ясности этого сооружения, в котором зодчий в простых, прямых линиях и повторяющихся объёмах, так свободно устремлённых к верху сумел воплотить величавый дух своего времени.

Далеко не все китайские пагоды подобны Даяньта. Более утончённые и противоречивые вкусы сунского времени сказались тяготении к более изысканным и лёгким формам. Сунские пагоды, обычно шестигранные и восьмигранные, так же удивительно красивы. Они и поныне, располагаясь на самых высоких точках, венчают своими стройными вершинами такие живописные, тонущие в зелени и окружённые горами города, как Ханчжоу и Сучжоу. Очень многообразные по своим формам и архитектурному орнаменту, они то покрыты глазурованными плитами, то отделаны узором из кирпича и камня, то украшены многочисленными изогнутыми крышами, отделяющими ярус от яруса. Нарядность и стройность сочетаются в них с удивительной простотой и свободой форм. На фоне яркой синевы южного неба и сочной зелени листвы эти огромные, сорока и шестидесятиметровые светлые сооружения кажутся воплощением и символом сияющей красоты окружающего мира.

Так же логическая ясность ощущается и в архитектуре китайских городов и планировке городских ансамблей. Наибольшее количество деревянных городских сооружений сохранилось до наших дней начиная с XV - XVII веков, когда после изгнания монголов начиналось усиленное строительство и восстановлению разрушенных городов. С этого времени столицей Китая становится Пекин. Сохранивший и сей день многие из архитектурных памятников древности. Кстати, Пекин - по-китайски Бэйцзин ( Северная столица) - существует уже более 3000 лет. И не изменил планировки. В Пекине правильное расположение улиц. В виде сетки. Техника симметрии в китайской планировки города тоже присуща и не изменена со временем. Искусственно вырытые озёра симметричны друг другу. Дома в Пекине выстроены фасадом на юг, а с севера на юг идет магистраль, завершающаяся у северной границы города. Огромные крепостные стены с могучими каменными надвратными башнями и воротами в виде длинных туннелей замыкали город со всех сторон. Каждая пересекающая город магистральная улица упиралась в подобные ворота, расположенные симметрично друг против друга. Древнейшая часть Пекина называется “Внутренний город”,она, в свою очередь, отделена от расположенного к югу “Внешнего города” стеной и воротами. Однако общая магистраль связывала обе части столицы. Все главные сооружения выстроены по этой прямой оси. Таким образом, все огромное пространство столицы являлось объединённым, организованным и подчинённым единому замыслу.

Основным сооружением Пекина, расположенного в центре “ Внутреннего города”, является императорский дворец, замкнутый высокими стенами и названный “Запретным городом”. Широкие площади мощённые светлым кирпичом, закованными в белый мрамор каналы, яркие и торжественные дворцовые здания раскрывают своё сказочное великолепие перед взором тех, кто, пройдя рядом массивных крепостных ворот, начиная от площади Тяньаньмынь, проникает в пределы дворца. Весь ансамбль состоит из соединённых друг с другом просторных площадей и дворов, окружённых разнообразными парадными помещениями, представляя зрителю смену всё новых и новых впечатлений нарастающих по мере его продвижения. Весь Запретный город, окружённый садами и парками, .то целый лабиринт с бесчисленным количеством боковых ответвлений, в котором узкие коридоры выводят в тихие солнечные дворы с декоративными деревьями, где парадные здания сменяются в глубине жилыми постройками и живописными беседками. По основной оси, пересекающей весь Пекин, расположены в стройном порядке самые значительные постройки, выделяющиеся среди остальных зданий Запретного города. Эти сооружения, словно вознесённые над землёй высокими платформами из белого мрамора, с резными пандусами и лестницами, составляют ведущую, торжественную анфиладу комплекса. Ярким сочным лаком своих колон и двойными изогнутыми крышами из золотистой обливной черепицы, силуэты которых повторяются и варьируются, центральные павильоны образуют общую торжественную ритмическую гармонию всего ансамбля. Главное здание дворца - Тайхэдянь - павильон высшей гармонии, подобно всем дворцовым деревянным павильонам, чрезвычайно наряден и в тоже время отличается большой простотой и логичностью конструкции. Высокие, покрытые лаком простые круглые колонны и покоящиеся на них расписные балконы вместе с системой деревянных узорных кронштейнов “доу-гун” поддерживают словно парящую над зданием двойную крышу. Эта крыша с широкими, загнутыми к верху краями является как бы основой всего здания. Её широкие выносы предохраняют помещение от беспощадного летнего зноя так же, как и от чередующихся с ним обильных дождей. Лёгкие стены состоящие из ажурных деревянных перегородок, служат как бы ширмами и не имеют опорного значения. В павильоне Тайхэдянь, как ив остальных центральных сооружений дворца, изгибы крыш, как бы облегчающие их тяжесть и ширину, отличаются плавным спокойствием. Они придают всему зданию ощущение большой лёгкости и равновесия, скрадывают его подлинные размеры. Величие масштабов сооружения ощущается, главным образом, в интерьере Тайхэдянь, где прямоугольное помещение заполнено лишь двумя рядами гладких колон и вся его протяжённость и ясная простота предстают ничем не скрытыми от глаза.

Архитектурные сооружения XVIII - XIX веков продолжая развивать традиции прошлого вместе с тем отличаются от более строгого духа предшествующих периодов значительно возросшей пышностью, большей связью с декоративными видами искусства. Загородный парк Ихэюань расположенный близ Пекина, весь застроен лёгкими причудливыми беседками, многочисленными орнаментальной скульптурой. Стремление к орнаментации, к детальной разработке отдельных мотивов архитектуры, слияние декоративно-прикладных и монументальных форм постепенно подготавливают отход от монументального характера зодчества прошлых периодов. Однако в это время были проведены ещё многочисленные восстановительные работы. Был восстановлен Храм неба, реставрирован Запретный город, сохранившие свой первоначальный величавый дух. В этот же период строятся такие красивые совершенные по формам и живописные постройки, как галерея Чанлан (длинная галерея) в парке Ихэюань, горбатые мраморные мосты, образующие словно замкнутое кольцо вместе со своим отражением, и т.д. Однако уже к концу XIX - началу XX века всё растущие вычурность и прихотливость узоров привели к утрате органического соединения орнамента и формы здания. XIX век явился заключительным этапом в развитии блестящей и своеобразной архитектуры Китая.

Скульптура

Когда мы говорим о скульптуре Китая, перед нашим мысленным взором возникают, словно полные безудержного движения, терракотовые фигуры танского времени: мчащиеся или вздыбленные кони, юные девушки-танцовщицы, взмахивающие длинными рукавами, тонкие и одухотворённые лица буддийских божеств из пещерных храмов или занимательные фантастические рельефы ханьского времени. Зная высокий уровень этих произведений, трудно поверить, что в самом Китае и в древности и в средние века скульптура считалась не видом искусства, а всего лишь ремеслом. И если о живописи эпохи феодализма было написано в средние века множество книг, то о скульптуре Китая человечество смогло узнать только тогда, когда в XIX - XX веках постепенно были обнаружены сохранившиеся памятники, которые дали богатый материал для исследования. До недавнего времени заброшенные, многие буддийские пещеры храмы теперь открыли науке новую эпоху в изучении скульптуры, стеной живописи и легенд средневекового Китая.

Скульптура феодального Китая имела, пожалуй, не менее длительные традиции, чем живопись. Однако древнюю скульптуру от средневековой отделяет значительно более трудный путь исканий и преобразований, чем тот, который за это же время совершила станковая живопись.

Скульптура, так же как и древняя, была связана с религиозными культами. Но если рельефы ханьского времени с их повествовательностью, бесконечными историческими анекдотами, соединением фантастических и бытовых жанров мотивов имели скорее светский характер и были порождением собственно китайской мифологии, то скульптура возникла одновременно с распространением буддизма в Китае и отразило новые темы, новы чужды Китаю образы и религиозные представления. Эти новые образы, столкнувшись со старыми, сильными и устойчивыми традициями Китайской культуры, лишь постепенно слились с ней и стали её частью уже по прошествии длительного времени.

Буддийские монастыри, строительство которых началось с большой интенсивностью в IV - V веках близ столиц и торговых путей, не облагались налогами и вскоре начали играть крупную политическую и экономическую роль в государстве. Лучшие художники, резчики и мастера-ремесленники как местные, так и выписанные из Индии и центральной Азии создавали там буквально бесчисленное множество скульптур.

В пустынных и каменистых, выжженных солнцем окрестностях города Пинчэна, где летом синие безоблачное небо освещает высохшие русла рек и гряды горных вершин, с далёкого расстояния открывалось паломникам или путникам протянувшаяся на сотни метров скала, прорезанная нишами и пещерами. В её мягкой и зернистой, словно бархатной, поверхности серо-золотистого песчаника и был высечен старинный буддийский монастырь. Юньган ( Храм заоблачных высот). Огромные пятнадцати- и семнадцати метровые фигуры “великого учителя” Будды и поныне заполняют тесные ниши его пещер. Они сидят и стоят, срастаясь с массивом скал, эти созданные не то природой, не то людьми фантастические гиганты с поднятой в жесте поучения рукой, застывшей улыбкой на чётко высеченных губах и устремлёнными вдаль широко раскрытыми глазами. Вокруг них вся поверхность скалы и снаружи и изнутри испещрена мелкими и крупными рельефами и статуями, покрывающими стены храма, словно каменный ковёр. Никакой системы в расположении пещер не было. Они высекались в разное время и в разных местах. Это целый город - лабиринт в горах со множеством огромных гротов и крошечны ниш, многие из которых, помещались на гигантской высоте, соединялись прежде висячими балконами и недоступны сейчас для человека. Люди изваяли из камня целые повести и легенды, мифологические и религиозные притчи о жизни Будды и его учеников. Но и там, где скала ни чем не заполнена, дикий камень, округлённый выветренный временем, воспринимается как скульптура, так он мягок и осязаем. По средине огромных пещер высятся изваянные из камня китайские пагоды, служащие опорными столбами, покрытые сетью скульптур и рельефов. Каждое, даже маленькое, пространство использовано для скульптуры.

В пещерах на потолках изображены индийские боги, змеиные головы, что присущи , скорее, индийской культуре, нежели китайской. Особенно периоду Сун. Изображение индийские святых говорит о том, что скульптура Китая много взяла из индийской скульптуры и культуры. Хотя начиная с средневековья, мы наблюдаем постепенную ассимиляцию иноземных образов, можно прочесть историю сложения нового скульптурного стиля Китая.

Уже в V - начале VI века рядом с огромными и тяжеловесными фигурами Будды появляются стройные и изящные, вычерченные смелой рукой опытного китайского мастера графические рельефы. Здесь в буддийских легендах, можно уже лица китайского типа. Китайские по рисунку одежды, мягкими линейными складками напоминающие живописный метод Гу Кай-чжи, облекают бесплотные тела. Всё здесь исполнено с тем блестящим мастерством и изяществом владения ритмом линий, которым так славились рельефы Древнего Китая и станковая живопись. Чужие образы постепенно становятся своими, чужие легенды рассказываются на китайский лад. Еще больше это родство со старым Китаем чувствуется в пещерах храма Лунмынь ( Ворота дракона), расположенного близ второй Вэйской столицы - Лояна. На стенах его гротов, относящихся к VI веку, изображены в рельефах из мягкого известняка то царственные дарители храма в роскошных китайских одеждах с китайскими лицами и причёсками, то лёгкие и гибкие фигуры крылатых гениев, несущихся, подобно духам ханьских рельефов, окутанных острыми складками длинных одежд и развевающимися шарфами. Если близко подойти к стене, можно разглядеть и совсем миниатюрные, прочерченные на ней рельефы, поражающие красотой линий и законченностью каждой детали.

Однако, несмотря на известное сближение средневековой и древней скульптуры, при их сопоставлении ощущается та гигантская разница в мировосприятии, которая и является основным рубежом, отделяющим древнее искусство от феодального. Ханьские рельефы сосредоточивают внимание на действии. Человеческие чувства в них почти не затрагиваются. В рельефах Юньгана и Луньмыня особенно ощущается стремление к передаче духовного, возвышенного состояния человека. Грубые и тяжеловесные, парой примитивные формы сочетаются в скульптуре этих храмов с образами, исполненными необычайной чистоты и целомудрия.

В пору когда создавались храмы, скульпторы расписывались нежными минеральными красками. Сейчас их следов почти не видно. Однако о принятой те времена манере сочетать во едино скульптуру и живопись можно и теперь узнать из ознакомления со скальными пещерами знаменитого храма Цаньфодун. Этот монастырь, расширявшейся и дополнявшейся целое тысячелетие (с 366 по 1368), был не только местом паломничества монахов, но и крупным культурным центром.

Скульптура периода Тан продолжала создаваться в тех же скальных храмах, что и вэйская. Эту пору расцвета всех видов и областей китайского изобразительного искусства скульптура достигала своего высочайшего подъёма. В ней выделялись и развивались многочисленные жанры. Окончательно сложился национальный художественный стиль, совпадающий с общим стилем искусства Китая этого периода. Огромный подъём и широта культуры этого времени изменили и содержания культурного искусства, приблизив его к светскому, сообщив религиозным образом жизни утверждающую красоту и гармонию, свойственные духу всей культуры периода Тан. Хрупкая грация, одухотворённость и мистическая созерцательность вэйских божеств уступили место более полнокровному и оптимистическому миропониманию.

Образы танской буддийской скульптуры многообразны. В многочисленных буддийских монастырях можно видеть и страшных охранителей входа, Свирепо попирающих ногой демонов, и многочисленные графические рельефы, где как бы одной неотрывной линией скульптуры обрисовывали стремительность, плавность и упругую гибкость летящих юных женщин с цветами в руках, можно видеть и ярко раскрашенные, полные земной красоты глиняные изваяния лёссовых пещер Цяньфодуна и Майцзишаня.

Все основные качества таньской монументальной пластики, как в фокусе, сосредоточиваются в самой грандиозной скульптуре Лунмыня - статуе Будды Вайрочаны.

Над всеми пещерами западного берега скального монастыря Луньмыня на огромной открытой платформе высятся двадцатипятиметровая статуя Будды Вайрочаны - божества света. Он сидит в величественной позе, полуприкрыв свои длинные глаза, неподвижный и безмятежный. Лицо его, с полными чувственными губами и бровями форме “полумесяца”, не выражает никакой отчуждённости от всего земного, и само как бы является воплощением земного спокойствия и земной красоты. Огромные нимбы кругами расходятся по стене вокруг его головы, подчёркивая классическую ясность его лица. Стоящие рядом фигуры воинов-охранителей, которые своим уродством и страшным видом должны были отпугивать от него злые силы. По контрасту как бы ещё больше выделяют красоту этого бога-человека. Гигантская статуя в те времена являлась как бы символом мощи буддийской религии, достигнутой в танское время. Однако в действительности она скорее воплощала гуманистические идеалы этой эпохи, широту и свободу её образов и эстетических представлений. Массивные идолы вэйских пещер заключённые в свои тесные кельи, кажутся грубыми и при сопоставлении с пластической свободой позы Вайрочаны.

Здесь, в этом храме , можно увидеть тот путь исканий который прошло китайское искусство. Лицо Будды - китайское лицо, его тело такое мягкое и пластичное. В отличии от статуй предшествующего времени он сочетает в себе большую духовную выразительность с чисто физической красотой и гармонией

Такой же пластической красотой отличается и помещённые в гротах Лунмыня статуи юношей-бодисатв ( учеников Будды, оставшихся на земле для спасения людей), олицетворяющих идею доброты и милосердия. Они стоят, слегка изогнувшись в гибком и плавном движении, выставив бедро и опустив покатые плечи. Живописные складки скользящих тонких одежд и драгоценные ожерелья ложатся вокруг тела, обрисовывая его. Они, не скрывая земной красоты обнажённого тела, в то же время словно сливаются с ним, удлиняя, облагораживая и делая особенно изящными его пропорции. Полные юношеской прелести лица бодисатв не индивидуальны. Однако скульпторы танского времени, стремившиеся воплотить в камне общий тип прекрасно нежного юноши, сумели передать гуманистические, полные глубокого человеческого смысла чувства человека, осознавшего своё внутреннее. Духовное богатство.

В танское время погребение императоров украшались подчас, так же как и ханьские гробницы, скульптурными рельефами. Однако эти рельефы уже не были связаны с буддийской религией и носили часто светский характер. Таковы были расположенные Сиане шесть монументальных плит гробницы танского императора Тай-цзуна. По традиции считают, что они были созданы по рисункам знаменитого живописца Янь Ли-бэня. Выполненные в высоком рельефе на вытянутых плитах из светло-серого известняка, они изображают запряженных лошадей, стоящих, идущих и мчащихся в стремительном галопе. Взметнувшиеся гривы летят по ветру, словно языки пламени, тонкие породистые морды напряжены так, что в ни чувствуется трепет живых мускулов, ощущается теплота живой плоти. Кажется, что эти образы, подобны коням Парфенона, неповторимы. Однако если взглянуть на круглую глиняную скульптуру, клавшуюся по обычаям в захоронения и представляющую собой вид очень древнего народного творчества, то станет очевидным по совершенству и пластической свободе форм, верности анатомии, а также разнообразию движения представленных в ней конских фигур, встающих на дыбы, ржущих, мчащихся галопом, что скульптура всех видов и жанров имела много общих черт и отражала единые представления своего времени о мире.

“Маленькая пластинка”- лишь условное название принятое для керамики танских захоронений. И в самом деле, часто глиняные скульптуры этого времени отличаются не только весьма значительными размерами, но и подлинной монументальностью. Человеческие эмоции этих народных изображениях переданы простым, лишённым условности языком. Здесь мы можем увидеть чиновника молящегося на коленях, Жонглеров, акробатов на шестах, придворных модниц, гибких танцовщиц, музыкантов - словом целый мир предстаёт здесь перед глазами. Каждая из ветвей танской скульптуры дополняет одна другую, создавая единую картину.

Во время сунской династии полностью утрачивается буддийская скульптура. С появление философского мышления исчезает и интерес к индивидуальным эмоциям человека. А также и весь объем скульптурных работ. Со временем сунская пластинка, несмотря на своё совершенство, постепенно утрачивает гармонию физического и духовного, характерного для танского. Лак, сандаловое дерево заменяют собой простые материалы VII - X веков. Самыми интересными образцами сунской скульптуры являются лепные из лёссовой глины портреты монахов из храма Майцзишань и фигуры женщин-дарительниц (меценатов буддизма) из буддийских монастырей. Разнообразно жестикулирующих, богато одетых и причёсанных, они составляют нарядные покрасочным сочетаниям группы, имеющие глубоко светский бытовой характер. Танский и сунский периоды завершили развитее китайской пластики, которая в дальнейшие этапы постепенно теряет свою монументальную роль, переходя в область прикладного декоративного искусства.

Прикладное Искусство

Китайский народ, с его богатейшей фантазией, воспитанным тысячелетиями тонким художественным вкусом и вошедшим в историю виртуозным мастерством создал не протяжении времени множество известных всему миру изделий художественного ремесла. С древнейших времён, из века в век, из поколения в поколение передавались навыки и секреты изготовление изделий из различных пород камня, дерева, из глины и лака, производство тканей и вышивок.

Тончайшие, с ажурной резьбой по краю, плоские диски “би”-древние знаки императорского достоинства, выточенные в середине I тысячелетия до н.э. из нефрита - камня более твёрдого, чем сталь, и хрупкого, как стекло, поражают зрителя красотой своего фантастического и вместе с тем строгого узора, прозрачностью и драгоценной игрой фактуры камня. Уже в глубокой древности мастера Китая, научившись выявлять и показывать художественные качества материала, использованы с этой целью игру его цветов, пятна, различие фигур, гладкость поверхности. Древнейшие сосуды из глины и камня отличаются, подобно античным, совершенной гармонией форм и ясностью членений.

Китайские мастера переняли от древности многие навыки, манеры и техники, традиционные формы узоров. Однако сами потребности, которые выдвинула новая историческая эпоха, породили и многочисленные, изменившиеся из века в век, новые виды и техники художественного ремесла. Связанное с бытом, со все растущими потребностями городского населения, художественное ремесло в изобразительном искусстве Китая появилась не только одним из самых массовых и популярных, но и одним из самых активных видов. Отличаясь присущими всему китайскому искусству чертами стиля, оно в то же время более часто видоизменялось, обновлялось и развивалось на протяжении веков.

Весь мир использует китайские вазы, чашки и другие предметы домашнего обихода. Его удивительные формы удивляют нас. И заставляют восхищаться ими снова и снова. У себя на родине китайский фарфор вместе с другими видами искусства имеет широчайшее применение. Китайская керамика используется и для облицовки скульптурных работ.

Хотя не каждый знает что китайский фарфор имеет большую историю. Он является валютой и монополией для Китая. Эта история большого человеческого труда и исканий.

Где тысячи людей, стремясь к совершенству, оставили свои труды и открытия.

Уже в древности китайцы для своих гончарных изделий употребляли сорта высококачественной глины. Однако подлинная заслуга изобретения фарфора принадлежит мастера средневекового Китая. Эпоху Тан, в период высокого расцвета всех областей китайской духовной жизни, появились первые изделия из фарфора, получившие быстрое распространение. Фарфор воспевался поэтами, почитался как драгоценность.

Производству фарфора в Китае способствовали богатые залежи необходимых для него материалов: фарфорового камня(естественного соединения полевого шпата и кварца) и местной глины - каолина. Соединение этих двух составных частей даёт необходимую пластичность и сплавляемость. Обработка фарфоровой массы очень сложна. Материалы, прежде чем смешиваться, должны пройти длительную обработку (дробление - для камня. Промывку и длительное гниение в воде - для глины). Отформованные изделия подвергаются также длительной (около года) просушке. Роспись красками, покрытие глазурью, куда для придания цвета добавляются различные окислы металлов, - это также длительный и сложный процесс, требующий великолепного знания особенностей материала, изменение красочного состава после обжига и т.д. Расписанное красками фарфоровые изделия заключались в особые капсюли и многократно обжигались при различной температуре, доходящей до 1400о. Обжиг производился в течение нескольких дней, после чего печи, представляющие собой целые сооружения, в течение нескольких дней остывали. Однако мастера должны были ходить в ещё горячие печи, где закладывались новые партии фарфора.

Это краткое перечисление процессов изготовления фарфора далеко не исчерпывает всего длительного, кропотливого и многолетнего труда, который вкладывался в каждое художественное изделие. Каждый из фарфоровых предметов Китая глубоко продуман, исполнен не как предмет ремесла, а как самостоятельное художественное произведение, выполненное с таким же вдохновением, свободой и смелостью, как и произведения живописи этого времени.

Формы тонких сосудов округлы, мягки и массивны. Особенно славится это время белоснежный фарфор, производимый в городе Синчжоу, гладкий и матовый, сохранивший монументальность древних изделий. Многие сосуды этого времени расписывались яркими цветными глазурями, куда примешивались окиси меди, железа и марганца, дававшие жёлтые, коричневые, зелёные и пурпурные сочные тоны. Но особенного разнообразия и благородства фарфор достигает XI - XIII веках.

Китайская керамика имеет также как и поэзия и живопись точку перелома в своём развитии. При тайском периоде керамика имеет разнообразную цветовую гамму. Но при суне она уже отличается простотой и скромностью. Китайская керамика имеет точные и тонкие линии и простоту цвета. Сунские мастера-керамисты были такие же поэты как и сунские живописцы, знающие секреты мастерства и природы.

Использование природных красок свойственно для этого времени. Серо-голубой и серо-зелёные цвета можно часто встретить на китайском блюде иле вазе. Мелкие трещины это не дефект мастера, а тонко продуманный шаг. Неровности глазури, засохшие капли облицовки и мелкие трещины по всей поверхности дает ощущение законченности изделию.

Минский фарфор, отличие от сунского, многоцветен. Мастера использовали его белоснежную поверхность как живописный фон, на котором подчас целые пейзажные или жанровые композиции. Многоцветная нарядность сменяет изысканную простату и нежность сунских монохромов. Сюжетов и типов росписей, так же как и красочных сочетаний, появляется очень много - сине-белый фарфор, расписанный под глазурью кобальтом мягкого и благородного типа и рисунка, богатые красками цветные глазури, трёхцветные и пятицветные и т.д. Ещё больше техник и типов фарфора появляется в XVII - XVIII веках. Появляются чёрные гладкие и блестящие сосуды, сосуды, расписанные по верху яркими и сверкающими эмалями. Вплоть до конца XVIII века, когда все остальные виды искусства уже пришли в упадок, художественный уровень китайского фарфора оставался высоким.

Виды танского и сунского прикладного искусства многообразны. В это время выделывались по образцу древности бронзовые зеркала, богато украшенные с оборотной стороны пышным рельефным узором цветущих растений, резвящихся животных, птиц и плодов. Чисто подобные зеркала изготовлялись из серебра, покрывались тончайшим слоем золота, инкрустировались перламутром и драгоценными камнями. Мебель вышивки и ткани этого времени - все предметы художественного ремесла стоят на высоком уровне искусства.

Достигшие в сунское время блестящего мастерства ткани “кэ-сы” (резаный шёлк) особенно близки живописи этого времени. Узоры этих тканей создавались по образцам известных художников. Кэ-сы отличается по виду необычайной мягкостью, нежностью, какой-то особенно драгоценной зернистой матовостью фактуры. Лёгкие птицы на ветвях, пейзажи; распускающиеся бутоны нежно-розовой сливы мэйхуа - основные мотивы, изображённые в кэ-си.

Процесс изготовления этих тканей происходит следующим образом: на станок натягивается нитяная основа, по которой в ручную ткётся поперечный узор, а затем, отдельно, фон. Каждый цвет узора, каждый тон ткётся также отдельно, благодаря чему узор как бы чуть-чуть отделён от фона откуда и происходит название (резаный шёлк).

Прикладное искусство XV - XVIII веков - это целый особый мир, куда словно перетекало живая жизнь из омертвевших живописных свитков.

В живом танце окутанные тонкими шарфами изгибаются красавицы, выточенные с фантастической виртуозностью из цельного куска розового кварца или агата, превратившегося по руками искусных резчиков в мягкий и податливый материал. Ленивые буйволы дремлют в тени дерева, пляшут захмелевшие рыбаки, идущие с рыбной ловли, бесчисленные добрые духи, демоны - покровители быта, созданные с давних пор народной фантазией, фигурируют как персонажи резьбы по дереву. Лица и фигуры этих деревянных изображений отделаны с такой свободой и непринуждённостью, будто мастер не знал никакого ограничения ни своей фантазии, ни своим техническим возможностям.

Общий объём и многообразие форм и техник прикладного искусства Китая XV - XVIII веков и их периодов роль культуре выдвигают эту область на одно из ведущих мест в искусстве Китая. Прикладное искусство как народное творчество развивает это время многие качества культуры. Его мастерство, массовость и доступность образов сделали эту область уже в давнее время всемирно известной выразительницу художественных традиций китайского народа.

Заключение

Изучение Китая началось сравнительно недавно, лишь в конце XIX века. Однако долгое время истинное лицо великой китайской культуры, вызывающей чувство глубочайшего уважения, оставалось нераскрытым. В настоящее время гигант, сбросивший с себя оковы многовекового рабства и достигший за короткие годы таких значительных успехов во многих областях, привлёк к себе внимание и величественная история, всепобеждающая сила его древней и самобытной культуры являются как бы ключом к современному Китаю. Огромный, прекрасный и ещё малоизвестный нам мир культуры Китая дополнил собой и бесконечно обогатил наше представление об искусстве. Китай сегодня осваивает бывшие многие столетия недоступным ему достижения Запада, и вместе с тем он бережно сохраняет те ценности, которые созданы трудом и талантом его народа. Настоящее этой грандиозной страны нельзя понять, не зная её прошлого.

ВВЕДЕНИЕ.

Самобытная культура Древнего Египта ("Страны Большого Хапи”) с незапамятных времен привлекала к себе внимание всего человечества. Она вызывала удивление у гордого своей цивилизацией вавилонского народа. У египтян учились мудрости философы и ученые Древней Греции. Великий Рим преклонялся перед стройной государственной организацией страны пирамид.

Неизгладимый след в истории мировой культуры оставило прекрасное и целостное искусство Древнего Египта. Чтобы лучше понять его своеобразие, надо помнить, что большая его часть возникла в связи с религиозными верованиями древних египтян.

Нам известно несколько древнейших цивилизаций планеты Земля. И обычно наше с ними знакомство начинается с удивления их произведениями искусства..
Египетская культура - целый мир, и ключ к его пониманию надо искать в его истории, это она рассказывает нам о человеке и его времени.

Минули тысячелетия, живой интерес к истории Древнего Египта отнюдь не иссяк. Напротив ! Но долгое время огромный пласт египетской истории был неизвестен людям : ученые не могли расшифровать таинственные письмена- иероглифы. . Попытки проникнуть в их тайну еще в глубокой древности , над загадкой бились и античные философы , историки , писатели . " Вырезанные на камне изображения - это магические знаки," -говорил римский поэт Лукиан , живший в I веке нашей эры . " Египетское письмо имеет символический характер . Каждый иероглиф обозначает целое слово или даже фразу ", - предполагал историк Плутарх, живший на рубеже I и II веков. Писали о египетских иероглифах и Апулей, и Геродот, и многие многие другие. Но понадобился кропотливый труд многих поколений исследователей , чтобы до конца выявить все тайны египетского письма . После дешифровки иероглифов перед нами обрисовалась во всем своем величии могучая цивилизация , процветавшая несколько тысяч лет на берегах Нила . Египтология широко открыла доступ к сокровищнице культурных ценностей , созданных талантливым и трудолюбивым народом . Мы можем сейчас по достоинству оценить огромный вклад древних египтян в развитие мировой культуры, науки и искусства.

