Музыка и живопись

 Музыка и живопись

(сл.1) Здравствуйте уважаемые гости. Сегодня я и мои помощники  - учащиеся ДШИ «Юбилейная» приглашаем вас в удивительное путешествие в мир искусства. Наше путешествие называется «Волшебный мир звуков и необыкновенный мир красок».

         Звук и цвет всегда существовали в природе и искусстве. Сопоставимы друг с другом тембр в музыке и колорит в живописи, мелодия в музыке и линия в живописи.

Каждое понятие, (сл.2) заимствовано из одной сферы искусства, обогащает и дополняет  другую область искусства. Мы часто сталкиваемся с такими словосочетаниями: «окрашенный звук»,  «серебряный голос», «звучание красок». Как они появились?

         (сл.3) Первые шаги к сближению различных  сфер искусства сделали греки, изображая на своих полотнах певцов и музыкантов, которые участвовали в различных театральных представлениях и состязаниях.

         В искусстве Древней Греции, особенно в росписях ваз мы видим играющих на авлосе, кифаре.  (сл.4) Всем хорошо знаком древнегреческий певец и музыкант – Орфей, запечатленный в полотнах художников со своей золотой лирой, подаренной ему Аполлоном.

(сл.5,6) О красоте исполняемых мелодий зритель мог судить по душевным переживаниям, отраженных на лицах исполнителей.

 К древним временам восходят и проходит через всю историю аллегорическое изображение музы обычно с каким-либо инструментом в руке.

Музы  — дочери Зевса, которому подчиняются все божества Олимпа. Музы - покровительницы поэзии, искусств и наук, — олицетворяют все то, что позволяет человеку вспомнить о подлинном и Вечном. 

(сл.7) Мельпомена и Талия — музы трагедии и комедии, в руках у них трагическая и комическая маски. Эти музы олицетворяют театр жизни, жизненный опыт человека.

(сл.8) – Клио, Эвтерпа и Талия.

Клио — муза истории, ее атрибутом является свиток пергамента или доска с письменами. Клио напоминает о том, чего может достичь человек и помогает найти ему свое предназначение.

Эвтерпа - муза музыки, в руках которой флейта, подсказанная и созданная самой Природой, дарующей людям очищение.

(сл.9) – Полигимния и Терпсихора

Полигимния — муза священных гимнов, веры, обращенной в музыку. Полигимния — это скромность и молитва, обращение ко всему самому дорогому и священному, ее атрибут — лира.

Терпсихора – муза танца, изображается обычно либо с лирой, либо танцующей. Она открывает людям гармонию между внешним и внутренним, душой и телом. 

(сл.10) Автор этих работ - Эсташ Ле Сюэр

Французский живописец, 17 века один из основателей Французской Академии живописи.
http://www.liveinternet.ru/users/2010239/post193902073/

(сл.11) Итальянский художник 16 века Микеланджело Меризи Караваджо  написал знаменитую картину «Лютнист», на которой изобразил находящегося во власти музыки молодого музыканта с красивыми руками и вдохновенным лицом.

(сл.12, 13) В средние века  и в эпоху Возрождения (14-16 вв)в живописи изображались народные певцы или музыканты на праздниках, горожане у очага, поющие или играющие на скрипке, волынке, виоле, лютне.

( сл.14) А так же поющие или трубящие ангелы и  покровительница музыки святая Сесилия у ручного органа или клавесина

Посмотрите видеоряд с Ангелами. Эти картины прекрасно сочетаются с пением хора мальчиков «Либера» из церкви святого Филиппа в Лондоне. Их называют «Ангельские голоса», потому что их мягкое пение проникнуто светлым и добрым чувством, парящим над обыденностью.

В период романтизма (18-19 вв) взаимопроникновение музыки и живописи имело 2 направления:

1 – создание живописных произведений, вдохновленных определенными музыкальными произведениями,

2 направление связано с музыкальностью в самой живописи.

Посмотрите, сколько появилось замечательных полотен с изображением музыкальных инструментов от эпохи романтизма до наших дней.  Музыкальные инструменты всегда были рядом с людьми в горе и в радости во все времена. Совсем не удивительно, что они часто появлялись на полотнах живописцев.

Видеоряд «Музыкальные инструменты 2»

Пейзажи в музыке и живописи (19-н.20 вв)

(сл.15) Пейзаж был ведущим жанров у импрессионистов как в живописи, так и в музыке. В природе зыбкие формы можно было наблюдать естественней всего. Клод Дебюсси, представитель импрессионизма в музыке любил изображать пейзажи. У Дебюсси много музыкальных пейзажей «Лунный свет», «Отражения», «Образы» и др. Они такие же зыбкие, как и у художников-импрессионистов.

Аудио Дебюсси «Море». (сл.16) З симфонических эскиза «Море» Дебюсси дают такой же план как и картины Моне: 3 изображения одного объекта – «От зари до полудня на море», «Игры волн», «Разговор ветра с морем». (сл.17 и 18) Дебюсси, писал музыку, вдохновленный картиной Хокусаи «Волна». (Сл.19)

 Картинами А.Ватто инспирированы его пьесы «Игры» и «Остров радости».

