БЕСЕДЫ ОБ ИСКУССТВЕ ИСТОРИЯ

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

Цели:

• обеспечить художественно-эстетическое, духовно-нравственное развитие личности учащегося на основе приобретенных им знаний, умений и навыков;
• выявить одаренных детей в области изобразительного искусства и подготовить их к поступлению в профессиональные учебные заведения.

Задачи:

Сформировать:

• представления        об        основных        этапах        развития        мирового        и отечественного изобразительного искусства;
• знания о многообразии художественных приемов и стилей, школ, направлений в искусстве;
• умения        определять        в        произведении        изобразительного        искусства основные черты художественного стиля, выявлять средства выразительности.

Развить:

• навыки восприятия произведений изобразительного искусства, умения выражать свое отношение к нему, проводить ассоциативные связи с другими видами искусств;
• навыки анализа произведения изобразительного искусства;
• личностные качества: эмоциональность, наблюдательность.

  «БЕСЕДЫ ОБ ИСКУССТВЕ»

Дети знакомятся с основными видами и жанрами изобразительного искусства, с множеством тем, образов, сюжетов. Следует рассказать о возникновении искусства и появлении различных его видов, техник, секретах старых мастеров. Важно постепенно формировать у учащегося привычку рассматривать произведение искусства, видеть его.

Основной вид учебного занятия – беседа.

Планируемые результаты освоения учебного предмета

 Знать:

• виды искусства и их классификацию;
• виды и жанры изобразительного искусства;
• виды живописи, графики, скульптуры, архитектуры;
• разновидности декоративно-прикладного искусства;
• выразительные средства и язык изобразительного искусства.

Уметь:

• оперировать понятиями виды и жанры изобразительного искусства;
• анализировать произведения изобразительного искусства;
• иметь представление о многообразии разновидностей профессии художника.

Тема 1. Виды искусства, их классификация. Выразительные средства искусства. Понятие виды искусства. Изобразительное искусство, литература, музыка, танец, кино, театр. Знакомство с произведениями различных видов искусства. Выразительные средства и язык изобразительного искусства. Основные виды изобразительного искусства: графика, живопись, декоративно-прикладное, скульптура, архитектура.

Тема 2. Виды изобразительного искусства. Типы изображений. Композиция. Деление видов искусства в зависимости от назначения и размера произведений: станковое, монументальное, миниатюрное, декоративно-прикладное. Типы изображений: реалистическое, условное и образное, абстрактное и беспредметное, декоративное. Выразительные средства искусства. Сравнительный анализ произведений живописи (Н. Хруцкий, А. Матисс, К. Малевич). Понятие композиция как составление или сочинение картины. Анализ художественных произведений.

Тема 3. Живопись. Виды живописи. Станковая живопись. Виды живописи, её художественные возможности и выразительные средства. Станковая живопись, материалы станковой живописи: акварель, гуашь, темпера, масло. От эскиза к картине. Свойства и состав различных красок, приёмы работы красками: акварелью «по сырому», «a la prima», лессировками, пастозно и т.д. Цветовой спектр. Цвета в разных сферах жизни. Понятие цветовой колорит. Нюансы, контрасты, цветовые гармонии. Палитры художников.

Тема 4. Живопись. Виды живописи. Монументальная живопись. Миниатюрная живопись. Виды живописи. Краткая история развития живописи. Разновидности монументальной живописи (фреска, мозаика, витраж). Миниатюрная живопись. Декоративно-прикладная живопись.

Выступления учащихся с подготовленными сообщениями на тему «Моё любимое произведение живописи».

Контрольная работа по теме «Виды живописи», работа с репродукциями, ответы на вопросы.

Тема 5. Жанры изобразительного искусства. Портрет. Основные жанры изобразительного искусства на примере живописи. Краткая история развития жанров. Портрет. Виды портрета. Роль композиции в портрете.

Тема 6. Жанры живописи. Натюрморт. Пейзаж. Натюрморт и его разновидности. История развития жанра. Пейзаж, развитие пейзажной живописи. Виды пейзажа.

Тема 7. Жанры живописи. Бытовой жанр. Сюжетно-тематическая картина. Виды жанровой картины.

Экскурсия в музей. «Выразительные средства живописи».

Тема 8. Графика как вид искусства. Рисунок. Виды рисунка. Виды графики. Знакомство с эстампом (литография, офорт, ксилография, линогравюра). Выразительные средства графики. Рисунок. Материалы и техники рисунка. Виды рисунка.

Тема 9. Гравюра. Виды гравюры, основные понятия. Развитие видов гравюрных техник. Гравюра высокой печати. Ксилография. Гравюра на металле и её разновидности. Гравюра плоской печати, литография.

Тема 10. Виды печатной графики. Плакат и его разновидности.

Прикладная графика. Графический дизайн. Шрифты.

Тема 11. Книжная графика. История книги. Основные части книги.

Шрифты. Виды иллюстраций.

Тема 12. Скульптура как вид изобразительного искусства. Предмет изображения в скульптуре, ее выразительные средства. Станковая и монументальная скульптура. Материалы и инструменты. Виды скульптуры. Круглая скульптура и рельеф.

Тема 13. Архитектура как вид искусства. Основные задачи, обзор основных выразительных средств, классификация архитектурных сооружений. Понятия интерьер и экстерьер. Дизайн интерьера.

Тема 14. Декоративно-прикладное искусство. Декоративно-прикладное искусство и его основные задачи. Узор и орнамент. Виды орнаментов.

Декоративно-прикладное искусство: народные ремесла.

Тема 15. Экскурсия в музей по теме «Виды изобразительного искусства». Закрепление материала на занятии в музее: в художественной экспозиции музея анализируются понравившиеся произведения. Возможно виртуальное посещение музея по выбору учащихся.

 «ИСТОРИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА»

Самое главное в ходе первого года обучения предмету «История изобразительного искусства» заключается в том, чтобы выработать у учащегося привычку рассматривать произведение искусства, видеть его. При изучении искусства Древнего мира нужно объяснить детям, что любое произведение создается конкретным человеком в конкретных исторических, географических и социальных условиях и является отражением его мировидения. И что при дальнейшем развитии искусства эти характеристики будут связаны с понятием стиля.

Основной вид учебного занятия – беседа.

Планируемые результаты освоения учебного предмета

Учащиеся к концу второго года обучения должны:

Знать:

• основные этапы развития искусства Древнего мира, Средних веков;
• ордерную систему в древнегреческой архитектуре;
• особенности        древнеегипетской,        древнегреческой,        древнеримской, средневековой архитектуры и скульптуры;
• условия формирования культуры Древней Руси;
• периоды развития древнерусского искусства;
• понятие синтеза искусств.

Уметь:

• различать романские и готические памятники;
• различать древнерусскую храмовую архитектуру;
• анализировать произведения изобразительного искусства;
• составлять библиографическую справку, рассказ об истории создания произведения.

Раздел 1. ИСКУССТВО ДРЕВНЕГО МИРА

Тема 1. Введение. Первобытное искусство. Для чего нужно изучать историю искусства. Специфика изоискусства. Теории происхождения искусства. Понятие первобытного и традиционного искусства в XIX–XX вв. Периодизация искусства. Основные темы и образы первобытного искусства. Эволюция первобытного искусства: от отпечатков рук до развитой изобразительной деятельности, которая положила начало письму – сначала пиктографии, а затем и в виде изобразительных знаков.

Специфика изображения человека. Палеолитические «Венеры». Формирование на ранних этапах основных видов изобразительного искусства: живописи, скульптуры, архитектуры. Росписи и рельефы в пещерах Альтамира (Испания), Ласко, Фон де Гом (Франция), Томская писаница в Сибири. Мегалитические сооружения: менгиры, дольмены, кромлехи. Стоунхендж в Англии.

Изменения в искусстве в эпоху мезолита: выявить причины. Наскальные изображения (петроглифы) Восточной Испании, Африки. Основная тема: изображение охотничьих и военных сцен. Переход от наглядного образа к знаку в искусстве неолита. Древнейшие памятники Северной Европы. Петроглифы Каменных островов на Ангаре и др.

Развитие первых ремесел. Возникновение орнамента.

Искусство Древнего Египта

Тема 2. Древнее и Среднее царства. Искусство эпохи Древнего царства, значение заупокойного культа в Египте, роль художника. Ансамбль первой в мире пирамиды Джосера в Саккара, пирамиды в Гизе и Сфинкс, Дом вечности фараона Хуфу – Великая пирамида. Магический характер изображений, связь с заупокойным культом.

Памятники скульптуры, типы статуй, их размер. Содержание рельефов на стенах гробниц, связь живописи с рельефом. Изобразительный характер древнего письма и специфическая условность приемов древнего искусства. Палетка фараона Нармера (Египет, конец 4-го тыс. до н. э.): выделить характерные черты, следование канону при изображении человека.

Рост значения погребальных храмов как центров культа фараонов в эпоху Среднего царства. Связь архитектуры с природой Египта. Обелиски, колоссальные изваяниям фараонов. Появление нового стиля в скульптуре, возникновение реалистического портрета, развитие жанра похоронной продукции – деревянных изображений слуг (ушебти).

Тема 3. Новое царство. Культовые центры и архитектурные памятники в Карнаке и Луксоре: выявить ориентацию по сторонам света и годовому движению солнца. Аллея сфинксов. Деятельность фараона-еретика Эхнатона. Шедевры Амарнского периода: сцены семейной жизни фараона, бюст царицы Нефертити, скульптурное изображение Эхнатона.

Египетский орнамент. Образцы произведений декоративно-прикладного творчества, характерные мотивы и цветовые сочетания. Связь орнамента с природой Египта и основными занятиями людей, с представлениями о загробной жизни. Образцы предметов быта из гробницы Тутанхамона и музейных коллекций.

Искусство стран Междуречья

Тема 4. Шумеры. Аккады. Искусство стран Междуречья. Археологические открытия XIX–XX вв. Основные занятия жителей – скотоводство и ирригация – как технологии, позволившие заселить Южную Месопотамию. Периодизация искусства.

Шумеро-Аккадский период (4-е тыс.–2300 г. до н. э.). Расцвет культуры и искусства времени правления Саргона I. Сложение культуры городов с многоэтажными домами. Два типа жилых построек: северный и южный. Урук – один из древнейших шумерских городов. Зарождение и эволюция письменности: от пиктографии (образное рисунчатое письмо) до клинописи. Ведущая роль архитектуры, характерные черты. Храмы-зиккураты, посвященные богу Ану и богине Инине. Погребальные сооружения курганного типа с погребальными камерами и саркофагами.

Скульптура Шумера. Создание образов богов, царей и правителей. Два типа статуй времени Гудеа. Изображения животных из камня. Появление рельефных фризовых многофигурных композиций: «Стела коршунов». Распространение каменных печатей, развитие геральдических композиций.

Тема 5. Ассирия. Вавилон. Персия.

Вавилонский период (2150–1000 гг. до н. э.) – время наивысшего расцвета искусства и культуры при царе Хаммурапи. Строительство городских укреплений, мелиоративных и ирригационных сооружений. Город Мари – типичный город Двуречья.

Дворцы царя и его приближенных. Украшения стен росписью и глазурованной плиткой. Особенности развития скульптуры: рельеф на диоритовом столбе свода законов царя Хаммурапи, диоритовый портрет царя Хаммурапи, алебастровая статуя богини Иштар.

Ассирийский период (1000–605 гг. до н. э.). Образование военной монархии, ее влияние на развитие архитектуры: возведение крепостей, каменных мостов и дорог. Развитие нового типа города – города-крепости с единой строгой планировкой. Дворцовые сооружения: дворец Саргона II в Дур-Шаррукине (711–707 гг. до н. э.), дворец Ашшурбанапала. Портальная скульптура. Рельефные композиции, батальные и охотничьи сцены из дворцового быта. Главная тема ассирийского искусства – героическая царская личность. Крылатые гении-хранители – шеду. Падение Ассирии под напором вавилонян и мидян.

Искусство Персии. Персия как наследница культуры Передней Азии. Имперский стиль. Рельефы дворца в Персеполе. Декоративно-прикладное искусство Персии. «Ахеменидский имперский стиль» создал единство культуры Инда до побережья Малой Азии и подготовил условия для нового этапа в искусстве – эллинизма.

Искусство Нововавилонского царства (VII–VI вв. до н. э.). Особенности искусства. Подъем культуры и искусства времени правления Навуходоносора II. Вавилон – политический, экономический и культурный центр Передней Азии. Архитектура – ведущий вид искусства. Храмовое, оборонительное и ирригационное строительство.

Особенности планировки Вавилона. Ворота богини Иштар. Главный храм Вавилона, посвященный Мардуку – «Эсагила». Рельефные композиции из цветной глазури с изображениями идущих львов, быков и драконов. Строительство зиккурата «Этеменанки» («Вавилонской башни») – жилища бога Мардука и его жены, богини утренней зари Сарпанит.

Светские сооружения: дворец Навуходоносора II. Технические особенности конструкции: возведение помещений на искусственных платформах. Новый тип дворцовых сооружений – «висячие сады». «Сады Семирамиды», возведенные на искусственных террасах.

Практическая работа: посмотреть по Интернету:

• документальный фильм «Художественная культура Месопотамии» (2005) из сериала «История мировой художественной культуры»;
• мультфильм «Легенда о Гильгамеше»: Детско-юношеский центр

«Старая мельница» /худ. рук. Л. Лазарева, мастерская анимации.

Античность. Древняя Греция

Тема 6. Искусство Эгейского мира (3-е тыс.–XI в. до н. э.). Открытие эгейской культуры археологами Генрихом Шлиманом и Артуром Эвансом – одно из важнейших завоеваний археологии начала XX в. Культура бронзового

века (побережье Эгейского моря). Кикладская скульптура.