Во всем искусстве Египта мы отмечаем величие. Архитектура здесь правит бал, и все искусства ей подчиняются, живут по ее законам спокойной органичной монументальности. Величие здесь во всем - ведь тогда не разделялись так однозначно как у нас сферы жизни на "быт" и собственно
"искусство".

Египетские мастера создали множество прекрасных, простых и величественных скульптур, ничего подобного не знала ни одна из позднейших эпох. Фараонов изображали обычно в одной и той же позе, чаще всего стоя, с руками, вытянутыми вдоль тела, и с выставленной вперёд левой ногой.
Несмотря на идеализацию, портреты верно передавали неповторимые черты человека. В изображениях простых людей было больше жизни и движения, нежели в торжественных статуях властителей. Древние египтяне не знали перспективы, дальние предметы они изображали просто над ближними. Несмотря на некоторую наивность, их рельефы и росписи подкупают тонкостью и изяществом.

Стены и колонны египетских зданий украшали рельефы и росписи, которые легко узнать по своеобразным приёмам изображения человека. Каждая часть фигуры была представлена в своём повороте так, чтобы её было видно как можно полнее. Длинными полосами следовали друг за другом серии изображений, очерченных врезанными контурными линиями и окрашенных в красиво подобранные тона; им сопутствовали иероглифы - знаки - картинки письма древних египтян.

О связи египетского искусства с письменностью нужно сказать отдельно.
Нигде больше, даже в Китае, изображения и надписи не образуют такого прочного художественного синтеза, как в Египте. И связь здесь не только декоративная, а более глубокая, обусловленная мировоззрением египтян и их пониманием искусства.

Особый расцвет египетского искусства наступил в эпоху правления фараона Эхнатона в 14 веке до нашей эры. В то время в искусстве получали отзвук и реальные события.

Благодаря верованиям и строгим правилам древнее египетское искусство просуществовало почти без изменений около двух с половиной тысячелетий. В поздний период оно подверглось воздействию искусства других народов, особенно греков, а в начале нашей эры окончательно угасло.

В Египте все виды изобразительного искусства можно назвать рожденными от архитектуры. Зодчество Египта - ведущий вид искусства, во многом определяющий характер пластики и живописи. Скульптура и настенная живопись, подчиняясь архитектуре, составляют с ней единое и органическое целое.
Развитие архитектуры и искусства в Древнем Египте находится в самой тесной зависимости от изменений в религиозных представлениях египтян о загробной жизни и об обряде погребения умершего фараона и его вельмож.
Земная жизнь и благополучие племени и всей большой страны считались напрямую зависимыми от того, как был приготовлен к смерти и как был похоронен правитель племени или страны.

Как уже было сказано выше, интерес к культуре Древнего Египта не иссякает до сих пор. Написано множество книг об истории , традициях "Страны
Большого Хапи " , о ее месте в мировой истории . Некоторые из этих книг я использовал при написании этой работы .

БЫТ ДРЕВНЕГО ЕГИПТА.

Ранним царством называют период охватывающий правления I-II династий по Манефону. Древним же царством принято считать правления III-VIII династий. Основная масса сведений об этом периоде дошла до нас в форме расписанных красками рельефов и надписей, покрывающих стены внутренних помещений гробниц вельмож Древнего царства. Основой экономики Египта в этот период было сельское хозяйство.

Как и в последующие времена, Верхний Египет - узкая долина реки в южной части страны - и Нижний Египет, главную часть которого составляла расширяющаяся к северу часть этой долины, так называемая Дельта, многорукавная, близкая к морю и потому переполненная влагой и заболоченная, были освоены неодинаково. Уже при I династии Верхний Египет в письменности обозначался иероглифом, изображавшим растение, произрастающее на полоске земли. Нижний Египет - страна болотных зарослей - обозначался кустом папируса. В эпоху развитого неолита (V тысячелетие до н.э.) египтяне научились выращивать зерновые культуры - ячмень и пшеницу-эммер, которые служили для приготовления их основной пищи на протяжении всей древнеегипетской истории вплоть до греко-римского периода. Земледельцы неолитических поселений не могли заимствовать навыки по выращиванию зерновых культур ни в Передней Азии, поскольку для эпохи неолита не установлены связи этой страны с Палестиной или Двуречьем, ни в Эфиопии, где самые древние следы земледелия датируются лишь III тысячелетием до н.э.
Поэтому ученые полагают, что земледелие в Египте развивалось самостоятельным путем. Ухудшение природных условий жизни ранних земледельцев нагорий к западу и востоку от Нила могло ускорить процесс их расселения по берегам реки и стимулировать борьбу с болотами и зарослями долины.

Усовершенствование каменных орудий труда и появление медных позволило населению изготовлять из дерева и камня гораздо большее количество орудий, необходимых для землекопных работ и вырубки зарослей (мотыг, тесел и топоров), что намного повысило производительность труда. На естественных холмах вдоль берегов Нила археологи обнаружили поселения ранних земледельцев второго додинастического периода (IV тысячелетие до н.э.), которые перешли к оседлому образу жизни. Они научились использовать паводки могучей реки для нужд земледелия путем сооружения примитивных земляных валов, удерживающих на полях естественно разлившиеся воды паводка. В результате длительного опыта осушительных работ в дельте и долине Нила, тяжким и мучительным трудом земледельцев была создана основа сложной бассейновой системы орошения. Она образовалась не сразу, а постепенно, путем сооружения земляных валов, окружающих поля, дамбы и плотины. Для создания бассейновой системы орошения, позволявшей задерживать на полях воду паводка в необходимое для посева время, наблюдательные древнеегипетские земледельцы сумели использовать особенности водного режима
Нила и характер рельефа страны. Во время регулярных ежегодных разливов Нила
(с июня по октябрь) воды паводка выходили из русла реки и заливали берега до края пустынных нагорий, которые в те времена были покрыты саванно- степной растительностью.

Для Древнего царства можно говорить уже об искусственном орошении земель, недоступных естественному паводку, путем подведения к ним воды по большим искусственно вырытым каналам. Создание ирригационной системы потребовало не только огромного труда и навыков в работе, но и большого развития знаний в области астрономии, математики, гидравлики и строительного дела. Поскольку земледелие в Древнем Египте было основано на бассейновой системе орошения, годовой цикл работ египетских земледельцев был тесно связан с водным режимом Нила. С древнейших времен земледельцы, а позднее астрономы Египта вели наблюдение за первым ранним восходом на небе звезды Пса (Сириуса), который сопутствовал поднятию вод Нила и знаменовал начало нового года. На основании этих наблюдений был изобретен сельскохозяйственный календарь. Он делился на три времени года по четыре месяца каждый: "половодье" ("ахет"), "выхождение" ("пернит") и "сухость"
("шему"). Как показывают сами наименования времен года, они соответствовали водному режиму Нила и связанным с ним сельскохозяйственным работам.
Календарный год древних египтян, состоящий из 365 дней был переходным (он расходился с астрономическим годом на 1/4 дня), поэтому времена года могли приходиться на разные месяцы. Новый год, возвещенный Сириусом, совпадал с началом их астрономического года только через 1461 год, составляющий так называемый период Сотиса (греческое название Сириуса). Примитивный, но мудрый и полезный сельскохозяйственный календарь времен года можно рассматривать как практическое руководство для различных сельскохозяйственных работ. Специальные чиновники наблюдали за уровнем подъема вод Нила во время паводка. Высоту паводка отмечали на ниломерах, установленных в разных местах реки. Результаты наблюдений сообщали верховному сановнику государства и записывали в царские летописи. Ниломеры
Древнего царства находились, вероятно, один - вблизи Мемфиса, другой - на скалах острова Элефантина, возле первого порога. Мемфисский ниломер представляет собой колодец, выложенный из одинаковых по величине квадратных камней - вода в колодце поднимается и опускается вместе с поднятием и понижением вод Нила; на стене колодца сохранились древние пометки, отмечавшие уровень подъема воды. Данные ниломеров позволяли заблаговременно предусмотреть размеры паводка, от которого зависел будущий урожай в стране.
Известия о подъеме вод Нила гонцы разносили по всей стране, чтобы земледельцы могли подготовиться к паводку. Если данные ниломера превышали обычный для того или иного времени уровень паводка, то стране грозило наводнение, при котором могли оказаться затопленными не только поля, но и селения. Этим объясняется, почему поселения в Египте ютились большей частью на холмах. Но гораздо больше бедствий стране приносил низкий паводок, при котором часть "высоких земель" (искусственно орошаемых) могла остаться неорошенной, вследствие чего ей грозила засуха, влекущая за собой неурожай и голод. С началом паводка в стране наступало великое ликование, которое воспето в более поздних гимнах Хапи, т.е. Нилу. В надписях древнего царства
Нил характеризуется как кормилец царя и людей, который "стоит во главе
Египта".

Поля обрабатывали рабы. Посевное зерно выдавалось из хозяйской житницы, и собранный хлеб был зерном, принадлежащим "личному дому" вельможи. Когда в селениях имелись крупные скотные дворы, то коровьи упряжки, на которых пахали на вельможу, принадлежали также ему, а не землепашцам.

В условиях сухого и жаркого климата в Верхнем Египте, особенно на его юге, после спада воды почва быстро высыхала, растрескивалась и на ее поверхности образовывались затвердевшие комья земли. На высоких землях, где паводок пребывал временно и недолго, почва оставалась плотной после спада воды. Новые целинные земли покрывались буйно растущими сорняками. Такие земли нуждались в тщательной подготовке, поэтому, прежде чем сеять, работники разбивали комья земли мотыгами с заостренными или лопатообразными наконечниками. За ними шел пахарь с упряжкой коров (или быков) и сохою раздвигал уже мелкие комья земли в неглубокие борозды. И только за пахарем шел сеятель с сумкой зерна, перекинутой через плечо, и, как обычно, разбрасывал высоко поднятой рукой зерно. Посеянное им зерно втаптывали в землю стада овец и баранов, за которыми еще следовала женщина с мотыгой и разравнивала почву, прикрывая посев землею, очевидно там, где это недостаточно хорошо сделали овцы. Соха и мотыга служат здесь для рыхления земли. Сохранилось изображение трех работников, разбивающих большой ком земли мотыгами: они стоят лицом друг к другу и все бьют в одно место.
Прикрывают посев опять-таки при помощи мотыги и скота. Другим способом производили посев технической культуры - льна. Но сцены, изображающие посев льна, дошли до нас только на памятниках более поздних эпох. Обработка почвы сохой и посев семян льна тоже были тесно связаны друг с другом. Семена льна сеяли всегда после обработки почвы сохой. Сеятель шел вслед за сохой и бросал семена льна не высоко поднятой рукой, как сеятель хлебного зерна, а опущенной вниз, чтобы они попадали прямо в борозду, оставленную сохой. Это делалось для того, чтобы лен вырастал рядами, - так его легче было выдергивать. Сеятелями часто были женщины и мальчики, видимо, описанный способ посева семян льна не требовал такой физической силы, как разбрасывание хлебного зерна. Посевная пора продолжалась довольно долго.
Заканчивали посев в основном уже в декабре.

Уборка урожая была для египетских земледельцев была большим событием - радостным завершением тяжелых земледельческих работ. На рельефе сельскохозяйственного календаря солнечного храма царя Ниусерра в Абусире сохранилось изображение теребления - выдергивания созревшего льна. В
Среднем Египте сбор урожая льна начинался в апреле и продолжался восемь - десять дней, так как по истечении этого времени коробочки перезревали, трескались и семена выпадали. Жатва злаковых культур - ячменя и эммера - на рельефах Древнего царства обычно изображена раздельно, что, вероятно, объясняется их созреванием в разные сроки: ячменя - в апреле, эммера - в мае. Злаки показанные на рельефах, различают по числу зерен и окраске: шестирядный ячмень окрашен в зеленый цвет, двузернянка-эммер - в красно- желтый. Однако на гробничных рельефах жатва эммера иногда изображается рядом с жатвой раньше поспевающего ячменя. При часто практиковавшемся тогда смешанном посеве ячменя и эммера последний снимали недозрелым и сушили в специальных печах.. Тут же на поле, связывают сжатые колосья в снопы.
Первый сноп и пучок колосьев жнецы несут своему господину, около которого стоит слуга с опахалом. После этого работники готовят снопы к перевозке на гумно, которое было расположено около деревни, т.е. выше поля. Чтобы не было потерь зерна, снопы упаковывали в сетки-мешки разной формы. Перевозили снопы на ослах. На гумне, изображенном в гробнице Мерерука, высятся четыре скирды, между ними находится длинный ток, по обеим сторонам которого стоит по одному погонщику скота. Токи - площадки для молотьбы. Площадка была круглой, иначе по ней не мог бы бегать свободно скот, при помощи которого велась молотьба. Слева от тока стоит важный надсмотрщик в широкой юбке до колен, опираясь руками на палку; позади него стоит его сандаленосец в набедренной повязке. Два работника, стоя по обеим сторонам копны, забрасывают на нее снопы эммера, плотно перевязанные под колосьями. Двое других работников сметают метлами зерно в большую кучу. Молотили зерно обычно быки и ослы.

В гробнице Тии показан последний процесс очистки зерна от пыли и грязи просеиванием через решето. В работе принимают участие и мужчины - они заметают метлами очищенное. Провеянное зерно измерялось и учитывалось писцами. Затем работники засыпали его в башневидные, закругленные сверху хранилища, стоявшие на фундаменте. В хозяйствах вельмож хранилища были сооружены из нильского ила (на рельефах они окрашены в серый цвет). В царских и храмовых хозяйствах их строили из кирпича-сырца. Такие зернохранилища были обнаружены археологами в припирамидном поселении царицы
Хенткавес конца IV династии. Зерно засыпали в них сверху, а вынимали через выдвижную дверцу внизу. Посевное зерно оставляли до нового сева в хранилищах устроенных на поле. Они представляли собой скирды снопов, обмазанных нильским илом и покрытых сверху стеблями папируса. Зерно засыпали и вынимали через отверстие у основания хранилища.

Так заканчивался годовой цикл ежедневных работ египетских земледельцев, которые своим тяжким трудом обеспечивали возможность жизни и труда населению всей страны. Для сельского хозяйства Египта характерны низкие темпы эволюции, медленно совершенствовалась земледельческая техника, очень низкой была степень хозяйственной самостоятельности.

РЕЛИГИЯ.

Первоначальная, или примитивная, мифология есть тот образный, поэтический язык, который употребляли древние народы для пояснения явлений природы. Всё видимое в природе принималось древними за видимый образ божества: земля, небо, солнце, звёзды, горы, вулканы, реки, ручьи, деревья
- всё это были божества, историю которых воспевали древние поэты, а образы их изваивались скульпторами. Религия египетская была собранием различных культов, которые подвергались в продолжение многих веков многочисленным изменениям. Народы всевозможных рас сошлись в долине Нила, и каждый внес в религиозные верования отпечаток своего общего характера и ума, философского или суеверного. Восток был и есть страна мечтателей и великих основателей религиозных систем. Африка же есть страна фетишизма и чистого идолопоклонства. Обитатели Центральной Африки, так называемая черная раса, всегда поклонялись хищным зверям своих пустынь. Там человек чувствовал себя несравненно ниже этих зверей, потому что они о6ладали в более высокой степени силой, проворством и ловкостью, поэтому все божества этих рас что- нибудь да заимствуют у животных. Впрочем, греки, всегда склонные искать в своих собственных мифах объяснение чужих богов, несколько иначе объясняют верования египтян и образы их богов. Вот каковы их воззрения. Во время страшной, ожесточенной борьбы олимпийских богов с великанами многие боги, спасаясь от преследований своих противников, принуждены были бежать в
Египет, приняв, для того чтобы их не узнали враги, образ или форму животных. А египтяне приняли за действительный их вид те заимствованные ими формы, под которыми они их увидали впервые. Когда же греки захотели посредством искусства изобразить египетских богов, то они их совершено преобразили, отняв у них их животный характер, который казался грекам чем- то постыдным для богов. Итак, над этими бесчисленными божествами различных форм находится один высший бог, которому поклоняются под различными именами сообразно с местностью. Этот бог, которого все священные мифы называют
“единым действительно живущим существом”, породил всех низших богов. И этот бог, не имеющий ни конца, ни начала, воплощает в себе и мужские образы, и женский, играющий роль матери, которая остается вечной девственницей, потому что сын у нее зарождается сам собой. Египетская религия, как и само царство, была не что иное, как собрание местных культов, а потому в ней встречается повторение одних и тех же идей, воплощенных в различные типы и со значительными вариантами. Но бесчисленное количество богов, которым поклонялись египтяне, не могло совершенно изгладить в них понятие о высшем и едином божестве, которое, каким бы именем его ни называли, священные мифы определяют повсюду одними и теми же выражениями, не оставляющими ни малейшего сомнения в том, что оно есть именно это высшее и единое существо. Осирис - бог солнца, Исида - его сестра и супруга, и Гор - их сын. Об этих богах сложились мифологические легенды, пересказанные нам греческими писателями, и эти мифы как бы являются символами борьбы солнца и мрака, света и тьмы. Подробности этих легенд, или, лучше сказать, греческих пересказов, интересны уже тем, что объясняют нам множество Эмблем и символов, часто встречающихся на памятниках египетского искусства. Исида первая дала людям рожь и ячмень, а Осирис - изобретатель земледельческих орудий - основал общество и общественную жизнь, дав людям законы, он же научил их собирать жатву. Затем, желая распространить на всех свои благодеяния, он странствует по всему свету, покоряя людей не грубой силой, а чарами музыки. В его отсутствие брат его коварный Тиф он, или Сет, олицетворяющий бесплодность пустыни, хочет царствовать на его месте, но все планы злодея разбиваются о силу воли и стойкость Исиды. Осирис возвращается. Тифон делает вид, что обрадован возвращением брата, но в сообществе с Азо, царицей эфиопов, этих исконных врагов Египта, приглашает он Осириса на пир, где его ждет погибель. Во время пира приносят великолепный гроб, вызывающий восторженные похвалы пирующих. Египтяне очень заботились о своих гробах и часто еще при жизни заказывали себе роскошные гробы, чем и можно объяснить это сказание о хитрости, употребленной
Тифоном. Тифон объявляет, что подарит гроб тому, кто в нем свободно поместится, гроб был заказан им по мерке брата. Все присутствующие пробуют поместиться в нем, но напрасно. Наступает очередь Осириса: он, ничего не подозревая, ложится в него, а Тифон и его сообщники захлопывают крышку, заливают ее свинцом и кидают гроб в Нил, откуда он через одно из устьев реки попадает в море. Таким образом, погиб Осирис после двадцативосьмилетнего царствования. Лишь только умирает Осирис, вся страна оглашается жалобными криками: до Исиды доходит печальная весть о гибели супруга; она облачается в траурные одежды и отправляется искать его тело.
Она находит гроб в тростниках близ Библа, но, пока она отправляется за сыном Гором, Тифон овладевает телом Осириса, разрезает его на четырнадцать частей и кидает куски во все рукава Нила. Согласно преданиям, Осирис, прежде чем стать богом, царствовал в Египте, и память о его благодеяниях заставила его отождествить с принципом добра, тогда как его убийца отождествляет зло. Эта же легенда имела и, другое религиозное, моральное, объяснение: Осирис есть заходящее солнце, убиваемое или поглощаемое темнотой-мраком. Исида - Луна вбирает в себя и хранит, сколько может, лучи солнца, а Гор - восходящее солнце - мстит за отца, рассеивая темноту. Но если солнце есть видимое проявление Осириса, то добро есть его нравственное проявление; когда заходящее солнце умирает, оно вновь появляется на горизонте в образе Гора - сына и мстителя Осириса. Точно так же добро, погибающее под ударами зла, появляется вновь в образе торжествующего добра, в образе зла, победившего зло. Осирис олицетворяет заходящее, ночное солнце, поэтому он председательствует в подземных странах, судит умерших, и присуждает награды праведным и кары грешным душам. На земле долина Нила принадлежала добрым богам - Исиде и Осирису, тогда как бесплодная и жгучая пустыня, а также зловредные болота Нижнего Египта - владения злого Тифона.
Земледельческие племена, населявшие долину Нила поклонялись Апису, этому воплощению Осириса в образе быка - символа земледелия, и бык был посвящён
Осирису. А кочующие племена пустыни, всегда презираемые оседлыми жителями городов, употребляли для верховой езды осла , и осел - животное , посвященное Тифону. Но так как губительные испарения болот являются так же произведением злого духа, то их воплощали в крокодиле, животном, а также посвященном Тифону. Гор не убил Тифона, потому что зло продолжает существовать на земле, но он ослабил его и тем упрочил победу божественного закона над беспорядочными силами природы. Осирис часто изображался в виде мумии; его обычные атрибуты - крюк или кнут, символ власти, и эмблема Нила в виде креста с ушком наверху; это впрочем, отличительный признак всех египетских богов и называется многими учёными - исследователями мифологии ключом Нила. Иногда же Осирис изображается с головою быка . Исиду часто смешивали в искусстве с более древней египетской богиней Хатор, олицетворявшей небесное пространство, по которому движется солнце; изображение этой богини сохранилось на капителях храма в Ден-дере; это голова с коровьими ушами, на которой возвышается здание - символ вселенной; она как бы стоит на богато украшенной чаше, символе влаги, без которой ничто не могло бы существовать на земле. Отличительные признаки
Исиды - диск, двойная корона, означающая владычество над Верхним и Нижним
Египтом, и рога на голове. Когда Гор, победив Тифона, привел его к ней в оковах, Исида по своей доброте простила его: тогда разгневанный Гор лишил ее короны и заменил ее рогами. Богиня точно так же изображалась очень часто с головою коровы; вот почему греки отождествляют ее с нимфой Ио, превращенной Юноной в корону. На одной из древнейших статуй изображена
Исида с головою коровы, кормящая грудью Гора. В честь этой богини были установлены празднества, известные под названием таинств Исиды, в них принимали участие только жрецы и посвящённые. Так как все объяснения египетских мифов греки основывают исключительно на соотношении с греческими мифами, то можно предполагать, что Тифон, временно побеждающий Осириса, есть тот же великан Тифон, также временно победивший Юпитера. Надо было измыслить миф, объясняющий происхождение и рождение египетских богов; для богатых воображением греков это было делом нетрудным. Они придумали следующее: Осирис и Исида - дети бога Солнца; этот бог, разгневанный на жену за ее измену, объявил, что у нее не могут родиться дети ни в один из трехсот шестидесяти дней в году (тогда в году считалось триста шестьдесят дней). Меркурий, считал себя слегка виновным в измене богини, захотел исправить причиненное им зло, но так как ни один бог не может изменить того, что решил другой, то он, по своему обыкновению, пустился на хитрость: он предложил Луне сыграть с ним в кости, выиграл у нее семидесятую часть ее света и сотворил из этой части пять дополнительных дней в году. В эти-то пять дополнительных дней и родилось пять главных египетских богов: Осирис,
Исида, Тифон, Гор и Нефтида. На памятниках искусства Осирис является преимущественно в сценах, изображающих похоронные церемонии и суд над умершими. Исида и Гор фигурируют главным образом во всех явлениях обыденной жизни и во всех сценах, имеющих какое-либо отношение к земледелию. В день рождения Гора, совпадающий с самым коротким днем в году и с цветением лотоса, Гор называется Гор-па-хердом и тогда изображается в виде слабого ребенка, сидящего на цветке лотоса; он держит палец у рта, и вот почему его статуи долгое время принимались за изображение бога молчания. На одном из барельефов храма в Гермополисе изображен Гор, выходящий из цветка лотоса, эмблемы Нила и вечной жизни; волосы молодого бога заплетены наподобие бараньих рогов, в руке он держит плеть - символ власти; Исида сидя протягивает ему руку, как бы помогая ему выйти из цветка; позади Гора стоит
Нефтида, она дотрагивается до его головы ключом Нила . На многих памятниках
Исида изображена кормящею грудью Гора, достигшего уже юношеского возраста.
В храме города Фил был найден барельеф, представляющий жреца, приносящего жертву Исиде в виде цветов лотоса; богиня кормит грудью Гора, стоящего подле нее; две богини сидят позади Исиды: одна держит зубчатую линейку - эмблему разлива Нила (она как бы отмечает подъем воды), а другая держит скипетр, оканчивающийся лотосом, и ключ Нила . Другое скульптурное произведение, найденное в том же храме, изображает женщину, поющую священный гимн перед Исидой и Гором; она аккомпанирует себе на арфе, украшенной всеми атрибутами Исиды; Гор держит в одной руке ключ Нила, а палец другой руки подносит ко рту. Осирис был главным богом всего Египта, а потому вокруг его имени группируются почти все мифы и аллегории египетской религии. «Вся человеческая жизнь, - говорит Мариэтт - уподоблялась древними египтянами тому пути, который солнце пробегает по небесному своду, заходящее солнце, исчезавшее за горизонтом, казалось им образом смерти.
Лишь только наступал торжественный момент смерти для какой-нибудь души на земле, Осирис должен был провести ее к жизни вечной. Он отождествляется с нею, проходит с нею вместе через все испытания, назначенные этой душе для очищения ее от греха; он же смягчал суровых привратников ада и боролся с чудовищами, обычными спутниками мрака и смерти. Наконец, он же, победив мрак с помощью восходящего солнца - Гора, восседал в страшном судилище смерти и открывал очистившейся душе врата вечного жилища, и блестящее утреннее солнце, появлявшееся с рассветом на горизонте, являлось символом этого второго рождения к жизни вечной, не знающей больше смерти». Осирис, по мнению египтян, желая дать людям видимый образ своего присутствия среди них, воплощается в быка Аписа. Когда в священных коровниках Мемфиса появлялся на свет теленок с особенными священными приметами, жрецы тотчас же объявляли о милостивом воплощении Осириса, и повсюду это известие вызывало народную радость и веселье. Когда Апис умирал естественной смертью, его с большою пышностью хоронили в подземельях храма Серапеума, развалины которого теперь найдены. Если же Апис достигал двадцати восьми лет, число лет Осириса, его убивали. Голова Аписа должна была быть черной с белым треугольником на лбу; туловище белое, но с черными пятнами определенной формы. Богиня Нефтида, которую греки отождествляли с Венерой, была супругой и вместе с тем сестрой Тифона, но она предпочла другого брата, мягкого и доброго Осириса, и от союза с ним у Нефтиды родился сын
Анубис, или Инпу, бог с головою шакала, хранитель мумий. Когда Осирис был убит Тифоном, Анубис его бальзамировал. На одной из фараоновых гробниц в
Фивах изображён Анубис, исполняющий свои печальные обязанности. Он стоит подле ложа, на котором лежит мумия. Под ложем стоят четыре сосуда: у первого вместо крышки - человечья голова, у второго - голова обезьяны- павиана, третий - с головой шакала и четвертый - с ястребиной головой. Эти головы являлись воплощением второстепенных божеств, на обязанности которых лежало охранение внутренностей умерших, положенных в эти сосуды. Это изображение встречается очень часто на многих надгробных памятниках. У греков обязанность сопровождать души в жилище смерти выпала на долю
Меркурия, а потому греки отождествляли его с Анубисом. Тот - бог с головою ибиса олицетворяет божественный разум, который сотворил всю Вселенную. Он по преимуществу бог письмен, поэтому он также отождествляется с Меркурием.
Ом же - организатор мира, разогнавший первобытный мрак, и он же рассеивает потемки души, т.е. невежество и дурные мысли - этих вечных врагов человечества. Ибис и обезьяна - кинокефал, или павиан - посвящены этому богу. Ибис - птица, появляющаяся в Египте перед разливом Нила; следовательно, она, по египетским понятиями знает и предвидит будущее.
Кроме того, когда эта птица ест, ее клюв образует вместе с лапами равносторонний треугольник, поэтому ибис олицетворяет геометрию и все науки, основанные на ней, и вот почему ибис посвящен Тоту, богу божественного разума. В обязанности этого бога входило наблюдение и определение той высоты, до которой должен был подниматься Нил во имя разливам, отчего зависело плодородие в Египте и вместе с тем и существование его обитателей. На одном из барельефов в храме города Фил изображен жрец или важное лицо просящее богов о благополучном разливе
Нила. На этом барельефе бог Тот изображен с головою ибиса, он держит в одной руке зубчатую линейку - символ разлива Нила, а в другой - тростник, которым собирается отметить подъем воды. Иногда же Тот изображался в образе обезьяны павиана, пишущего на табличках. Египтяне верили в бессмертие души; это была с незапамятных времен главная доктрина египетской религии.
Благодаря ней установились все своеобразные похоронные обряды и обычаи, а также и все эмблемы, изображавшиеся на гробах и надгробных памятниках. Эта была эпоха возведения великих пирамид, эпоха сложения основных видов древнеегипетского искусства, его стилистических особенностей. Главной из них была строгая система композиционных и иконографических правил, получивших название “канона”. В древнеегипетском искусстве каноны не менялись на протяжении многих столетий. Пирамиды и храмы сооружались как усыпальницы . В гробницы помещали портретные статуи в качестве нетленных двойников покойных , убежищ для их бессмертных душ - “ка”. Внутри стены гробниц обильно украшались росписями и рельефами, прославлявшими владельцев и рассказавшими об их подвигах в жизни. Бессмертие было обещано тем душам, которые Осирис, верховный судья, признает праведными. Эти души должны были вернуться в их телесную оболочку и оживить ее новою жизнью, не знающей смерти. Души же грешных подвергались вторичной смерти, за которой следовало небытие. Вся эта доктрина о бессмертии души ясно изложена в египетском похоронном требнике. Эта священная книга, которая должна была находиться в каждом гробу, состояла из гимнов, молитв и разных похоронных обрядов. Глава вторая этой книги вся посвящена жизни, начинающейся после смерти, а глава сорок четвертая ясно и определенно говорит о том, что эта новая жизнь будет бессмертна. Этот-то принцип вместе с санитарными мерами, обусловленными климатическими требованиями страны, ввел обычай бальзамирования тела для сохранения его от разложения и порчи, или же для того, как говорит текст требника, «чтобы душа могла вновь соединиться со своим телом». На одном надгробном памятнике в виде столба (стела) в
Булакском музее умерший, представ перед Верховным Судьёю, говорит следующее, как гласит надпись: «Я привязан к богу моей любовью, я накормил голодающего, подал воды жаждущему, одел лишенного одежды и приютил бесприютного». Эти слова, в которых выражено стремление к высшему нравственному совершенству, являются на этом памятнике не случайным единичным явлением, говорит Мариэтт, а встречаются весьма часто на надгробных памятниках, так что их можно считать обычной повседневной молитвой. Бог Тот изображался всегда в сценах суда над душами и встречается очень часто на надгробных памятниках. Он часто изображался с богиней Пахт, или Сехмет, богиней с львиной головой. Иногда, впрочем, она изображалась с головою кошки, потому что Пахт, богиня правосудия, становится злобной львицей для грешников, для праведных же она является такою же ласковою, как кошка. Душа умершего представала перед судьями, помощниками далекого Осириса; они ее допрашивали; затем на весах взвешивалось все добро и зло, содеянное этой душой, и бог Тот записывал решение, а Осирис выносил приговор. Иногда наказание состояло в том, что душа должна была воплотиться в тело какого-нибудь нечистого животного, например в свинью, и священная лодка отвозила эту душу уже к образе животного на землю среди живущих. Затем для этой души вместе со второй смертью наступало небытие, потому что, по мнению египтян, бессмертие души приобреталось или утрачивалось человеком сообразно с его жизнью и поведением на земле. Хотя
Осирис, Исида и Гор - главные египетские боги, но Мемфис и Фивы, бывшие долгое время столицами двух отдельных царств, имели особенных богов, которые потом смешались и соединились в египетской мифологии. Птах был главным богом Мемфиса; он обыкновенно изображался в виде мумии с обритой головой. Он назывался богом «с красивым лицом, богом, придающим новую жизнь или новые формы». Птах есть то божество, которое снабдило бога Ра, сотворившего
Вселенную, всеми элементами, из которых составился мир. Он часто изображается с символом воскресения на голове - это скарабей, или навозный жук, - и попирает ногами крокодила, символ мрака. Амон является высшим божеством Фив; греки отождествляли его с Юпитером. Он главный деятель в природе и главная причина, заставляющая природу вечно возобновляться. Так как для Египта высшее проявление могущества этого бога заключалось в размножении стад, то Амон чаще всего изображался в виде барана, и вот почему в Фивах к храмам, посвященным этому богу, вели дорожки, украшенные по обеим сторонам бараньими головами. Это животное было ему посвящено и - чаще всего приносилось ему в жертву. Когда Амон олицетворял живительную теплоту солнца, он назывался Амон-Ра. Его супруга - богиня Мут - называлась царицей неба и владычицей ночи, она же была матерью восходящего солнца.
Обычная одежда Амона - короткая туника, подпоясанная кушаком, его головной убор - красная корона с двумя большими черными перьями. Богиня Мут всегда изображалась с двойной короной (пшент)-- эмблемой господства над Верхним и
Нижним Египтом. Её отличительный признак - ястреб, символ материнства.
Египтяне полагали, что все ястребы - самки, и поэтому считали его символом материнства.