Сюжеты импрессионистов – живописцев и импрессионистов – музыкантов пересекались очень редко. Сходство ощущалось в чувствовании мира, фантастическом колорите.

                   Музыка невидима, а живопись не слышима. Но ассоциативно можно видеть музыку и слышать живопись.

(сл.20) Музыка вызывает зрительные представления, а живопись – слуховые. Эти представления опираются на жизненный опыт личности. Например: можно услышать «Вечерний звон» И.Левитана. Представим, что над золотистым плесом в густом вечернем воздухе плывут звуки колоколов. Т.о. мы воспринимаем картину как целостный образ, а не как непосредственно увиденное. При восприятии живописных полотен зримый образ может вызывать связанные с ним слуховые представления.

(сл.21) Те  открытия, которые художники-импрессионисты нашли в пейзажах они перенесли на другие жанры, например, портрет. Дега рисует балерин на репетициях, в поклонах, на отдыхе. В его балеринах чувствуется та воздушность и свет, которые были присущи импрессионизму.

Посмотрим видеоряд с изображением балерин художников различных эпох в сочетании с утонченным и воздушным вальсом современного композитора Яна Тирсена.

(сл.22) Музыкальность живописи М.Врубеля в том, что в его картинах важно не сколько событие, Сколько переживание. Одна из музыкальных картин – «Сирень». Это лирическое произведение. В картине ничего не происходит, но большую роль играет эмоциональное состояние переживаемое при ее просмотре. Этот лиризм и составляет внутреннюю музыку картины.

Русский композитор Сергей Рахманинов также был вдохновлен образом сирени и написал романс «Сирень». Послушаем его и посмотрим видеоряд.

         (сл.23) Художник 2 половины 19 века Джеймс Уистлер рисовал картины с музыкальным названием, подчеркивая роль колорита и цвета: (сл.24), (сл.25)«Симфония в белом», «Ноктюрн в синем».

         (сл.26) Поль Синьяк – французский художник –неоимпрессионист начала 20 века называл свои картины музыкальными терминами: «Скерцо», «Адажио».

Считается, что такие названия картин связаны с особым переживанием окружающей действительности. К таким полотнам применимы музыкальные термины «колористический аккорд, поющая линия».

(сл.27, 28) Звуковыми могут быть картины, изображающие музицирование на различных музыкальных инструментах, концерты, а так же картины, которые изображают сочинение и слушание музыки.

Музыкальные картины

(Сл.29) Рауль Дюфи (1877-1953), французский живописец, представитель кубизма и фовизма в искусстве, создал целую серию картин и рисунков (сл.30) под названием «Оркестр». Изображение музицирующих ансамблей, оркестров, солистов стало темой его творчества. (сл.31) Он стремился воплощать в живописи дух музыки («апофеоз Моцарта»,  «Мессы Генделя» и др.). Его картины изящны и легки, напоминают цветные рисунки. (сл.32) Его картина «Симфонический оркестр» строится на ритмах, которые образуют ряды различных групп инструментов симфонического оркестра. Ритмы штрихов и линий напоминают стремительный поток музыкальных звуков, переходящих от одной группы инструментов к другой, что вызывает ощущение оживленного движения музыки. Эта работа похожа на набросок, сделанный во время концерта. Быстрыми, порывистыми штрихами очерчены инструменты и фигуры музыкантов, что позволяет передать в картине стихию музыки. Кажется, что зритель может услышать исполняемое произведение – бурное и тревожное.

Искусствоведы говорят о таких картинах: «Даровитому композитору ничего не стоит, смотря на эту картину импровизировать чудесную элегию».

Синестезия – это особый способ чувственного переживания, при котором чувственные впечатления могут вызывать дополнительные качества. Такой особенностью обладал (сл.33) литовский художник и композитор М.К.Чюрленис, который  стал основоположником музыкальной живописи. Свои впечатления от сонат, фуг, прелюдий он выражал с помощью красок и создал созвучный им мир зримых образов. Это был живой, сердечный и открытый человек, любивший делиться своими впечатлениями. В общении с людьми вёл себя скромно и не старался выделиться.

Несмотря на свою скромность, он оказывал сильное влияние на своё окружение. Его близкий друг Влодзимеж Моравский говорил: «Все мы чувствовали, что среди нас находится необыкновенный человек, отмеченный не только выдающимся интеллектом, но и огромной моральной силой». «Когда Чюрлёнис был с нами, все мы были лучше. Рядом с ним не могло быть ни плохого человека, ни злых чувств. Он разливал особый свет.Единственное, что могло его вывести из себя, — это обращенная к нему просьба «объяснить» содержание той или иной его картины. Он негодовал «…почему они не смотрят. Почему не напрягают свою душу! Ведь каждый по-иному подходит и иначе воспринимает произведения искусства».^[1]

 В своих картинах ( около 300 произведений ) он стремился  к синтезу искусств и поискам аналогий музыки и изобразительного искусства. Последнее особенно явственно в таких произведениях, как «Соната солнца», «Соната весны» (1907), «Соната моря», «Соната звёзд» (1908). Создавал символически-обобщённые произведения, переносящие в мир сказки (триптих «Сказка», цикл «Сказка королей»; 1907), космогонических  мифов (циклы «Сотворение мира»,1904—1906, «Знаки Зодиака», 1907 циклы о природе - «Весна», «Зима», 1907.