Кносский дворец-лабиринт на острове Крит. Сложность плана постройки. Мотивы быка и игр с быком как один из самых характерных в критском искусстве. Критская керамика. Искусство Феры. Образы живописных фресок. Гибель острова Фера и критской культуры. Пришедшая на смену микенская культура, ее военный характер. Тиринф и Микены – древнейшие крепости Европы. «Циклопическая» кладка стен. «Львиные» ворота в Микенах. Сводчатая усыпальница. Мегарон или тронный зал. Золотые клады: «Маска Агамемнона» и «Клад Приама».

Тема 7. Древнегреческий храм. Ансамбль Афинского акрополя. Храм – ведущий тип общественного здания, сложение греческой ордерной системы. Соразмерность пропорций храма пропорциям человеческой фигуры. Виды и особенности греческого архитектурного ордера. Основные типы древнегреческих храмов: храм в антах, простиль, амфипростиль, периптер (классический тип греческого храма), диптер, толос, моноптер. Основные архитектурные памятники: храм Аполлона в Коринфе, храм Посейдона в Пестуме, храм Артемиды в Эфесе, сокровищница сифносцев в Дельфах.

Ансамбль Афинского акрополя – шедевр античного искусства. История Афинского акрополя. Миф о споре Афины и Посейдона и его отражение в композиции акрополя. Название основных сооружений (V в. до н. э.). Иктин и Калликрат. Мнесикл: «Пропилеи», «Храм Ники Аптерос», «Парфенон». Эрехтейон: «Портик кариатид». Использование ордерной системы в постройках.

Скульптурное убранство. Метопа Парфенона «Битва кентавров с лапифами». Творчество скульптора Фидия (V в. до н. э.): «Богини с восточного фронтона Парфенона», «Статуя Афины Парфенос» (сохранилась в уменьшенных римских копиях).

Тема 8. Скульптура Древней Греции. Зарождение монументальной пластики. Формирование гуманистического начала. Создание образа гармоничного человека. Развитие различных типов фигуры: тип «куроса» – обнаженной мужской фигуры, изображающей богов и атлетов («Аполлон Тенейский», «Мосхофор»); тип «коры» – одетой женской фигуры («Кора в пеплосе»).

Этапы        развития        греческой                скульптуры.                Миф         о        Пигмалеоне. Изображения как предмет религиозного культа, его атрибуты. Интерес скульпторов к типичным, идеальным чертам человека. Образ гражданина – воина        и        атлета        –        как                        центральный        в        искусстве        классики.        Творения прославленных скульпторов (сер.V в. до н. э.). Мирон: «Дискобол» (Рим, Национальный музей), «Афина и Марсий» (статуя Афины находится в музее Либигхаус во Франкфурте-на-Майне; статуя Марсия – в Национальном музее Рима). Поликлет: «Дорифор» («Копьеносец»; Неаполь, Национальный музей). Произведения                мастеров                поздней        классики        (сер.        IV                в.        до         н.                э.).

Противоречивые переживания человека в творениях Скопаса: «Менада» («Вакханка», Лондон, Британский музей). Состояние спокойной задумчивости в творчестве Праксителя: «Гермес с младенцем Дионисом» (Олимпия, Археологический музей). Создание Праксителем нового идеала женской красоты: «Афродита Книдская». Внесение в мифологические образы черт повседневной жизни: «Аполлон Сауроктон» (Рим, Ватикан).

Ломка старого и зарождение нового в эпоху Александра Македонского (IV в. до н. э.). Размежевание направлений – идеалистического и реалистического – на основе переработки лучших достижений классики. Спокойное величие и холодная торжественность. Леохар: «Аполлон Бельведерский» (Рим, Ватикан). Идивидуализация образа человека, раскрытие его переживаний. Лисипп: «Апоксиомен» (Рим, Ватикан), «Мраморная голова Александра Македонского» (Стамбул, Археологический музей).

Тема 9. Вазопись и греческий орнамент. Тесная связь вазописи с историческими этапами развития греческого искусства. Четыре стиля росписи (геометрическая, ковровая, чернофигурная и краснофигурная). Особенности греческого орнамента, характерные мотивы и элементы.

Тема 10. Эллинизм. Понятие эллинизм как культуры, возникшей на развалинах империи Александра Македонского и объединившей в себе черты греческой культуры и восточных традиций. Утрата душевного равновесия в образе человека. Возрождение монументального героического искусства:

«Ника Самофракийская» (ок. 190 г. до н. э., Париж, Лувр). Продолжение традиций высокой классики: Агесандр? «Венера Милосская» (ок. 120 г. до н. э., Париж, Лувр). Пергамская школа: рельефы «Алтаря Зевса» из Пергама (180–160 гг. до н. э., Берлин, Пергамон-музей). Стремление к патетике, внешним эффектам в родосской школе: «Лаокоон и его сыновья» (I в. до н. э., римская копия, Рим, Ватиканский музей). Искусство глиптики: «Камея Гонзага» (III в. до н. э., Санкт-Петербург, Эрмитаж).

Античность. Древний Рим

Тема 11. Искусство этрусков. Цивилизация этрусков (1-е тыс. до н. э., северо-запад Апеннинского полуострова). Городской характер цивилизации. Торговые отношения с греками. Заимствование внешних форм греческого искусства (алфавит, мифы, традиция аристократических пиров, охота и спортивные игры).

Черты этрусской архитектуры: использование арочных конструкций; тосканские колонны – широкие колонны с круглыми капителями – этрусский вариант дорического ордера; акротерии – статуи, установленные по углам и на вершине фронтона. Выдающееся достижение этрусков в архитектуре: принцип плотной подгонки каменных блоков и их опоры друг на друга, на котором основывается система арочного и сводчатого перекрытия.Тесная связь живописи с погребальной архитектурой. Гробницы Тарквинии – крупнейший центр росписей. Тематика фресок (сюжеты из земной жизни умершего). Связь скульптуры с культом мертвых. Канопы и саркофаги. «Крылатые кони из терракоты» (IV в. до н. э.). «Терракотовая статуя Аполлона храма в Вейо» (VI в. до н. э.). «Саркофаг супругов из Цере» (VI в. до н. э.). «Капитолийская волчица» (ок. 500 г. до н. э.). Декоративное искусство этрусков. Стиль черной керамики – буккеро.

Тема 12. Архитектура Древнего Рима. Основой художественного мышления римлян были точность и историзм мышления, суровая проза. Божества римлян – покровители отдельных видов человеческой деятельности. Влияние на        искусство        Древнего        Рима        других        народов        (этрусков,

греческих колонистов, культуры эллинизма). Достижения инженерного искусства, многообразие типов сооружений, богатство композиционных форм и масштаб строительства. Композиция древнеримского города. Форум, храмы, базилики, лавки торговцев, рынки. Колонны и портики. Форум Романум (VI в. до н. э.) – древнейший форум в Риме, Аппиева дорога, квадратный дом в Ниме, арка Тита в Риме, Колизей и др.

Главное завоевание римлян в строительстве общественных сооружений – создание огромных внутренних пространств, свободных от внутренних опор. Храм Пантеон в Риме. Основная форма перекрытия – цилиндрический свод из бетона и камня. Крестово-купольный свод. Создание ордерной аркады. Секрет долговечности римской архитектуры – водоупорный бетон.

  Тема 13. Скульптура и живопись Древнего Рима. Скульптурный портрет, бытовой и исторический рельеф с характерным документально точным повествовательным началом. Передача индивидуальных черт лица – в

традиции изготовления посмертных масок в связи с культом предков.

Особенности портретов республиканской эпохи и Римской империи. Шедевры римской скульптуры. Статуя оратора (Авл Метелл). Надгробная стела Вибия и его семьи. Статуя Августа из Прима Порта. Портрет Люция Цецилия Юкунда. Портрет Каракаллы. Портрет сириянки. Конная статуя Марка Аврелия в Риме. Основные черты античной фрески (греческая традиция). Фаюмские портреты, мозаики вилл и термы.

Раздел 2. СРЕДНЕВЕКОВОЕ ИСКУССТВО

Тема 14. Искусство Византии.

Раннехристианское искусство. Храм св. Софии в Константинополе. Образование Восточной части Римской империи. История термина Византия, преемственность греко-римской культуры. Величайшие достижения в области архитектуры: разработка идеи христианского храма на рубеже V–VI вв. как подобие небесного града Иерусалима.

Развитие композиции храма от варианта римской базилики до создания схемы крестово-купольного храма. Символика частей храма в их единстве. Скромная внешняя отделка сооружения и богатое внутреннее убранство как специфика византийских храмов, расположение мозаик в интерьере. Шедевр византийской архитектуры София Константинопольская (532–537 гг., зодчие Анфимий из Тралл и Исидор из Милета).

Византийская иконопись. Византийский орнамент. Роль церковного интерьера в византийском храме. Синтез искусств, воплощенный в стенных и плафонных росписях. Особенности иконописных изображений – посредников между видимым и невидимым миром. Изменение языка изображений святых: от реалистических индивидуальных образов до изобразительных элементов, которые приобрели характер условных знаков, закрепленных в каноне.

Развитие образа Иисуса Христа – от скромного юноши-пастуха до

образа Бога – грозного, непримиримого судьи. Именно Византия выработала все прообразы (архетипы) – постоянные иконографические схемы. Мозаики Софийского собора и собора Сан Витале в Равенне. Святой Лука как первый иконописец. Шедевр византийской живописи XI – начала XII в. – икона столичной  школы  «Владимирская  Богоматерь»  (иконографический  тип

«Умиление»). Взаимоотношение между изображением и молящимся.

Византийский орнамент. Слияние эллинистических и восточных традиций. Орнамент состоял из сплетений звериных (птиц, грифонов, барсов) мотивов, стилизованных растительных побегов, в частности, виноградных лоз. Формы утрачивают объемность, становятся более плоскими.

Характерные черты и мотивы орнаментального искусства: причудливая узорчатость, заимствованная у персов. Изображения животных на византийских тканях, заключенных в геометрические фигуры – круги или многоугольники. Сильно стилизованные растительные формы, которые разделяются на простейшие элементы (пальметику, полупальметику и вьющийся стебель). Древовидные композиции. Наиболее употребляемые цвета в византийском орнаменте: ярко-зеленый, ярко-красный, фиолетовый, пурпурный.

Своеобразный византийский стиль, заимствовав и переработав орнаментальные формы других народов, оказал влияние на искусство стран Западной Европы и Востока, и в особенности – на русское искусство.

Средневековое искусство Западной Европы

Тема 15. Романский стиль. Новый виток развития культуры, иной тип христианского мировоззрения. В средневековом сознании появилось новое качество – символичность мышления – непознаваемость Бога-Творца, которого нельзя увидеть, понять его помыслы. Ценность всего сущего

заключается в той степени, в какой в нем присутствует Божественное начало.

Многоярусная система Бытия приобретает новое иерархическое значение. Каждый более высоко расположенный ярус и все, что в нем находится, ближе к Богу и дальше от преисподней, Сатаны (в самом нижнем ярусе). Чем ближе к преисподней, тем более греховно существо, поэтому исчадьями ада считались все ползучие гады – змеи, ящерицы, жабы. Главным выразителем новых представлений был средневековый храм.

Искусство средневековья – единый нерасторжимый ансамбль, объединяющий вокруг архитектуры различные виды искусства: монументальную живопись, скульптуру и декор. Возникновение термина романский стиль. Формы церковной (монастыри) и военной (замок феодала) архитектуры, их конструктивные и образно-художественные особенности.

Отличительные черты романской архитектуры: строгая простота, монументальность монастырских церквей, тяжеловесность формы, сумрачность помещений. В скульптурном декоре храмов преобладает рельеф. Соединение мотивов фантастических существ и христианских сюжетов на храмах как последствие переплетения в народном сознании языческих и христианских представлений.

Тема Бога – защитника и судьи – главная в изобразительном искусстве. Отношение к изображениям монументальной живописи («книга для неграмотных») определяет роль художника в обществе: доносить текст Библии в зримых образах. Повествовательный характер светских произведений. Ковер из Байе.

Тема 16. Готический стиль. Основным достижением европейской готики была разработка гигантского собора как архитектурно-художественного и культурного центра средневекового города. Возникновение стиля во Франции. Конструктивные принципы новой архитектуры: каркасная система и стрельчатый свод, позволившие увеличить

высоту сооружений и наполнить их светом. Устремленность ввысь, многообразие декоративных форм, игра светотени готических соборов.

Собор – центр городской жизни и ведущий тип строительства. Горожане и ремесленники – заказчики статуй, рельефов, витражей. Собор Парижской Богоматери. Скульптурная программа собора («каменная Библия»). Витражи как разновидность монументальной живописи, олицетворение света витражей с христианской верой. Собор как воплощение комплекса представлений о мироздании. Сплетение фантастических и реальных мотивов в орнаментике.

Развитие стиля готических соборов от Парижа и Шартра до соборов зрелой готики в Реймсе и Амьене. Кирпичная готика Германии. Реалистичность жанровой и портретной скульптуры собора в Наумбурге.

Искусство средневекового орнамента. Декор храма как гигантский орнамент. Типы готического декора: 1) декор чисто орнаментального характера; 2) декор, в котором фигуры становятся более объемными и тщательно проработанными и как бы отрываются от стен. Причины взлета средневековой орнаментики – в слиянии традиций кельтского орнамента (плетенка) с искусством Византии и арабо-мусульманской культуры. Формула, воплощавшая новые художественные идеи и одновременно средневековую систему Бытия: похожая на пирамиду фигура, стороны которой в вершине сливаются в устремленную в бесконечность вертикаль.