Нил есть только видимое воплощение Амона, которому Египет обязан своим плодородием. Бог тогда назывался Амоном-Нилом или Кнуфисом. На одном античном барельефе в храме Дендеры Амон-Кнуфис изображен с бараньей головою, украшенною перьями; он с распущенными крыльями и держит в одной руке ключ Нила, а в другой - парусное судно. Многочисленные памятники
Египта изображают этого бога как повелителя Нила, регулирующего разлив его вод. На одном барельефе в городе Филах изображен египетский фараон Птолемей
III Евергет, приносящий жертву Амону-Кнуфису. Этот бог, по обыкновению, окрашен в голубую краску, его баранья голова ещё украшена козлиными рогами, символом размножителя, диском и солнечными лучами; он держит в руке ключ Нила и жезл милостивых и добрых богов; за ним сидит его супруга, окрашенная в красную краску: на голове у нее рога, а в руках жезл с цветком лотоса, отличительный признак египетских богинь, и ключ Нила.
Египетские фараоны часто отождествлялись с восходящим солнцем и получали тогда титул сынов Амона. Александр Великий, говорит один из исследователей
Древнего Египта, будучи умным и хитрым политиком, прекрасно понял, что самый лучший способ упрочить свою власть над Египтом и приобрести популярность заключался в том, чтобы воспользоваться некоторыми религиозными предрассудками, упроченными веками; поэтому он отправился в оазис Амона, где находился главный храм и оракул этого бога. Оракул провозгласил его сыном Амона, или солнца, и с тех пор он является в глазах египтян воплощением солнца, которому они должны были, по своим верованиям, повиноваться беспрекословно и безропотно. Его потомки Птолемеи продолжали следовать его примеру, отправляясь в храм Амона за почетным в той стране титулом - “сын солнца”.

Диодор Сицилийский упоминает в своих сочинениях о праздниках и торжественных шествиях, во время которых изображение бога Амона несли в священной лодке. “Статуя бога, говорит он, покрыта изумрудами и другими драгоценными украшениями. Восемьдесят жрецов несут ее в золотой лодке на своих плечах; их сопровождают толпы женщин и молодых девушек, поющих священные песни и стихи”. “Египтяне, говорит Плутарх, уверяли, что солнце и луна не ездят на колесницах, как то полагали греки, а только в лодках, в которых они плавают вокруг земли”. И действительно, греки всегда изображали солнце под видом юноши, голова которого окружена лучами, едущим на колеснице, которой он управляет, тогда, как египтяне всегда изображали солнце едущим в лодке. Обыкновенно посредине священной лодки находилось изображение бога, скрытого от глаз толпы занавесками или дверцами; всевозможные эмблемы, изображение второстепенных богов и священных сосудов покрывали нос и корму лодки. Символические лодки, изваянные на стенах храмов, - копии тех священных лодок, которые несли жрецы на плечах во время шествия. Эти лодки были украшены драгоценностями и делались из дерева редких пород, слоновой кости и даже золота и серебра; они все походили друг на друга и отличались только атрибутами и эмблемами. В храме города Фил находится изображение символической лодки, посвящённой Исиде; её несут на плечах жрецы; нос и корму лодки украшают головы Исиды, а над лодкою изображён диск, окружённый лучами, - символ движущегося солнца. На стенах
Карнакского храма изображена такая же священная лодка; она плавает по Нилу; украшающие её бараньи головы указывают на то, что она посвящена Амону, главному божеству Фив. Но эта лодка не сама плавает по священным водам: её тащит другая, более скромная лодка; она украшена цветами лотоса, и у неё голова ястреба - перелётника (сокол) - символ восходящего солнца .Каждому почти египетскому богу придавали, таким образом формы, и каждому из них посвящено было таким образом какое-нибудь животное. Итак, мы познакомились с богами древнеегипетского мира, оставившими о себе память своими делами или мыслями. Это были мужчины и женщины , счастливые и несчастливые, глупые и мудрые , преступники и жертвы . Но все вместе они составляют мифы и легенды , которые объясняют нам некоторые явления природы . Таким образом мифология является одной из самых важных и интересных наук.

АРХИТЕКТУРА.

Искусство древнего Египта в большей степени, чем какого-либо другого периода художественного творчества, является отражением конкретной, реальной действительности на разных этапах ее исторического развития. Это касается не только изобразительного искусства, но и архитектуры. Древние египтяне считали земную жизнь всего лишь кратким эпизодом вечного существования. Именно поэтому для строительства домов, резиденций вельмож и царских дворцов они употребляли не слишком прочные материалы, а прежде всего сырцовый кирпич. Иначе выглядело дело с сооружением жилищ для бессмертной души фараона и знати, которые также как и храмы богов сооружались из камня. О прочности этих построек, устоявших наперекор времени и систематическим разрушениям, свидетельствуют сохранившиеся до нынешнего времени памятники.

Пирамиды и Сфинкс, который впрочем также входит в состав погребального комплекса пирамиды Хефрена, принадлежат к наиболее характерным монументальным памятникам древнего Египта. Пирамиды были классическим типом царской усыпальницы в эпоху Древнего царства, а в менее монументальном виде, сохраняя свою внешнюю форму, возводились также для фараонов Среднего царства. Древнейшим видом гробниц царей Египта, возникшим до пирамид, были мастабы. Слово «мастаба» относится уже к арабскому времени и связано с тем, что форма этих трапециевидных в разрезе гробниц напоминала арабам большие скамьи, называвшиеся «мастаба». Общего названия пирамид в нынешнем значении этого слова у египтян не было. Отдельные пирамиды носили названия, связанные с именами фараонов, которым они принадлежали и в написании оканчивались знаком ,. Пирамида Хеопса называлась, например, «Гор обитает на горизонте», Хефрена — «Велик Хефрен», а Микерина — «Божественен
Микерин». Возможно, что греческое слово «пирамида» происходит от египетского выражения per-em-us т.е. от термина, означавшего высоту пирамиды. Выдающийся русский египтолог В. Струве полагал, что греческое puram…j происходит от древнеегипетского p'-mr.

Древнейшие царские гробницы, относящиеся ко времени 1 династии, имели форму мастаб и сооружались из кирпича-сырца. Они строились в Нагада и
Абидосе в Верхнем Египте, а также в Саккаре, где находился главный некрополь Мемфиса, столицы правителей первых династий. В наземной части этих построек находились молельни и помещения с погребальным инвентарем, в подземной — погребальные камеры. Особого внимания заслуживают остатки двух царских мастаб в Нагада и Саккаре с архитектурной обработкой фасадов.
Первая из них, относящаяся ко времени 1 династии, открытая французским ученым Жаком де Морганом, имеет фасад, расчлененный выступами, напоминающими фасад царского дворца. Вторая — мастаба Анджиба в Саккаре, называемая также мастабой Небетки, сооруженная также в период 1 династии, первоначально имела с трех сторон ступенчатую форму, а с четвертой — вид вертикальной стены. В позднейший период мастаба Небетки была значительно расширена, а ее наружная стена была украшена выступами, напоминающими обработку фасада мастабы из Нагада. Ныне считается, что мастабы типа гробницы Небетки послужили образцом для Имхотепа, строителя знаменитой ступенчатой пирамиды Джо-сера, второго правителя III династии. Деятельность
Имхотепа, который был верховным сановником и начальником всех строительных работ Джосера, ценились уже в древнем Египте. В позднейшее же время Им- хотепа считали прорицателем, покровителем науки и медицины, а греки отождествляли его с Асклепием.

Комплекс наилучшим образом сохранившихся мастаб тинитских династий, а также пирамид эпохи Древнего царства, находится на территории крупнейших царских некрополей на западном берегу Нила, в пустыне, в районе древней столицы Египта — Мемфиса. Эти некрополи ныне носят названия расположенных здесь арабских селений, таких как Абу-Роаш, Гизэ, Саккара, Дашур, Медум.
Они тянутся начиная от Дельты Нила вдоль его западного берега в сторону
Фаюмского оазиса — района, где позже сооружались пирамиды фараонов Среднего царства, расширившие территорию царских некрополей в южном направлении. В процессе археологических изысканий, проводимых в 1932—1956 годах английскими учеными С. Фэрсом и У. Эмери, в Саккаре было открыто четырнадцать больших мастаб. По мнению Эмери, это были гробницы правителей
1 династии, таких как Гор-Аха, Джер, Уаджи и царь Ден.

Трудность определения, были ли эти гробницы действительным местом погребения царей, заключается в том, что их же гробницы, меньшие по размерам, но похожие по конструкции, находились также и в Абидосе, где при некоторых из них были обнаружены царские стелы. Факт, что каждый фараон имел две гробницы — одну в Нижнем, другую в Верхнем Египте, кажется нам вполне понятным, поскольку непосредственно после объединения страны двуединый характер египетского государства по-прежнему отражался в титулатуре фараонов, в знаках их власти, а также в организации государственных учреждений. Нельзя, однако, утверждать с полной уверенностью, что гробницы в Абидосе имели характер кенотафов. Точное определение места погребения фараона затрудняет также факт существования на территории самой Саккары двух или даже трех мастаб, приписываемых одному и тому же фараону. Тем не менее, если даже открытые Эмери мастабы не были царскими усыпальницами, значение его открытия заключается в том, что найденные в них печати, а также надписи на предметах погребального инвентаря, позволяют установить точную датировку этих построек. При III династии некрополь в Саккаре обогатился новым, доминирующим архитектурным комплексом, каким стала знаменитая ступенчатая пирамида Джосера вместе с ее погребальным ансамблем. Археологические изыскания велись здесь уже с начала
XIX века. Пирамида в процессе строительства неоднократно расширялась — окончательная площадь, которую она занимает, имеет размеры 140 х 118м; высота пирамиды достигала около 60 м.

Первоначально вход в пирамиду с ее северной стороны вел по лестнице вниз. Второй вход находился в полу заупокойного храма, примыкающего к пирамиде также с северной стороны. У ее восточной стены находился сердаб, выстроенный из блоков известняка, близких по размерам к блокам, которым была облицована пирамида. В сердабе была найдена статуя сидящего фараона, находящаяся ныне в собрании Египетского музея в Каире. Погребальная камера помещалась под первоначальной мастабой, примерно по середине и, таким образом, к югу от центра позднейшей пирамиды. Возможно, что внутри этой камеры, выложенной красным гранитом, находился деревянный саркофаг. К востоку от склепа были открыты два помещения, облицованные великолепными голубыми фаянсовыми плитками, часть которых ныне хранится в каирском музее.
Под пирамидой были обнаружены также подземные галереи с двумя алебастровыми саркофагами, кроме этого, там было найдено 30 000 каменных сосудов, многие из которых были разбиты камнями обрушившегося потолка коридора.
Целый погребальный комплекс пирамиды Джосера занимал площадь в 500 х 280м и был окружен расчленненой выступами стеной, напоминавшей стены крепостных сооружений. Кроме одного настоящего входа, эта ограда имела тринадцать ложных дверей.

Наиболее знаменитый комплекс царских пирамид времени IV династии находится подле нынешнего селения Гизэ. Этот некрополь египтяне называли—
«на склоне высоты». Три знаменитые пирамиды — усыпальницы Хеопса, Хефрена и
Микерина являются классическими примерами такого рода сооружений. Их строители вполне овладели техническими и декоративными возможностями камня
— нового материала, введенного в монументальное строительство. Форма этих пирамид берет свое начало в архитектуре Имхотепа, а одним из этапов ее формирования была находящаяся в Медуме многократно перестраивавшаяся пирамида Снофру, первого фараона IV династии (или его отца Хуни).
Грандиозную пирамиду Хеопса греки считали позже одним из семи чудес света.

Когда наклонную плоскость, сооруженную строителями пирамиды Хеопса для подъема камня, переделывали в пандус, ведущий из нижнего храма Хефрена в верхний, в ее самом начале была оставлена грандиозная глыба известняка, напоминающая силуэт лежащего льва. Эта скала была остатком каменоломни, откуда доставлялся строительный материал при сооружении Большой пирамиды.
Именно таково, по мнению египтологов, происхождение Большого сфинкса.
Естественной скале был придан вид львиной фигуры, имеющей 57 м длины и 20 м высоты, с портретной головой Хефрена в традиционном головном уборе — царском платке.

Таким образом возник символ стража храма, о распространении культа которого свидетельствуют некоторые мотивные стелы, найденные в Гизэ.
Таинственный образ сфинкса, обращенного лицом к восходящему солнцу, на протяжении столетий возбуждал беспокойные умы и был предметом самых разнообразных фантастических толкований. Сфинкс стал синонимом загадочности и таинственности, а некоторые утверждают, хотя это и сомнительно, что первоначально облицованный гипсом Сфинкс имел женскую грудь. Археологу приходится опровергать эти занимательные и романтические толкования, а поэтому и Сфинкс разделил участь Большой пирамиды, становясь для нас конкретным археологическим памятником, документом определенного этапа египетской цивилизации — времени царствования фараона Хефрена.

Пески пустыни уже в древности засыпали Сфинкса и со временем на поверхности виднелась только одна голова. По всей вероятности он давно выглядел таким, каким увидели его солдаты армии Бонапарта и каким запечатлел его Денон. Сфинкс расчищался от песка при Тутмосе IV, который создал между его лапами нечто вроде молельни, посвященной памяти своих покойных предков. Этот же фараон приказал построить вокруг Сфинкса стену из кирпича-сырца. Песчаные бури, однако, по-прежнему засыпали каменную статую, которую неоднократно приходилось расчищать и позже. Популярность культа сфинкса выразилась в эпоху Нового царства в широком распространении его скульптурных повторений. В частности, сооружались целые аллеи сфинксов, ведущие к храмам.

Приемники Хеопса Хефрен и Микерин тоже выстроили себе великолепные пирамиды, хотя уже меньшие по размерам.
С восточной стороны пирамиды Хефрена, на продолжении ее оси, находится верхний заупокойный храм, имеющий в плане форму вытянутого прямоугольника, занимающий площадь 112 х 50м. Его задняя стена примыкает к стене, окружающей пирамиду. Мы имеем здесь дело со сложившимся типом заупокойного храма эпохи Древнего царства, состоящего из двух основных частей — первое, доступной для верующих и второй, куда допускались лишь избранные.

Пандус, соединявший верхний храм с нижним, при разнице уровней, составлявшей более 45м, имел длину 494м, а ширину 4,5м. Частично высеченный в скале он был выложен внутри плитами известняка, а снаружи гранитом.
Первоначально это был по-видимому крытый коридор, освещавшийся через отверстия в потолке. Не исключено также, что его внутренние стены были некогда украшены рельефами.

Одним из наиболее великолепных и хорошо сохранившихся монументальных сооружений Древнего царства является нижний храм Хефрена. Этот храм, имеющий в плане форму квадрата со стороной 4,5м, построен из больших блоков гранита. Его стены имеют легкий наклон и в связи с этим он производит впечатление огромной мастабы, в особенности со стороны фасада. Перед храмом находилась пристань, куда присаливали ладьи, плывущие по каналу со стороны
Нила. Два входа в храм стерегли, по-видимому, четыре сфинкса, высеченные из гранита. Посередине храма помещалось нечто вроде наоса, где возможно находилась статуя фараона. От обоих входов отходили узкие коридоры, которые вели в гипость с шестнадцатью монолитными столбами из гранита. В этом зале, имеющем форму перевернутой буквы Т, стояли двадцать три статуи сидящего фараона, выполненные из алебастра, сланца и диорита. Стоит обратить внимание на цветовую игру полированного красного гранита, контрастирующего с алебастровыми плитами пола, а также на эффекты светотени в гипостиле.
Этот зал, ныне лишенный перекрытия, освещался первоначально с помощью небольших отверстий в потолке, через которые проходил свет, падающий отдельно на каждую статую. Третьим монументальным сооружением комплекса в
Гизэ является пирамида Микерина. Как и предыдущие пирамиды, она имеет в плане квадратное основание, каждая сторона которого равна 108,4 м.
Первоначально пирамида достигала в высоту 66,5м, а угол наклона ее стен составлял 51°. Интересно, что для строительства этой наименьшей из трех пирамид были употреблены наиболее крупные по величине блоки. Нижняя часть гробницы была облицована гранитом, в большинстве своем не полированным, а ее верх — белым известняком из Туры. В 1837 году английские исследователи
Перринг и Визе обнаружили в погребальной камере этой пирамиды великолепный царский саркофаг из базальта, наружные стенки которого были обработаны наподобие фасада дворца. Как известно, этот саркофаг потонул во время его перевозки в Англию; сохранился, однако, его рисунок. Микерин имел не только наименьшую пирамиду, но также и наименее монументальный погребальный комплекс по сравнению с ансамблями его предшественников. Не подлежит сомнению, что при жизни этого фараона его постройки не были еще окончены.
Их завершил преемник Микерина Шепсескаф, употребляя при этом уже худший по качеству строительный материал. Стены, возведенные из известняковых блоков, были облицованы кирпичем-сырцом и покрыты белым раствором. К югу от третьей пирамиды находятся три связанные с нею небольшие пирамиды, окруженные общей стеной. Площадь основания каждой из них по величине равна 1/3 площади основания пирамиды Микерина. Принято считать, что в этих пирамидах были похоронены жены фараона. В одном из помещений, связанных с пирамидой
Микерина, американский археолог Райзнер открыл во время раскопок четыре скульптурные группы из сланца, называемые ныне триадами Микерина. Три из них находятся ныне в Каире, одна в Бостоне.

Прошли тысячелетия, а Монументальный царский некрополь в Гизэ устоял наперекор пескам пустыни и разрушительной деятельности человека. До настоящего дня он является наиболее грандиозным археологическим комплексом
Египта, свидетельствующим не только о могуществе правителей Древнего царства, но одновременно о смелой мысли тогдашних архитекторов, а также о неповторимом мастерстве каменщиков и рабочих.

Наибольшее количество памятников наряду с некрополем в Гизэ принесли раскопки мастаб в северной части Саккары. К ценнейшим произведениям искусства принадлежат рельефы на дереве, обнаруженные в гробнице писца
Хесира, относящейся к эпохе III династии. Его портрет является одним из наиболее ранних классических примеров канона в изображении человеческой фигуры в барельефе. Среди других памятников, датируемых временем IV династии, обращает внимание скульптурная группа, изображающая Неферхотепа и его жену. К известнейшим произведениям египетского искусства принадлежит скульптура сидящего писца со свитком папируса на коленях (V династия), а также серия статуэток из известняка, изображающих людей, занятых физическим трудом — например, фигурка женщины, растирающей зерно. В гробнице вельможи
Каапера была найдена известная реалистическая скульптура из дерева, получившая название «сельский староста» (по-арабски Шейх-эль-Белед). В мастабе Ти, стражника пирамид и надгробного храма фараона Сахура, были обнаружены прекраснейшие рельефы, изображающие сцены из жизни Ти, а также различные хозяйственные работы, выполняемые в его владениях. К наиболее известным сценам относятся: Ти, охотящийся с лодки, кормление гусей, перевозка и полировка статуй, повара и пекари за работой, жатва и молотьба, строительство лодки, мясники, ловля рыб сетью, охота на гиппопотама и доение коров. В северной части некрополя заслуживают внимания также мастабы времени V династии: Птаххотепа, крупного чиновника времени Асеси, Птах- хотепа II, инспектора жрецов, Ахутхотепа, стражника Города пирамид, а также открытая в 1966 году мастаба сановника по имени Нефер и его жены Хонсу с прекрасно сохранившимися раскрашенными рельефами. Мастабы вблизи пирамиды
Тети имеют целую систему молелен и коридоров в надземной части гробницы.
Среди наиболее крупных выделяется мастаба визиря Мерерука, являющаяся местом погребения визиря, его жены и сына Мери-Тети.

В царском некрополе в Гизэ также были обнаружены великолепные памятники скульптуры, изображающие как фараонов — например, статуя Хефрена из диорита или упомянутые выше триады Микерина, так и простых людей, занимающихся различными занятиями; из числа последних стоит отметить хотя бы известную статуэтку пивовара. В исследование мастаб внесли свой вклад и участники польских археологических экспедиций. Во время трехлетних раскопок в Эдфу, в Верхнем Египте, проводившихся в 1937—1939 годах, польские археологи открыли несколько десятков мастаб VI династии, выстроенных из кирпича-сырца. Эти мастабы имели погребальные камеры и в надземной, и в подземной части. Богатый погребальный инвентарь из этих мастаб находится ныне в Национальном музее в Варшаве. В 1 Переходный период (ок. 2181—2133 гг. до н.э.), во время которого произошло ослабление власти фараонов и распад государства, не было благоприятных условий для строительства столь крупных усыпальниц, какими являются пирамиды. Надписи упоминают только о нескольких постройках этой эпохи. Некоторые из них были идентифицированы, как, например, пирамида царя Иби в Саккаре, относящаяся ко времени VIII династии и пирамида фараона Хеви (IX—Х династии), находящаяся в Даре в
Ливийской пустыне.

К югу от Дашура, в местности Лишт, находятся окруженные мастабами знати руины двух пирамид фараонов XII династии — Аменемхета 1 и Сенусерта
1, а также две связанные с ними большие пирамиды. Во время раскопок на этой территории была найдена деревянная статуя Сенусерта 1, находящаяся ныне в
Египетском музее в Каире. Аменемхет III, имевший свою пирамиду в Дашуре, решил возвести себе еще одну — в местности Хавара, где позже он и был похоронен. От пирамиды осталась только сердцевина, ранее же целая эта постройка была облицована тонкими плитками полированного известняка. Ее высота достигала 58 м, а угол подъема — 48°45'. К югу от этой пирамиды сохранились развалины сооружения, которое было одним из наиболее великолепных архитектурных памятников Египта — знаменитого Лабиринта, вызывавшего у греческих путешественников еще больший восторг, чем пирамиды.
Ныне от него осталось лишь большое поле, засыпанное известняковым щебнем и фрагменты колонн, ибо начиная с римского времени эта постройка служила огромной каменоломней, откуда брали сырье для известеобжигательных печей.
Некоторые исследователи считают эти руины остатками заупокойного храма
Аменемхета III, однако, уже самые размеры их площади (300 X 244 м), на которой поместились бы все вместе взятые огромные храмы Карнака и Луксора, исключают правильность этого суждения.

Погребальный комплекс, находящийся на территории нынешнего селения Эль-
Лахун и расположенный рядом город, где жили строители, возводившие царскую усыпальницу, относятся ко времени Сенусерта II. При сооружении именно этой гробницы в качестве ядра пирамиды была использована находившаяся здесь скала. Завершая обзор царских усыпальниц эпохи Среднего царства, стоит упомянуть об открытии вблизи пирамиды Аменемхета III в Дашуре гробницы фараона 'Гора, где была найдена знаменитая деревянная статуя царя, находящаяся ныне в Египетском музее в Каире. Некоторые исследователи считают, что Гор правил совместно с Аменемхетом III, иные предполагают, что он был основателем XIII династии. Пирамида была усыпальницей фараонов эпохи
Древнего и Среднего царства. В период Нового царства, когда фараоны начали строить себе огромные скальные гробницы в Долине царей в западной части
Фив, небольшие пирамиды, не превышавшие в высоту несколько метров, были всего лишь завершением гробниц высокопоставленных начальников строительных работ в Деир-эль-Медине либо скромным украшением надгробий в Абидосе.

Однако, идея пирамиды как царской усыпальницы не была забыта. Гробницы такой формы мы встречаем вблизи IV порога в Напате и VI — в Мероэ, в далекой Нубии, находившейся некогда под властью египетских фараонов. Пианхи
(751—716 гг. до н.э.), завоеватель Египта и основатель XXV династии, называемой также эфиопской, на которого пирамиды произвели огромное впечатление, был похоронен в великолепной гробнице недалеко от своей прежней резиденции вблизи святилища в Гебель-Бар-кал, где высятся стройные пирамиды — гробницы царей первого, так называемого напатского периода независимого Мероитского царства (656—295 гг. до н.э.).

Второй комплекс подобных пирамид находится в Мероэ, новой столице
Мероитского царства (295 г. до н.э. — 350 г. н.э.). Эти пирамиды имели совершенно иные пропорции по сравнению с египетскими и были гораздо меньше их по размерам. Средняя длина стороны их основания равна около 10 м, высота не превышает 20 м, а угол наклона стен составляет 65—70°. Однако, наиболее характерной чертой мероитских пирамид, отличающей их от египетских, является размещение этих гробниц. Они сгруппированы в комплексы и расположены тесно одна рядом с другой так, что расстояние между ними часто не превышает нескольких десятков сантиметров. Не все эти пирамиды имеют заупокойные храмы в виде молелен. Ребра стен некоторых из них обработаны профилем в виде валика. Эти пирамиды строились из неотесанных блоков камня и облицовывались тщательно пригнанными полированными плитами. Исключение составляет несколько пирамид, принадлежавших последним правителям
Мероитского царства, которые были сооружены из кирпича-сырца, а затем оштукатурены.