Посмотрим картины Чюрлениса – видеоряд, познакомимся с его стихами и музыкой

         В настоящее время связь между музыкой и живописью остаются на уровне впечатлений.

(Сл.34 – 38) Лена Лью – современная американская художница таиваньского происхождения, создающая неповторимые нежные картины. «Я стремлюсь воплотить дух романтики, поэзии и музыки в моей живописи. То, что затрагивает мое сердце происходит через мои пальцы. Я пропускаю  свои сердечные импульсы через свои руки. Вы и я можем продолжать бесконечно разделять любовь к красоте природы и восхищаться блеском мира, который нас окружает.

Цветной слух

Между настроением музыки и цветом есть эмоциональная связь: ласковая музыка воплощается в нежных, пастельных тонах, радостная – в светлых, ярких цветах и оттенках.

Человек стремился передать свою гамму чувств и переживаний еще в 18 веке. Так возникла цветомузыка (сл.39). Монах Кастель один из первых придумал соединить  конкретный звук и цвет.  Он создал  специальное устройство, считается что это был клавесин с окошками,(сл.40) в которых при нажатии клавиши возникал соответствующий ей цвет. Монах Кастель использовал спектральные тона для передачи гармонии в музыке, подобно учениям Платона.

 Давно замечено, что быстро движущиеся тела издают звуки. При своей огромной удалённости от нас небесные тела должны нестись с гигантскими скоростями, а значит, и звучать. Отсюда делались выводы о гармоничных соотношениях расстояний между светилами и высотой самих звуков. Наиболее высокий звук издавала быстрее всех мчащаяся сфера звёзд, самый низкий - Луна, которая в своём месячном движении отстаёт от бега небесной сферы.

Монах продемонстрировал свое изобретение публике и его никто не понял, поскольку в начале 18 века музыка в основном звучала на балах и в церквях. Про цветомузыкальное устройство надолго забыли.

Только в 19 веке идея совмещения музыки и цвета была реализована английским художником Александром Римингтоном. Он имел технические навыки и построил цветовой орган. (сл.41) Изобретение представляло собой клавиатуру с фонариками, которые зажигались от нажатия клавиши. На экран из холста при этом проецировались пучки света. Римингтон использовал оттенки 3 цветов: красного, синего и зеленого. На экране бушевали красочные переливы, когда изобретатель нажимал на клавиши.

Это был 1893 год (сл.42). Композитор Скрябин написал симфонию «Прометей» в 1910 году. В партитуре которой стоит  строка «luce» - свет, записанная обычными нотами для инструмента – световой клавир. Эта идея прижилась, стала развиваться и получила техническое оснащение.

В настоящее время существуют разнообразные светодинамические устройства для реализации световых эффектов ( не обязательно напрямую связанные  с музыкальным сопровождением). В 1990 году французский композитор Жан Мишель Жарр показал на концерте в Москве необыкновенное, грандиозное цветомузыкальное представление, свидетелями которого стали 3,5 миллиона человек. Посмотрим фрагмент концерта.

 Считается, что идея формирования цветовых зрительных образов связана с наличием у человека цветного слуха. Цветным слухом обладали многие композиторы. Например:

Цветной слух Римского-Корсакова и Скрябина

Цветным слухом обладают и индийские музыканты. Индийская музыка уникальна по характеру, поскольку исполнителю или певцу дана совершенная свобода в выражении их души через свое искусство.

 Когда он находит себя настроенным на свой инструмент, на этот аккорд, его душа, ум и тело кажутся едиными с инструментом. Человек с чувствительным сердцем, слушая его песню, даже иностранец не останется равнодушным. Традиционные древние песни Индии, передавались от отца к сыну. Этот путь обучения музыке отличен от западного способа. Здесь музыка не всегда записана,  ей обучаются подражанием -  учитель поет, а ученик подражает.

Давайте настроимся на звучание прекрасной музыки Шопена и Рахманинова. Каков ее характер. Что вы себе представляете, какой цвет видите?

Посмотрите цвета тональностей, которые видели Скрябин, римский Косаков и индийский музыкант.

(слайды 44 – после прослушивания  мазурки Шопена до мажор, сл.45 после прослушивания прелюдии  Рахманинова соль мажор) Затем слайд 46

Предоставим слово учащимся школы искусств. Ребята расскажут о любимых музыкальных произведениях, покажут презентации, споют и станцуют.

PS. Видео и слайд-шоу можно посмотреть на сайте школы http://artschool.centerstart.ru/