В последний этап развития готики вместо пирамиды появляются вибрирующие, словно языки пламени, орнаментальные ритмы, которые отражают внутреннюю напряженность и крах мифологического сознания. Колорит витражей строится в основном на фиолетово-лиловой гамме – этот цвет символически воспринимался как цвет устремления души молящегося христианина ввысь. Готический шрифт – один из самых красивых в мире.

Раздел 3. ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ РУСИ

X – начала XV в.

Тема 17. Искусство Киевской Руси. Культура и искусство Киевской Руси как общее наследие русского, украинского и белорусского народов. Связи Киева с Византией. Политическое и культурное значение принятия христианства (988 г.). Влияние христианства на языческие традиции в искусстве Киевской Руси и их сочетание.

Первое каменное строение – Десятинная церковь. Золотые ворота и Софийский собор. Мозаики интерьера. Сравнить с первообразом – Софией Константинопольской. Древнерусские ремесла, ювелирное искусство.

Тема 18. Искусство Новгорода и Пскова. Новгород – один из уникальных очагов русской культуры Древней Руси. История открытия берестяных грамот. Характерные черты новгородской архитектуры, особенности новгородской живописной школы. Архитектура XI–XV вв. Строительство крепостных сооружений, возведение монастырей. Влияние социальных и климатических особенностей на эволюцию церковного зодчества. Сложение новгородского типа храма с восьмискатным перекрытием.

Новгородская архитектура XIII в. Ограничение строительства в условиях монголо-татарского ига. Церковь Николы на Липне (1282), особенности планировки внутреннего пространства, конструктивные изменения. Идеи и композиции икон «Спас Нерукотворный», «София Премудрость Божия», «Отечество с избранными святыми», «Знамение Богоматери», «Св. Георгий со змеем», «Битва новгородцев с суздальцами».

Особенности псковской архитектуры: понижение боковых абсид и западных углов здания, крепостной характер культовой архитектуры, включение звонниц. Спасо-Преображенский собор Мирожского монастыря (1156)  –  один  из  первых  каменных  храмов.  Троицкий  собор  и  егоградообразующее значение. Фрески Спасо-Преображенского собора Мирожского  монастыря.  Осoбенности  системы  росписей  со  сценой

«Вознесения» в куполе. Графическая манера исполнения, лаконизм композиций, непосредственность эмоциональных характеристик.

Псковская школа иконописи и ее особенности: ярко выраженный местный  этнический  тип  в  изображениях,  приглушенный  колорит:

«Богоматерь Одигитрия», «Илия с житием», «Успение», «Крещение».

Тема 19. Владимиро-Суздальская архитектурная школа. Белокаменная архитектура Владимиро-Суздальского княжества – вершина русского искусства XII-XIII вв. Шедевры архитектуры: «Золотые ворота», Успенский и Дмитровский соборы города Владимира, Георгиевский собор из Юрьева-Польского, дворец князя Андрея Боголюбского (реконструкция), храм Покрова на Нерли, город-музей Суздаль.

Характерные черты владимиро-суздальской архитектурной школы: использование белого камня для строительства храмов; деление поверхности стены аркатурно-колончатым поясом (фризом); белокаменное узорочье фасадов (владимирские мастера перенесли приемы обработки дерева на камень), в котором отражено народное представление о красоте.

Реставрационная работа, проделанная учеными для сохранения памятников архитектуры.

Тема 20. Феофан Грек. Андрей Рублев. Особенности письма. Формирование умения сравнивать почерки художников. Традиции константинопольской школы в произведениях Феофана Грека (1340–ок.1410), его  новгородские  фрески. Иконы  «Успение Божией  Матери»,«Преображение». Экспрессивная манера письма, насыщенный колорит святых образов. Иконостас Благовещенского собора московского Кремля.

Значение творчества Андрея Рублева (ок.1360–1428), влияние исихазма, отход от византийской традиции. Анализ композиции, богословская символика отдельных элементов иконы «Св. Троица». Книжная миниатюра (Евангелие Хитрово).

В рамках изучения искусства Европы от Средневековья до Нового времени особое внимание уделяется искусству эпохи Возрождения. Это позволит учащимся глубже понять причины изменения самой изобразительной системы – становления станковой живописи, воспроизводящей окружающую реальность (трехмерное пространство) и будет способствовать лучшему усвоению материала на практических занятиях по предметам «Рисунок», «Живопись», «Скульптура».

Основной вид учебного занятия – беседа.

Планируемые результаты освоения учебного предмета

К концу третьего года обучения учащиеся должны:

Знать:

• условия формирования культуры Древней Руси;
• периоды развития древнерусского искусства, иконописи;
• основные        черты        эпохи        Возрождения,        особенности западноевропейского искусства XVII–XIX вв.;
• выдающихся художников, скульпторов;
• характерные        особенности        флорентийской        и        венецианской        школ живописи;
• направления и стили в западноевропейском искусстве.

Уметь:

• анализировать произведения изобразительного искусства;
• составлять библиографическую справку, рассказ об истории создания произведения.

Раздел 4. ИСКУССТВО РУСИ второй половины XV–XVII вв.

Тема 1. Ансамбль Московского Кремля. Москва конца XV – начала XVI в. – не только политический центр возрождения Руси, но и средоточие формирования общерусской культуры, опиравшееся на владимирское наследство. Легенда о возникновении города. Старинный чертеж с изображением плана Московского Кремля XVI в.

Памятники архитектуры – синтез художественных приемов зодчества Руси и итальянского Возрождения: Успенский собор (арх. Аристотель Фиораванти), Архангельский собор (арх. Алевиз Новый), Благовещенский собор и церковь Ризоположения, Грановитая палата (арх. Марко Фрязин и Пьетро Солари), Колокольня Ивана Великого (арх. Бон Фрязин).

Посмотреть документальный фильм «Московский Кремль». Обратить внимание на антропоморфный характер башен, напоминающих своим обликом богатырей в русских доспехах. Кремль и его здания – образец, которому стремились подражать другие города Московского княжества.

Тема 2. Своеобразие русской архитектуры. Своеобразие русской средневековой архитектуры, памятники русской архитектуры и символическое значение отдельных архитектурных форм. Развитие образного мышления. Рассмотреть и схематично зарисовать шесть особенностей средневековой русской архитектуры:

1. Храмовое многоглавие. Символическое значение верхов, виды куполов (шлемовидный и луковичный): Покровская церковь в Вытегре, Вологодская область (1708).
2. Храмы как памятники важнейшим историческим событиям: собор Покрова Пресвятой Богородицы, что на Рву («Храм Василия Блаженного», 1555–1560, зодчие Барма и Постник), ознаменовал взятие Казани и Астрахани и окончательное освобождение Руси от иноземного ига. Композиция шатровых храмов – примета Московской архитектуры второй половины XVI – начале XVII в. Версия ученых о символическом значении шатрового купола как о символе фигуры Богоматери, заступницы Руси. Церковь Вознесения в царском селе Коломенском (1532, постройка связана с рождением будущего царя Ивана Грозного).
3. Огненные храмы XVII в. Образ мог связываться с сиянием небесных сил. Старый собор Донского монастыря в Москве, церковь Николы Посадского в Коломне и др.
4. Многоярусный тип храма: церковь Покрова Богородицы в Филях (1693).
5. Сооружения, органично соединявшие в себе разные архитектурные типы: церковь Рождества в Путинках в Москве (1649–1652).

Тема 3. Иконостас. Возникновение и развитие иконостаса в византийском искусстве. Особенности русского иконостаса. Композиция

«классического» высокого иконостаса русских храмов XV–XVII вв. Иконостас Архангельского собора Московского Кремля как общепринятый образец. Разрастание к началу XVIII в. размеров иконостасов до максимальных, их чрезмерное содержание. Резкое возрастание декоративного оформления иконостаса, которое превратило его в архитектурное произведение.

Тема 4. Школа Дионисия. Симон Ушаков.        Творчество Дионисия

(ок.1440–ок.1505) определило главное направление в живописи конца XV –

начала XVI в.: поиск образа совершенного человека. Искания, педагогическая деятельности Симона Ушакова (1626–1686), стремившегося преодолеть художественную догму и добиться правдивого изображения человеческого лица.

Характерные особенности творческой манеры художников: удлиненность пропорций, мягкость, плавность движений персонажей, праздничный характер изображения Дионисия и телесность, сдержанная, но отчетливо выраженная объемность построения в работах Симона Ушакова.

Работы иконописцев: росписи Благовещенского и Успенского соборов, Рождественского собора Ферапонтова монастыря, иконы «Распятие» и «Св. Петр Митрополит с житием». Образ совершенного человека в творчестве Дионисия обретает ангельские черты: «Митрополит Алексей» (икона). Иконы Симона Ушакова: «Насаждение древа государства Российского», «Спас Нерукотворный». Образу Спаса недостает одухотворенности икон школы Дионисия, но это искупается искренним старанием художника воссоздать на иконе возможно правдоподобнее живое человеческое лицо.

Тема 5. Искусство художественного оформления книги в средневековой России. Приход Книги на Русь вместе с христианством. Книга как атрибут христианских обрядов, источник Слова Божьего. Миниатюра, заставка, инициал. Древнейшие русские миниатюры: Остромирово Евангелие (1056–1057) и Изборник (1073).

Расцвет книжной миниатюры в XII–XVI вв. Радзивиловская летопись конца XV в. и Лицевой Летописный свод времен Ивана Грозного. Появление прямой перспективы, трехмерного пространства, реалистических деталей в рисунках XVII в. Книга «Титулярник» с портретами русских царей. Расцвет золотописного дела (т.е. красивого письма) в середине и конце XVII в. Книгописные мастерские Посольского приказа, Оружейной палаты и Патриаршего дома. Стили русского книжного орнамента: старовизантийский (торжественный, с обилием золотой краски и правильностью форм), тератологический (т.е. «чудовищный», связанный с образами древней языческой культуры), балканский, нововизантийский.

Влияние немецкой гравюры на первые печатные книги русских книжников в XVI–XVII вв. Создание русскими первопечатниками старопечатного стиля на основе соединения нововизантийского орнаментального стиля и гравюры. Взаимное влияние печатников и живописцев, иллюстрировавших книги, друг на друга. Вытеснение рукописной книги книгой печатной. Создание новых стилей в среде староверов (например, гуслицкого стиля из старообрядческого центра Гуслицы, что недалеко от Москвы). Средневековый книжный переплет.

Раздел 5. ИТАЛЬЯНСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ XIV–XVI вв.

Тема 6. Архитектура эпохи Возрождения. Происхождение термина Возрождение (Ренессанс). Особенности архитектуры Италии. Светский характер культуры. Принцип гуманизма, утверждение достоинства и красоты человека, его разума и воли, его творческих сил как основа культуры Возрождения. Изучение памятников античности, анатомии, законов перспективы.

Филиппо Брунеллески (1377–1446) – родоначальник ренессансной архитектуры, усвоевший древнеримскую и готическую традиции: купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. Гармоничность его архитектуры: «Капелла Пации» при церкви Санта-Кроче во Флоренции. Разработка основных принципов сооружения палаццо (городского дворца).

Леон Батист Альберти (1404–1472) – автор научных трактатов об искусстве («Десять книг о зодчестве»). Введение в композицию фасада городского дворца основных элементов ордерной архитектуры: «Палаццо Ручеллаи во Флоренции». Зарождение и развитие принципов архитектуры

Высокого Возрождения в Риме. Сложение единого национального стиля, основанного на свободном использовании классических ордеров античности. Браманте        (1444–1514).        Величественно-монументальный        облик сооружений: «Темпьетто» – храм монастыря сан Пьетро ин Монторио в Риме.

Главное создание Браманте – Проект собора св. Петра в Риме.

Андреа Палладио (1550–1580) – теоретик, исследователь и крупнейший практик-строитель второй половины XVI в. Создание нового типа загородной виллы: «Ротонда близ Виченцы».

Тема 7. Раннее Возрождение. Скульптура Раннего Возрождения. Появление новых приемов пластического языка, основанного на изучении натуры и на обращении к античным традициям. Развитие ренессансного рельефа и круглой скульптуры (монумент, надгробие, скульптурный портрет) на примере знакомства с творчеством Гиберти, Донателло и Вероккио.

Живописцы флорентийской школы: особенности живописных школ в Северной и Средней Италии. Джотто, Мазаччо.

Мазаччо (1401–1428) – родоначальник ренессансного реализма. Выразительность передачи человеческих чувств и отношений. Фрески в капелле  Бранкачи  церкви  Санта  Мария  дель  Кармине  (Флоренция):

«Грехопадение», «Изгнание из рая», «Чудо с податью» и др. Обобщенность и лаконичность монументальной формы. Формирование нового художественного языка, основанного на пристальном изучении законов реалистического отражения действительности.

Сандро Боттичелли (1444–1510) – «поэт линий»: «Весна», «Рождение Венеры», «Оплакивание Христа». Точность и выразительность рисунка, сила экспрессии, тонкость передачи чувств и настроений.

Пьеро делла Франческа (1410/20–1492) и его влияние на развитие искусства Италии второй половины XV в. Трактаты о перспективе, пропорциях и правильных геометрических телах. Цикл фресок в церкви Сан Франческо в Ареццо.

 Тема 8. Высокое Возрождение. Общая характеристика Высокого Возрождения.        Расцвет         искусства.        Роль        Рима        как        политического        и художественного центра Италии. Воплощение в искусстве гуманистических идеалов совершенной личности и гармонического единства мироздания. Синтез искусств,        равноправное положение живописи и скульптуры по отношению к архитектуре. Обособление и развитие новых жанров – портрета,

пейзажа и исторической живописи.