НАЗНАЧЕНИЕ ПИРАМИД.

Царские усыпальницы - пирамиды, навсегда остались непревзойденными образцами монументального зодчества.. Изучение древнеегипетских текстов открывает тайну этих странных сооружений при жизни фараон, по верованию народа охранял своей магией границы страны, управлял ветром, водой и огнем.
После смерти он становился еще более могущественным. Его необходимо было удержать близ города, чтобы продолжать пользоваться его покровительством. В темных глубинах исполинского мавзолея продолжалась скрытая таинственная жизнь. Для некоторых древних культур характерно представление о жизни после смерти как о близком подобии земной жизни. Выходило, что для благополучной и счастливой жизни "там" необходимо все то же, что и "здесь.. Чтобы обеспечить себе безбедную загробную жизнь, фараон и его приближенные, заранее, с первых дней собственного правления начинали строить себе надежное "вечное" жилище и продумывали вместе со жрецами росписи и все остальное, начиная с запасов пищи, мебели, и утвари, и кончая рабами, солдатами, музыкантами и прочим обслуживающим персоналом. Все эти люди должны были следовать в гроб за своим господином или будучи убитыми еще на земле, или живыми в трансе от одурманивающих снадобий, умирая почти сразу от недостатка кислорода. Египет в этом отношении предстает страной с наиболее гуманными с нашей точки зрения законами, здесь не бывало по таким случаям человеческих жертв, но эта же самая роль отводилась изображениям людей, их статуям, располагавшимся внутри гробницы. Кроме того, на внутренних стенах гробницы должны были быть изображены славные деяния фараона и многое другое, то, на чем мы остановимся подробнее, то, что можно условно назвать изображениями "культового назначения". Искусство здесь столь тесно связано с религией, что трудно понять его образную структуру, не имея хотя бы общего представления о религиозно-обрядовых обычаях египтян

ХРАМЫ.

Идеи о становлении мира отражались в религиозном искусстве и храмовой архитектуре.В эпоху Древнего Царства выработалась форма обелиска как солнечного символа. А вершина обелиска представляет собой пирамиду – священную форму, запечатленную в одном из чудес света- гигантских пирамидах
Хеопса, Хефрена и Микерина . такая гробница должна была помочь фараону воскреснуть в вечности. Обелиск не изчезает из египетского храмового зодчества и позднее, в эпоху Нового Царства обелиски стали помещать у входа в храм, архитектурное пространство которого развивается не вверх, а в глубину. Внутенние помещения храмов разделены колоннами, которые увенчаны капителями в виде лотоса или пучков папируса. К таковым можно отнести комплексы в Луксоре и Карнаке.

Храмы Луксора и Карнака.

Наиболее совершенным воплощением культового ансамбля стали знаменитые фиванские храмы Ипет Рес и Ипет Сут, посвященные богу Амону-Ра. Сегодня они известны нам как храмы в Луксоре и Карнаке. Храмы, принадлежащие к величайшим творениям древнеегипетского зодчества, строились начиная с 16 в до н.э в течение многих столетий. Они занимали большую площадь и отличались подчеркнутой монументальностью. Расположенный вдоль берега Нила, храм в
Луксоре почти полностью воздвигнут архитектором Аменхотепом Младшим.
Великолепные дворы Луксора окружены золотыми колоннами в виде папируса.

В древности Ипет Рес и Ипет Сут были соединены 3-х километровой аллеей сфинксов, по которой проходили торжественные религиозные процессии. Перед храмом в Карнаке сохранилась часть аллеи из сорока сфинксов- совершенно одинаковых, с телом льва и головой барана (священного животного бога
Амона), расположенных на равном месте друг от друга. Аллея сфинксов подходила первому входу, который был сравнительно не велик и узок. Вход вёл в открытый двор, окруженный стенами, колоннами и статуями. Через узкий второй вход можно было попасть в гипостильный зал. Гипостильный (от греч.
«хипостилос»-«поддерживаемый колоннами») зал Карнакского ансамбля, в котором более 130 колонн образуют 16 рядов, принадлежит к шедеврам мирового зодчества. Центральный проход, обрамленный колоннами высотой более 20м и диаметром около 3.5м, с капителями в виде раскрытых цветов папируса, освещался из боковых проемов. Не существующие ныне потолки густо-синего цвета были украшены желтыми звездами и парящими священными коршунами.

Из гипостильного зала можно было попасть в маленькое темное святилище, куда разрешалось входить лишь фараону и жрецам. И только во время всенародного многодневного праздника Амона изваяние этого бога, установленное на солнечной ладье, торжественно выносилось из святилища для совершения ритуального плавания по Нилу до храма в Луксоре.

РЕЛЬЕФЫ И РОСПИСИ.

Рельефам и росписям художники придавали портретное сходство. Яркое тому подтверждение - сходство рельефов, изображающих Хемиуна в его мастаба, и его скульптурного изображения; близость рельефного профиля царского вельможи Нефера с чертами лица его так называемой «резервной головы».

Строгая фиксированность жестов и поз, в которых изображался умерший были продиктованы торжественностью и ответственностью, возлагавшимися на изображаемое. Умерший должен был быть представлен со всеми возможными величием и достоинством, подготовленным к церемониям великих богов.

В портретах прекрасно разработаны индивидуальные черты, но выражение лиц остается всегда бесстрастным, отвлеченным. Мастер тех времен не ставил своей целью отображение мимолетных переживаний - ведь он изображал человека, идущего в вечность и освобожденного от всего временного.

Раскрашенный рельеф, из которого потом развивалась древнеегипетская живопись, произошел от скульптуры. Медленно но верно он даже начинает теснить скульптуру, потому что ко времени пятой - шестой династий фараоны теряют часть своего былого могущества и былого богатства, их гробницы становятся меньше по размерам.. В это время акцент переносится на внутреннюю декорацию помещений, больше уделяется места и значения для росписей и рельефов. Ослабляется власть фараона и некоторыми привилегиями ему приходится делиться с собственными сановниками, являющимися уже почти соправителями. Они добиваются признания своих заслуг и прав на то, чтобы их
"дома вечности" были построены и расписаны подобно гробницам фараонов и теми же мастерами. В их захоронениях начинают использоваться почти те же схемы и сюжеты, что и в гробницах их повелителей. Но в то же время нам известно, что дистанция все же соблюдалась, так как читая надписи в гробницах вельмож мы постоянно встречаемся с обращениями к фараону, звучащими как «Господин мой», или подобными им.

Сам по себе египетский рельеф - явление уникальное, само по себе требующее отдельного углубленного изучения. Египтяне всегда глубоко чувствовали возможности материалов и техник, в которых работали. они ставили себе задачей не создание иллюзии чего-либо, но изображения и изображали не вещь или человека в какой-то момент времени, а идею, субстанцию человека, вещи, животного. Эти изображения не были рассчитаны на зрителя - человека. Известно, что во многие помещения гробниц, украшенные непревзойденными росписями и рельефами, доступ был строго ограничен, а иногда и запрещен. Таким образом это искусство должно было скорее напоминать "увековечивание формы", а не творческий акт и не желание украсить "вечное жилище" фараона. "Искусство искало немногих, но непреложных изобразительных формул. Оно действительно выработало язык, отвечающий идее постоянства - язык экономного графического знака, строгой и ясной линии, четкого контура, компактных, предельно обобщенных объемов.
Даже когда изображалось самое простое , самое обыденное - пастух доит корову, или служанка подает ожерелье своей госпоже, или идет стадо гусей, - эти бесхитростные мотивы выглядят не столько изображением мимолетного действия, сколько чеканной формулой этого действия, установленной на века".
Нам известно три типа египетского рельефа: выпуклый, углубленный, и с углубленными контурами. Использовались они иногда порознь, иногда комплексно, но всегда это очень высокое художественное мастерство, заставляющее дышать живыми изображениями поверхность камня, не теряющего в то же время своих видимых природных свойств и фактуры. Рельеф сам не плоский, но ориентирован на плоскость, в этом и состоит оригинальность и своеобразие этого рода изобразительного искусства. С одной стороны он обладает всеми преимуществами объемного скульптурного изображения, а с другой для него вполне естественны и живописная раскраска и абсолютная слитность со стеной, с каменным массивом.

Рельефы на деревянных панелях из гробницы зодчего Хесира в Саккара иллюстрируют это как нельзя более лучше. Мастер в совершенстве владеет техникой, не утрачивая торжественной монументальности, целостности изображения, он создает образ, пленяющий живостью и непосредственностью,
«образ энергичного, волевого, умного человека»

Кроме того, египетские художники никогда не забывали о необходимости целостности, органичности всего(!) ансамбля, и всегда одно искусство как бы вырастало из другого. Рельеф обычно раскрашивался и надписывался иероглифами. Это был синтез трех искусств - архитектоника организующая пространство не только стены, но и перед стеной, скульптурная моделировка объема, и живопись в расцвечении цветами реального мира.

Материальность выступающих или заглубленных контуров раскрашенного рельефа была понятнее и реальнее для египтян, чем чисто плоскостная живопись.

Британская Энциклопедия сообщает, что «техника рельефа включала в себя три этапа: рисунок краской на подготовленной плоскости, выборка рельефа и окончательная раскраска. В росписях использовались минеральные краски: охра красная, охра желтая, зеленая - тертый малахит, синяя - лазурит, и черная - сажа. Содержание росписей и рельефов в захоронениях Древнего царства строго говоря можно разделить на два типа: во-первых - прославляющие фараона, описывающие его великие деяния, совершенные им в земной жизни, его подданных, а также более редкие росписи, посвященные таинственной будущей жизни, "жизни вечной и вечному блаженству"». Сюжеты росписей довольно типичны, всюду присутствует хозяин гробницы в различных ипостасях: на празднике жизни - на пиру, в наблюдении за ходом сельскохозяйственных или ремесленных работ в поместье или государстве, на охоте или на рыбной ловле, в наблюдении процессии слуг, приносящих дары.

Композиции рельефов и росписей и всего помещения всегда задумывались как нечто целое, и создававший их человек находил нужное решение поставленной задаче. Монументальность, свойственная всем видам искусства в
Египте, в рельефах и росписях тесно сплетена с декоративностью. Является типичным использование фризообразной композиции, в основе своей подразумевающей аналогию ковра. С дальнего расстояния такая стена смотрится пестрой красочной плоскостью. Характерный пример - росписи весьма известной гробницы вельможи Ти (сер. III тыс. до н. э.). При чуть более близком рассмотрении "ковер" распадается на огромное количество отдельных эпизодов, сплавленных общим ритмом и пространственными законами - гробница
Хнумхотепа. Здесь уже трудно говорить о застылости и тому подобных вещах.
Живость и непосредственность в изображениях людей и их занятий выше всякой критики. Мы не должны также удивляться многочисленным изображениям животных в гробницах. Многие животные в Древнем Египте обожествлялись и их изображения являлись изображениями богов.

Градация размеров, масштабов фигур внутри одной композиции, дающая декоративную живость и легкую певучую вариативность ритма была для египтян прежде всего градацией ценностей. Главный герой росписей изображался самым большим. Его близкие родственники и приближенные изображались немного меньшими его самого, а второстепенные персонажи изображались меньшими его даже в несколько раз, тому примеры - рельефы в гробнице Ти и в мастаба в Саккара.. Такая шкала была наиболее универсальной табелью о рангах, которой не требовалось отображения особых, различных для каждого чина аксессуаров роскоши и общественного положения. Даже величие власти самого фараона, почитавшегося богом, не обозначалось даже каким-либо дорогими одеждами, почти ничем, кроме исключительной величины его фигуры и эффектной, предопределенной, позой .

Нельзя также однозначно утверждать, что какие-то фигуры в росписях или рельефах разработаны тщательнее других. И росписи и рельефы дают картину жизни текущей одинаково размеренно и неотвратимо для всех. Композиция, как правило, построчная, с соблюдением симметрии и уравновешенная. Изображения на рельефах и росписях выполнялись как и в круглой скульптуре соблюдением строгой подчиненности архитектурным формам, с ориентацией на их пропорции и ритмы, на их масштабы.

Сходство композиций построения иероглифов и композиций росписей и рельефов позволяют заключить, что первое произошло из второго, сохранив многие характерные черты. В качестве первого примера пиктографии
(рисуночного письма) обычно приводят плиту фараона Нармера, с одной стороны несомненно являющуюся произведением высокого искусства, и с другой стороны несущую в своем изображении вполне конкретную статистическую информацию.
Здесь изображение тождественно письму. В дальнейшем произойдет дифференциация, которая, впрочем, не убьет родственности и совместимости: живопись и рельефы Древнего царства довольно часто сотрудничают с иероглифическими надписями. Наблюдая это соседство мы отмечаем несомненное родство форм этих способов передачи информации. Иероглифы для непосвященного человека предстают если не самостоятельными изобразительными знаками, дополняющими основное изображение, то сложным многокомпонентным орнаментом. В обоих случаях от сотрудничества не проигрывает ни одна из сторон.

Как устойчивый композиционный принцип в рельефах (а также во фресках, которые по композиции и приемам рисунка не отличались от рельефов) утвердился мотив шествия, процессии, где фигуры движутся одна за другой по фризу, через 'одинаковые интервалы, с ритмическими повторами жестов.

Классический пример такой композиции — рельеф из гробницы в Саккара.
Слуги усопшего ведут быков, выступающих с царственной важностью. В нижнем поясе этого же фриза шествуют стайками гуси и журавли. Движения слуг довольно непринужденны — они нагибаются, оглядываются назад, поглаживают быков по спине (такая вольная трактовка допускалась при изображении слуг, но никогда — при изображении хозяев). Однако равномерная повторяемость фигур, их движений и поз лишает сцену оттенка жанровости и придает ей нечто ритуально-торжественное: это не скотный двор — это вереницы живых существ движутся в вечность. Надо обратить внимание на то, с каким декоративным вкусом все это расположено на плоскости, какими безошибочно точными линиями обрисованы контуры животных и как одни фигуры по контрасту оттеняются другими. Переведем взгляд с быка на идущих внизу журавлей и обратно: грузная мощь быка сразу почувствуется сильнее благодаря сопоставлению с изящными птицами, легко и деликатно ступающими на своих тонких ногах.
Нельзя не заметить особую художественную роль иероглифов в этой композиции, как и в любом египетском рельефе. Среди иероглифических знаков, идущих по верху фриза и заполняющих пустоты между фигурами, встречаются и фигурки гусей и быка — такие же, только маленькие; они чередуются с неизобразительными геометризованными знаками, и все, вместе с основным изображением, создает впечатление одухотворенного узора.

СКУЛЬПТУРА.

Статуи почти всегда раскрашивались, но раскраска эта на наш взгляд была достаточно условной и скорее напоминала тонирование. Сходство подчеркивается еще и архитектоничностью строения самих статуй, составлявших неделимое органическое целое с архитектурными сооружениями, которым они принадлежали. Здесь приходит на память сравнение со скульптурой Античной
Греции классического периода, но там назначение скульптуры было совершенно иным. Монументальной целостности Египта там пришла на смену одухотворенная гармония человеческого тела.

Скульптуры Египта обычно сохраняют основные формы каменной глыбы, из которой они были вытесаны. Во многих случаях скульптор даже подчеркивал этот генезис тем, что оставлял фигуру неотделенной от каменного массива, выполнявшего в этом случае роль фона.

ЛИТЕРАТУРА ДРЕВНЕГО ЕГИПТА.

Художественная литература Древнего Египта восходит своими корнями к середине четвертого тысячелетия до н. э. , к периоду Древнего Царства.
Именно поэтому основой традиционной жанровой литературы в Египте стали фольклорные жанры. Особенно характерно традиционное сохранение древних сюжетов, подвергшихся переработке в более поздние периоды развития египетской литературы. Но, говоря о жанре, стоит заметить, что далеко не всегда можно с точностью определить принадлежность того или иного произведения к определенному жанру. Например, жанр “поучения”, один из древнейших, связан с политическими памфлетами, “речениями”(например,
“Речения Ипусера”), а вступления к ним иногда напоминают окаймляющую
“рамку” в сказках (например, “Поучения Неферти”). В равной степени в поучениях встречаются и черты автобиографических повестей, а в автобиографической повести мы встречаем, например, гимн (“Приключения
Синухета”), басня в иных случаях близка к сказке. Итак, одним из глобальных признаков невероятного развития египетской литературы является
“дифундирование”, взаимопроникновение жанров.

Как и большинство произведений древности, литература периода Древнего царства анонимна, за исключением сочинений, написанных в жанре поучения, как правило авторство было приписано какому-либо из мудрецов или правителей древности, что наводит на мысль об отсутствии попыток коллективного создания поучений, что подтверждается и стилистическим анализом текста.
Искусность и сложность композиции, изощренность стиля, умение объединить одной “рамкой” несколько сюжетных линий . Подобные элементы построения произведения встречаются в сказках о фараоне Хуфу и чародеях, в “Сказке о потерпевшем кораблекрушение” и, прежде всего, в “Поучениях Неферти”. Этот жанр, получив широкое распространение в эпоху Среднего Царства, развивается на базе более изысканных литературных традиций, а, стало быть, и приемов.
Авторы прибегают к рефренам, повторению слов аллитерациям, параллелизму членов (т. е. к выражению одной мысли разными словами: “Открываются для тебя врата неба, отверзаются для тебя врата прохлады”) . Тематика поучений не всегда меняется от раза к разу, от эпохи к эпохе.

В “Поучении Птахотепа”, содержащем правила житейской мудрости, правила поведения и хорошего тона, автор утешает бедняка тем, что “бог возвышает знатного человека”, просящему рекомендуется набраться смирения и так далее. Социальной моралью и проповедью смирения пронизано все произведение.

Подобная мысль встречается и в “поучениях” мудреца Ипувера и
Ноферреху. Здесь описывается в иносказательной форме восстание рабов, происшедшее в конце Среднего Царства.

К несколько более раннему времени относится “Поучение гераклеопольского царя (Охтоя) своему сыну Мери-ка-Ра”, которое содержит советы относительно управления государством в период смутного времени.
Охтой утверждает божественное происхождение власти, назначенной “добрым пастырем”, то есть Богом.
Литература древних была самым тесным образом связана с религией. Множество произведений религиозной литературы облекались в художественную форму.
Таковы магические заклинания , религиозные гимны богам, магические тексты, связанные с заупокойным ритуалом, облекавшиеся в строго ритмическую поэтическую форму.
Наиболее яркими образцами религиозной поэзии являются гимны богам, которые входили в различные сборники. Так, еще в “Текстах пирамид” содержатся гимны
Ра, Озирису.

Хети стал автором “Гимна Нилу” , напоминающего гимны другим богам, так как Нил считался божеством и его почитали под именем Хапи. Но не Хапи, не бог воспевается и прославляется в нем, а именно река, “приносящая пищу... творящее прекрасное”:

Слава тебе, Хапи!
Ты пришел в эту землю,
Явился, чтобы оживить Египет...
Он орошает поля, созданные Ра,
Чтобы дать жизнь каждой козе...

Среди гимнов богам представляют наибольший интерес гимны верховному государственному богу Амону и в особенности гимны единому богу солнца
Атону, культ которого установил еще Эхнатон, отец Тутанхатона( в последствии Тутанхамона).

Сверкает и блестит на горизонте утром,
Восходишь ты в лучах Атона блеск дневной.
И тает мрак ночной под сенью рук горящих.
Ликуют два Египта, и жаркий юг и север.
И на ноги встает от сна восставший люд.
Омыв себя водою и взяв свои одежды,
Хвалу тебе возносят, когда восходишь ты.
Во всей земле твоей творят свою работу.
И мирно бродит скот на пастбищах своих.
Чуть зеленеют травы, в лучах твоих деревья,
И птицы вылетают из гнезд своих ночных.

Довольно близко к религиозным гимнам примыкают гимны фараонам. Этот жанр имеет и историческую ценность. Наиболее характерный в жанровом отношении текст гимна фараону относится к эпохе среднего царства. Это -
“Гимн Сенусерту III”, в котором восхваляется царь в качестве победителя врагов и защитника своих владений. Подобные гимны входили в более объемные сборники, типа “Рассказ Синухета”. Сохранилось более 25 списков этого произведения. Оно написано в форме автобиографии на стенах одной гробницы.
Основная тенденция “Истории Синухета” та же, что и в речениях Неферти и наставлениях Аменемхета I, - прославление новой династии. Недаром таким милостивым выведен Сенусерт I! Автор не только очень умело воспользовался формой автобиографии, но и , возможно, впервые, в мировой литературе сумел передать переживания своего героя - страх, тоску по родине. Последний мотив встретится еще ни раз, но ни где он не будет выражен так проникновенно и с такой экспрессией.

Значительного развития этот жанр достигает в эпоху Нового Царства, когда завоевательная политика фараонов находится в зените славы и почета.
Своего рода развернутой формой царского гимна является “Поэма о битве при
Кадеше”, в которой поэт в риторической форме описывает победу Рамзеса II над хеттами.
Однако, не во всех жанрах центральной фигурой является правитель Египта.
“Могущественный владыка” отходит на второй план в народных песнях, сказках и преданиях .

Один из папирусов содержит древнейшую в мире запись сказки - “Сказки о потерпевшем кораблекрушение”. Автор умело использует народную фантастику.
История создания этой сказки весьма традиционна, так как множество сказок рождались в результате обрастания мифическими сюжетами устных жанров.
Уцелевшая часть рамки подтверждает предположение о том, что эта сказка - последняя из несохранившегося цикла. Язык сказки прост и метафоричен.
Заканчивается она характерным приемом для подобного жанра - поговоркой, народной мудростью: “Не хитри со мной, мой друг. Незачем поить на заре птицу, которую утром зарежут!”
Мотивы земледельческой жизни, переплетенные с причудливой сакральной фантастикой, встречаются в сказках более позднего времени. Такова сказка “О двух братьях”, написанная в эпоху правления династии Рамзесов. Основные мотивы сказки “О двух братьях”, как то чудесные превращения главного героя, злобы жены, невинности молодости и торжества добродетели сохранились и в позднейших сказочных сюжетах, в частности, в сказке “О красноречивом жителе оазиса.”

В ней читателя, возможно, привлекало стилистическое оформление, так как оно похоже на элементы, разработанные в рамках жанра притчи. Интересен и диапазон героев этой сказки: от крестьянина до фараона. Уже этот момент предполагает историзм, который предельно отчетливо выражен в так называемых
“исторических” сказках, например, “Сказка о фараоне Секененра и гиксосском царе Апопи”. В подобных сказках действие группируется вокруг реальных событий и персонажей. Здесь истина причудливо смешивается с вымыслом. Но не только в этом проявляются новшества эпохи Нового царства; действие волшебных сказок все чаще и чаще переносится в другие страны, приобретая
“чужие” мотивы, которые позднее преобразуются в так называемые “бродячие сюжеты”.

Посредством подобного смешения, существовавшего всегда, но в крайне малой степени, происходит синтез литературных традиций, что способствует появлению раннефилософских мотивов даже в тех же сказках. Такова суть
“Беседы разочарованного со своей душой”. Это - диалог двух начал в человеке, воплощенных в главном герое и в Ба, душе человека. По жанру это произведение граничит с притчей, хотя и оформлено в виде диалога. Главный герой, не сумевший найти себя в мире, видит только один выход - смерть, как избавление от страданий (Смерть вообще часто сопоставляется в подобных текстах, как и в сакральной традиции египтян, с “выздоровлением после болезни”.

Смерть стоит сегодня предо мною,
(Как ощущение человека), желающего снова увидеть свой дом,
После того, как он провел долгие годы в плену.

В отчаянии человека проглядывает сомнение в существовании загробного культа, что ставит под сомнение всю систему ценностей этого мира для египтянина, оставляя надежду на утешение лишь в потустороннем мире: “Если ты вспомнишь о погребении, то это горе, проливание слез, огорчение человека, когда его ... бросают на холме. Никогда ты не выйдешь, чтобы увидеть солнце. Те, которые строили из гранита .... увидели свои жертвенники пустыми. Их постигла та же участь, что и усталых, которые умерли на плотах,... .” Здесь человек рассматривается в глубинных связях с природой, главная из которых - смерть. Перед ней исчезают социальные различия и вражда.

И композиция, и стиль диалога указывают на авторство одного лица. Свое собственное мировосприятие автора нашло отражение в этом произведении. В нем присутствуют два обязательные элемента религии египтян: жизнь настоящая, воплощенная в образе “души” и жизнь прошлую, воплощенную в образе “человека”, находящего утешение лишь в религиозных догмах, ведь смерть сулит вечное блаженство “в полях Иалу”. Итак, диалог поникнут скепсисом и сомнением по отношению к реальному миру. Построение его
(диалога) сложно, так как перемежаются проза и песни с определенными рефренами в каждом из последних стихотворных отрывков, состоящих из трех строф.

Еще большей автобиографичностью обладает песня вельможи Уны (найдена в гробнице в Абидосе) , жившего в период царствования VI династии. Эта надпись интересна и но своей необычной форме, она составлена от имени умершего, и по построению: оно состоит из двустиший с жестким ритмом и содержит параллелизм.

Это войско вернулось благополучно, разворотив страну бедуинов.
Это войско вернулось благополучно, разорив страну бедуинов.
Это войско вернулось благополучно, снеся ее крепости.
Это войско вернулось благополучно, зажегши огонь во всех ее...
Это войско вернулось благополучно, перебив в ней отряды в числе многих десятков тысяч. [pic]
Это войско вернулось благополучно, в ней пленными премногие отряды.

Однако с течением времени политическая мощь Египта ослабевает. В XI веке Египетское государство теряет не только свои владения, но и почти весь свой авторитет в Передней Азии. Эти важные исторические факты отражены в другом произведении о походе на этот раз мирном. Это - “Путешествие Уну -
Амона”, посланного в Сирию, когда в Фивах правил первосвященник Амона
Херихор, захвативший впоследствии верховную власть в свои руки. Можно предполагать, что историзм - основная черта этого произведения. В соответствии с этим весь рассказ выдержан в строго реалистическом стиле, но мастерски облечен в художественную форму. Это произведение, как и многие другие, обладает внутренней ритмикой; авторы всегда стремились создать ритмическое чередование отдельных образов, предложений и , даже, слов. Не редко использовались параллелизмы, о чем уже было сказано ранее.
Большое значение придавалось музыкальному построению произведений; в связи с этим появляются первые приемы оформления поэтической речи: рефрены, анафоры, ассонансы, аллитерации, внутренние рифмы.

Особенно часто использовались сравнения и яркие художественные образы: разгневанный фараон говорит о себе, что он стал “...подобно змее в пустыни...”, холодное сердце сравнивается с каменной глыбой и так далее.

Особое значение имело стилистическое единство текста. Возможно, стилистика преподавалась писцам в специальных школах, где они разбирали различные тексты с точки зрения стиля.

И именно это позволяет нам утверждать, что Древнеегипетская литература достигла высочайшего художественного совершенства. Сами египтяне считали литературу Среднего царства классической; недаром произведения этого времени сохранились в таком количестве позднейших списков, а язык их служил образцом для подражания...

Величайшим произведением египетской литературы является миф о сотворении Мира.(Мемфисское сказание). Данный текст относиться ко времени царя 25-эфиопской династии Шабаки. В это время древний политический и религиозный центр Мемфис вновь стал столицей, главным религиозным центром, и это требовало обоснования ввиде прославления Пта.

В вводной части “Стеллы Шабаки” сказано, что фараон нашел в храме полуистлевший папирус и велел воспроизвести его на камне. Это явно выдумано, так же как и сообщение о находке в храме Яхве и в Иерусалиме текста древних законов- Второзаконие. Такого восхваления Пта в другие времена не могло быть. Нововведением является и то, боги и мир созданы не с помощью физического акта, а мыслью и словом. Мемфисский текст делает понятным появившийся примерно в тоже время миф о сотворении мира Яхве.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ.

Искусство Древнего Египта поражает меня своей грандиозностью, необыкновенными масштабами, величественностью и красотой.

Своеобразие и особенности древнеегипетской культуры состояли в следующем: первое- раннее зарождение там классовых отношений и государственности; второе- изолированное географическое страны, что затрудняло культурные заимствования извне;- третье, тесная связь искусства и религиозного культа, особенного заупокойного ритуала.

Египетское искусство с характерной для него монументальной архитектурой и статичной скульптурой явилось основой для античного искусства и европейского в целом.

Египетское искусство явилось образцом для крито-микенской культуры в
Древней Греции. Египетская культура оказала большое влияние и на древних римлян. Культ Египетской богини – матери Исиды- получил широкое распространение в Риме. Египетский скульптурный портрет, пейзажная живопись, обелиски и другие элементы архитектуры, львы и сфинксы были восприняты античным искусством, а через него- европейским.

Древнеегипетская культура и цивилизация заложили основу для последующего культурного развития многих народов.

Культура Индии

1) Введение.

Индия - одна из самых прекрасных стран мира. Пожалуй никакая страна не может сравнится с ее богатейшей культурой, ее обычаями. И наверное, именно поэтому я решила посвятить свой реферат Индии.

Уже с детства каждый ребенок начинает узнавать, что-то о Индии. Сначала это всемирно известные индийские сказки, а затем рассказы Киплинга и других писателей. И поэтому эта страна, как мне кажется очень интересной и волнующей. Индия не похожа ни на одну из азиатских стран и уж тем более ни на одну европейскую страну, она очень индивидуальна, - и в этом ее красота.

К сожалению, в экономическом плане Индия не слишком развита и относится к классу развивающихся стран, но это не оказало влияния традиции и культурные особенности страны.

В силу того, что в Индии 25 штатов и у каждого штата свой язык, своя нация разные и религии. Можно сказать, что индия это созвездие религий, потому что здесь существуют почти все религии мира. И хотя, главное, почетное место занимает индуизм, но и другие религии имеют важное место в культурной жизни этой страны. Я вообще считаю, что религия - это главное составляющее культуры. Религия оказывает основное влияние на построении культуры страны, потому как культура развивается с древности и ее обычаи переживают века. А как мы знаем в прошлые века церковь вообще имела огромное влияние и не только в культурной жизни, но и в политической и общественной. И поэтому в своем реферате я хотела показать, как религия влияет на жизнь страны, в особенности на культурную, на примере одной страны. А так как я очень трепетно отношусь к Индии, мне интересны ее традиции и обычаи, то я решила свой реферат посвятить именно ей.

Свой реферат я решила построить следующим образом... Вначале я расскажу о Индии, как о стране, где она находится, о городах Индии и т.д. Я не случайно решила включить в свой реферат эту главу, т.к. считаю, что если мой реферат будет читать человек, который мало знает об Индии, то ему сложно будет разобраться в теме которую я собираюсь рассмотреть, потому что он не знает откуда в Индии такой разброс религий и такое количество наций.

Далее я хочу рассказать о населении Индии. Потому что считаю, что население, люди это и есть те, кто делают культуру, их обычаи и составляют культуру. В этой же главе я расскажу о языках индийцев. Язык это главное культурное наследие общества и поэтому, я считаю необходимым рассказать об языках на которых говорят индийцы. Тем более, что у каждого народа свой язык. И потому каждый народ несет свои традиции. Я так же расскажу о народах Индии, ведь о них рассказать нельзя, потому что народ - это уже культура, а значит это имеет самое прямое значение в моем реферате. Я расскажу о занятиях индийцев о том какое образование у большинства населения и еще многие другие детали, которые имеют самое прямое отношение к теме моего реферата.

Но самой главной частью моей работы будет глава, в которой я расскажу о религиях Индии. Потому что главная задача моей работы, это показать как религия воздействует на культуру страны. В этой главе я расскажу об основных религиях, которые исповедуют индийцы и расскажу как традиции религии отражаются в культурной жизни. Я попытаюсь показать синтез культуры и религии в Индии. И думаю, что это будет очень интересно, ведь в каждой вере свои особенность, свои цели, свои традиции и пожалуй узнать об этом очень интересно.

И в заключении я расскажу о традициях страны. Расскажу о праздниках, о музыке, национальных танцах и т.д. Я попытаюсь показать как отразилась религия на традициях Индии.

Прежде чем написать свой реферат я исследовала некоторую литературу по Индии, ведь как иначе я могла раскрыть свою тему. И мне показалось, что из всех книг самая удачная это книга Ивашенцова

Г.А. "Индия". Для человека, который не является специалистом в области страноведения, эта книга будет очень интересна. Она написана достаточно кратко, но очень понятно. Я советую ее почитать. Мне показалась так же достаточно интересной книга Митрохина Л.В. "Индия вступая в век XII". Очень подробно рассказано об Индии в ежегоднике "Индия". Хотя в нем текст, на мой взгляд очень сух и не интересен.

Вот это пожалуй все, что я хотела рассказать в предисловии. Я надеюсь, что у меня получилось дать начало той проблеме которую я собираюсь раскрыть в своей работе. И поэтому я перехожу к основной части...

2) Немного об Индии.

Прежде чем рассказывать об обычаях и религии Индии мне хочется уделить несколько слов, рассказу о том, что из себя представляет эта страна. Хочется рассказать о населении Индии, о городах Индии и т.д. Ведь нельзя рассуждать о культуре страны если не имеешь представления о ней.

Индия (или Бхарат, как называют свою страну сами индийцы) - одно из крупнейших государств планеты. Оно занимает второе место в мире по численности населения и седьмое по площади.

Индия расположена в Южной Азии. Протяженность сухопутной границы Индии 15200км., береговой линии - 6083км. В состав Индии входят также Андаманские и Никобарские острова.

Граничит Индия с Афганистаном и Пакистаном, Китаем, Непалом и Бутаном, а так же с Бирмой и Бангладеш.

Индия - одна из колыбелей человеческой цивилизации. Индийцы первые в мире научились выращивать рис, хлопчатник, сахарный тростник и первыми начали разводить домашнюю птицу. Именно Индия подарила миру шахматы и десятичную систему счисления. Достижения древней и средневековой Индии в области науки литературы и искусства, зародившиеся в Индии различные религиозно-философские системы оказали воздействие на развитие многих цивилизаций Востока, стали неотъемлемой частью мировой культуры. Индия страна с богатейшей историей, начало которой где-то около середины 3-го тысячелетия до н.э. История индии последних столетий - это история длительной и героической борьбы ее народа за освобождение от колониального и феодального гнета. В 1947г. Индия добивается политической независимости и это открывает новую эпоху в жизни великой азиатской страны.

Индия - республика. Высший законодательный орган - парламент, состоящий из двух палат. Глава государства - президент, избираемый непрямым голосованием на пять лет.

Столица Индии - Дели. Официальный язык - Хинди и временно английский. В настоящее время в Индии 25штатов.

Индия активно участвует в мировой политике. Она - член Организации Объединенных наций с момента ее создания. Индия остается и членом Содружества, возглавляемого Великобританией.

3) Население и язык.

Индия самая населенная страна в мире после Китая, сейчас уже ее население составляет около 850млн. человек. Но население древней Индии сравнительно молодо: 42% индийцев моложе 15лет и лишь 6% - старше 60лет. Средняя продолжительность жизни в настоящее время достигает приблизительно 55лет. Подавляющее большинство индийцев - сельские жители. Мужчин в Индии больше, чем женщин. Это объясняется повышенной смертностью среди женщин, связанной ранними браками и многочисленными деторождениями. Средний возраст вступления в брак для мужчин около 22лет и для женщин 15-17лет. Я все это не случайно решила описать в своем реферате т.к. считаю, что в этих данных о населении можно найти отпечаток культуры этой страны.

Число грамотных в Индии незначительное особенно среди женщин, где-то около 38% населения, к числу грамотных людей относятся люди, которые понимают печатный текст и осознанно могут написать несколько фраз.Почти одна треть населения Индии участвуют в экономически производительной деятельности, занимаясь производительным и умственным трудом.

Индия - многонациональное государство. Ее населяют крупные народы, представители которых отличаются друг о друга и внешним обликом и языком, и обычаями.

Обширный район Северной и Центральной Индии представляет собой области распространения различных диалектов языка хинди, который возник на основе санскрита - языка индоариев. Расселившиеся здесь масульманские выходцы из Ирана и Средней Азии также приняли один из диалектов хинди, привнеся в него отдельные арабские, персидские и тюркские слова, в результате чего сложился язык урду, использующий в отличие от хинди не санскитский алфавит деванагари, а арабский. Однако, поскольку хинди и урду имеют единую грамматику и общий запас обиходных слов их не редко рассматривают, как две литературные формы единого языка хиндустани.

Помимо хиндустанцев на языках, ведущих происхождение от санскрита, говорят такие крупные народы, как бенгальцы (Западная Бенгалия), маратхи (Махараштра), гуджаратцы (Гуджарат), ория (Орисса), пенджабцы (Пенджаб), а также ассамцы (Ассам) и кашмирцы (Джамму и Кашмир). Все эти народы имеют внешний европеоидный облик.

Народы Южной Индии говорят на языках дравидийской семьи. Это телугу (Андхра-Прадеш), каннара (Карнатака), тамилы (Тамилнад) и малаяли (Керала). Они более темнокожи, чем северяне, и имеют некоторые признаки австролоидной расы.

В центральных областях Индии живут группы австралоидных малых народов, чьи языки относятся к группе мунда (австразийская семья).

Северо-Восточные штаты индии населяют малые народы, во внешности которых присутствуют монголоидные черты. Это манипури, типера, гаро, наго, миза и др. Они говорят на языках тибето-бирманской группы. Исключение составляют кхаси, язык которых относится к мон-кхмерской семье.

4) Религии Индии и их влияние на культурную и социальную жизнь.

В индийском народе представлены основные религии мара - индуизм, ислам, христианство, сикхизм, буддизм, джайнизм, иудаизм, зороастризм, характеризующие довольно сложное идеологическое и структурное устройство индийского общества. Почти все население Индии - верующие. Вообще, я заметила, что религия в индии, это самая большая часть культура, религиозные обычаи нашли свое отражение не только в культуре, но и в политике, социальной жизни и т.д. Основная религиозно-этическая система Индии - индуизм, его исповедуют 83% населения, около 12%-масульмане, остальные 5%- это все другие религии. В этом раздели мне бы хотелось описать, как отражается религия на культуре Индии, какие особенности присущи культуре Индии, короче хочется показать синтез религии и культуры на примере Индии.

а) Индуизм.

Индуизм по числу последователей занимает пожалуй первое место в Азии. Эта религия зародилась в Индии, но Индией же по сути дела ограничивается и сфера ее распространения. За пределами Индии последователи индуизма составляют большенство в Непале и на индонезийском острове Бали.

Основные концепции индуизма сформировались в 1-ом тысячелетии до нашей эры на основе своеобразного сплава ведизма и древних культов доарийских народов Индии. Некоторые ведийские боги имели много общего с "чужими", в частности с греческими, богами. В индуизме сохранилось много элементов первобыдных верований (поклонение "священным" животным, явлениям природы, культ предков и т.д.). Индуизм строго регламентирует все права и обязанности человека от рождения до смерти.

Отличительной чертой индуизма является разделение общества по кастовому признаку. Причем среди четырех основных каст существует деление по подкасты.

Для индуизма характерно представление об универсальности и фсеобщности верховного божества. Основа индуизма - учение о перевоплощении душ (сансара), происходящем в соответствии с законом воздаяния (карма) за добродетельное или дурное поведение, определяемое почитанием индуистских божеств. Индусы считают, что вселенная создана Брахмой. Современный индуизм существует в виде двух течений: вишнуизма - верховное божество Вишну и шиваизма - верховное божество Шива. Индуизм так же проповедует бессмертие человеческой души и три основных постулата, следуя которым можно добиться полного слияния с повсюду существующим "святым духом",- мудрость, вера и действие.

Исследуя данную тему я наткнулась на молитву господу, вернее как она называется в Индии "Песнь Господу", она взята из "Бхагавадгите" и мне кажется, что в ней отражена вся суть индуизма:

"Тот, кто считает, что душа способна убивать, иль тот , кто думает, что душа может быть убита, не знают Истины, так как душа не убивает и не может быть убита. Душа не рождается, она вечна, она неизменна, она бесконечна.

Ее нельзя уничтожить даже тогда, когда уничтожено тело."

У каждого из богов есть супруга, обладающая какими-то выдающимися способностями. Боги и их супруги передвигаются верхом на определенных животных и держат в руках символические предметы, по которым их легко можно распознать.

Многочисленные индусские храмы посвящены обычно какому-то одному божеству. Из храмов, посвященных Вишну, наиболее известны: на Севере и Востоке Индии - храмы в Матхуре, Вриндаване, Двараке, Джайпуре, Пури и Навадвипе, а на Юге страны - храмы в Шрирангаме, Тирупати, Канчивараме, Мадрасе и Тривандруме. Из шиваистских славятся в Северной и Центральной Индии храмы в Амарнатхе, Варанаси, Бхубанешваре, Каджурахо, и в Южной Индии - в Танджавуре, Чидамбараме и Тируваннамалаи. Меньше всего храмов воздвигнуто в честь Брахмы, по всей Индии их всего лишь несколько.

Кастовые традиции строго соблюдаются в том, что касается семейно-брачных отношений. Межкастовые браки до сих пор крайне редки, выбор жениха и невесты в большинстве случаев принадлежит не самим молодым, а их родителям. Индусская традиция запрещает разводы и вторичные браки вдов, и, хотя принятые в независимой Индии законы отменяют эти древние запреты, большинство населения продолжает их придерживаться.

Тела умерших индусы сжигают на погребальных кострах.

б) Ислам.

С идеями ислама Индию познакомили арабы в UII веке. После них пришли афганцы и монголы, самым просвещенных из которых был император Акбар. Ему почти удалось создать новую религию - "Дин-э-Илахи", основанную на слиянии индуизма и ислама. Однако старые традиции были очень устойчивы, и новое учение нашло мало последователей.

С течением веков ислам укрепился м расцвел в Индии. Индия, насчитывающая среди своих граждан более 80 миллионов мусульман, имеет второе по численности мусульманское население в мире. Большинство индийских мусульман являются суннитами, около 20 процентов - шииты. Кроме того, существуют отдельные секты, а также сложившиеся общины - бохра, кашмирские мусульмане, мемоны, мопла и т.д.

Мусульманское население Индии вкраплено в различные этолингвистические общности и составляет их неотъемлемую часть. Специфика мусульманского общины сводится к наличию в ней значительно меньшей прослойки современной предпринимательской буржуазии и практически полному отсутствию предпринимателей монополистического капитала. В семейно-брачных отношениях мусульмане придерживаются предписаний шариата, но множество запрещено законом во всех без исключения религиозных общин Индии.

в) Буддизм.

Число последователей буддизма в Индии не превышает 5млн., хотя Индия место зарождения этой религии. Буддизм был основан в северной Индии примерно в 500г. до н.э., когда Гуатама - по рождению принц - достиг просветления - Стал Буддой. Он также и не является и последним в ряду просветленных. Буддисты верят, что возможность достичь просветления есть у каждого человека. В отличие от индуизма буддизм не признает института касты, его последователем может стать каждый, принявший его доктрину. В середине 50-х годов буддизм приняли почти 0,5 млн. хариджанов - махаров Махараштры. Будда никогда не записывал своего вероучения, поэтому, я думаю, что после его смерти образовались две буддийские школы - хинаяна (узкая колесница) - монашеский буддизм, предполагающий индивидуальный путь к спасению - нирване, махаяна (широкая колесница), важнейшим моментом в которой в отличие от хинаяны является не личное спасение ушедшего от всего мирского монаха , а активное религиозное воздействие монахов на на мирян. Особое значение в махаяне имеет культ бодисатв - сеществ, обладающих способностью стать Буддой. Согласно махаяне, бодисавты - небожители, но постоянно занимаются земными делами, добровольно отказываясь от погружения в нирвану из сострадания к людям. В махояме будды и бодисатвы становятся объектом почитания. Особое значение приобретают ритуал и обрядность. В буддийском искусстве появляется изображение Будды в облике высшего существа. Буддизм в Индии получил быстрое и широкое распространение после того как его последователем стал император Ашока. По мере расширения империи Ашеки распрастронилось и влияние буддизма. Для индусов Будда - одно из воплощений бога Вишну.

г) Сикхизм.

Религия сикхизма возникла а XUI веке, отразила протест мелких торговцев и ремесленников против кастового строя и феодального гнета. Основатель религии гуру Нанак признавал единого бога, а весь окружающий мир считал проявлением высшей силы творца. Нанак выступил против фанатизма и нетерпимости мусульманских правителей, а так же сложного ритуала и кастовой дискриминации в индуизме. Пятый гуру (всего их у сикхов 10) Арджун составил "Грантх" (святую книгу сикхов), в которую включил гимны индуистских и мусульманских святых, а так же сочинения сикхских гуру, главным образом гуру Нанака. Говинд Сингх, десятый гуру, превратил сикхов в военное братство, назвав его Халса (чистое). Термин "сикх" берет свое начало в санскритском термине "шишя" - последователь, послушник. Сикхизм привлек к себе крестьян признанием всех людей равными перед богом. Общая численность сикхов в Индии составляет 12 млн. человек. Они совершают религиозные отправления в своих религиозных храмах (гурдварах), которые расположены повсюду в северных районах страны. Наивысшей святыней для сикхов является "Золотой храм" в городе Амритсаре.

Чтобы выделить себя среди индусов и мусульман, сикхи носят "пять К": кеш (длинные волосы), кара (стальной браслет), качха (короткие трусы), кангха (гребень), кирпан (кинжал). Красочные тюрбаны и густые бороды сикхов нельзя незаметить в индийской уличной толпе. Сикхи жизнерадостны и предприимчивы. Все мужчины сикхи- добавляют к своему имени приставку "сингх" - лев, а женщины "каур" - львица.

д) Джайнизм.

В UI веке до нашей эры Вардхамана, именуемый Джиной и Махавирой, распространил религиозное учение джайнизм, суть которого заключается в проповеди аскетизма, воздержании и отказе от насилия.

Целью джайнов считается освобождение от перерождений (нирвана), достижимое, согласно джайнизму, для аскета, соблюдающего строгие правила, в частности ахимсы - непричинения вреда живым существам. Джайнистские монахи-аскеты носят повязку на губах, чтобы случайно не вдохнуть насекомое и тем самым не допустить греха.

Центральное место в джайнизме занимает учение о вечной душе, которая может вселятся последовательно в различные материальные тела. Спасения и вечного блаженства достигает тот, кто ведет наиболее правильную жизнь.

Еще много различных религий исповедуется в Индии, такие как Христианство, зороастризм, иудаизм, парсизм но на мой взгляд они уже не имеют столь важного значения для Индии, да и не настолько они значительны, чтобы много рассказывать о них.

5) Искусство Индии с прошлых времен.

а) Скульптура и живопись.

Классическое индийское искусство и скульптура основываются на религиозных сюжетах. Хотя отдельные образы художественного творчества были обнаружены в раскопках хараппской цивилизации, период его первого подъема приходится на время правления Маурьев, когда при императоре Ашоке своего пика достигло классическое буддийское искусство. Великолепные образы скульптуры этого периода можно видеть в Санчи. Будда изображался различными символами (колесо, трон и т.д.). Одновременно в Матхуре получила развитие другая школа. Она так же находилась под буддийском влиянии. Однако испытывала уже воздействие брахманизма - предшественники индуизма.

Последующее тысячелетие отмечено неуклонным развитием и совершенствованием индусского искусства. Уже на примере храмов Аджанты и Эллоры, находящихся близ современного города Аурангабада в Махараштре, можно видеть, как на смену застывшим в традиционных позах буддийским изображениям приходили необычайно выразительные и полные динамики фигуры индусских богов.

Приход мусульманских правителей с их нетерпимостью к другим религиям нанес огромный ущерб художественному творчеству Индии. Новой вершины индийское искусство достигло во времена великих Моголов. Они особенно поощряли традицию миниатюрной живописи.

б) Музыка.

В далекое прошлое уходит своими корнями индийская музыка. Ее особенность в том - что это мелодическая система, которая в отличие от европейской не обогатилась гармонией. В ней сблизились и растворились друг в друге самые различные формы - фольклорная музыка народов Севера, Востока и Юга Индии, религиозные песнопения индоариев.

Традиции индийской классической музыки передаются изустно, непосредственно от учителя к ученику, а не при помощи нотного письма. Основа индийской музыки рага - мелодическая форма, в рамках которой импровизирует музыкант.

в) Индийский танец.

Обнаруженная в древних руинах Мохенджодаро хрупкая фигура танцующей девушки - самое раннее произведение индийского искусства на тему танца.

Основными стилями классического танца являются бхаратнатьям, катхакали, катхак и манипури.

Из всех видов классического танца в Индии бхаратнатьям считается древнейшим в силу того, что он в наибольшей степени соответствует древнем текстам о танце. Религиозный по духу танец исполняется одной тансовщицей. Он отличается весьма стилизованной и сложной техникой.

Катхакали - важнейшее направление индийской танцевальной драмы. Представление обычно длится всю ночь. Сюжеты танца в основном взяты из эпических повествований "Рамаяна" и "Махабхарата".

В отличие от предыдущих танцевальных стилей катхак распространен на Севере Индии, и исполняют его как мужчины так и женщины. В современном виде он соединяет в себе два направления - религиозное и светское.

Стиль манипури - форма лирического танца Восточной Индии. Главным в манипуре являются танцы рас четырех основных видов. Все они посвящены Кришне и исполняются только женщинами в ярких расцвеченных блестками костюмах.

6) Заключение.

Итак, я доказала, что Индия страна с богатейшей культурой. Индия так же является страной, где удачно сочетаются различные виды и направления искусства. Те обычаи и направления искусства, которые есть в Индии не существуют больше ни в какой другой стране мира. Религия оказала огромное влияние на становление культуры Индии. Так как в Индии исповедуется масса религий, это и индуизм, и ислам, и буддизм, и сикхизм и т.д., а религии откладывают свои традиции на развитие культуры, то в культуре Индии великолепно переплелись те религиозные традиции, которые существуют там. И это сделало культуру Индии непохожей ни на одну другую культуру в мире.

             О религии Японии

Синто («путь богов»), синтоизм 
Синтоизм — национальная религия Японии, возникшая на основе тотемистических представлений древности, инкорпорировавшая культ предков и развившаяся под влиянием буддизма, конфуцианства и даосизма. Объектами синтоистского культа являются как предметы и явления природы, так и души усопших, включая души предков — покровителей семей, родов, отдельных местностей. Верховным божеством («ками») синтоизма считается Аматэрасу Омиками (Великая священная богиня, сияющая на небе), от которой, согласно мифологии синто, ведет свое происхождение императорская фамилия. Главная специфическая особенность синтоизма — глубокий национализм. «Ками» породили не людей вообще, а именно японцев. Они самым интимным образом связаны с японской нацией, отличающейся вследствие этого уникальным характером. 

В Японии насчитывается около 80 тыс. синтоистских святилищ (дзиндзя), в которых отправляют обряды свыше 27 тыс. священнослужителей (каннуси). В то время как крупные храмы обслуживают десятки каннуси, на несколько десятков мелких приходится по одному священнослужителю. Большинство каннуси сочетает служение синтоизму с мирскими занятиями, работая в качестве учителей, служащих местных муниципалитетов и других учреждений. Дзиндзя, как правило, состоит из двух частей: хондэн, где хранится предмет, символизирующий объект культа (синтай), и хайдэн — зал для молящихся. Обязательным атрибутом дзиндзя служит устанавливаемая перед ним арка П-образной формы — тории.
Главным источником доходов крупных храмов служат традиционные новогодние паломничества, когда количество посетителей каждого из них колеблется от сотен тысяч до миллионов. Солидную прибыль приносит и торговля амулетами, заклинаниями, предсказаниями судьбы. При этом одни из них «специализируются» на предотвращении дорожных катастроф, другие «уберегают» от пожаров, третьи «обеспечивают» сдачу экзаменов в учебные заведения и т. п. Внушительный доход синтоистскому духовенству приносят и находящиеся в ведении храмов залы для свадебных церемоний.

Синтоистский культ отправляется не только в дзиндзя. Его объектом может быть любой предмет, «святость» которого обозначается сплетенной из рисовой соломы веревкой — симэнава. Во многих семьях имеются домашние алтари — камидана, в которых объектами почитания служат таблички с именами предков.

Синтоистский обряд начинается с очищения, заключающегося в омовении водой рта и рук. Его обязательным элементом является чтение обращенных к божеству молитв. Завершается обряд ритуалом, в ходе которого каннуси и верующие выпивают по глотку рисовой браги, что символизирует вкушение «вместе с божеством» сделанных ему подношений.

Буддизм 

Буддизм наряду с синтоизмом — национальной японской религией — исповедуют большинство верующих японцев. 

В процессе утверждения буддизма в Японии сформировалось несколько его сект, или школ, которые, в отличие от новых религий буддийского происхождения, называются традиционными. Все они принадлежат к махаяне, или так называемой северной ветви буддизма. Самые древние по происхождению секты (Кэгон, Рицу, Хоссо), образовавшиеся еще в период Нара, со временем утратили свое влияние. 

Наиболее распространенным направлением буддизма в Японии является амидаизм, в котором основу культа составляет поклонение Будде Амитабха (яп. Амида) — повелителю Чистой земли — буддийского рая. Самые популярные амидаистские школы Дзёдо сю (Школа Чистой земли) и Дзёдо син сю (Истинная школа Чистой земли) были основаны в ХIII веке проповедниками Хонэном и Синраном. Культовая практика амидаистов — традиционное обращение верующих к Будде Амида за помощью. 

Большое распространение в Японии получила школа Дзэн, проповедующая достижение идеала буддизма — выявление в себе сущности Будды — путем погружения в углубленное самосозерцание. 

Дзэн-буддизм 

Получил широкое распространение в ХII–ХIII вв. В дзэн-буддизме выделяются две основные секты: Риндзай, основанная Эйсаем (1141–1215), и Сото, первым проповедником которой был Догэн (1200–1253). 

Особенность этого вероучения состоит в усиленном подчеркивании роли медитации и других способов психотренинга в достижении сатори. Сатори означает душевное спокойствие, равновесие, ощущение небытия, «внутреннее просветление». 

Особенно широкое распространение дзэн получил в ХIV–ХV вв. среди самураев, когда его идеи стали пользоваться покровительством сёгунов. Идеи жесткой самодисциплины, постоянного аутотренинга, непререкаемости авторитета наставника как нельзя лучше отвечали мировоззрению воинов. Дзэн нашел отражение в национальных традициях, оказал глубокое влияние на литературу и искусство. На основе дзэн культивируется Чайная церемония, складывается методика аранжировки цветов, формируется садово-парковое искусство. Дзэн дает толчок особым направлениям в живописи, поэзии, драматургии, способствует развитию боевых искусств. 

Искусство Японии.                           

Как повествует "Кодзики", древнейший памятник японского языка и литературы,

богиня солнца Аматэрасу дала своему внуку принцу Ниниги, обожествленному

предку японцев, священное зеркало Ята и сказала: "Смотри на это зеркало так,

как ты смотришь на меня". Она дала ему это зеркало вместе со священным мечом

Муракумо и священным яшмовым ожерельем Ясакан.

Эти три символа японского народа, японской культуры, японской государственности

передавались с незапамятных в мен от поколения к поколению как священная

эстафета доблести, знания, искусства. В истории японской культуры и искусства

можно выделить три глубинных, доныне живущих течения, три измерения японской

духовности, взаимопроникающих и обогащающих друг друга: синто ("путь

небесных божеств") - народная языческая религия японцев; дзэн -

наиболее влиятельное в Японии течение буддизма, бусидо ("путь воина") -

эстетика самурайства и смерти.

                        Живопись.                       

Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в

странах Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В

Японии, в частности, существует понятие единства каллиграфических и

живописных принципов. Соответственно в японской живописи, как и в китайской,

издавна большую роль играет линия и распространены монохромные картины.

Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует

преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского средневековья

довольно долго основным течением в живописи было суйбокуга. Произведения в

стиле суйбокуга создавались тушью, при этом показывалась игра света и тени на

предметах, но отсутствовали контурные линии.

Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в

начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и

туши.

Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры, имело

распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой

практики создавали определенный спрос на произведения этих видов искусства.

Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях

буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые

эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из

буддийской священной истории или из связанных с нею притч.

Японская живопись в VII веке была весьма еще проста и безыскусна.

Представления о ней дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма Хорюдзи,

отображавшие те же сцены, которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи

выполнены красной, зеленой и желтой краской на черном фоне. Некоторые росписи

на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего с аналогичными

росписями в Индии.

По мере дальнейшего распространения буддизма возник массовый спрос на

культовые изображения. В связи с этим профессия художника стала очень

распространенной, причем уже в VII веке среди мастеров, занятых созданием

картин, развивалась даже специализация: одни делали общий набросок рисунка,

другие раскрашивали его, третьи обводили контуры.

Рисунки на полотнищах эмакимоно в VII-VIII веках имели весьма простой,

близкий к символическому характер, изображениям не хватало динамики. Однако с

течением времени художественное качество рисунков эмакимоно возросло, и

лучшие из них весьма выразительны и совершенны.

С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи. До

наших дней дошла ширма под условным названием “Женщина с птичьими перьями”.

На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно ее украшены

перьями. Рисунок исполнен легкими, струящимися линиями.

Для буддийской живописи с IX века характерными являются изображения мандалы,

что на санскрите означает алтарь. При создании мандал использовались

дорогостоящие материалы. Например, “Такао мандала”, хранящаяся в монастыре

Дзингодзи, написана золотом и серебром на плотном фиолетовом шелке.

Своеобразным стимулом для развития японской живописи в IX веке явилось учение

одной из махаянистских сект (мёо) о том, что для избавления мира от страданий

и горестей необходимо лишь... создать изображение бодисатвы определенного, но

неизвестно какого вида. Творческое воображение художников заработало вовсю.

Примером такой картины является изображение бодисатвы, сохраняющего

государство, из храма Кон-гобудзи. На дошедшей до нас части этой картины

передано стремительное движение охваченной пламенем фигуры божества.

Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над

которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под

сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или стиле кара-э. Но со

временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться

светские по тематике картины в японском стиле, или стиле ямато-э (живопись

Ямато). В Х—XII веках стиль ямато-э стал господствующим в живописи, хотя

произведения сугубо религиозного характера все еще писались в китайском

стиле. В этот период получила распространение техника нанесения контуров

рисунка мельчайшей золотой фольгой.