Леонардо да Винчи (1452–1519) – основоположник искусства Высокого Возрождения, ученый и художник. Учение Леонардо о светотени (т.н. сфумато [от итал. sfumato] – «дымчатая» атмосфера). Почти неуловимые предметные очертания его картин.

Рафаэль Санти (1483–1520) – создатель образ идеально прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа. Совершенство композиционных построений мастера.

  Микеланджело ди Лодовико Буонаротти Симони (1475–1564) – величайший представитель художника ренессансного типа: живописца, скульптора, архитектора. Новаторские достижения художника в изобразительном искусстве.

Тема 9. Позднее Возрождение.

Венецианская живопись. Богатство и насыщенность колорита венецианской живописи. Творчество Джорджоне и Тициана. Изменение восприятия мира людьми этой эпохи. Творчество Веронезе и Тинторетто.

Искусство маньеризма. Ранний маньеризм и зрелый маньеризм. Характерные черты и признаки. Представители маньеризма: Якопо Понтормо, Росс и Джулио Романо. Пармиджанино Франческо Маццола: «Мадонна с розой», «Мадонна с длинной шеей».

Раздел 6. СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Тема 10. Возрождение в Нидерландах. Ян ван Эйк, Иероним Босх, Питер Брейгель Старший. Сосуществование реалистических и готических тенденций, демократические и фольклорные черты. Новаторское творчество братьев ван Эйков, основателей нидерландской школы, их роль в развитии искусства Нидерландов. Образ мира в нидерландском искусстве эпохи Возрождения. Новые живописные задачи и новая техника масляной живописи. Утверждение станковой картины. Иероним ван Акен Босх (ок. 1450–1516). Переплетение в его творчестве фольклора и мистики, фантастики и реализма.

Питер Брейгель Старший (ок. 1525/1530–1569). Новая философская и социальная тематика, развитие бытового жанра и пейзажа. Ранние произведения. Создание сатирических полотен: циклы «Семь смертных грехов», «Семь добродетелей». Связь с фольклором и народной сатирой.

Тема 11. Возрождение в Германии. Альбрехт Дюрер. Реформация и крестьянская война в Германии, их влияние на развитие немецкой культуры и искусства. Начало книгопечатания и развития графики в Германии, распространение гравюры как самостоятельного вида искусства. Влияние итальянского искусства на творчество Альбрехта Дюрера (1471–1528). Роль Дюрера в развитии гравюры на дереве и металле, новаторские технические приемы, сочетание смелости художественных приемов с богатством содержания. Отражение духовной жизни художника в его автопортретах.

Ганс Гольбейн Младший (1497–1543). Преобладающее место портрета в творчестве. Правдивость характеристики личности, подчеркнутая индивидуализация. Художественные приемы, свойственные Гольбейну в решении задач портрета: ограниченность пространства, уплощенность формы и графичность ее трактовки, реалистическая трактовка образов.

           Раздел 7. ИСКУССТВО ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ

XVII – начала XIX в.

Формирование национальных школ. Разрушение целостного поэтического восприятия мира. Титаны, воспетые эпохой Возрождения, уступили место человеку, сознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Широкий показ действительности привел к многообразию жанровых форм. В изобразительном искусстве самостоятельное значение завоевывают светские жанры: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт. Сложные взаимоотношения и борьба социальных сил порождают разнообразие художественно-идейных течений. Развиваются два больших стиля – барокко и классицизм. Наравне с ними возникает реалистическое искусство. Величайшие мастера реализма – Караваджо, Веласкес, Рембрандт, Халс, Вермер Дельфтский.

Тема 12. Искусство Италии XVII в. Стиль барокко. Караваджо. Искусство барокко. Роль католической церкви. Главные особенности стиля (стремление к созданию ансамбля, синтезу архитектуры и скульптуры).

Значение монументальной живописи. Ведущая роль архитектуры и ее характерные особенности (фасад церкви Сан Карло в Риме, арх. Барромини): динамичное пространственное решение, трактовка образа объемов живописными массами; сложные планы с преобладанием криволинейных очертаний, разрушение тектонической связи между интерьером и фасадом здания, свободное использование ордерной формы ради усиления пластичности и живописности общего решения. Любимый декоративный элемент – волюта, овал; раскрепованный антаблемент – как почти непременный признак барочной постройки; эффект оптических иллюзий.

Творчество Лоренцо Бернини (1598–1678) – яркий образец стиля барокко в скульптуре и архитектуре. Сходство его творчества с ренессансными мастерами, разносторонняя одаренность. Эффект оптической иллюзии (лестница в ватиканском дворце). Применение законов перспективы и оптики при конструировании архитектурных проектов:

• «Юный Аполлон и Дафна, превращающаяся в лавр» – пример работы 17-летнего художника. Фонтан четырех рек в Риме. Грандиозность заданной церковью программы: обелиск воплощал торжество папского престола.
• Площадь св. Петра в Риме – «подобно распростертым объятиям» захватывает зрителя, направляя его движение к фасаду собора.
• «Бронзовый киворий» (балдахин) в соборе св. Петра в Риме завораживает волнообразным движением колонн.
• Кафедра в соборе св. Петра в Риме и скульптурная группа «Экстаз св. Терезы» в церкви Санта Мария дела Витория. Общий театральный прием – свет, льющийся из окна; умение подчинить себе материал.
• Портрет Констанции Буонарелли – один из лучших портретов в творчестве мастера.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1573–1610). Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи стала результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Провокационный характер его образов: до Караваджо Иисус Христос и другие святые изображались на картинах чистыми и непорочными, их образы идеализированы, чтобы завоевать сердца верующих. Именно в это время Караваджо начинает создавать свои знаменитые работы. Он утверждает, что слава Евангелия состоит в том, что Спаситель был сделан из плоти и крови. И он рисует его, других святых земными и плотскими, как никто до него. Его модели взяты с улиц, таверн, рынков и борделей.

Караваджо переворачивает привычные представления о живописи, делая ее более реальной и осязаемой. Натурализм, изображение фигур в натуральную величину, падающий свет, выхватывающий главное в композиции,  помогают  добиться  иллюзии  реальности  происходящего.

Светотень,  доведенная  до  предельной  выразительности  –  важнейший

композиционный фактор в творчестве Караваджо. Застывшее мгновение, документальная убедительность, действие света равносильно действию слова:

«Призвание Матфея».

Основные  произведения:  «Юноша  с  корзиной  фруктов»,  «Вакх»,

«Лютнист». Главное в картинах художника – не повествование, а характерный типаж. Материальность и законченность каждой детали. «Корзина с фруктами» как первое и одно из самых красивых произведений жанра натюрморт. Композиции «Отдых на пути в Египет», «Обращение Павла»,

«Смерть Марии».

Суть реформы Караваджо: сравнить характерное произведение эпохи Возрождения (например, образы людей с портретов Рафаэля) и типичную картину художника (образ Христа с картины «Трапеза в Эммаусе»). В первом случае человек смотрится величественным, как Бог, а на картине Караваджо Бог и святые похожи на простолюдинов.

Влияние Караваджо на европейскую живопись шло двумя путями: с одной стороны, свобода в трактовке библейского сюжета, с другой – точное следование живописной манере художника.

Тема 13. Искусство Испании XVII в. Веласкес. «Золотой век» испанской живописи. Особенности исторического развития Испании.

Творчество Диего Родригеса де Сильва Веласкеса (1599–1660) – вершина испанской реалистической живописи. Воздействие демократических традиций испанского искусства и караваджизма на становление творческой индивидуальности Веласкеса. Обращение к бытовым и народным темам.

«Бодегоны»  Веласкеса,  композиционное  и  колористическое  мастерство:

«Завтрак». Создание исторических и жанровых полотен. Вклад Веласкеса в развитие исторической живописи: «Сдача Бреды». Глубина психологического

анализа в раскрытии характера человека.

Различные типы портретов кисти Веласкеса: портреты Филиппа IV, инфанта Карлоса, инфанты Маргариты, Оливареса, «Портрет дамы с веером». Охотничьи и конные портреты Филиппа IV и членов его семьи. Портреты шутов: «Портрет карлика дона Диего де Аседо, прозванного Эль Примо» и др. Поздний период творчества художника: «Венера с зеркалом», пейзажи виллы Медичи, живописные композиции «Менины», «Пряхи». Влияние Веласкеса на европейскую живопись XVIII–XIX вв.

Эль Греко – Доменико Теотокопули (ок.1541–1614), трагический характер образов художника. Связь его искусства с византийскими традициями и маньеризмом венецианской живописной школы. Религиозные картины: «Троица», «Успение Богоматери», «Раздирание одежд Христа». Полотно «Погребение графа Оргаса», особенности художественного решения. Отличительные черты индивидуальной манеры Эль Греко: склонность к деформации, вытянутости пропорций фигур и дематериализация форм, сочетание фантастичности сюжета и реализма трактовки, тонкость передачи душевных движений.

Эль Греко – мастер портрета. Основные произведения: «Портрет инквизитора Ниньо де Гевара», «Дама в боа». Характерные особенности портретных композиций: сдержанность и простота, внимание к индивидуальным особенностям модели, глубина психологической характеристики. Пейзаж Эль Греко «Вид Толедо в грозу».

Хусепе де Рибера (1591–1652) – первый мастер испанского «золотого века». Реалистический характер творчества, введение народных типов в религиозное искусство. Драматизм и эмоциональность образов: «Святая Инесса», «Хромоножка».

Франсиско Сурбаран (1598–1664). Связь его творчества с испанской деревянной скульптурой, материальная достоверность и возвышенность художественных образов: «Отрочество Мадонны». Натюрморты Сурбарана:

«Натюрморт с апельсинами и лимонами», «Натюрморт с чашкой и вазами».

Тема 14. Искусство Фландрии XVII в. Рубенс. Значение буржуазной революции XVI в. для судеб Нидерландов. Образование в его южных провинциях государства Фландрии. Барокко – господствующее направление в изобразительном искусстве Фландрии XVII в. Характерные черты фламандской живописи – яркая жизнерадостность, реализм, народность, торжественная праздничность образов.

Питер Пауль Рубенс (1577–1640) – гуманист, художник, дипломат, глава фламандской живописи и крупнейший мастер XVII в. в Европе. Широкий диапазон интересов и разнообразие тематики картин художника, его разносторонняя одаренность.

Живописное мастерство Рубенса (контрастность, напряженность, динамичность образов): «Автопортрет с женой Изабеллой Брандт (Жимолостная беседка)». Драматическая динамика композиций: «Водружение креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Особенности лучистой палитры Рубенса: «Персей и Андромеда» (Санкт-Петербург, Эрмитаж), «Портрет Елены Фоурмен с детьми», «Шубка».

Жанровые        картины:        «Деревенский        праздник»        –        «Кермесса»,

«Крестьянский танец». Человек и природа в творчестве художника. Пейзажи:

«Возчики камней» – утро, день, вечер в одном произведении; «Пейзаж с радугой». Ритмическая организация изображения. Ритм как средство, обеспечивающее пространственно-временное единство произведения искусства, при этом ритм одновременно диктует принцип его восприятия. Графическое наследие художника. Значение мастерской Рубенса в развитии фламандского искусства.

Антонис ван Дейк (1599–1641) – создатель нового общеевропейского типа репрезентативного аристократического портрета. Итальянский, антверпенский, английский периоды в творчестве художника. Его стремление воплотить в портретах идеал духовно утонченной личности. Религиозные

картины: «Св. Мартин». Портреты: «Автопортрет», «Семейный портрет»,

«Портрет  маркизы  Бриньола-Сале»,  «Портрет  эрцгерцогини  Изабеллы»,

«Портрет Карла I на охоте», «Портрет Джорджа Дигби и Уильяма Рассела».

Якоб Йорданс (1593–1678). Связь произведений художника с народной жизнью. Реалистические традиции, жизнелюбие в живописи. Монументальные композиции: «Поклонения волхвов», «Сатир в гостях у крестьянина», «Бобовый король», «Автопортрет с родителями, братьями и сестрами», «Портрет четы Сурпель».

Франс Снейдерс (1579–1657) – мастер натюрморта в искусстве ХVII в. Особенности его стиля: чувственное, красочное восприятие, динамизм, широкая живописная манера: «Лавки». Снейдерс-анималист. Сцены охоты в его творчестве.

Тема 15. Искусство Голландии XVII в. «Малые» голландцы. Победа буржуазной революции в Северных Нидерландах и ее роль в развитии художественной культуры. Образование Голландии – первой капиталистической страны в Европе. Расцвет философии (Спиноза), юриспруденции (Гроций), точных и естественных наук, литературы, театра.

Живопись Голландии XVII–XVIII вв. Демократизация голландской культуры первой половины XVII в. Ведущая роль станковой реалистической живописи в голландском искусстве и возникновение термина «малые голландцы» (Ф. Халс, Я. Стен и др.). Воссоздание действительности в пейзажах и натюрмортах голландских живописцев, сочетающейся с острым чувством красоты. Стремление воплотить поэзию повседневности, прелесть человеческих будней в произведениях бытового жанра.

Франс Халс (1581/85–1666) – основоположник реалистического портрета. Значение его творчества в сложении голландской художественной школы. Единство действующих лиц в групповом портрете. Яркая и правдивая характеристика образов, разнообразие социальных типов: «Офицеры стрелковой роты Святого Георгия», «Портрет улыбающегося кавалера»,

«Цыганка», «Портрет регентш приюта для престарелых».

Становление и развитие бытового жанра в искусстве Голландии, поэтизация различных сторон повседневной городской и сельской жизни.

Ян Стен (1625/26–1679). Сатира и мораль в его искусстве, связь с народным театром: «Гуляки».