В XI—XII веках появилось много выдающихся по технике исполнения произведений

чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы

создавали картины только на светские темы, такие картины изображали и на

складных ширмах и сёдзи.

Мы уже говорили о живописи на эмакимоно. Особенно большое распространение

эмакимоно получили с XII века, когда художники, создавая их, стали работать в

японском национальном стиле ямато-э. Религиозное содержание живописи на

эмакимоно постепенно уступает место светским мотивам. Объектами изображения

тут могли уже стать события японской истории, но трактуемые с точки зрения

буддийской морали.

Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является знаменитый

свиток XIII века “Хэйдзи-моногатари”, на котором запечатлено восстание,

поднятое в 1159 г. главой крупного самурайского клана Ёситомо Минамото. Как и

миниатюры в древнерусских летописях, свитки, подобные “Хэйдзи-моногатари”,

являются не только выдающимися памятниками искусства, но и историческими

свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они воспроизводили по горячим

следам бурные события княжеских усобиц второй половины XII века, воспевали

военные подвиги и высокие моральные качества вышедшего на арену истории

нового военно-дворянского сословия — самураев.

О художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно (свитков)

указанного времени можно судить по фрагменту из “Хэйдзи-моногатари” с

изображением одного из эпизодов войны — “Битвы у Рокухара”. При яростном

динамизме сцены и яркости ее художественного решения не устаешь удивляться

степени проработанности отдельных деталей. А ведь это лишь один из фрагментов

свитка! Выразительны лица захлебнувшегося в крике, атакующего всадника с

огромным луком в руках и мечом на поясе и бегущего справа от него пехотинца.

Отлично выписана черная лошадиная голова на переднем плане. Более условны,

почти как маски театра Но, напряженные лица самураев на заднем плане. Но и

они поданы в броске, в движении. Развеваются красные ленты за шлемом бегущего

слева воина с колчаном стрел за плечами, напряженно прижат к груди локоть его

левой руки. Мастерство художника в передаче движения, жеста не может не

вызвать восхищения- И при этом — свободное владение всем многообразием

цветовых оттенков, профессиональная точность в воспроизведении деталей

самурайских доспехов, оружия, конской сбруи.

В отличие от индивидуальных портретов самурайских военачальников — сёгунов,

фактических правителей страны, где поэтизируется внутренний мир самурая,

здесь, в рассмотренном фрагменте “Битвы у Рокухара”, воспевается внешняя

сторона “самурайства” — храбрость, натиск, агрессия, безжалостность к себе и

к другим. Это противоречие самурайской эстетики и этики замечательно

сформулировал живший в XVII веке поэт М. Кёрай в одном из своих трехстиший —

хокку:

Как же это, друзья?

Человек глядит на вишни в цвету —

А на поясе длинный меч.

(Перевод В. Марковой)

Впрочем, противоречие ли это? Может быть, здесь, на новом уровне,

воспроизводится извечная для японского духа и искусства гармония хаоса и

космоса, красоты и беспорядка, кротости и жестокости, ярости и

умиротворенности? Причем каждое из полярных качеств, свойств души и мира

доводится художником до максимального напряжения и подобно тетиве натянутого

лука. Да, воинам во всем мире — не в одной стране Восходящего Солнца —

приходилось не только любоваться цветущей сакурой или хризантемой в

монастырском саду, но и выполнять “черную работу” Истории — воевать, борясь

за объединение страны, защищая ее от врагов. И высокий смысл искусства

Камакура — времени расцвета бусидо и слияния его с философией дзэн — состоит

в том, что оно воспевало очистительную, всепоглощающую силу долга,

исполняемого и перед лицом смерти.

Ярким свидетельством появления светских мотивов в живописи стало состоящее из

четырех свитков известное эмакимо-но “Тёдзю гига” — сцены из жизни животных,

в том числе животных, подражающих людям. Это эмакимоно написано тушью.

Выдающимся по экспрессивности и технике исполнения является относящееся к

XIII веку эмакимоно “Ямай-но соси”, изображающее людей, пораженных различными

болезнями. Рисунки на этих свитках проникнуты своеобразным юмором. Известно

историческое эмакимоно “Повесть о монгольском нашествии. В период Муромати

(1392—1578) соотношение между буддийской живописью, живописью в японском

стиле и монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней. Но с

течением времени в ней появляются контурные линии. В буддийской живописи

также появляются новые формы. Например. выдающийся мастер монохромной

живописи Као Нин-га писал сильными, грубыми мазками. Стиль известного

художника Минтё, писавшего свитки на буддийские темы, представляет собой

нечто среднее между традиционной буддийской живописью и монохромной

живописью.

Величайшим художником периода Муромати является Сэссю (1420—1506), который

создал свой собственный стиль. Ему принадлежит выдающееся произведение

японской живописи “Длинный пейзажный свиток”, датированное 1486 г., имеющее в

длину 17 м при ширине 4 м. На свитке изображены четыре времени года. Сэссю

был отличный портретист, о чем свидетельствует написанный им портрет Масуда

Канэтака.

В последние десятилетия периода Муромати происходит процесс интенсивной

профессионализации живописи. В начале XVI века возникает знаменитая школа

Кано, основанная Кано Масанобу (1434—1530), который заложил основы

декоративного направления в живописи. Одним из ранних произведений жанровой

живописи школы Кано является роспись художником Хидэёри ширмы на тему

“Любование кленами в Такао”.

С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись, картины на

складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома

горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных панно — да-ми-э.

Такие панно писали сочными красками на золотой фольге.

Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце

XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку. Сога,

Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат не

только известным живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам.

В течение XVII—XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но их место

занимают новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы Маруяма-

Сидзе, Нанга, европейской живописи, а также школа, ратовавшая за возрождение

в живописи стиля ямато-э, т. е. старого японского стиля.

Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в Японии

практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото

новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др. Расцвет

специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства определил

основное направление развития японского искусства в XVII—XIX веках. При этом

подверглись изменению как формы “бытования” искусства, так и его общественная

функция. Например, в архитектуре утратило свою ведущую роль культовое

зодчество, зато была создана четкая отработанная форма жилого дома, имеющая

не только практический, но и несомненный художественный смысл. Соответственно

в живописи возросла роль декоративных интерьеров, росписей. Высочайшего

уровня достигла также гравюра на дереве, ставшая в XVIII—XIX веках главных

видом японского искусства.

Вообще искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется особым демократизмом

(потребителями его являются самые широкие круги горожан — третьего сословия)

и сочетанием художественного и функционального. Примером такого сочетания

является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное функциональное

назначение в интерьере японского жилища, предмет быта. Одновременно это —

картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный тонус жилища,

предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах написаны “Красные и

белые цветы сливы” — самое значительное и знаменитое из сохранившихся

произведений великого художника Огата Корина (1658—1716), шедевр, по праву

причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.

Одним из наиболее популярных жанров японской мелкой пластики были нэцкэ.

Происхождение их чисто практическое: поскольку традиционная одежда японцев не

знает карманов, все необходимые мелкие предметы прикреплялись к поясу с

помощью небольших брелоков — нэцкэ. Вместе с тем, сохранив свое

функциональное назначение, нэцкэ превратились в силу непреходящих

эстетических потребностей народа в разновидность тонкой миниатюрной

скульптуры.

В нэцке преломился художественный канон средневековья в сочетании с

ренесеансной раскованностью искусств в эпоху Эдо. Эти произведения

миниатюрной пластики как бы сфокусировали в себе тысячелетия пластического

опыта Японии: от диковатых догу Дзёмона, ханива Поздних Курганов до

канонической культуры средневековья, каменных будд и живого дерева Энку. Из

классического наследия заимствовали мастера нэцкэ богатство экспрессии,

чувство меры, завершенность и точность композиции, совершенство деталей.

Материал для нэцкэ был самым различным: дерево, слоновая кость, металл,

янтарь, лак, фарфор. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см в высоту)

мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась безгранично:

изображения людей, животных, богов, исторических лиц, персонажей народных,

поверий. Расцвет того чисто городского вида прикладного искусства приходится

на вторую половину XVIII века.

Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое время, в

прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру впервые

познакомились с феноменом японского искусства. Между тем в самой Японии

гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством, таким, как

живопись на ширмах или на свитках. Возникшая на стыке искусства и ремесла,

японская гравюра действительно имела все признаки массовой культуры — тираж,

доступность, дешевизну. Не случайно ее так и назвали — “укиё-э” (слово “укиё”

означает в переводе темное, мирское, обиходное”). Мастера укиё-э добивались

максимальной простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в их

воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из повседневной

жизни города и его обитателей: торговцев, артистов, гейш.

Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд первоклассных

мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава

Моронобу (1618—1694). Первым мастерам многоцветной гравюры был Судзуки

Харунобу, творивший в середине XVIII века. Главные мотивы его творчества —

лирические сцены с преимущественным вниманием не к действию, а к передаче

чувств и настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему изысканному

искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой городской среде

своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только разницей, что

вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали изящные гейши из

увеселительных кварталов Эдо. Художник Утамаро (1753—1806) представляет

собой, может бьть, уникальный в истории мировой живописи пример мастера,

безраздельно посвятившего свое творчество изображению женщин — в разных

жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших

его работ — “Гейша Осама” находится в Москве, в Музее изобразительных

искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно тонко передано художником единство

жеста и настроения, освещения и выражения лица.

Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая

(17СО—1849). Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве полнота

охвата жизни, интерес ко всем ее сторонам — от случайной уличной сцены до

величественных явлений природы. Творческая судьба Хокусая необычна.

Плодовитейший мастер, — ему принадлежит свыше 30 тысяч гравюр и рисунков,

более 500 иллюстрированных книг, — он обрел творческую индивидуальность лишь

в преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь великое множество знаний,

навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в видении мира и человека. В

возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую знаменитую серию гравюр “36 видов

Фудзи”, за нею последовали серии “Мосты”, “Большие цветы”, “Путешествия по

водопадам страны”, альбом “100 видов Фудзи”. Каждая гравюра — ценный памятник

живописного искусства, а серии в целом дают глубокую, своеобразную концепцию

бытия, мироздания, места человека в нем, традиционную в лучшем смысле слова,

т. е. укорененную в тысячелетней истории японского художественного мышления,

и совершенно новаторскую, временами дерзкую, по средствам исполнения.

“36 видов Фудзи”, представляющие священную гору японцев в разные времена года

и суток, при разном освещении, из различных мест страны — издалека, вблизи, с

моря, сквозь заросли бамбука, явились по существу первым в японском искусстве

образом родины, одновременно конкретным и обобщенно-символическим. Творчество

Хокусая достойно связывает многовековые художественные традиции Японии с

современными установками художественного творчества и его восприятия.

Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие шедевры,

как “Зимний пейзаж” Сэссю, Хокусай вывел его из канона средневековья прямо в

художественную практику XIX—XX веков, оказав и оказывая влияние не только на

французских импрессионистов и постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена,

Матисса), но и на русских художников “Мира искусства” и другие, уже

современные нам школы.

Искусство цветной гравюры укиё-э явилось в целом прекрасным итогом ,и, может

быть, даже своеобразным завершением неповторимых путей японского

изобразительного творчества.

                               Архитектура.                               

Для традиционной японской архитектуры характерны сооружения из дерева с

массивными крышами и относительно слыбыми стенами. Это не удивительно, если

учесть, что в Японии теплый климат и часто идут обильные, сильные дожди.

Кроме того, японские строители всегда должны были считаться с опасностью

землетрясения. Из числа дошедших до нас сооружений древней Японии

примечательны синтоистские храмы Исэ и Идзумо. Оба деревянные, с практически

плоскими двускатными крышами, далеко выступающими за пределы собственно

постройки и надежно защищающими ее от непогоды. Храм Идзумо - очень крупное

сооружение, высота его достигает 24 м.

Проникновение в Японию буддизма, с которым было связано столь важное для

средневекового искусства осознание человеком единства духа. и плоти, неба и

земли, отразилось и на развитии японского искусства, в частности архитектуры.

Японские буддийские пагоды, писал академик Н. И. Конрад, их "устремленные

ввысь многоярусные кровли с тянущимися к самому небу шпилями создавали то же

ощущение, что и башни готического храма; они распространяли вселенское

чувство и на "тот мир", не отделяя его от себя, а сливая "Трепетность Голубых

Небес" и "Мощь Великой Земли".

Буддизм принес в Японию не только новые архитектурные формы, развивалась и

новая техника строительства. Пожалуй, важнейшим техническим новшеством стало

сооружение каменных фундаментов, В древнейших синтоистских постройках вся

тяжесть здания падала на врытые в землю сваи, что, естественно, сильно

ограничивало возможные размеры зданий. Начиная с периода Асука (VII в.)

получают распространение крыши с изогнутыми поверхностями и приподнятыми

углами, без которых сегодня мы не можем представить себе японских храмов и

пагод. Для японского храмового строительства складывается особый тип

планировки храмового комплекса.

Японский храм, независимо от того, синтоистский он или буддийский, - это не

отдельное здание, как привычно думать, а целая система специальных культовых

сооружений, подобно старинным русским монастырским ансамблям. Японский храм-

монастырь состоял первоначально из семи элементов - семи храмов: 1) внешние

ворота (самон), 2) главный, или золотой храм (кондо), 3) храм для проповеди

(кодо), 4) барабанная или колокольная башня (коро или серо), 5) библиотека

(кёдзо), 6) сокровищница, то, что по-русски называлось ризница (сёсоин) и,

наконец, 7) многоярусная пагода. Крытые галереи, аналог наших монастырских

стен, как и ведущие на территорию храма ворота, нередко представляли собой

примечательные в архитектурном отношении самостоятельные сооружения.

Древнейшей буддийской постройкой в Японии является ансамбль Хорюдзи в городе

Нара (столица государства с 710 по 784 г.), воздвигнутый в 607 г. Правда, в

старинной исторической хронике "Нихонги" есть сообщение о большом пожаре в

670 г., но японские историки считают, что кондо и пагода монастыря Хорюдзи

уцелели от огня и сохранили свой облик начала VII в. В таком случае это самые

древние деревянные здания в мире.

Вообще все старинные памятники архитектуры в Японии построены из дерева. Эта

особенность дальневосточного зодчества обусловлена рядом причин. Одна из них,

и немаловажная, - сейсмическая активность. Но не только в прочности дело.

Дерево позволяет оптимально соединить, слить воедино творения рук

человеческих и творение природы - окружающий ландшафт. Гармоническое

сочетание архитектуры с пейзажем, считают японцы, возможно только тогда,

когда они состоят из одного и того же материала, Японский храм-монастырь

сливается с окружающей рощей, становится как бы ее рукотворной частью - с

высокими стволами колонн, сплетающимися ветвями кроншейнов, зубчатыми кронами

пагод. Природа "прорастает" архитектурой, и архитектура затем, в свою

очередь, "прорастает" природой. Иногда лесная стихия и самым непосредственным

образом вторгается в искусство. Ствол живого большого дерева становится

опорным столбом в традиционной японской хижине или колонной в сельском

святилище, сохраняя нетронутой первозданную красоту своей фактуры. А внутри

монастырских двориков, моделируя не только и не столько окружающий пейзаж, но

природу, вселенную в целом, развертывается своеобразный сад камней, сад

сосредоточенности и размышлени.

Замечательным примером японской архитектуры второй половины I тысячелетия н.

э. является : храмовый комплекс Тодайдзи, построенный в 743-752 гг.

В это время буддизм был объявлен государственной религией японцев. Вспомните,

что красота, великолепие архитектурных сооружений, посвященных "неведомому

богу", взегда имели первостепенное значение для обращения в новую веру

впечатлительных язычников и считались важным орудием насаждения нового культа.

Так и император Сёму - именно с его именем связано торжество буддийского

вероучения в Японии - решил построить в своей столице, городе Нара, памятник,

который не имел бы себе равных в других странах. Золотой храм (кондо) монастыря

Тодайдзи и должен был стать таким памятником. Если здания ансамбля Хорюдзи -

древнейшие в мире памятники деревянного зодчества, то золотой храм Тодайдзи -

самое большое в мире деревянное здание. Трудно поверить, но храм имеет высоту

современного шестнадцатиэтажного дома (48 м) при основании 60 м в длину и 55 м

в ширину. Строили храм шесть лет. Размеры его определялись ростом главного "

жильца": храм должен был стать земным домом легендарного Большого Будды -

уникального памятника средневековой японской скульптуры. Снаружи постройка

кажется двухэтажной из-за двух величественных, возносящихся одна над другой

крыш. Но на самом деле у храма единое внутреннее пространство, где и сидит вот

уже более 12 столетий задумчивый великан Дайбуцу. Правда, дерево - материал

недолговечный. За минувшие века Дайбуцу-дэн дважды горел (в 1180 и 1567 гг.),

но каждый раз, как Феникс, восставал из пепла в прежней красоте и величии.

Японские архитекторы воссоздают древние сооружения в точности один к одному,

так что можно все-таки считать, что в наши дни храм точно такой же, каким

увидели его когда-то восхищенные жители древней японской столицы.

Своеобразна в архитектурном отношении пагода Якусидзи, единственная в своем

роде, построенная в 680 г, (т. е. позже Хорюдзи, но раньше Тодайдзи) и также

находящаяся около древней Нары. Пагода Якусидзи имеет как традиционные для

пагоды архитектурные особенности, так и значительные отличия. Своеобразие

этой, очень высокой (35 м) башни заключается в том, что, будучи трехэтажной,

она кажется шестиэтажной. Да, у нее шесть крыш, но три крыши меньшего размера

имеют чисто декоративный характер. Чередование их с большими конструктивными

крышами сообщает башне своеобразный, только ей свойственный зубчатый силуэт.

Конструкции в Японии, стране деревянной архитектуры, редко бывают тяжелыми и

массивными. Всегда где-то присутствуют уравновешивающие, - а точнее

возносящие ввысь, - легкие и изящные детали. Например, птица Феникс на

Золотом павильоне. Для пагоды - это шпиль, продолжение центральной мачты,

устремленный с крыши пагоды в самое небо. Шпиль - самая существенная часть

пагоды, наиболее четко выражающая ее глубокую философскую символику.

Красив и своеобраюн шпиль пагоды Якусидзи (высота его 10 м) с девятью

кольцами вокруг, символизирующими 9 небес - представление, общее для

буддийской и христианской космологии. Верхушка шпиля - "пузырек" представляет

собой стилизованное изображение пламени с вплетенными в его языки фигурами

ангелов в развевающихся одеждах. "Пузырек" похож силуэтом и символикой на

нимбы буддийских святых.

Именно в нем - средоточие священной силы храма. Именно на нем, как на

своеобразном воздушном шаре, возносится к незримым вершинам буддийского рая

вся довольно громоздкая, воздевающая к небу уголки кровель постройка.

Буддийские храмовые комплексы различались по планировке в зависимости от

того, строились ли они в горах или на равнине. Для храмовых ансамблей,

построенных на равнине, характерно симметричное расположение зданий. В горных

условиях по самому характеру местности симметричное расположение зданий

обычно просто невозможно, и архитекторам приходилось каждый раз находить

конкретное решение задачи наиболее удобного расположения сооружений храмового

комплекса.

Интересным примером планировки храмового комплекса эпохи Хэйан является

ансамбль Бёдоин. В центре ансамбля, как принято, размещается главный храм -

храм Феникса, содержащий статую будды Амиды. Первоначально храм Феникса был

увеселительным дворцом, построенным при храме Бёдоин в 1053 г. По преданию, в

плане он должен был изображать фантастическую птицу Феникс с распростертыми

крыльями. Когда-то храм стоял посреди пруда, окруженный со всех сторон водой.

Его галереи, соединяющие главное здание с боковыми павильонами, были для

культовых целей совершенно не нужны, а построены как будто действительно для

придания храму сходства с птицей. Сзади также размещается крытая галерея,

образующая "хвост".

Храмовый комплекс богато декорирован украшениями. По храму Феникса мы можем

получить представление о характере дворцовых построек эпохи Хэйан.

Со второй половины VIII века в восприятии современников различия между

божествами синтоистского и буддийского пантеонов постепенно стираются, в

связи с чем в синтоистские постройки начинают вноситься элементы буддийской

архитектуры.

В это время в Японии уже существуют довольно крупные города. Столица Хэйан

(теперешнее Киото) протянулась с запада на восток на 4 км, а с севера на юг

на 7 км. Город строился по строгому плану. В центре находился императорский

дворец. Большие улицы пересекали город в шахматном порядке. Дворцовые

комплексы, как и храмовые, состояли из ряда зданий, включая культовые

сооружения. На территории дворцов сооружали водоемы, в том числе и

предназначенные для катания на лодках.

В VIII-XIV веках в японской архитектуре сосуществовало несколько

архитектурных стилей, разнящихся друг от друга соотношением заимствованных и

местных элементов, а также особенностями архитектурных форм и приемов

строительства.

С XIII века в Японии широкое распространение получил буддизм секты дзэн, а

вместе с ним и соответствующий архитектурный стиль (кара-э - "китайский

стиль"). Для храмовых комплексов секты дзэн было характерно наличие двух

ворот (главные ворота и ворота, следующие за главными), крытых галерей,

шедших справа и слева от главных ворот, и симметрично расположенных главного

храма, содержащего статую Будды (дом божества), и храма для проповедей. На

территории храмового комплекса находились также различные вспомогательные

строения: сокровищница, жилища священнослужителей и др. Основные храмовые

здания сооружались на каменном фундаменте и первоначально окружались навесом,

что превращало крышу в двухъярусную, позже этот навес часто не делали.

Выдающимся памятником светской архитектуры конца XIV века является так

называемый Золотой павильон (Кинкакудзи), построенный в 1397 г. в Киото по

приказу правите-ля страны Есимицу. Это также образец насаждавшегося дзэнскими

мастерами стиля кара-э. Трехъярусное здание с позолоченной крышей, - отсюда и

название "Золотой", - возносится над прудом и садом на легких столбах-

колоннах, отражаясь в воде всем богатством своих изогнутых линий, резных

стен, узорчатых карнизов. Павильон - наглядное свидетельство того, что

эстетика дзэн отнюдь не была простой и однозначно аскетичной" но могла быть и

изысканной, сложной. Ярусный стиль стал общим для архитектуры XIV-XVI веков

как светской, так и духовной. Соразмерность и гармоничность были главным

мерилом художественности, эстетической ценности сооружения.

Архитектура дзэн достигла вершины своего развития в XIV веке. В дальнейшем

упадок политического могущества секты сопровождался разрушением большей части

ее храмов и монастырей. Нестабильность политической жизни страны, войны

способстювали зато развитию замковой архитектуры. Расцвет ее приходится на

1596-1616 гг., но уже с XIV века замки строились в расчете на века. Поэтому

при их сооружении широко применялся камень. В центре замковых ансамблей

находилась обычная башня - тэнсю. Сначала в замке имелась одна башня, затем

стали сооружать несколько. Огромными размерами отличались замки Нагоя и

Окаяма. Они были разрушены уже в XX в ке.

Своеобразный, чисто японский тип архитектуры представляют чайные домики.

Чайная церемония, как принято считать, должна отражать дух "суровой простоты"

и "примирения", поэтому излишества считались невозможными. Насчитывается

свыше 100 типюв чайных домиков, начиная от имитирующих простую хижину и

кончая напоминающими красиво оформлен-ную шкатулку.

С конца XVI века возобновилось крупное храмовое строительство.

Восстанавливались старые монастыри, разрушенные в период междоусобиц, и

создавались новые. Некоторые были просто огромные. Так, "обиталище Будды" в

храме Хокодзи в Киото - одно из самых больших среди сооруженных в стране за

всю ее историю. Выдающимися для своего времени архитектурными произведениями

являются богато декорированные синтоистские храмы Одзаки хатиман-дзиндзя

(1607) и Дзуй-гандзи (1609).

В период Эдо (XVII в.). когда в стране установилась централизованная система

управления (сёгунат Токугава), естественно, наступил упадок замковой

архитектуры. Дворцовая архитектура, наоборот, получила новое развитие.

Замечательным образцом ее является загородный императорский дворец Кацура,

состоящий из трех примыкающих зданий, сада с прудом и павильонами.

Своеобразным и чисто национальным видом ландшафтной архитектуры являются

японские сады, как пейзажные при дворцах и храмах эпохи Хэйан и Камакура, так

и "философские", символические "сады камней", культивировавшиеся учителями

дзэн в более позднее время. "Нигде в мире сады не кажутся более таинственными

и символическими, чем те, которые были созданы мастерами секты дзэн", - писал

итальянский писатель Ф. Мараини.

Многочисленные скалы, вероятно, вдохновили великого дзэнского художника

Соами. когда он в конце XV века создавал сад "сухого пейзажа" Рёан-дзи в

Киото. Пустынное пространство белого песка выполняет здесь роль оправы для

камней, которые кажутся драгоценными в своей чистой, первозданной красоте. В

разбегающихся волнах сухого песка как бы закодировано море. Соами создавал

сад для могущественного властителя Хосокава Кацумото. Но каждый человек,

созерцающий этот сад, может "вычитывать" из него самое разное содержание:

море с его островами - космогонический символ самой Японии; одиночество

утесов, встающих среди водной глади; возвышенность горных вершин над морем

облаков и истины над облаками мнений и сомнений. И хотя буквальный смысл его:

тигрица с тигрятами вброд переходит реку, а символический: путь живых

существ, переплывающих море иллюзий в направлении к "берегу озарения", но

сколько зрителей - столько толкований. Как все великие произведения

искусства, сад Рёан-дзи служит отправной точкой созерцания и размышления,

новой для каждого посетителя, для каждого нового поколения.

Традиционная японская архитектура в целом достигла сво-его наивысшего уровня

развития уже в XIII веке. В период политической нестабильности, приходящейся

на XIV-XVI века, условия для развития искусства архитектуры были крайне

неблагоприятны. В XVII веке японская архитектура повторила свои лучшие

достижения, а кое в чем и превзошла их.

                       Скульптура.                       

Распространение в стране буддизма способствовало развитию в Японии искусства

скульптуры, поскольку отправление буддийских культов требовало скульптурного

изображения будд, бодисатв и т. п. Однако буддизм же в определенной мере и

сковывал это развитие, ибо единственным объектом изображения первоначально

был Будда, причем, как известно, буддийские художники при его изображении

вынуждены были считаться с весьма строгими предписаниями относительно того,

как, в каких позах, при каком расположении рук, ног, туловища и каким именно

образом он должен быть изображен.

В период Асука, т. е. после 650 г., уже существовало много изображений Будды.

В 650 г. выдающийся мастер этой эпохи Ямагути-но Атаногути по приказу

императора создал композицию "Тысяча будд".

Одной из наиболее древних статуй является статуя Будды в храме Гангодзи,

сделанная скульптором Тори Буси в начале VII века. Будда изображен стоя.

Высота фигуры 5 м. Известны изображения будд из бронзы. Например, скульптура

триады Сяка в Золотом храме ансамбля Хорюдзи. Однако преобладающая часть

буддийских скульптур выполнялась из дерева.

К числу памятников раннебуддийской скульптуры, восходящих к импортированным,

прежде всего, корейским образцам, но уже явно отмеченных своеобразием

японского гения. относится статуя Гусэ Каннон из храма Юмэдоно (дословно

"Павильон сновидений") в монастыре Хорюдзи. Фигура богини выполнена из одного

куска камфорного дерева. Искусствоведы считают, что это деревянная копия

бронзовой статуи, покрытая позже тонким листовым золотом.

Каннон - так называли японцы бодисатву Авалокитешва-ру. В Японии этот образ

слился с образом женского божества, выражающего идею материнской любви,

милосердия, милости ко всему жигущему.

Скульптура в Японии продолжала свое развитие и в период Нара, когда ранний

японский абсолютизм достиг расцвета (примерно вторая половина VII в.).

Скульптуры этого периода характеризуются уже большей творческой свободой

мастера, а лучшие отличаются пластичностью и правильностыо в передаче

пропорций человеческого тела. Прекрасными образцами искусства того периода

явля-ются голова Будды в храме Ямададэра и триада Якуси в храме Якусидзи. Как

и в других буддийских странах, в Японии периода Нара создаются огромные

скульптурные изображения будд и бодисатв, расположенные вне помещений.

Например, 18-метровая скульптура бодисатвы Мироку в храме Дайандзи. В целом

буддийская скульптура в Японии достигла в период Нара уровня лучших образцов

скульптуры других буддийских стран.

В поздний период Нара (VIII в.) была построена группа ведущих храмов, что

потребовало большого количества скульптур. В изображениях будд в этот период

отмечается более строгое следование канону. Вместе с тем буддийская

скульптура стала более разнообразной. Начала развиваться и портретная

скульптура.

Характеризуя особенности реализма в японской скульптуре того периода, академик

Н. И. Конрад писал: "Скульптура наделена живым человеческим лицом; но важна не

столько точная передача внешних черт портретируемого, сколько внутреннее

выражение средневекового портрета. Выражение же может быть реалистическим, если

оно соответствует внутренней природе изображаемого персонажа. Персонажи в

данном случае - святые, подвижники, проповедники; подлинное в них - именно то,

что делает их святыми, подвижниками, проповедниками. Вот эту истинную - для

данного случая - реальность, выраженную в человеческом облике, и демонстрируют

статуи эпохи Тэмпё (2-я и 3-я трети VIII в.). Для современного наблюдателя это

- скульптурные портреты очень разных людей с выразительными лицами, порою

нервными, чуть ли не издерганными, порою исполненными величавого покоя,

сосредоточенности, глубокого раздумья. А рядом с ними - то, с чем они, эти

святые, воевали, ради чего, во имя чего боролись.

Воевали они со злом, и вот оно - в образе ужасного демона. Боролись за добро, и

вот оно - в образе светлого божества".

Мы видим сосредоточенность и отрешенность в лице и в позе достигшего неба на

земле монаха Гандзина, основателя монастыря Тосёдайдзи (VIII в.); благость и

умиротворенность - в опущенных веках и молитвенно сложенных ладонях Гэкко-

босацу из храма Тодайдзи; яростную мощь и энергию, постоянную напряженную

готовность отразить удар, волю к сокрушению зла - в экспрессивной фигуре

стража Синконгосин из того же храма.

Скульптуры в период Нара создавались из глины, дерева, глины и дерева, сухого

лака без основы, металлов, камня. Одной из наиболее древних скульптур,

дошедших до нас и выполненных из дерева и глины, является скульптура

Конгорики-си - божества, охраняющего буддийское учение, созданная, как

предполагается, около 711 г. Скульптуры из сухого лака также порой достигали

внушительной величины - до 3 м. В конце периода Нара глиняная скульптура

начала исчезать, деревянная же продолжала развиваться. Об искусстве японских

скульпторов периода Нара косвенно свидетельствует наличие особых мастерских

для изготовления будд. Мастерские эти подчинялись особому учреждению -

приказу по строительству храмов Тодайдзи. В приказе были объединены

художники, резчики по дереву, скульпторы, мастера по лаку, специалисты в

области художественного литья и др. Здесь велась документация, из которой

можно узнать, какие мастера и когда выполнили те или иные художественные

заказы. Часть ее дошла до нас.

Одной из примечательных скульптур периода Нара является так называемый

Большой Будда - Дайбуцу. Работы по сооружению этого бронзового колосса

начались в 747 г. и завер-шились в апреле 757 г. Церемония освящения,Большого

Будды состоялась по требованию духовенства даже до завершения работ по

позолоте этой скульптуры. Гигантская фигура предназначалась для столь же

грандиозного, величественного храма Тодайдзи. В дальнейшем статуя Большого

Будды вместе с храмом несколько раз разрушалась и вновь воссоздавалась.

Дошедшая до нас скульптура почти полностью реконструирована в 1692 г.

Получила распространение такая точка зрения, будто сооружение Большого Будды

истощило страну, что способствовало росту политических противоречий. Так или

иначе, но после создания Дайбуцу мода на столь огромные статуи стала уходить

в прошлое. Количество вновь сооружавшихся крупных буддийских скульптур резко

сократилось.Развитие каменной скульптуры в Японии тормозилось отсутствием

подходящих материалов. До наших дней, правда, сохранилось много каменных

будд, но все же каменная буддийская скульптура в Японии распространена

значительно меньше, чем в других буддийских странах. От периода Нара до нас

дошли рельефные на камне изображения будд - так называемые будды дзуто. В

этот период вообще была довольно развита техника скульптурного рельефа.

Рельефы выполнялись на металле, камне, черепице и кирпиче.

В период Хэйан (X-XII вв.), буддийская скульптура получила дальнейшее

развитие и распространение. Это стимулировалось постепенным распространением

буддизма на все новые районы страны, возникновением буддийских сект. Так как

все они имели определенные различия в отправлении культа, то соответственно и

к произведениям искусства, необходимым для совершения обрядов, предъявлялись

особые требования.

Признаком высокого уровня развития скульптуры в период Хэйан является наличие

разных стилей, направлений. Специалисты выделяют несколько таких стилей, хотя

и не всегда достаточно обоснованно.

Что касается техники выполнения скульптуры, то для раннего Хэйанского периода

было характерно создание скульптуры из одного куска дерева. Получил развитие

и особый метод резьбы по дереву - хомбо. Скульптура из глины и сухого лака

постепенно исчезла. С начала XI века широкое распространение получил метод

киёсэ, который состоял в том. что скульптура изготовлялась по частям, которые

после обработки плотно соединяли друг с другом. Это метод так называемой

блочной скульптуры. Считается, что он был разработан и освоен скульптором

Дзете. Метод киёсэ возник на базе метода сэгура, заключавшегося в том, что

статую делали полой, причем постепенно полыми стали делать не только голову и

туловище, но и конечности.

Существенное значение для развития японской скульптуры, как и искусства в

целом, имело прекращение в Хэйанский период отправления послов на материк

(849 г.). Это способствовало накоплению элементов национального стиля.

Для Хэйанского периода является весьма характерным интенсивное развитие

живописи, которая оказывала влияние и на искусство скульптуры: мастера стали

уделять большее внимание живописно-пространственному ее решению в ущерб

объемности и пластичности. По-видимому, этим объясняется появление плоских и

декоративных скульптур, как, например, изображение божества Амида Нёрай,

главной святыни храма Бёдоин, исполненной знаменитым Дзете за несколько лет

до его смерти (1057 г.).

Большой спрос в обществе на предметы искусства, в том числе скульптуру,

вызвало появление в период Хэйан крупных объединений потомственных

скульпторов, например знаменитой киотской мастерской, основанной скульптором

Косе. Расцвет ее деятельности приходится на годы, когда она возглавлялась

сыном Косе Дзете и когда завершалось становление упоминавшегося выше метода

киёсэ. В конце хэйанского периода в Киото существовало несколько скульптурных

мастерских.

В начале периода Камакура (с 1185 г.) скульпторы продолжали развивать

традиции Хэйанского периода. Важную роль в этом сыграло само по себе

печальное событие - гибель в ходе жестоких междоусобиц наполненных

сокровищами искусства храмов Тодайдзи и Кофукудзи. Восстановление храмов

требовало воссоздания и погибшей скульптуры. Это обеспечило киотские

мастерские крупными заказами, что создало благоприятные условия для

дальнейшего развития японской скульптуры. Новое поколение киотских

скульпторов отказалось от установившихся шаблонов метода киёсу; ими были

уловлены новые, более близкие к действительности пропорции человеческого

тела, благодаря чему удавалось изобразить человеческое тело в движении.

Огромную роль в, совершенствовании японской скульптуры периода Камакура

продолжала играть мастерская, основанная Дзете. С нею связана деятельность

таких выдающихся скульпторов, как Кокэй, его сын Ункэй, ученик Ункэя Кайкэй,

известный также под именем Аннами.

Кокэй - автор многих замечательных скульптурных произведений. Среди них -

статуи шести священнослужителей из храма Кофукудзи, представляющие собой

прекрасные скульптурные портреты. Выдающийся талант Ункэя проявился, в

частности, при работе его над скульптурой Дайнити Нёрай в храме Эндзёдзи,

статуей бодисатвы Мироку, скульптурными портретами Сэйсина и Мутяку. Для

произведений Кайкэя характерен реализм и тонкая проработка деталей. Его

наиболее поздняя работа из широко известных - скульптура Амида Нёрай из храма

Тосёдайдзи.

Прекрасными скульпторами были также сыновья Ункэя: Танкей, Кобэн, Косе. Кобэн

создал, в частности, широко известные статуи злых духов с фонарями: Тэнтоки -

злой дух с фонарем в левой руке, Рютоки - злой дух с фонарем на голове.

Шедевром Косе является исполненная динамизма скульптура священника Куя при

храме Рокухарамицудзи.

В искусстве периода Камакура имели место реалистические тенденции, которые

нашли наиболее полное воплощение в портретной скульптуре, в том числе в

светской. Среди сохранившихся скульптурных портретов изображения известных

военачальников.

К концу периода Камакура уже не велось крупное храмовое строительство,

поэтому потребность в скульптуре уменьшилась. К тому же и войны, которые вели

между собой северные и южные властители страны, не способствовали развитию

искусств.

В последовавший за периодом Камакура период Муромати (1392-1568) получили

распространение реалистические скульптурные изображения животных, рельефы с

глубокой резьбой, а также маски для театра. Однако японская скульптура в

дальнейшем так и не сумела подняться выше того уровня, которого она достигла

в периоды Хэйан и Камакура, считающиеся классическими. После периода Камакура

ведущую роль в искусстве играли уже иные виды, прежде всего живопись и

прикладное искусство.

Но были, разумеется, и исключения. Например, в период Эдо жил и работал

замечательный мастер Энку. Деревянные скульптурные портреты Энку кажутся

очень современными. Между тем это XVII век. Никто не знает точно, когда

родился художник, умер он в 1695 г. Энку - его дзэнское прозвище, означающее

"Совершенная пустота". Вел он нищенскую, бродячую жизнь, может быть, даже не

был монахом. Странствуя. Энку в качестве платы за ночлег и миску вареного

риса вырезал из дерева простые и динамичные статуи любимых народом божеств.

Как художник Энку был чрезвычайно плодовит и изобретателен и нередко

совершенно отходил от официальной буддийской иконографии. Работы Энку

сохранились в самых неожиданных местах, от Хоккайдо до Сикоку, чаще всего их

можно встретить в маленьких деревенских храмах в окрестностях Нагоя. Любимым

его материалом была криптомерия - дерево с мягкой древесиной и ровной

фактурой. Скульптор рассекал ствол на четыре высоких куска и одну за другой

вырезал выразительнейшие фигуры - быстро и уверенно, в неистовом вдохновении.

Античная колыбель европейской культуры

СОДЕРЖАНИЕ

1. Античная колыбель европейской культуры

1.1 «Греческое чудо» и его причины

1.2 Важнейшие особенности древнегреческой культуры

1.3 Основные этапы развития культуры Древней Греции

1.4 Культура Древнего Рима

1.5 Античная культура и возникновение христианства

1.6 Библия как священный текст и памятник культуры

Список использованных источников

1. Античная колыбель европейской культуры

1.1 «Греческое чудо» и его причины

Культуры Древней Греции и Древнего Рима в силу их типологической близости принято объединять названием «античная культура» (лат. antiquues - древний) и рассматривать в качестве одного из важнейших источников европейского культурного развития последующих столетий. Если сравнивать древнегреческую и древнеримскую культуры между собой, то можно сказать, что наибольшей оригинальностью отличалась первая, а вторая развивалась под ее сильнейшим влиянием.

Культура Древней Греции (Эллады) поражает обилием своих достижений. Грецию называют родиной философии, европейского театра, демократии западного типа, Олимпийских игр. В Греции появилось искусство возвышенного реализма, утверждавшее идеал калокагатии (греч. kalos – прекрасный, agatos - добрый) – единство физической красоты и нравственного совершенства человека. В Греции берет начало ордерная архитектура (архитектурный ордер – строгая система рациональных соотношений между несомыми и несущими частями зданий стоечно-балочной конструкции). Здесь возникли и получили развитие главные жанры и виды литературы (эпос, поэма, трагедия, комедия, идиллия, эпиграмма, басня и т.д.). Названия многих наук, множества общеупотребительных научных и философских терминов имеют греческое происхождение (например, физика, астрономия, ботаника, антропология, динамика, атом, грамматика, политика, демократия…). Удивительно также общее количество знаменитых эллинов – талантливых и даже гениальных творцов культуры. Среди них: философы Сократ, Платон, Аристотель; трагики Эсхил, Софокл, Еврипид; комедиограф Аристофан; баснописец Эзоп; поэты Гомер, Сапфо, Анакреонт; скульпторы Фидий, Мирон, Поликлет; математик Евклид; врач Гиппократ; историк Геродот; изобретатель Архимед… При этом эллины всегда оставались относительно небольшим народом, и сроки расцвета их культуры были довольно сжаты («классический период» - V – IV вв. до н.э.). Ученые говорят о «греческом чуде» и пытаются определить его причины и условия.

Ряд авторов указывают на особенности ментальности (национального характера) эллинов, в т.ч. на их славолюбие и свободолюбие, предприимчивость и любознательность, любовь к публичности и развитое чувство прекрасного.

Эти особенности пытаются увязать с каким-то своеобразием природно-климатических условий и географического положения Греции. Говорят о мягком климате и разнообразии рельефа, о жизни эллинов в окружении гор и морей, о жизни на пересечении многих путей, по которым уже в древности двигались торговцы, пираты, завоеватели, происходила передача культурных ценностей.

Подчеркивают тот факт, что цивилизация эллинов вошла в фазу зрелости на пике т.н. «железной революции», что обусловило ее больший динамизм и склонность к инновациям – в сравнении с древневосточными цивилизациями, где еще в бронзовом веке успели сложиться чрезвычайно консервативные общественные структуры.

Немаловажно, что на землях, населенных эллинами, не было необходимости заниматься ирригационным земледелием, а в странах Востока именно оно служило одним из главных условий складывания деспотических государств, устойчивых и медлительных в своем развитии.

На небольшой территории Древней Греции (помимо ее собственно балканской части к ней относились острова Эгейского и Ионического морей, западное побережье Малой Азии, юг Италии, побережье Сицилии, колонии в Северном Причерноморье и Северной Африке) в течение ряда веков существовало несколько сотен полисов, городов-государств, в управлении которых так или иначе участвовали все граждане (свободные мужчины-землевладельцы). В полисах случались перевороты, между полисами завязывались войны, но в целом такая общественно-политическая организация содействовала развитию в людях-гражданах инициативы и ответственности, чувства собственного достоинства, любви к публичной деятельности, умения ставить и обсуждать проблемы.

Следует учитывать и то, что в Греции в отличие от древневосточных цивилизаций сформировалось рабство классического типа, для которого характерна массовая и жестокая эксплуатация рабов, бесправных «говорящих орудий». Существование рабства давало свободным более широкие возможности посвятить свой досуг политике, искусству, философии, спорту. Мало того, рабство прямо к этому подталкивало, поскольку для эллинов было принципиально важно культивировать в себе такие качества, которые подчеркивали их статус свободных граждан.

И конечно же, надо признать факт влияния на греков культур Древнего Востока. Например, греческий алфавит был создан на основе переработанной финикийской письенности, философы Пифагор и Платон ездили на выучку в Египет и Азию и т. д.

1.2 Важнейшие особенности древнегреческой культуры

Перечислим важнейшие особенности древнегреческой культуры.

1) Космизм (космоцентризм, космологизм) от греч. kosmos - организованный мир, вселенский порядок. Имеется в виду восприятие мира как живой и упорядоченной целостности, частью которой (микрокосмом) является человек. Более того, можно утверждать, что чувственно-материальный космос был для эллинов тем божественным Абсолютом, выше которого они не мыслили себе истины, красоты, порядка и справедливости. Боги, которым поклонялись эллины, выступали, по сути, персонификациями различных аспектов космоса.

2) Повышенный интерес к человеку, побуждающий некоторых авторов говорить даже об антропоцентризме. Но все-таки человек находился не в центре мироздания, а в центре внимания самих эллинов. Отсюда – отчетливый антропоморфизм древнегреческих богов. Отсюда – знаменитый философский тезис: «Человек – мера всех вещей». Отсюда и поразительный факт: самыми авторитетными текстами для эллинов были не мифы, посвященные богам, а две эпические поэмы, «Илиада» и «Одиссея», повествующие, главным образом, о приключениях и подвигах людей.

3) Утверждение ценности полиса как необходимейшего условия нормальной человеческой жизни. Философы, художники, поэты почитали своим естественным долгом прославлять собственный полис и воспитывать для него достойных граждан.

4) Культ человеческой телесности и одновременно слабый психологизм. Дохристианская античность не открыла «внутреннего человека», не познала бездну человеческой души (если, как говорят, глаза являются зеркалом души, то стоит заметить, что у древнегреческих скульптур нет взгляда…) В этом смысле культура Эллады, по определению ее знатока, философа А.Лосева, была внеличностной.

5) Аисторизм, т.е. неисторичность, неспособность воспринимать историю как единый и направленный процесс. В Греции появились авторы-историки, самые знаменитые – Геродот и Фукидид. Однако их сочинения – это рассказы о достопримечательностях, о славных событиях и великих людях, т.е. это перечень ярких фактов, которые так и остаются фрагментами, не объединенными логикой, не выстраиваемыми в тенденции.

6) Совмещение фатализма и героизма, которое с большой художественной силой выразила древнегреческая трагедия. Фатализм (лат. fatalis – роковой, fatum – судьба, рок, неизбежность) – признание всевластия судьбы. Если вдуматься, это прямой вывод из космизма, растворяющего человеческую активность в природных процессах и ритмах. Но эллины ценили мужество тех, кто спорит с судьбой, действует невзирая ни на что.

7) Агонистика (греч. аgonia - борьба) – нацеленность на постоянную борьбу, соперничество, на то, чтобы превзойти всех. Агональный дух буквально пронизывал все сферы жизни эллинов – и Олимпийские игры, и театральные постановки, и философские споры, и судебные тяжбы, и мифология, и политику. Он же и придавал древнегреческому фатализму героический характер. Видна связь агонистики эллинов с их представлениями о загробном мире – сумрачном и тоскливом царстве теней… Эллины хорошо бы поняли современный рекламный призыв: «Возьми от жизни все!», и не согласились бы с принципом: «Главное не победа, а участие».

8) Отвлеченный рационализм, любовь к истине ради истины – в отличие, например, от древних египтян, да и от римлян, искавших преимущественно прикладное знание. Переход от эмпирических (опытных) представлений к понятийно-доказательному, теоретическому знанию сыграл большую роль в становлении науки. Но ее развитию в античном обществе мешало господство в нем мифологического мышления, которому отдавали порой дань даже величайшие мыслители. По словам английского писателя Г.К. Честертона, «греки за дриадами не видели лес»…

1.3 Основные этапы развития культуры Древней Греции

В истории древнегреческой культуры обычно выделяют следующие этапы (периоды):

1) крито-микенский (III –II тыс. до н.э.)

2) гомеровский (XI – IX вв. до н.э.)

3) архаический (VIII – VI вв. до н.э.)

4) классический (V – IV вв. до н.э.)

5) эллинистический (IV – I вв. до н.э.)

Некоторые авторы, правда, отделяют первый и второй периоды от последующих, утверждая, что собственно древнегреческая культура начинается лишь с VIII в. до н.э.

Так или иначе, но древнейшие государства на территории современной Греции (да и всей Европы) появились на рубеже III –II тыс. до н.э. Сперва они возникли на о. Крит, где проживало негреческое население неизвестного происхождения (минойская цивилизация). Несколькими столетиями позднее на Балканском полуострове свои государства создали греки-ахейцы (ахейская цивилизация), которые в дальнейшем смогли взять под контроль и о. Крит, сильно пострадавший от извержения вулкана. Центрами государств минойцев и ахейцев были дворцы, из них самые известные – Кносс на Крите и Микены на Балканах. Дворцы являлись многофункциональными сооружениями, насчитывавшими 2 – 3 этажа, обширными по площади, благоустроенными. При раскопках в них были найдены прекрасные образцы фресковой живописи, вазописи, раскрашенных рельефов и ювелирных изделий. Искусство минойцев в целом кажется изящнее ахейского, критские дворцы в отличие от материковых лишены мощных крепостных стен и не так суровы на вид. Письменность минойцев («линейное письмо А») все еще не расшифрована, а вот ахейское «линейное письмо В» уже понятно ученым.

В XIII –XII вв. до н.э. государства ахейцев погибли, скорее всего, в результате нашествия северных племен, прежде всего, греков-дорийцев. XI – IX вв. до н.э. ученые называют темными веками греческой истории. Хотя именно в это время происходил переход из «бронзового века» в «железный век», культура в целом регрессировала: пришла в упадок городская жизнь, перестали строится дворцы, была забыта письменность, примитивизировалось искусство. Этот период еще именуют «гомеровским», поскольку многие его важные характеристики содержатся в поэмах «Илиада» и «Одиссея», которые традиция приписывает слепому поэту-сказителю Гомеру. Сам Гомер жил в VIII в. до н.э., а повествовать пытался о событиях еще XIII в. до н.э., о т.н. Троянской войне.

В архаический период (гр. аrchaikos - древний) греки развернули мощное колонизационное движение, расселяясь далеко за пределы Балканского полуострова и прилегающих островов. Столкновение с другими народами пробудили в них сознание собственного единства, что выразилось в появлении названий «эллины» и «Эллада». О высокой степени интегрированности греческого мира свидетельствовало и создание общего для всех эллинов пантеона во главе с богом-громовержцем Зевсом. В эпоху архаики сформировались те черты древнегреческого и в целом античного общества, которые будут сильно отличать его от других цивилизаций древности: полис как основная форма политической организации, демократия как форма правления, развитые частнособственнические и рыночные отношения, классическое рабство. В культурной жизни архаика ознаменовалась созданием алфавитного письма (путем переработка финикийской слоговой системы) и распространением грамотности; появлением архитектурных ордеров, монументальной скульптуры (каменной и бронзовой), театральных представлений (на базе культа бога Диониса), чернофигурной вазописи; возникновением философии – формы концептуального мышления, которое стремится открыть фундаментальные принципы и основы человеческого бытия. В архаический период жили философы Фалес, Анаксимандр, Анаксимен, Гераклит, Пифагор. Тогда же прославились поэты – лирики Архилох, Анакреонт, Сапфо. В 776 г. до н.э. состоялись первые Олимпийские игры, с момента которых эллины повели свое летоисчисление.

V-IV вв. до н.э. считаются временем наивысшего расцвета древнегреческой культуры, порой ее классики. Большое значение имела победа, одержанная эллинами в целой серии войн с Персидской державой (500 – 449 гг. до н.э.). Она содействовала росту патриотических настроений, укреплению идеи культурного превосходства эллинов над чужеземными «варварами». Правда, в условиях новой, Пелопонесской, войны (431 – 404 гг. до н.э.), разделившей и опустошившей Грецию, начался кризис полисной системы, который привел в конце IV в. до н.э. к установлению в Греции македонского господства. На фоне этих бурных социально-политических процессов протекала деятельность величайших мастеров культуры. Скульпторы Фидий («Зев Олимпийский», «Афина Парфенос»), Мирон («Дискобол»), Поликлет («Копьеносец») создавали образы идеальной человеческой красоты. Авторы трагедий Эсхил («Прометей прикованный»), Софокл («Царь Эдип»), Еврипид («Медея») выводили истории людей, погибающих под ударами судьбы, людей, мучимых сильными страстями, и, вызывая в зрителях сострадание и страх, достигали катарсиса – очищения их душ. Комедиограф Аристофан («Мир», «Всадники») остроумно высмеивал противников демократии и поборников войны. «Отец истории» Геродот написал «Историю» греко-персидских войн, а другой историк, Фукидид, - «Историю Пелопонесской войны». Философ Сократ учил сомневаться в очевидных, казалось бы, вещах и обретать истину в споре. Его ученик Платон стал одним из величайших философов-идеалистов в истории человечества. А ученик Платона Аристотель прославился как крупнейший энциклопедист древности, занимавшийся одновременно философией, историей, математикой, физикой, ботаникой, медициной, политикой, теорией искусства. Вершиной древнегреческой архитектуры явился комплекс сооружений на Афинском Акрополе, включавший парадные ворота – Пропилеи, храм Ники Аптерас (Бескрылой Победы), храм Эрехтейон и главный храм Афин – Парфенон.

Далекие завоевательные походы Александра Македонского на Восток (334 – 324 гг. до н.э.) положили начало последнему периоду в истории собственно древнегреческой культуры – эллинистичекому. Это было время интенсивного культурного взаимодействия греков с афро-азиатскими народами, время политической нестабильности, выражавшейся в частых войнах, подвижках границ и государственных переворотах. Оно породило изобразительное искусство, полное драматизма, движения, страсти (характерные примеры: скульптурная группа «Лаокоон», Алтарь Зевса в Пергаме, на котором была изображена битва олимпийских богов с гигантами). Наблюдался определенный кризис традиционных моральных ценностей. Получили распространение философские учения (эпикуреизм, стоицизм), призывавшие людей отказаться от активной общественной деятельности и заняться вопросами личного усовершенствования. В эпоху эллинизма творили великие ученые: Евклид, создавший элементарную геометрию, Эратосфен, рассчитавший размеры Земли, Аристарх Самосский, высказавший гипотезу о вращении планет вокруг Солнца, Архимед, ставший основоположником теоретической механики и изобретателем многих технических приспособлений и т.д. Крупным научным центром являлся Мусейон (храм муз) в Александрии. Эллинистический период завершился в I в. до н. э., когда последнее эллинистическое государство, Птолемеевский Египет, покорился новым завоевателям – римлянам.

1.4 Культура Древнего Рима

Согласно преданию, город Рим был основан в 753 г. до н.э. двумя братьями Ромулом и Ремом, потомками троянского героя Энея. Довольно рано римляне встали на путь завоеваний. В III в. до н.э. под их контролем находилась уже вся Италия, а в I в. до н.э. им покорилось и все Средиземноморье, включая Грецию. Образовалась Римская империя – крупнейшее государство Древнего мира.

С 30 г. до н.э., т.е. с момента присоединения к Риму эллинистического Египта, ведется отсчет римского периода в истории античной культуры. Для него характерны:

- значительное расширение пространственных границ античного мира (от Испании и Британии до Египта и Кавказа);

- сложные процессы аккультурации, взаимовлияние и слияние различных культур, прежде всего, конечно, римской и греческой, но также азиатских, африканских, североевропейских;

- ситуация религиозного синкретизма (европейцы начинают поклоняться восточным богам: египетской Изиде, иранскому Митре и т.д.; в Риме даже был построен Пантеон – храм всех богов; божественной фигурой со своим культом считался император; с I века распространяется новая религия, в будущем – мировая, христианство);

- при всем внешнем блеске, при выдающихся достижениях – нарастание симптомов культурного кризиса (распущенность нравов: адюльтер, проституция, гомосексуализм, педофилия; вульгарные и жестокие проявления массовой культуры: порнография, гладиаторские игры и показательные выступления зверей-людоедов на арене цирка).

Что касается последнего, то кризис позднеантичной культуры некоторые авторы связывают с развращающим влиянием рабовладения, другие – с языческим культом естественного, третьи видят в нем результат взаимодействия слишком разнородных культур.

Как уже говорилось, собственно римская культура кажется менее оригинальной в сравнении с греческой. Римляне изначально находились под сильным влиянием более древних культур своих соседей, сначала этрусков (от них были заимствованы т.н. римские цифры, гладиаторские игры, гадания по полету птиц и внутренностям животных и т.д.), затем эллинов (были восприняты их алфавит, ордерная архитектура, боги и т.д.). И все же римляне смогли создать и собственный культурный стиль. В нем они воплотили такие черты своей ментальности, как рассудочность и прагматизм, любовь к порядку и преклонение перед законом («Закон суров, но это закон!» - очень римское выражение), патриотизм и воинственность, стремление повелевать судьбами мира.

К числу наиболее самостоятельных и успешно развивавшихся аспектов древнеримской культуры относятся архитектура, скульптура и политико-правовая мысль. Римляне изобрели важный строительный материал – бетон. Это позволило им перейти к новому способу возведения зданий – монолитно-оболочному (эллины ранее открыли стоечно-балочный способ). Римские зодчие широко использовали такие элементы, как арка, свод и купол (крупнейший купол древности покрывал Пантеон в Риме). Они впервые стали строить «типовые» города, подчиненные единому плану и весьма удобные для жизни – с водопроводами и канализацией, мощеными дорогами и мостами, библиотеками и цирками, общественными банями (термами) и туалетами. Безусловно, наиболее интересным в архитектурном отношении был столичный город – Рим. Некоторые его знаменитые постройки сохранились, например, Колизей (амфитеатр Флавиев) и Триумфальная арка Тита. Римская скульптура превосходила греческую своим реализмом и психологизмом, вниманием к индивидуальным особенностям изображаемого человека (характерные примеры – скульптурные портреты императоров: Нерона, Веспасиана, Антония Пия, Марка Аврелия… ). Что касается римского права, то оно оказалось столь продуманным и систематизированным, что было прозвано классическим и до сих пор изучается юристами в качестве некоего образца.

В историю мировой культуры вошли имена великих римлян. Выдающимся оратором, само имя которого считается нарицательным, был Цицерон (106 – 43 гг. до н.э.). После себя он оставил сочинения по философии, политической теории и красноречию. Лукреций (ок. 96 – 55 гг. до н.э.) написал философскую поэму «О природе вещей», где заявил себя атеистом, сторонником атомарной концепции и идеи эволюционного развития жизни. Как философы-стоики прославились Сенека (ок. 4 до н.э. – 65 г. н.э.) и Марк Аврелий (121 – 180 гг.). Лучшими поэтами Древнего Рима называют Вергилия (70 – 19 гг. до н.э.), автора знаменитой «Энеиды», Горация (65 – 8 гг. до н.э.) и Овидия (43 г. до н.э. – 18 г. н.э.). «Естественную историю», обширную энциклопедию по физической географии, ботанике, зоологии, минералогии, написал Плиний Младший (61/62 – ок. 114 гг.). Укажем и видных представителей римской историографии – Тита Ливия (59 г. до н.э. – 17 г. н.э.), Плиния Старшего (23/24 – 79 г.), Тацита (ок. 58 – ок. 117 гг.), тем более, что у римлян в отличие от греков появилось представление о поступательном движении исторического времени, движении, вовлекающем в себя все человечество.