Ян Вермер Делфтский (1632–1675) – тончайший колорист, один из выдающихся мастеров жанровой живописи. Поэтичность его искусства. Живописные приемы художника, роль света и воздуха, богатство материальной структуры предметного мира: «Кружевница», «Любовное письмо», «Женщина, примеривающая жемчужное ожерелье», пейзаж «Вид Делфта», «Девушка с письмом», «Служанка с кувшином молока», «Уличка».

Произведения Герарда Тербоха («Бокал лимонада»), Питера де Хоха.

Становление и развитие национального реалистического пейзажа: Ян ван Гойен, Саломон ван Рейсдаль, Якоб ван Рейсдаль, Мейндерт Хоббема, Паулюс Поттер, Алберт Кейп, Филипс Воуверман.

Развитие        голландского                натюрморта,        его                основные                виды        и художественная                специфика,        тематика,        интерес                к        передаче        освещения, светоцветового единства, фактуре вещей. Художники: Виллем Клас Хеда («Завтрак с крабом», Санкт-Петербург, Эрмитаж). Питер Клас, Виллем Калф.  

Тема 16. Рембрандт. Творчество Рембрандта ван Рейна (1606–1669) – одна из вершин мировой живописи. Жизненный и творческий путь. Огромная духовная значимость и философская глубина его искусства. Роль света в картинах художника как средство усиления эмоциональной выразительности. Широта творческого диапазона Рембрандта, роль в развитии различных жанров живописи. Живописная фактура полотен. Глубина психологической характеристики, отражение всего жизненного пути человека, его духовной чистоты в поздних портретах.

Автопортреты как документы творческой биографии. Портреты раннего периода: «Флора», «Анатомия доктора Тюльпа», «Ночной дозор» и др. Религиозные  и  мифологические  композиции:  «Симеон  во  храме»,

«Жертвоприношение Авраама», «Ангел, покидающий семейство Товия»,

«Притча о работниках на винограднике, «Даная».

Живописная техника позднего Рембрандта. Тенденции к обобщению и монументальности: «Святое семейство», «Заговор Цивилиса», «Артаксеркс, Аман и Эсфирь», «Возвращение блудного сына». Эволюция от внешнего драматизма к передаче сложных душевных состояний человека.

Портреты позднего периода: «Портрет старика в красном», «Портрет Яна Сикса», «Портрет читающего Титуса», «Портрет Хендрикье Стоффельс»,

«Возвращение блудного сына», «Синдики».

Рембрандт – график, рисовальщик и офортист. Рисунки и офорты Рембрандта. Графические пейзажи: «Три дерева», «Пейзаж с мостиком»,

«Зимний вид». Значение искусства Рембрандта в мировой культуре.

Тема 17. Искусство Франции XVII в. Архитектура. Стиль классицизм. Проявление новых направлений в архитектуре Франции XVII–

XVIII вв. (барокко, рококо, классицизм). Классицизм как идейно-художественное направление и стиль в европейском искусстве XVII в. Руководящая роль Королевской Академии живописи и скульптуры, ставшей государственным учреждением, и Академии архитектуры (основана в 1671 г.). Связь принципов классицизма с античностью, с ее этической и художественной нормой. Характерные черты классицизма: гражданственность, героический пафос, пластическая гармония и ясность: Восточный фасад Лувра (арх. К. Перро). Основные черты нового направления в архитектуре: Версальский ансамбль (дворец короля, садово-парковый ландшафт – регулярный парк). Главная идея парка – создать особый мир, где

все подчинено строгим законам, и, прежде всего, законам красоты.

Тема 18. Искусство Франции XVII в. Живопись. Н. Пуссен и К. Лоррен. Принципы классицизма, воплощенные в живописи. Связь эстетики классицизма с философией рационализма. Поиски универсальных законов искусства, основанных на изучении природы, обращении к традициям античности и итальянского Возрождения. Движение Французского Просвещения, его влияние на содержание и форму изобразительного искусства. Протест против пороков общества, вера в достижение идеального

«царства разума». Эстетические взгляды французских просветителей («Салоны» Дидро).

Никола Пуссен (1594–1665) – величайший художник Франции XVII в. Творческое отношение к традициям античности и Возрождения. Преобладание античной тематики: даже пейзажи населены мифологическими героями, выступающими символом одухотворенности мира. Метод работы Пуссена. Стремление к величавому спокойствию, благородной сдержанности и равновесию. Проявление принципов классицизма и в композиции работ: простота, логичность, упорядоченность, четкое отделение пространственных планов, подчеркнутых цветовым решением. «Пейзажная трехцветка» в картинах. Пуссен о роли цвета в картине. Школа живописи Пуссена. Мифологические и исторические картины: «Царство Флоры», «Танкред и Эрминия». Образ мира в пейзажах: цикл картин «Времена года». Эволюция художественного творчества. Пуссен – портретист. Творческий метод художника, его рисунки. Взгляды Пуссена на искусство.

Клод Лоррен (1600–1682) и проблема классического пейзажа. Пейзажи с мотивами гаваней: «Утро в гавани»; пейзажи, изображающие различные времена суток: «Утро», «Полдень», «Вечер», «Ночь».

Тема 19. Искусство Франции XVIII в. Стиль рококо. Неоклассицизм. Кризис абсолютизма во Франции. Формирование стиля рококо (от франц. rocaille – раковина) и его проявление в искусстве. Одновременное развитие реалистических тенденций в живописи.

Архитектура рококо. Расцвет стиля рококо в архитектуре в 1720–1740 гг. Создание художественной мебели, предметов декоративно-прикладного искусства, дворцовые и садово-парковые ансамбли (пейзажный парк). Комфорт и ювелирная тонкость отделки городских особняков аристократии («отелей» – особняков с собственным садом). Пристрастие к сложным, изысканным формам, причудливым линиям, напоминающим силуэт раковины, как характерная черта нового стиля. Овальные формы и плавная динамика форм интерьера отеля Субиз (арх. Жермен Боффран). Развитие орнаментально-декоративных форм пластики, роль лепнины в украшении интерьера. Прихотливость и роскошь мебели. Декоративность и камерность живописи стиля рококо, тесно связанной с интерьером отеля.

Превращение изображения фигуры человека на картине в деталь орнаментального убранства интерьера. Своеобразие искусства первой половины XVIII в. – сочетание остроумного и насмешливого скептицизма и изысканности, тяготение к образам Востока.

Реалистическая наблюдательность в произведениях Антуана Ватто (1684–1721), создателя галантного жанра, живописи настроения, певца тонких душевных движений и чувств. Трепетность мазка, богатство тончайшей цветовой гаммы в картинах: «Савояр», «Актеры итальянской комедии»,

«Паломничество на остров Киферу», «Жиль», «Вывеска лавки Жерсена».

Пасторальный жанр в творчестве Франсуа Буше (1703–1770): «Купание Дианы»,        «Тет-а-тет».                Универсализм        Буше        –        отражение        основных стилистических        черт        рококо        (станковая                и        монументально-декоративная живопись, создание эскизов для гобеленов, мебели, предметов декоративно-прикладного искусства, оформление книг, работа в театре, эскизы костюмов). Развитие реалистического направления в творчестве Жана Батиста

Шардена (1699–1779), впервые в искусстве XVIII в. воссоздавшего строй жизни третьего сословия Франции: «Карточный домик», «Прачка» (Санкт-Петербург, Эрмитаж). Передача чистых человеческих чувств и скромных будничных домашних сцен, обретающих под кистью художника поэзию и нравственную значительность. Натюрморт как центральная тема Шардена. Гармония и целостность видения: «Медный бак», «Атрибуты искусства» (Санкт-Петербург, Эрмитаж). Шедевр пастельной техники «Автопортрет с зеленым козырьком».

Жан-Батист Грез (1725–1805) – представитель сентиментально-морализирующего направления в живописи. Идеализация патриархальной морали: «Паралитик или Плоды хорошего воспитания».

Искусство Франции второй половины XVIII в. Стиль неоклассицизм (т.е. «новый классицизм»), пришедший на смену рококо в результате распространения идей Просвещения, в свою очередь основанных на идеалах античности, а также влияния достижений археологии – началом раскопок Помпей.

Архитектура неоклассицизма. Стремление к простым, геометрически правильным формам. Сочетание противоположностей: изысканности и строгости, парадности и скромности, монументальности и внимания к деталям в творчестве Жака Анжа Габриеля: Малый Трианон в Версале – шедевр архитектуры XVIII в. Архитектура Парижа как центр развития нового стиля. Жак Анж Габриэль: площадь Людовика XV в Париже (ныне площадь

Согласия). Жак Жермен Суфло: церковь Святой Женевьевы (Пантеон).

«Говорящая архитектура». Создание идеальной модели мира Клодом Никола Леду: проект города Шо (иллюстрация из книги «Архитектура, рассмотренная с точки зрения искусства, нравов и законодательства»).

Скульптура неоклассицизма. Высокие достижения монументальной пластики XVIII в. в творчестве Этьена Мориса Фальконе. Образ идеальной личности, законодателя страны, о котором мечтали просветители XVIII в.:

«Медный всадник» в Санкт-Петербурге (1766–1782). Многогранность характеристик, психологизм и вера в человека в скульптурных портретах Жана Антуана Гудона: «Вольтер, сидящий в кресле».

Тема 20. Искусство Англии XVIII – начала XIX в. Историческая обстановка. Победа буржуазной революции 1640–1660 гг. и ее значение для экономического и политического развития страны. Расцвет английской культуры (развитие философии, точных наук, классической, политической экономики, распространение идей Просвещения). Становление и расцвет национальной школы живописи, ведущая роль жанра портрета.

Уильям Хогарт (1697–1764) – основоположник критического реализма в европейском искусстве Нового времени. Общественная и политическая сатира в графике и живописи Хогарта, обличение пороков английского общества, феодальных и классовых предрассудков. Хогарт – автор так называемых «разговорных» картин: групповых портретов, в которых персонажи связаны несложным сюжетом: «Автопортрет с собакой», «Слуги»,

«Продавщица креветок». Демократизм портретного творчества, внимание к человеческой личности независимо от социального положения, варьирование манеры с учетом конкретных особенностей изображаемого лица.

Жанровые картины: цикл картин «Модный брак». Гравюры Хогарта, морализирующие тенденции его искусства – циклы гравюр: «Жизнь подмастерья» или «Прилежание и леность». Теоретические работы: «Анализ красоты». Влияние на развитие критического реализма в европейском искусстве XIX в., на становление политической и бытовой карикатуры.

Джошуа Рейнольдс (1723–1792) – крупнейший мастер английской живописи. Характерные особенности: динамическая, смело развернутая композиция, уверенный рисунок, крепкая пластическая лепка формы, звучный золотистый колорит, богатство рефлексов, сочетание плотной кладки с лессировками. Создание высокого героического идеала человека своего времени. Основные портреты, которых отличает ярко выраженная индивидуальная характеристика моделей: «Сара Сидонс в образе Музы трагедии», «Миссис Хор с ребенком». Картины на мифологические темы.

Томас Гейнсборо (1727–1788) – создатель своеобразного портрета-настроения, проникнутого элегическими нотами. Самобытность творчества, лиризм полотен, текучая живописность мягких тонов. Влияние сентиментализма, обусловившего подчеркнутую чувствительность, увлечение красотой природы. Портреты: «Портрет дамы в голубом», «Мальчик в голубом», «Портрет Сары Сидонс». Интерес художника к внутреннему миру человека, к передаче его эмоционального состояния. Пейзажи: «Повозка»,

«Водопой». Жизненная передача характерных состояний природы Англии.

Орнамент двух противоположных систем – барокко и классицизма как наследников эпохи Возрождения, поделивших между собой все его приобретения: барокко унаследовало приобретение души, эмоциональные выводы Возрождения, а классицизм – рассудочную сторону великой эпохи. Стиль орнаментов барокко отвечал своему времени и отражал величие монаршей и аристократической власти. Родитель стиля барокко и классицизма – античный стиль. Отличие в том, что в стиле барокко он преломлен более динамично и криволинейно, а для орнамента классицизма характерна неподвижность симметрии, тяготение к геометризации без символов. Белый цвет в сочетании с золотым – самые популярные барочные цвета интерьера. Мода на цветочные орнаменты. На смену спокойным классическим формам кругов  и  овалов  приходят  извилистые  спирали.  Выпукло-вогнутая

поверхность стен и деталей интерьера.

Орнаментация ткани. Крупные декоративные цветы причудливых очертаний, орнаментальные завитки, листья аканта, плоды граната и виноградные гроздья, ромбовидная сетка с розетками – основные рисунки тканей этого времени. В композицию узора включали также короны, вазы, корзины. Детали садово-парковой архитектуры. Большие размеры узоров.

Тема 21. Искусство Испании XVIII – начала XIX в. Франциско Гойя. Значение Великой Французской революция 1789–1799 гг., уничтожившей монархию и установившей республику: она надолго определила пути развития европейской культуры. Открытием XIX в. стало осознание неповторимой ценности человеческой личности. Влияние революционных событий во Франции и антифеодального движения в Испании на формирование испанского искусства.

Франсиско Гойя (1746–1828) – великий испанский художник, отразивший героическую борьбу и трагическую судьбу своего народа и наметивший новые черты развития европейского искусства XIX в. Обращение к противоречиям современной жизни, обличение социального зла, протест против насилия и мракобесия. Картоны для шпалер. Портреты Гойи: «Портрет маркизы Анны Понтехос», «Портрет тореро Педро Ромеро», «Портрет X.М. Ховельяноса», портреты герцогини Альбы.

Воздействие идей французской революции на творчество Гойи. Новое понимание исторической живописи. Отображение современных событий. Серия офортов «Каприччос», их реалистическая сущность и критический характер.