История самого Древнего Рима закончилась в V в. Еще в 395 г. Римская империя разделилась на две половины – Восточную и Западную. Что касается Восточной империи, то она, сокращаясь в размерах, просуществовала до 1453 г. А вот Западная погибла раньше – под грузом внутренних противоречий и ударами варварских племен. В 476 г. был низложен последний ее император. Правда, как показали дальнейшие события, память о Римской империи стала важным элементом самосознания европейской цивилизации, действенным фактором, стимулирующим ее интеграцию и территориальную экспансию.

1.5 Античная культура и возникновение христианства

В I веке нашей эры в Палестине, в среде евреев, появилась новая религия – христианство. Она стала быстро распространяться по территории Римской империи. Притом, что это государство было достаточно веротерпимым, его власти обрушили на христиан целую серию жестоких гонений. Лишь в 313 г. император Константин Великий своим Миланским эдиктом уравнял христиан в правах с представителями других религий. А к концу IV в. христианство и фактически, и юридически стало ведущей религией Римской империи.

Ученые говорят о социокультурных предпосылках возникновения и широкого распространения христианства. Многие считают его порождением духовного кризиса, поразившего античное общество, проявление протестных настроений, охвативших самые разнее слои населения. В христианском вероучении видят творческий синтез религиозно-философских идей, уже существовавших в античном обществе. Правда, сами эти идеи утрачивали прежнее влияние, а вот христианство оказалось способно дать массам людей новые зажигательные мечты и надежды, ободрило разочарованных, утешило униженных и оскорбленных.

античный культура греция римский христианство

Что касается самих христиан, то они утверждают сверхъестественное происхождение своей религии и ее исключительную оригинальность. Согласно христианскому вероучению:

- Бог есть Триединая Личность, Троица (Отец, Сын, Святой Дух) и Он же есть Любовь;

- от избытка Своей Любви Бог сотворил мир (из ничего за 6 дней!), а в нем – человека, удивительное существо, вмещающее в себя Образ Божий;

- изначально люди призваны к вечной жизни с Богом и бесконечному возрастанию в совершенстве, но уже первые из них, Адам и Ева, свернули с этого пути, впустили в мир грех и смерть;

- чтобы вернуть людям полноту общения с Собой, Сам Бог стал человеком – Богочеловеком Иисусом Христом (гр. слово «Христос» означает то же, что и еврейское слово «Мессия», а именно - помазанник);

- смерть Иисуса на кресте и Его воскресение имеют исключительное значение для спасения людей;

- те из нас, кто уверует во Христа, присоединится к Его Церкви (мистическому Телу Христа), будет жить по Христовым заповедям, те войдут в вечное Царствие Небесное;

- в будущем всех людей, и живущих на Земле, и живших, ожидает второе пришествие Иисуса Христа на Землю, в момент которого мертвые воскреснут во плоти.

Действительно, в христианстве присутствует много принципиальной новизны. Ни одна другая религия, например, не отводит человеку столь важного места в мироздании (через человека погибает и через человека спасается весь мир; человек – животное, получившее повеление стать богом). Ни одна религия, кроме христианства, не знает учения об уникальном, абсолютно реальном, спасительном для людей Боговоплощении. Христианство осуждает магию и астрологию, самоубийство, аборт и гомосексуализм; оно строго разводит секс и мистическую практику, что нечасто встречается в мире религий.

Победа христианства означала решительное изменение вектора культурного развития. Выражаясь словами философа А. Лосева, закончились «дни, когда человек молился на звезды, возводил себя к звездам и не чувствовал своей собственной личности». Теперь же человек получил возможность смотреть на звезды сверху вниз - с высоты собственной богоподобной личности. Античная культура ориентировала человека на получение максимального удовольствия от своего земного существования и потому чрезвычайно ценила власть и славу, богатство и секс, физические здоровье и красоту. Христианство же призывало людей готовиться к той вечности, которая ожидала их за гробом, и спасать прежде всего свои бессмертные души. Героями христианского общества становились не завоеватели и спортсмены (кстати, Олимпийские игры были отменены так же, как и гладиаторские бои), не блестящие красавцы и красавицы, а мученики за веру и монахи. И уже не природная красота, в том числе красота человеческого тела, манила художников, ибо она преходяща; художники пытались отразить в своих произведениях Свет Божественной истины, который искали в Библии и молитве, церковном культе, жизни и учении христианских святых.

Следует заметить, что разрыв с дохристианской античностью не был резким и полным. Да, победившие христиане разрушили многие языческие храмы и статуи языческих богов, во имя которых и перед которыми их еще недавно убивали. Но еще большее количество произведений античного искусства было сохранено христианами – их уничтожили те захватчики, которые опустошили сначала Западную, а затем и Восточную империю. Христианские власти закрыли философские школы, объединявшие антихристиански настроенных интеллектуалов, а в Александрии толпа фанатиков-христиан даже растерзала женщину-философа Аспазию. Однако христиане продолжали переписывать и изучать творения Гомера, Эсхила, Платона и других античных авторов. Мало того, само христианское богословие образовалось, как говорят, в результате «встречи Афин и Иерусалима», т.е. в результате синтеза античной философии и христианского благовестия.

1.6 Библия как священный текст и памятник культуры

Священным Писанием христиан, на котором базируется их вероучение, стала Библия. Это греческое слово в переводе означает «книги». Действительно, Библия содержит в себе несколько десятков книг, написанных в разное время разными авторами. По убеждению христиан, объединяет эти книги то, что все они богодухновенны, их соавтором был Сам Бог.

Библейские книги делятся на две большие части – Ветхий Завет и Новый Завет. В данном случае «завет» - это договор или союз, имеется в виду договор или союз людей и Бога. В Ветхий Завет вошли книги, написанные до Рождества Христова, точнее, они составлялись на протяжение почти тысячи лет до III в до н.э. Интересно, что иудеи, представители национальной еврейской религии, также считают Ветхий Завет своим Священным Писанием, только называют его иначе – ТаНаХ (это слово-аббревиатура, образованное тремя словами: Тора (Закон), Невиим (Писание), К(х)тувим (Пророки). Новозаветные тексты были записаны во II пол. I в., самое позднее, допускают ученые, в начале следующего столетия.

Разные группы христиан насчитывают в Ветхом Завете 39 (протестанты), 45 (католики), 50 (православные) книг. 39 книг – бесспорные, их признают и иудеи, про них точно известно, что они изначально существовали на древнееврейском или арамейском языках. 11 книг не сохранились на языке оригинала, но в III в до н.э. их включили в греческий перевод еврейского Писания (Септуагинту). Ветхозаветные книги весьма разнообразны по содержанию: есть книги исторические, пророческие, нравоучительные. В них рассказывается о творении мира и грехопадении первых людей; о том, как в водах всемирного потопа погибло развратившееся древнее человечество - кроме семьи праведника Ноя; о том, как от глубоких стариков, Авраама и Сарры, Бог произвел еврейский народ, через который объявил миру Свой Закон и пообещал из его среды выдвинуть Мессию – Спасителя людей.

Новый Завет с самого начала был записан на греческом языке. Он включает в себя 27 книг. Из них наибольшую важность имеют 4 Евангелия (по греч. - Благовестия), которые повествуют о событиях земной жизни Иисуса Христа: о Его рождении от девственницы Марии, о Его проповеднической деятельности, о чудесах, которые Он совершал, о том, как Христос добровольно принял смерть на кресте, воскрес и вознесся на Небо. За Евангелиями идут книга Деяний и послания апостолов (гр. посланник), ближайших последователей Иисуса. Замыкает Новый Завет таинственное Откровение (Апокалипсис) Иоанна Богослова, символически описывающее конец этого мира.

Свой нынешний состав Библия приобрела к началу V в. Церковные соборы утвердили канон (гр. правило, образец), обязательный и единственно правильный список библейских книг. За пределами его осталось большое количество апокрифов (гр. аpokryphos - тайный), текстов, которые Церковь объявила небогодухновенными, сомнительными, а некоторые – и прямо антихристианскими.

За истекшие века в адрес Библии раздавалось много критики. Говорили о ее противоречиях и фактических неточностях, о невозможности описанных в ней чудес, об устарелости ее морали и излишней жестокости некоторых библейских страниц. Но для 2 млрд. ныне живущих христиан, по крайней мере, для их большинства, Библия остается самой авторитетной книгой. И даже многие атеисты и иноверцы относятся к Библии с уважением – как к выдающемуся памятнику культуры. Они находят в нем и философские глубины (например, в Книге Иова, Книге Екклесиаста), и высокохудожественное повествование (например, в Псалтири), и нравственную проповедь общечеловеческого значения (например, в Евангелиях).

Безусловно, Библия последние полторы тысячи лет является основным текстом европейской культуры. Европейское искусство перенасыщено библейскими образами, символами, сюжетами. Примеров тому множество – от живописи Рубенса и музыки Баха до сказок Андерсена и фильмов Тарковского. Европейские философы, ученые, политики сплошь и рядом делают отсылки к Библии, ведут с ней явный или скрытый диалог. Массы европейцев употребляют библейские выражения как языковые штампы, порой даже не задумываясь об их происхождении (например, змей-искуситель, плод познания, ковчег спасения, вавилонское столпотворение, Содом и Гоморра, нищие духом, устами младенцев глаголет истина, Голгофа, Фома неверующий, апокалипсис и т.д.). Общее знакомство с Библией до сих пор является важным показателем европейски образованного человека.

Список использованных источников

1. Драч Г.В., Матяш Т.П. Культурология. Краткий тематический словарь – М.: «Феникс», 2001.

2. Эренгросс Б.А. Культурология. Учебник для вузов / Б.А. Эренгросс, Р.Г. Апресян, Е. Ботвинник – М.: Оникс, 2007.

3. Елопов А.П. Лекции по культурологи / Елопов А.П. – Мн., 2007.

4. Культурология. Учебное пособие Под редакцией А. А. Радугина – М., 2001.

5. Эренгросс Б.А. Культурология. Учебник для вузов / Б.А. Эренгросс, Р.Г. Апресян, Е. Ботвинник – М.: Оникс, 2007.

Художественная культура и искусство средних веков

4. Художественная культура средневековой Европы

Раздел второй. Развитие мировой культуры

Глава 5. Кулътура Западной Европы в средние века

4.1. Романский стиль

Первым самостоятельным, специфически европейским художественным стилем средневековой Европы был романский, которым характеризуются искусство и архитектура Западной Европы примерно с 1000 года до возникновения готики, в большинстве регионов примерно до второй половины и конца XII века, а в некоторых и позднее. Он возник в результате синтеза остатков художественной культуры Рима и варварских племен. На первых порах это был прароманский стиль.

В конце прароманского периода элементы романского стиля смешивались с византийскими, с ближневосточными, особенно сирийскими, также пришедшими в Сирию из Византии; с германскими, с кельтскими, с чертами стилей других северных племен. Различные комбинации этих влияний создали в Западной Европе множество локальных стилей, которые получили общее имя романского, в значении «в манере римлян». Поскольку основное количество сохранившихся принципиально важных памятников прароманского и романского стиля являются архитектурными сооружениями, различные стили этого периода часто различаются по архитектурным школам. Архитектура V—VIII веков обычно проста, за исключением зданий в Равенне (Италия), возведенных по византийским правилам. Здания часто создавались из элементов, изъятых из старых римских построек, или декорировались ими. Во многих регионах такой стиль был продолжением раннехристианского искусства. Круглые или многоугольные соборные церкви, заимствованные из византийской архитектуры, строились в течение прароманского периода; позднее они возводились в Аквитании на юго-западе Франции и в Скандинавии. Наиболее известные и лучше всего проработанные образцы этого типа — собор Сан-Витало византийского императора Юстиниана в Равенне (526—548) и восьмиугольная дворцовая капелла, построенная между 792 и 805 годами Карлом Великим в Ай-ля-Капелле (в наст, время Аахен, Германия), прямо инспирированная собором Сан-Витало. Одним из творений каролингских архитекторов стал вестворк, многоэтажный входной фасад, фланкированный колокольнями, который стали пристраивать к христианским базиликам. Вестворки были прототипами фасадов гигантских романских и готических соборов.

Важные здания конструировались также в монастырском стиле. Монастыри, характерное религиозное и социальное явление той эпохи, требовали громадных зданий, совмещавших в себе как жилища монахов, так и часовни, помещения для молитв и служб, библиотеки, мастерские. Тщательно проработанные прароманские монастырские комплексы были возведены в Сент-Галле (Швейцария), на острове Райхенау (Германская сторона озера Констанс) и в Монте-Кассино (Италия) монахами-бенедиктинцами.

Выдающимся достижением архитекторов романского периода была разработка зданий с каменными вольтами (арочными, поддерживающими конструкциями). Главной причиной для разработки каменных арок была необходимость замены легко воспламенявшихся деревянных перекрытий прароманских зданий. Введение вольтовых конструкций привело к всеобщему использованию тяжелых стен и столбов.

Скульптура. Большинство романских скульптур было интегрировано в церковную архитектуру и служило как структурным, конструктивным, так и эстетическим целям. Поэтому трудно говорить о романской скульптуре, не касаясь церковной архитектуры. Малоразмерная скульптура прароманской эпохи из кости, бронзы, золота изготавливалась под влияние византийских моделей. Другие элементы многочисленных местных стилей были позаимствованы из ремесел стран Ближнего Востока, известных благодаря импортированным иллюстрированным рукописям, резным изделиям из кости, золотым предметам, керамике, тканям. Были важны также мотивы, происходившие из искусств мигрировавших народов, такие, как гротескные фигуры, образы чудовищ, переплетающиеся геометрические узоры, особенно в районах севернее Альп. Крупномасштабные каменные скульптурные декорации стали обычными в Европе лишь в XII веке. Во французских романских соборах Прованса, Бургундии, Аквитании множество фигур размещалось на фасадах, а статуи на колоннах подчеркивали вертикальные поддерживающие элементы.

Живопись. Существующие образцы романской живописи включают в себя украшения архитектурных памятников, такие, как колонны с абстрактными орнаментами, а также украшения стен с изображениями висящих тканей. Живописные композиции, в частности повествовательные сцены по библейским сюжетам и из жизни Святых, также изображались на широких поверхностях стен. В этих композициях, которые преимущественно следуют византийской живописи и мозаике, фигуры стилизованы и плоски, так что они воспринимаются скорее как символы, чем как реалистические изображения. Мозаика, точно так же, как и живопись, была в основном византийским приемом и широко использовалась в архитектурном оформлении итальянских романских церквей, в особенности в соборе Св. Марка (Венеция) и в сицилианских церквях в Цефалу и Монреале.

Декоративное искусство. Прароманские художники достигли высочайшего уровня в иллюстрировании рукописей. В Англии важная школа иллюстрирования рукописей возникла уже в VII веке в Холи Айленде (Линдисфарн). Произведения этой школы, экспонирующиеся в Британском музее (Лондон), отличаются геометрическим переплетением узоров в заглавных буквах, рамках и ими густо покрываются целые страницы, которые называются ковровыми. Рисунки заглавных букв часто оживляются гротескными фигурами людей, птиц, чудовищ.

Региональные школы иллюстрирования рукописей в южной и восточной Европе развивали различные специфические стили, что заметно, например, по копии Апокалипсиса Беаты (Париж, Национальная библиотека), изготовленной в середине XI века в монастыре Сан-Север в Северной Франции. В начале XII века иллюстрирование рукописей в северных странах приобрело общие черты подобно тому, как то же произошло в то время со скульптурой. В Италии продолжало доминировать византийское влияние как в миниатюрной живописи, так и в настенных росписях и в мозаике.

Прароманская и романская обработка металлов — широко распространенная форма искусства — использовалась, главным образом, для создания церковной утвари для религиозных ритуалов. Многие из таких произведений по сей день хранятся в сокровищницах больших кафедральных соборов за пределами Франции; французские соборы были ограблены во время Французской революции. Другие металлические изделия этого периода — ранние кельтские филигранные ювелирные украшения и серебряные предметы; поздние изделия германских златокузнецов и серебряные вещи, инспирированные привозными византийскими металлическими изделиями, а также замечательные эмали, особенно перегородчатые и выемчатые, изготовленные в районах рек Мозеля и Рейна. Двумя знаменитыми мастерами по металлу были Роже из Гельмарсхаузена, германец, известный своими бронзовыми изделиями, и французский эмальер Годфруа де Клер.

Самым известным примером романского текстильного произведения является вышивка XI века, называемая «Гобелен из Байя». Сохранились и другие образцы, такие как церковные облачения и драпировки, однако наиболее ценные ткани в романской Европе были ввезены из Византийской империи, Испании и Среднего Востока и не являются продукцией местных мастеров.

4.2. Готическое искусство и архитектура

На смену романскому стилю по мере расцвета городов и совершенствования общественных отношений приходил новый стиль — готический. В этом стиле стали исполняться в Европе религиозные и светские здания, скульптура, цветное стекло, иллюстрированные рукописи и другие произведения изобразительного искусства в течение второй половины средних веков.

Готическое искусство возникло во Франции около 1140 года, распространилось по всей Европе в течение следующего столетия и продолжало существовать в Западной Европе в течение почти всего XV века, а в некоторых регионах Европы и в XVI веке. Первоначально слово готика использовалось авторами итальянского Возрождения как уничижительный ярлык для всех форм архитектуры и искусства средних веков, которые считались сравнимыми только с произведениями варваров-готов. Позднее применение термина «готика» было ограничено периодом позднего, высокого или классического средневековья, непосредственно следовавшего за романским. В настоящее время период готики считается одним из выдающихся в истории европейской художественной культуры.

Основным представителем и выразителем готического периода была архитектура. Хотя огромное число памятников готики были светскими, готический стиль обслуживал прежде всего церковь, самого мощного строителя в средние века, который и обеспечил развитие этой новой для того времени архитектуры и достиг ее полнейшей реализации.

Эстетическое качество готической архитектуры зависит от ее структурного развития: ребристые своды стали характерным признаком готического стиля. Средневековые церкви имели мощные каменные своды, которые были очень тяжелыми. Они стремились распереть, вытолкнуть наружу стены. Это могло привести к обрушению здания. Поэтому стены должны быть достаточно толстыми и тяжелыми, чтобы держать такие своды. В начале XII века каменщики разработали ребристые своды, которые включали в себя стройные каменные арки, расположенные диагонально, поперек и продольно. Новый свод, который был тоньше, легче и универсальнее (поскольку мог иметь много сторон), позволил решить многие архитектурные проблемы. Хотя ранне-готические церкви допускали широкое варьирование форм, при возведении серии больших соборов в Северной Франции, начавшемся во второй половине XII столетия, были полностью использованы преимущества нового готического свода. Архитекторы соборов обнаружили, что теперь внешние распирающие усилия от сводов концентрируются в узких областях на стыках ребер (нервюр), и поэтому они могут быть легко нейтрализованы с помощью контрфорсов и внешних арок-аркбутанов. Следовательно, толстые стены романской архитектуры могли быть заменены более тонкими, включавшими обширные оконные проемы, и интерьеры получали беспримерное до тех пор освещение. В строительном деле поэтому произошла настоящая революция.

С приходом готического свода изменилась как конструкция, форма, так и планировка и интерьеры соборов. Готические соборы приобрели общий характер легкости, устремленности ввысь, стали намного более динамичными и экспрессивными. Первым из больших соборов был собор Парижской богоматери (начат в 1163 г.). В 1194 году был заложен собор в Шартре, что считается началом периода высокой готики. Кульминацией этой эпохи стал собор в Реймсе (начат в 1210 г.). Скорее холодный и всепобеждающий в своих точно сбалансированных пропорциях, Реймсский собор представляет собой момент классического покоя и безмятежности в эволюции готических соборов. Ажурные перегородки, характерная черта архитектуры поздней готики, были изобретением первого архитектора Реймсского собора. Принципиально новые решения интерьера были найдены автором собора в Бурже (начат в 1195 г.). Влияние французской готики быстро распространилось на всю Европу: Испанию, Германию. Англию. В Италии оно было не столь сильным.

Скульптура. Следуя романским традициям, в многочисленных нишах на фасадах французских готических соборов размещалось в качестве украшений громадное количество высеченных из камня фигур, олицетворявших догматы и верования католической церкви. Готическая скульптура в XII и начале XIII века была по своему характеру преимущественно архитектурной. Самые крупные и наиболее важные фигуры размещались в проемах по обеим сторонам от входа. Поскольку они были прикреплены к колоннам, они были известны как статуи-колонны. Наряду со статуями-колоннами были широко распространены свободно стоящие монументальные статуи, форма искусства, неизвестная в Западной Европе с римских времен. Самые ранние из дошедших до нас — статуи-колонны в западном портале Шартрского собора. Они находились еще в старом доготическом соборе и датируются примерно 1155 годом. Стройные, цилиндрические фигуры повторяют форму колонн, к которым они были прикреплены. Они выполнены в холодном, строгом линейном романском стиле, который тем не менее придает фигурам впечатляющий характер целеустремленной духовности.

С 1180 года романская стилизация начинает переходить в новую, когда статуи приобретают ощущение грации, извилистости и свободы движения. Этот так называемый классический стиль достигает кульминации в первых десятилетиях XIII века в больших сериях скульптур на порталах северного и южного трансептов Шартрского собора.

Появление натурализма. Начиная примерно с 1210 года, на Коронационном портале собора Парижской богоматери и после 1225 года на западном портале Амьенского собора производящие впечатление ряби классические черты оформления поверхностей начинают уступать место более строгим объемам. У статуй Реймсского собора и в интерьере собора Сен-Чапель преувеличенные улыбки, подчеркнуто миндалевидные глаза, расположенные пучками на маленьких головках локоны и манерные позы производят парадоксальное впечатление синтеза натуралистических форм, деликатной аффектации и тонкой одухотворенности.

4.3. Средневековая музыка и театр

Средневековая музыка носит по преимуществу духовный характер и является необходимым составным элементом католической мессы. Вместе с тем, уже в раннем Средневековье начинает оформляться светская музыка.

Первой важной формой светской музыки были песни трубадуров на провансальском языке. Начиная с XI века песни трубадуров более 200 лет сохраняют влияние во многих других странах, особенно на севере Франции. Вершина искусства трубадуров была достигнута около 1200 г. Бернардом де Вентадорном, Жиро де Борнелем, Фольке де Марселем. Бернард знаменит своими тремя текстами о неразделенной любви. Некоторые из стихотворных форм предвосхищают балладу XIV века с ее тремя стансами из 7 или 8 строк. Другие рассказывают о крестоносцах или обсуждают какие-либо любовные пустяки. Пасторали в многочисленных строфах передают банальные истории о рыцарях и пастушках. Танцевальные песни, такие, как рондо и вирелай, тоже находятся в их репертуаре. Вся эта монофоническая музыка могла иногда иметь аккомпанемент на струнном или духовом инструменте. Так было до XIV века, пока светская музыка не стала полифонической.

Средневековый театр. По иронии истории, театр в форме литургической драмы был возрожден в Европе Римской католической церковью. Когда церковь искала пути расширения своего влияния, она часто приспосабливала языческие и народные праздники, многие из которых содержали театрализованные элементы. В X веке Многие церковные праздники обеспечивали возможность драматизации: вообще говоря, и сама месса является не более чем драмой. Определенные праздники были знамениты своей театральностью, как, например, шествие к церкви в вербное воскресенье. Антифонные или вопросно-ответные, песнопения, мессы и канонические хоралы представляют собой диалоги. В IX веке антифонные перезвоны, известные как тропы, были включены в комплекс музыкальных элементов мессы. Трехголосные тропы (диалог между тремя Мариями и ангелами у могилы Христа) неизвестного автора примерно с 925 г. считаются источником литургической драмы. В 970 году появилась запись инструкции или руководства к этой небольшой драме, включающая элементы костюма и жестов.

Религиозная драма или чудесные пьесы. В течение последующих двухсот лет литургическая драма медленно развивалась, вбирая в себя различные библейские истории, разыгрывавшиеся священниками или мальчиками из хора. Поначалу в качестве костюмов и декораций использовались церковные облачения и существующие архитектурные детали церквей, однако вскоре были изобретены более церемонные детали оформления. По мере развития литургической драмы, в ней последовательно представлялись многие библейские темы, как правило, изображавшие сцены от сотворения мира до распятия Христа. Эти пьесы назывались различно — пассионы (Страсти), миракли (Чудеса), святые пьесы. Соответствующие декорации поднимались вокруг церковного нефа, обычно с небесами в алтаре и с Адской пастью — искусно сделанной головой монстра с разинутой пастью, олицетворявшей вход в ад — на противоположном конце нефа. Поэтому все сцены пьесы могли быть представлены одновременно, причем участники действа передвигались по церкви с одного места на другое в зависимости от сцен.

Пьесы, очевидно, состояли из эпизодов, охватывали буквально тысячелетние периоды, переносили действие в самые различные места и представляли обстановку и дух различных времен, а также аллегории. В отличие от греческой античной трагедии, которая четко фокусировалась на создании предпосылок и условий для катарсиса, средневековая драма далеко не всегда показывала конфликты и напряжение. Ее целью была драматизация спасения рода человеческого.

Хотя церковь поддерживала раннюю литургическую драму в ее дидактическом качестве, развлекательность и зрелищность усиливались и начинали преобладать, и церковь начала выражать в адрес драмы подозрительность. Не желая терять полезных для себя эффектов театра, церковь пошла на компромисс, вынеся драматические представления из стен самих церковных храмов. То же самое вещественное оформление стало воссоздаваться на рыночных площадях городов. Сохраняя свое религиозное содержание и направленность, драма стала гораздо более светской по своему постановочному характеру.

Средневековая светская драма. В XIV веке театральные постановки связывались с праздником Тела Христова и развивались в циклы, включавшие до 40 пьес. Некоторые ученые считают, что эти циклы развивались самостоятельно, хотя и одновременно с литургической драмой. Они представлялись для общины в течение целого четырех-пятилетнего периода. Каждая постановка могла длиться один или два дня и ставилась один раз в месяц. Постановка каждой пьесы финансировалась каким-либо цехом или торговой гильдией, причем обычно старались как-то связать специализацию цеха с предметом пьесы — например, цех кораблестроителей мог ставить пьесу о Ное. Поскольку исполнителями были часто неграмотные любители, анонимные авторы пьес стремились писать легко запоминающимися примитивными стихами. В соответствии со средневековым мировоззрением, историческая точность зачастую игнорировалась и далеко не всегда соблюдалась логика причинно-следственных связей.

Реализм использовался в постановках избирательно. Пьесы полны анахронизмов, ссылок на чисто местные и известные лишь современникам обстоятельства; реалиям времени и места уделялось лишь минимальное внимание. Костюмы, обстановка и утварь были сплошь современными (средневековыми европейскими). Что-то могло изображаться сверхточно — сохранились сообщения о том, как актеры едва не умирали вследствие слишком реалистического исполнения распятия или повешения, и об актерах, которые, играя дьявола, буквально сгорали. С другой стороны, эпизод с отступлением вод Красного моря мог обозначаться простым набрасыванием красной ткани на египтян-преследователей в знак того, что море поглотило их.

Свободная смесь реального и символического не препятствовала средневековому восприятию. Зрелища и народные пьесы ставились повсюду, где только возможно, и адская пасть обычно была излюбленным объектом приложения сил для мастеров механических чудес и пиротехников. Несмотря на религиозное содержание циклов, они все более и более становились развлечениями. Использовались три основные формы постановок. В Англии самыми обычными были карнавальные повозки. Прежние церковные декорации сменились тщательно разработанными передвижными сценами, такими, например, как маленькие современные суда, которые перемещались в городе с места на место. Зрители собирались в каждом таком месте: исполнители работали на площадках повозок или на подмостках, построенных на улицах. В Испании делали так же. Во Франции применялись синхронные постановки — различные декорации поднимались одна за другой по сторонам длинного, приподнятого помоста перед собравшимися зрителями. Наконец, опять-таки в Англии, пьесы иногда ставились «вкруговую» — на круглой площадке, с декорациями, размещавшимися по окружности арены, зрителями, сидящими или стоящими между декорацией.

Пьесы-моралите. В тот же самый период появились народные пьесы, светские фарсы и пасторали большей частью анонимных авторов, которые упорно сохраняли характер мирских развлечений. Все это влияло на эволюцию пьес-моралите в XV веке. Хотя и написанные на темы христианского богословия с соответствующими персонажами, моралите не были похожи на циклы, поскольку не представляли эпизоды из Библии. Они были аллегорическими, самодостаточными драмами и исполняли их профессионалы, такие, как менестрели или жонглеры. Пьесы, такие, как «Человек» («Everyman»), обычно трактовали жизненный путь индивида. В числе аллегорических персонажей были такие фигуры, как Смерть, Обжорство, Добрые Дела и другие пороки и добродетели.

Эти пьесы местами трудны и скучны для современного восприятия: рифмы стихов повторяются, носят характер импровизации, пьесы в два-три раза длиннее драм Шекспира, а мораль объявляется прямолинейно и назидательно. Однако исполнители, вставляя в представления музыку и действие и используя комические возможности многочисленных персонажей пороков и демонов, создали форму народной драмы.