Гойя и романтизм. Живопись 1790–1800 гг. Утверждение красоты и значительности народных образов. Жанровые картины: «Одетая маха», «Маха обнаженная»,  портреты:  «Донья  Исабель  Кобос  де  Порсель»,  «Посол

Французской республики Гиймарде», «Семейный портрет Карла IV».

Монументально-декоративные работы: роспись церкви св. Антония Флоридского.

Творчество Гойи в конце 1800–начале 1810 г., связь его с национально-освободительной борьбой испанского народа против Наполеона: картина

«Расстрел повстанцев». Серия офортов: «Бедствия войны».

Поздние работы Гойи – росписи «Дома глухого», портреты и жанровые картины: «Автопортрет», «Суд инквизиции», «Процессия флагеллантов»,

«Похороны сардинки». Серия офортов «Диспаратес».

Последние годы жизни в Бордо, произведения живописи: «Молочница из Бордо», графическая серия «Бордосские быки». Значение творчества художника для дальнейшего развития передового искусства XIX в.

Тема 22. Романтизм во Франции. Исторические корни и эстетическая программа романтизма. Связь прогрессивного романтизма с революционными настроениями. Концепция героической личности, вступающей в борьбу с враждебным окружением, обращение романтиков к конфликтным, драматическим темам страдания и гибели героя.

Теодор Жерико (1791–1824) – первый художник-романтик. Развитие в творчестве Жерико традиций давидовского реализма и утверждение общественной значимости искусства. Ранние произведения: «Офицер конных егерей», «Раненный кирасир». Композиция «Бег свободных лошадей». Картина «Плот Медузы». Поздние работы: «Скачки в Эпсоме». Серия портретов душевнобольных. Психологизм портретов Жерико. Значение его творчества для последующего развития реалистического искусства.

Эжен Делакруа (1798–1863). Ранние произведения: «Ладья Данте»,

«Резня на Хиосе». Салон 1824 года, столкновение новых романтических принципов с академической школой. Новые понятия композиции и колорита. Восточная тема в произведениях Делакруа: «Смерть Сарданапала»,

«Охота на львов», «Алжирские женщины». Отражение революционной борьбы в картине «Свобода, ведущая народ на баррикады» – яркое отражении революционной борьбы в изобразительном искусстве.

Портреты современников: «Портрет Шопена», «Портрет Паганини», автопортреты. Литературное наследие (дневники, письма, статьи об искусстве). Влияние Делакруа на развитие французской живописи.

Франсуа Рюд (1784–1855) – крупнейший скульптор Франции романтической эпохи. Революционный пафос и народность рельефной композиции: «Марсельеза». Драматическая выразительность образов Рюда.

Тема 23. Реализм во Франции. Значение революций 1830 и 1848 гг. Понятия реализм и критический реализм. Прогрессивная роль направления, его борьба с салонным искусством. Расцвет литографии во Франции в 30–40-х гг. XIX в. Сатирический журнал «Карикатюр» и газета «Шаривари».

Оноре Домье (1808–1879). Ранние графические произведения: литографии «Гаргантюа», «Законодательное чрево», «Улица Транснонен». Переход к бытовой сатире в середине 1830-х гг. Серии: «Французские типы»,

«Похождения Робера Макера». Мастерство обобщения, глубина психологической характеристики образов. Поиски героических положительных образов в повседневной действительности.

Утверждение новых героев – представителей городских низов, людей труда: «Прачка», «Любитель гравюр», «Вагон третьего класса». Поздние литографии. Трагический и романтический характер позднего творчества:

«Дон-Кихот и Санчо-Пансо». Значение творчества Домье в утверждении революционно-демократического реализма в искусстве Запада ХХ в.

Жан Франсуа Милле (1814–1875). Развитие демократических и критических тенденций реализма в творчестве. Изображение крестьянского труда:  «Собирательницы  колосьев»,  «Человек  с  мотыгой».  Создание

монументального и поэтического образа крестьянина: «Анжелюс». Рисунки Милле. Пейзажи: «Ноябрьский вечер», ряд морских видов. Эволюция живописного мастерства.

Гюстав Курбе (1819–1877). Борьба с «салонным» направлением за реалистическое искусство. Автопортреты художника: «Автопортрет с собакой», «Здравствуйте, г-н Курбе!» («Встреча»). Изображение повседневной действительности: «Послеобеденный отдых в Орнане».

Утверждение материальности мира. Эпическая и монументальная трактовка жанровой картины: «Дробильщики камней». Яркое правдивое изображение различных типов буржуазного общества: «Похороны в Орнане». Крестьянская  тема:  «Веяльщицы».  Программный  характер  картины

«Мастерская художника». Материальная весомость и конкретность живописи Курбе, плотность цвета. Утверждение демократических принципов реализма.

Противоречивый характер позднего искусства. Оттенок салонности в некоторых работах художника. Активное участие в Парижской коммуне. Значение творчества Курбе и его влияние на европейское искусство.

Камиль Коро и Барбизонская школа живописи. Роль Барбизонской школы живописи в развитии национального реалистического пейзажа. Роль этюда в практике художников-барбизонцев.

Камиль Коро (1796–1875) – крупнейший французский пейзажист. Разработка лирического интимного реалистического пейзажа. Эмоциональная тонкость искусства Коро. Колористические достижения: «Колокольня в Аржантее», «Воз сена», «Порыв ветра».

Теодор Руссо (1812–1867) – глава художников-барбизонцев. Значительность и монументальность простых мотивов природы, отношение к живому, особенно к деревьям как к благородным существам: «Выход из леса Фонтенбло со стороны Броль», «Заходящее солнце», «Дубы» (Париж, Лувр).

Драматическая взволнованность состояния природы в пейзажах Жюля Дюпре: «Вечер» (Москва, ГМИИ). Поэзия тихих вечеров и расцветов Шарля-Француа Добиньи: «Деревня на берегу реки Уазы» (Москва, ГМИИ).

Близость к барбизонцам творчества Жана Франсуа Милле.

Тема 24. Импрессионизм. Огюст Роден. Импрессионизм как художественное течение, его характеристика, связь с реалистическим искусством, протест против академизма. Яркие представители группы.

Эдуард Мане (1832–1883). Приверженность к реалистической традиции прошлого, утверждение важности обращения к большим эпохам реалистического искусства и вместе с тем – к реальной действительности.

«Завтрак на траве», «Олимпия» – вариации на тему композиций старых мастеров. «Флейтист». Калейдоскоп человеческой жизни в картине «Музыка в Тюильри» – тема из реальной жизни, пленэрная живопись, техника раздельного мазка вместо академической техники «тщательной отделки». Тема города: «Портрет Эмиля Золя», «Балкон».

Мастерская художника как центр художественной жизни Парижа в конце 60-х годов XIX в. Работа на пленэре под влиянием импрессионистов:

«Аржантей», «В лодке». Письмо крупными мазками, стремление к четкой структуре композиции, ясности изображения. Эксперименты с пространством:

«Бар в Фоли-Бержер».

Творчество Клода Моне (1840–1926) как наиболее полное выражение принципов импрессионизма. Свежесть и красочное богатство образов природы в лучших произведениях. Пейзажи, портреты, жанровые сцены:

«Камилла», «Завтрак на траве», «Женщины в саду», «Лягушатник». Развитие

городского пейзажа: «Впечатление. Восход солнца», «Бульвар капуцинок в Париже». Серия «Вокзал Сен-Лазар». Красочность образов природы в лучших пейзажах – мотивы Аржантёя: «Парусные лодки», Регата», «Мост», «Сад художника в Аржантёе», «Скалы в Бель-Иле».

Позднее творчество Моне, стремление запечатлеть быстро меняющиеся аспекты природы: серии пейзажей «Стога», «Тополя», «Руанские соборы», развитие декоративных поисков: серия пейзажей «Кувшинки».

Своеобразие импрессионизма Огюста Ренуара (1841–1919). Особенности его живописных исканий и техники. Интерес к жанровым сюжетам  и  портрету:  «Купание  на  Сене»  («Лягушатник»),  «В  ложе»,

«Обнаженная», «Мулен де ла Галетт», «Завтрак гребцов». Портреты: «Лиза», портреты артистки Жанны Самари, «Портрет коллекционера В. Шоке»,

«Девушка с веером», «Габриэль с розой». Скульптурные композиции Ренуара: медальон с изображением сына художника Коко, бронзовый барельеф «Суд Париса», скульптурная группа «Мать и дитя», статуя «Венера». Декоративные тенденции в поздних работах Ренуара.

Значение Эдгара Дега (1834 –1917) в развитии французского искусства. Связь с классической традицией, особенно в ранний период. Исторические картины: «Спартанские девушки, вызывающие юношей на  состязание»,

«Семирамида, строящая Вавилон». Развитие реалистических тенденций. Острота характеристик в портретах: «Дама с хризантемами», «Портрет графа Лепика с дочерьми». Точность в передаче движения и жеста. Изображение скачек.  Театральная  тема,  репетиции  оркестров  и  балета:  «Оркестр»,

«Танцевальный класс». Изображения певиц в кафе-концертах, работающих прачек,  модисток.  Отражение  социальных  контрастов  жизни  Парижа:

«Абсент», «Гладильщицы», «Прачки». Однофигурные композиции: «За туалетом», «После ванны». Мелкая пластика Дега: композиции из воска и глины, изображения балерин, жокеев, фигурки обнаженных.

Другие мастера импрессионистического пейзажа. Интимный, лирический характер искусства Альфреда Сислея. Утверждение обыденности,

создание обобщенного образа французской природы, городские пейзажи в творчестве Камиля Писсарро.

Кризис импрессионизма, наметившийся в середине 1880-х гг. Развитие французской живописи в последние годы ХIХ в.

Огюст Роден (1840–1917) – выдающийся скульптор XIX в. Соприкосновение пластического языка скульптора с живописью импрессионистов.  Традиции  и  современность  в  произведениях  Родена:

«Человек со сломанным носом», «Идущий», «Бронзовый век», «Иоанн Креститель», «Памятник воинам, погибшим в войне 1870–1871 годов».

Заказ правительства на оформление главных дверей Музея декоративного искусства в Париже «Врата ада» – бронзовые барельефы по мотивам «Божественной комедии» Данте. Самостоятельное художественное воплощение отдельных персонажей произведения Данте: «Мыслитель», «Три тени», «Адам», «Ева», «Уголино», «Старуха – та, которая была прекрасной Амиер», «Вечная весна», «Поцелуй». Работа над памятником «Граждане Кале». Роден – создатель галереи портретов выдающихся современников: бюст Жюля Далу, «Портрет Виктора Гюго», «Портрет Пюви де Шаванна»,

«Портрет Фальгьера», «Потрет В. Елисеевой», «Портрет Бернарда Шоу». Памятники Гюго, Бальзаку.

Тема 25. Постимпрессионизм. Восьмая выставка импрессионистов и появление термина неоимпрессионизм (критик Феликс Фенеон).

Жорж Сёра (1859–1891) – глава движения молодых художников, осваивавших последние научные теории цвета. Разработка Сёра новой живописной системы. Дивизионизм (от фр. division – разделение) или пуантилизм (от фр. pointiller – писать точками) – письмо раздельными мазками

в виде точек, полосок или мелких квадратов, рассчитанное на оптическое смешение красок в глазу зрителя. Произведения Ж. Сёра: «Купание в Аньере»,

«Воскресенье после полудня на острове Гранд-Жатт», «Порт-ан-Бессена». Стремление возродить благородство египетских и греческих композиций, соединив классический идеализм с современными выразительными средствами. Создание плоскостно-декоративных картин: «Парад», «Цирк». Особенности манеры письма, интерес к ритмической организации холста.

В течение учебного года у учащихся должно сформироваться целостное представление о развитии русского изобразительного искусства от древних времен до конца XIX в. Особый акцент делается на изменение изобразительной системы в эпоху Петра I. Подробно анализируется становление и развитие художественного образования в России, традиции академического искусства, продолжающиеся и в современном художественном образовании (в том числе, в ДХШ, ДШИ).

Раздел 8. РУССКОЕ ИСКУССТВО XVIII–XIX вв.

Тема 1. Архитектура первой половины XVIII в. Европеизация русского искусства, решительный сдвиг от средневековья к новому времени в результате реформ Петра I. Связь нового искусства России с тремя стилевыми направлениями (барокко, классицизм, рококо). Главенство двух тем в художественном творчестве: «человек» и «город».

Простота и деловитость архитектуры. Формирование нового идеала города – регулярно и рационально спланированного единого архитектурного ансамбля. Новые типы зданий (административного, промышленного, учебного, научного назначения). Введение «образцовых проектов» для массового строительства. Использование зодчими высотных сооружений,

увенчанных шпилями. Ордер – как важнейший атрибут архитектуры нового

времени. Роль в развитии русской архитектуры иностранных архитекторов и трех русских зодчих – М.Г. Земцова, И.К. Коробова, П.М. Еропкина.

Связь классицистических линий в искусстве с деятельностью видного французского архитектора и инженера Ж.-Б. Лебрена и его проект планировки Петербурга. Нарышкинское барокко. Барочное направление деятельности Д. Трезини. Новизна построек по назначению и архитектуре. «Петропавловский собор» (арх. Д. Трезини) – новый для русской архитектуры тип храма – трехнефная базилика. Здание «Двенадцати коллегий» (закончено при участии арх. М.Г. Земцова и Дж. Трезини) – первое административное здание. «Летний сад» – дворцово-парковая резиденция, украшенная декоративной скульптурой, заказанной в Италии. «Кунсткамера» – первый русский музей (арх. Г.И. Маттарнови и др.). «Летний дворец Петра» (арх. Д. Трезини, А. Шлютер и др.). Резиденция А.Д. Меньшикова на Васильевском острове (арх. Д.-М. Фонтана, Г. Шедель). «Центральная башня Адмиралтейства» с высоким шпилем, несущим флюгер в виде трехмачтового корабля (арх. И.К. Коробов). Планировка Адмиралтейского острова между Невой и Мойкой П.М. Еропкиным.

Франческо-Бартоломео Расстрелли (1700–1771) работал в стиле барокко. Стилистические черты архитектуры: главенство дворцов и храмов; понимание красоты как богатства и пышности; преобладание чувства над разумом. Стремление «оживить» мертвую материю (обильное включение скульптуры в систему несомых и несущих элементов, «скульптурность» орнаментов и чисто архитектурных деталей). Вольное обращение с ордерной системой. «Уничтожение» плоскости стены («волнующаяся» поверхность фасадов). Бесконечные «прорывы» – двери, окна, зеркала в интерьерах.

Влияние французского классицизма на специфику русского барокко: в протяженности парков, фасадов дворцов, анфилад интерьеров; в господстве прямых линий в планах зданий. Большой дворец в Петергофе (1745–1755). Большой (Екатерининский дворец) в Царском селе (1752–1757). Зимний дворец (1754–1762). Ансамбль Смольного монастыря (1748–1764).

Тема 2. Скульптура и живопись первой половины XVIII в. Жанр портрета как значительное явление в русском искусстве начала века. Работа с натуры – новая черта русской живописи. И. Н. Никитин – основатель новой русской живописи. Черты рококо в «Портрете С.Г. Строганова». Глубина проникновения в характер в «Портрете напольного гетмана» и «Портрете канцлера Г.И. Головкина». «Автопортрет с женой» А. Матвеева – первый автопортрет русского художника. Деятельность скульптора Б.К. Растрелли, работавшего в стиле барокко. Сочетание острого психологизма образов с блестящим мастерством в передаче фактуры одеяний: бронзовый бюст Петра I, конный монумент Петра I, Монументальная группа «Анна Иоанновна с арапчонком». Стилистика рококо в детских портретах Л. Каравакка: «Портрет Анны и Елизаветы».

Тема 3. Архитектура второй половины XVIII в. Полное освоение идейно-образной системы и языка художественной культуры нового времени как единственно возможное условие творчества. Развитие классицизма: архитектура Петербурга и Москвы. Ведущие архитекторы. Исторические предпосылки для развития искусства в этот период. Образование Академии

«трех знатнейших художеств» (1757) при императрице Елизавете Петровне (располагалась в доме И.И. Шувалова).

Влияние идей просветительства – течении, возникшем во Франции. Главное в нем – протест против деспотизма и утверждение ценностей человеческого разума, познающего и переустраивающего мир. В России взгляды просветительства раскрываются в области распространения стиля классицизма. Это сказывается в иерархии видов и жанров искусства. Ведущая роль зодчества и скульптуры в рамках классицизма. Основой формообразования становится античный ордер. Античные планы зданий и городов, орнаменты, формы и пропорции ложатся в основу работ архитекторов и художников. Античный идеал становится своеобразной призмой, сквозь которую художник видит окружающую жизнь: здание Академии художеств (арх. А.Ф. Кокоринов, Ж.Б. Валлен-Деламот), ограда Летнего сада в Санкт-Петербурге (арх. Ю.М. Фельтен, П. Егоров).

Творчество русских архитекторов В.И. Баженова и М.Ф. Казакова. Проект Кремлевского дворца, дворцово-парковый ансамбль в Царицыно под Москвой, дом П.Е. Пашкова (Баженов). Петровский дворец, здание Сената в Московском Кремле, зал Благородного собрания (Казаков).

Тема 4. Скульптура и живопись второй половины XVIII в. Подъем русской скульптуры и живописи, связанный с деятельностью Академии художеств: идейное руководство искусством, система профессионального воспитания специалистов. Опора на классицистические взгляды, характерные для многих академий XVII–XVIII вв.

Освоение творческого опыта прошлого как основа художественного воспитания. Деление жанров на «высшие» и «низшие». Творчество основоположника исторического жанра в Академии художеств А.П. Лосенко, одного из крупнейших мастеров рисунка своего времени: «Владимир и Рогнеда». Своеобразие почерка художников-живописцев портретного жанра: Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского. Произведения мастеров скульптуры Ф.И. Шубина, Ф.Г. Гордеева, М.И. Козловского.

Тема 5. Архитектура первой половины XIX в. Общая закономерность развития русской культуры в первой половине XIX в.: от классицизма через

романтизм к реализму; развитие, связанное с кризисом феодальной системы, результатом войны 1812 г. и осознанием новой роли художника в обществе (в нем перестали видеть ремесленника, оценили независимый характер личности и творчества).

Исторические предпосылки для развития искусства. Связь различных видов искусства с тем или иным стилем: главные достижения архитектуры по-прежнему связаны с классицизмом; живопись получила возможность развивать романтическую концепцию, а скульптура впитала различные стилевые признаки. Ведущее звено в искусстве к середине века – живопись. Последовательно рассмотреть отдельные виды пластических искусств.

Стиль и характер архитектуры определяют постройки общественного значения. Понятие русский ампир. Изменение градостроительных задач: создание городских ансамблей. Стилевые изменения – усиление тяготения к строгости, монументальности, пристрастие к дорическому ордеру, глади стен. Изменение отношений между скульптурой и архитектурой: скульптурные элементы и композиции располагаются не в нишах, а на фоне гладкой стены, раскрывая замысел архитектуры.

А.Н. Воронихин: Казанский собор в Санкт-Петербурге. Тома де Томон: здание Биржи в Санкт-Петербурге. А.Д. Захаров: Адмиралтейство в Санкт-Петербурге. К.И. Росси: Михайловский дворец, Арка Главного штаба, Александрийский театр, здание Сената и Синода в Санкт-Петербурге. О.И. Бове: Большой театр в Москве. Посмотреть фильм И. Киселевой «Архитектура русского классицизма».

 Тема 6. Скульптура первой половины XIX в. Расцвет монументальной скульптуры в первой трети XIX в., связанный с общественно-патриотическим воодушевлением в связи с победой в войне 1812 г. Тесная связь скульптуры с академической школой.

И. П. Мартос: памятник Минину и Пожарскому в Москве. Ф.Ф. Щедрин: «Морские нимфы, несущие глобус» у здания Адмиралтейства. С.С. Пименов и В. И. Демут-Малиновский: «Колесница Славы» на арке Главного Штаба в Санкт-Петербурге. Б.И. Орловский: памятник М.И. Кутузову и Б. де Толли в Санкт-Петербурге. П.К. Клодт: скульптурные группы на Аничковом мосту в Санкт-Петербурге.

Тема 7. Живопись первой половины XIX в. Развитие живописи от романтизма к критическому реализму. Вершины живописи и их авторы.

Портреты художника-романтика начала XIX в. О.А. Кипренского (1782–1836), искавшего в образе человека возвышенное начало: автопортрет, портреты Е.В. Давыдова, А.А. Челищева, А.С. Пушкина. Художник-портретист В.А. Тропинин (1776–1857) – своеобразный антипод Кипренского. Его портреты всегда простые, «домашние», в них есть правда характеров и среды, а в героях нет особого внутреннего волнения: портрет сына, портрет П. А. Булахова, «Кружевница».

Родоначальник бытового жанра в русской живописи А.Г. Венецианов (1780–1847) и его художественная школе в Сафоновке. Художник воспевал поэзию простой жизни деревни: «Гумно», «Спящий пастушок», «На пашне. Весна». Его творчество бесконфликтно, основное в его работах – красота русского сельского пейзажа и подлинное единство человека и природы.

К 40-м годам романтизм в основном исчерпал свои силы. В 30–40-е годы на первый план выдвинулась историческая картина, в которой происходило пересечение классицизма и романтизма. На смену исторической условности пришла историческая правда.

Картина К.П. Брюллова (1799–1862) «Последний день Помпеи»: посещение художником раскопок Помпеи, следование при разработке композиции письменному свидетельству участника трагедии Плиния Младшего.  Воспроизведение  в  картине  реальной  части  города  –  его конкретных памятников. Контраст между динамикой форм и устойчивостью композиции – свидетельство пересечения романтизма и классицизма в одном произведении.

А.А. Иванов (1806–1858) – главная фигура живописи XIX в. и антипод К. Брюллова. Один стремился к декоративности, легкости, избегал сложных тем (Брюллов), другой, наоборот, шел трудными путями, сам их прокладывая. В картине «Явление Христа народу» – главное не эффектность сцены, а тема нравственного преобразования и озарения человека и человечества, тема жизни общества в момент резкой перемены, когда рушатся прежние представления и человечество стоит перед выбором нового пути.

Диссонанс между чертами классицизма (замкнутость композиции, расположение фигур по принципу барельефа, обращение к античности в трактовке образа Христа) и пленэрным характером живописи. Иванов занимает особое место в истории русской живописи. В своем творчестве он соединяет старое и новое, пользуясь преимуществами того и другого.

П.А. Федотов (1815–1852) – творческая судьба художника. Композиции картин «Сватовство майора», «Завтрак аристократа». Методы работы художника (поиск занимательного и поучительного сюжета, внимание к деталям, следование натуре). Творчество Федотова завершает эволюцию русской живописи первой половины XIX в.

Высокий уровень достижений русского искусства за рассматриваемый период. Высшие достижения – архитектура Петербурга, Москвы и русской провинции, живопись Кипренского, Венецианова, Иванова, Федотова, скульптура Мартоса.

Тема 8. Жанровая живопись 60–70-х гг. XIX в. Передвижники. Состояние искусства после реформ 60-х гг. и поражения России в Крымской войне. Эффективность прямой критики действительности с целью устранения ее пороков; формирование понятия об искусстве как «учебнике жизни».

Поиски положительных начал и ценностей жизни в творчестве художников-передвижников. Метод критического реализма как основа всей художественной культуры России середины и второй половины XIX в. Принцип правдоподобия – основополагающий.

В. Г. Перов (1833 –1882): «Проповедь в селе», «Сельский крестный ход на Пасхе», «Чаепитие в Мытищах», «Последний кабак у заставы».

Центральная тема искусства 60-х – тема обесценивания ценностей жизни, где все: от религии до семейных уз – стало предметом корысти. Изменение направленности искусства в 70-е гг. Деятельность художника И.Н. Крамского и критика В.В. Стасова, мецената П.М. Третьякова.

Учреждение  молодыми  художниками  выставочной  организации

«Товарищество передвижных художественных выставок» (1871). «Бунт 14» в Академии художеств и появление идеи свободного от официальной опеки искусства. Передвижники решились выйти на свободный рынок и тем самым расширили эстетические представления русского общества.

Смена художественной ориентации искусства с сатирического пути на язык «вечных сюжетов» в творчестве И.Н. Крамского (1837–1887). Программное произведение художника «Христос в пустыне»: идея трагического раздвоения между необходимостью бросить вызов царству гнета и несправедливости и невозможностью победить иначе, чем ценой самопожертвования, характерная для передовой части общества того времени.

«Хождение в народ» представителей русской интеллигенции, вера в силу знания и возможности поднять самосознание народа с помощью образования. Параллель между выставочной деятельностью передвижников и

«хождением в народ» передовых слоев общества. Герои портретов Крамского – «властители дум» своего времени: Салтыков-Щедрин, Некрасов, Л. Толстой, Третьяков.  Просмотр  фильма  о  творчестве  передвижников  из  цикла

«Третьяковская галерея». Значение их деятельности в развитии нового искусства и воспитании художественных вкусов русского общества.

Тема 9. Русский пейзаж XIX в. Эстетика нового реалистического пейзажа второй половины XIX в., возникшая на пути критического переосмысления традиций академического и романтического пейзажа. Переход от изображения исключительных видов и явлений к поэзии, рожденной из прозы, из опыта повседневного общения с природой.

Пленэрные поиски и живописное мастерство С.Ф. Щедрина. Эволюция творчества И.К. Айвазовского: от романтизма к реализму. Петербургская и московская школы. Живописный метод А.К. Саврасова. Блестящая техника лиричных пейзажей В.Д. Поленова и Ф.А. Васильева. Роль И.И. Шишкина в развитии реалистического эпического пейзажа. Эффекты света и цвета в картинах А.И. Куинджи. Совершенство пейзажей И. И. Левитана. Просмотр фильма из цикла «Третьяковская галерея».

Тема 10. И.Е. Репин (1844–1930). Творчество художника – высшее достижение реализма в живописи второй половины XIX в. Жизнь и творчество, особенности творческого почерка и тематики произведений. Анализ самых значительных из них: «Бурлаки на Волге», «Протодьякон»,

«Крестный ход в Курской губернии», «Арест пропагандиста», «Отказ от исповеди», «Не ждали», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану». Графика художника. Графические и живописные портреты: «Портрет М.П. Мусоргского», «Портрет Л.Н. Толстого». Источник творчества художника – современная ему действительность.

Самостоятельная работа: перечислить в тетради основные произведения Репина; раскрыть содержание одного из них.

Тема 11. Историческая и батальная живопись второй половины XIX в. Конфликт прогрессивных и реакционных сил в картине Н.Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея». Антивоенный обличительный характер

картин В.В. Верещагина: «Смертельно раненый», «Апофеоз войны». Прославление героизма русского народа.

Тема 12. В.И. Суриков. В.М. Васнецов. Развитие исторического жанра в творчестве передвижников: от реальной истории к истории легендарной, фольклорной, окрашенной патриотическим энтузиазмом. Деятельность В.И. Сурикова (1848–1916) – высшее достижение реализма в историческом жанре второй половины XIX в. Былинный характер картин В.М. Васнецова (1848–1926). Происхождение (из среды казаков, осваивавших сибирские просторы), детские впечатления, которые сформировали мировоззрение художника и стали основой его творчества.

Главные картины Сурикова: «Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова», «Меньшиков в Березове», «Покорение Сибири Ермаком», «Степан Разин». Переход от последней композиции, основанной на фольклорных традициях, к рассмотрению творчества Васнецова.

Анализ картин «После побоища Игоря Святославича с половцами»,

«Богатыри», «Аленушка». Способность художника наделять пейзаж и детали эмоциями пригодилась при создании декорации к «Снегурочке». С тех пор к декорации стали предъявлять те же требования, что и к живописной картине.

13. Архитектура и скульптура второй половины XIX в. Кризисное положение  архитектуры  и  скульптуры,  которое  проявилось  в  развитии

«эклектики» в архитектуре, господстве псевдорусского стиля, связанного с идеей развития национальной самобытности в искусстве.

Новые общественно-экономические отношения – существенный фактор, который определил состояние архитектуры второй половины XIX в. и способствовал появлению: новых материалов и техник строительства; новых типов сооружений (железнодорожных вокзалов, больших крытых торговых помещений, доходных домов); хаотичности застройки; диспропорции и несогласованности  в  масштабах  сооружений;  возникновению  резкого контраста между центром и окраинами городов.

Понятие эклектика (смешение «исторических стилей» в одной постройке) как примета, позволяющая отличить здание этого времени от сооружений других эпох. «Псевдорусский» стиль. Церковь Воскресения Христова на крови («Спас-на-крови») в Петербурге (проект А.А. Парланда), здание Исторического музея (арх. А.А. Семенов и В.О. Шервуд), Верхние торговые ряды (здание ГУМа, арх. А.Н. Померанцев).

Памятники монументальной скульптуры с чертами эклектики: памятник

«Тысячелетию России» в Великом Новгороде (М.О. Микешин) – излишняя натуралистичность деталей, дробность силуэта. Образец удачного монумента – памятник А.С. Пушкину в Москве (А.М. Опекушин), избежавшего излишней патетики при решении образа.

Зависимость станковой скульптуры от современной ей живописи: имитация  средствами  пластики  подробностей  сюжетного  рассказа:

«Крестьянин в беде» (М.А. Чижов), «Иван Грозный» (М.М. Антокольский). Историческая заслуга М.М. Антокольского – он стремился сохранить за скульптурой право говорить о значительном, возвышенном и, тем самым, противостоял главенству бытовизма в скульптуре.

Планируемые результаты освоения учебного предмета

К концу пятого года обучения учащиеся должны:

Знать:

• особенности развития архитектуры, скульптуры, живописи XX в.;
• выдающиеся работы архитекторов, скульпторов, художников XX в.;
• основные течения западноевропейского и русского искусства XX в.

Уметь:

• анализировать произведения изобразительного искусства;
• составлять библиографическую справку, рассказ об истории создания произведения.

В результате освоения программы учебного предмета «История изобразительного искусства» у учащихся должен сформироваться определенный комплекс знаний, умений и навыков. Учащиеся должны:

Знать:

• основные        исторические        периоды        развития        изобразительного искусства во взаимосвязи с другими видами искусств;
• произведения изобразительного искусства;
• профессиональную терминологию и основные понятия;
• специфику основных выразительных средств художественного языка;
• основные        художественные        школы        в        мировом        изобразительном искусстве.

Уметь:

• определять основные черты художественного стиля в произведении изобразительного искусства;
• определять        закономерности        построения        художественной        формы, основных элементов композиции;
• выявлять средства выразительности, используемые художником.

Иметь навыки:

• характеристики художественного образа;
• восприятия и анализа произведения изобразительного искусства, умение выражать к нему свое отношение и аргументировать свои суждения.

Иметь наличие кругозора в области изобразительного искусства.

          Раздел 9. ИСКУССТВО ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ

конца XIX – первой половины XX в.

Тема 1. Модерн. Стиль модерн. Определение термина модерн (Ар Нуво, австр. «Сецессион», нем. «Югендстиль»). Причины создания: развитие демократии, промышленная революция, вера в прогресс и лучшее будущее человечества; археологические открытия в Египте, на Крите, обнаружение Трои; знакомство с искусством Востока; теория У. Морриса о красоте, преображающей мир; создание в Англии движения искусств и ремесел в середине XIX в. Роль художественных журналов в пропаганде нового стиля.

Своеобразие архитектуры модерна – окончательное преодоление влияния античного ордера, виртуозное владение разнообразными средствами декоративного оформления фасадов и интерьеров. Источники вдохновения: вся история архитектуры и природные образы. Сущность творческого метода: принцип импровизации на выбранную тему.

Увлечение готикой Антонио Гауди и его творения в Барселоне: дом Висенса, парк Гуэль, собор Саграда Фамилия (не закончен). Стремление Виктора Орта уйти от границ архитектуры к свободе живописи и графики в отделке интерьеров домов Эдмона Тасселя, ван Этвельде, Народного дома (все – Брюссель). Дом как единое произведение искусства в творчестве Анри Ван де Вельде: «Блюменверф» (Уккеле близ Брюсселя). Красота и польза архитектуры Отто Вагнера: Майолик-хауз (Вена). Ясность композиции, компактность объема и богатство декора, навеянная архитектурой древних Йозефа Ольбриха: здание Сецессиона (Вена). Природные мотивы лепных украшений, изысканные формы декоративных элементов Августа Энделя: фотоателье «Эльвира» (Мюнхен).

Тема 2. Символизм. Символизм как интернациональное направление в искусстве конца XIX в., которое, опираясь на литературу, оказало влияние на все современное искусство. Определение понятий символ и символизм.

Первое проявление символизма – «Братство прерафаэлитов» (Англия, 1848), созданного Д. Г. Россетти и Д. Э. Миллесом. Они провозгласили отказ от        исторической реальности и                обратились                к готическому искусству и живописи XV в. Россетти: «Возлюбленная», Миллес: «Офелия». Связь с музыкой Вагнера и Дебюсси, литературой Бодлера, поэзией Верлена и Рембо. Пьер Пюви де Шаванн – создатель грандиозных фресок с изображением мирных        аллегорий,        в        которых                 хрупкие        фигуры        сохраняют                спокойную неподвижность.        Человеческая        любовь        и                нежность        работ,        выраженная

аскетичным колоритом и отказом от контура: «Надежда».

Группа «Наби» («Пророк») и его лидер П. Боннар; манифест вдохновителя группы М. Дени: подлинное произведение искусства на службе мысли должно быть декоративным, субъективным и произвольным. Набиды интересовались не только литературой, но и религиозной философией и музыкой, японской графикой и примитивной скульптурой. Дени: «Пейзаж с зелеными деревьями», Боннар: «Партия в крокет».

Единственная крупная выставка символистов во Франции «Роза + Крест» (1892–1897), после которой вся Европа почувствовала влияние символизма. Символизм отражал страх художников и интеллектуалов перед новым миром науки и машины, миром, в котором не было уже места Богу. Это проявилось в пессимистических воспоминаниях, в декадентском спиритуализме, в потоке декоративных эффектов.

Символизм заложил основу творческим исканиям сюрреалистов, повлиял на абстрактные теории Кандинского, Клее.

Тема 3. Стили и направления начала XX в. Эволюция художественных стилей и направлений в зарубежном искусстве ХХ в., отход от реализма, провозглашение независимости искусства от действительности. Причины возникновения различных формалистических течений, быстрая их смена. Краткий обзор некоторых наиболее важных течений модернизма.

Фовизм (от франц. fauves – дикие, 1899 –1905). Возник на пересечении трех противоречивых направлений: искусства Гогена, неоимпрессионистов и Ван Гога. Использование художниками чистого цвета, отказ от перспективы и традиций классического искусства, отрицание пространства, света и импрессионистического понимания реальности. Андре Дерен: «Две шлюпки», Морис де Вламинк: «Пейзаж с красными деревьями. Улица в Марли», Анри Матисс: «Цыганка».

Экспрессионизм (1905–1920). Применение широких мазков и ярких красок для смещения сильных изобразительных акцентов с целью придания большей эмоциональной окраски. Немецкие и австрийские экспрессионисты. Группы «Мост» и «Синий всадник». Людвиг Эрнст Кирхнер: «Автопортрет с моделью», «Сидящая девушка: Френци»; Василий Кандинский: оригинал обложки альманаха «Синий всадник» (ксилография), «Улица в Мурнау»; Франс Марк: «Лошадь в пейзаже»; Август Макке: «Дама в зеленом жакете». Кубизм (1907–1920). Направление во французском искусстве; основатели Жорж Брак и Пабло Пикассо. Стремление изобразить суть предмета, а не то, как он выглядит. Разбивка одного объекта на множество, сочетание различных его видов и проекций в пределах одной картины. Жорж Брак: «Дома в Эстаке» (Берн, Художественный музей), Пабло Пикассо:

«Портрет Амбруаза Воллара» (Москва, ГМИИ им. Пушкина).

Футуризм (1909–1914). Литературно-художественное направление в Италии и России, приветствующее новые технологии изображением движения и скорости. Джакомо Балла: «Динамизм собаки на поводке», Умберто Боччони: «Elasticita», «Динамизм футболиста».

Супрематизм (1913–1920-е). Первое направление, которое свело картину к чистой геометрической абстракции. Основатель школы – русский художник Казимир Малевич. Композиции, состоящие из геометрических фигур (квадрат, круг, треугольник и крест): «Черный квадрат» (Москва, Государственная Третьяковская галерея), «Супрематизм (с синим треугольником и черным прямоугольником), (Амстердам, Городской музей).

Дадаизм (1913–1920-е). Макс Эрнст и Марсель Дюшан изменили ценности традиционного искусства изображением странных событий и созданием необычных работ из разнообразных материалов с применением

«детских»        техник        –        коллажа        и        фроттажа.        Одно        из        самых        смелых

«произведений»        Дюшана:        писсуар,        выставленный        им        под        названием

«Фонтан».

Сюрреализм (франц. – сверхреализм, 1924–1945) – направление в искусстве и литературе. Применение техники автоматического рисования, чтобы передать заложенное «сверху» в сферу бессознательного. Рене Магритт:

«Месть», Сальвадор Дали: «Постоянство памяти».

Тема 4. Матисс. Анри Матисс (1869–1954) – выдающийся художник ХХ в., открывший новые возможности цвета, таящуюся в нем лучистую энергию. Красочный,  оптимистический,  декоративный  характер  его  творчества:

«Танец», «Музыка», «Семейный портрет», «Красные рыбы», «Натюрморт с раковиной»,  «Цыганка»,  «Марокканский  триптих».   Декупажи:  «Икар»,

«Джаз» и др. Просмотр художественно-публицистического фильма о творчестве Матисса.

Тема 5. Пикассо. Пабло Пикассо (1881–1973) – выдающийся художник ХХ в., оставивший знаковые произведения во всех направлениях живописи. Творческий путь. Гуманизм лучших работ. Особенности различных периодов деятельности. «Голубой» и «розовый» периоды: «Старик нищий с мальчиком», «Бедняки на берегу моря», «Девочка на шаре». Период кубизма:

«Авиньонские девицы», «Облокотившийся Арлекин». Аналитический и синтетический кубизм: «Портрет Вильгельма Удэ», «Скрипка, висящая на стене». Тема быка в творчестве художника после поездки в Испанию в 30-х гг.: «Натюрморт с Минотавром». Обличение античеловеческой сущности фашизма: «Герника». Античная тема: «Туалет», «Радость жизни». Графика:

«Голубь мира», «Лицо мира».

Тема 6. Абстрактное искусство. Абстракция и абстрактное искусство – одно из кардинальных художественных открытий ХХ в. Значение и роль абстрактного искусства: творческие работы художников В. В. Кандинского, К. С. Малевича, В. Е. Татлина и П. Мондриана.

Раздел 10. РУССКОЕ ИСКУССТВО конца XIX – начала XX в.

Тема 7. К.А. Коровин. В.А. Серов. Яркое отражение в их творчестве переломных моментов искусства эпохи. Дружба различных по темпераменту художников, связь с деятельностью мамонтовского кружка – своеобразной кузницей идей и форм нового русского искусства.

К.А. Коровин (1861–1939) – яркий представитель русского импрессионизма. Сходство его работ с пейзажами французских импрессионистов; своеобразие манеры художника в повышенной интенсивности цвета, в стихийной экспрессии мазка, в романтической напряженности образа. Роль художника в изменении отношения к этюду, который после него стал восприниматься как самостоятельное произведение искусства. «Зимой», «Париж. Бульвар Капуцинок», «Рыбы, вино и фрукты».

Этапные для русского искусства работы В.А. Серова (1865–1911).

«Девочка с персиками»: поворот от критического реализма передвижников к

«реализму поэтическому»; тема – юность, весна жизни; жанровый синтез как важная для искусства конца XIX в. тенденция. «Девушка, освещенная солнцем»– образец импрессионистической живописи. Парадные портреты Ермоловой, Шаляпина – черты символизма в трактовке героя как одинокого гения, героической личности, способной увлекать массы. Парадный портрет Орловой – образец модной картинки в стиле модерн и острая характеристика определенного типа личности. «Похищение Европы» – поиск законов художественной трансформации реальности, в русле устремлений молодого поколения художников. Поздние произведения Серова созданы как бы разными художниками, но отражают основную черту искусства конца XIX – начала XX в: переход от метода прямого изображения действительности в формах самой действительности к методу поиска художественного образа и формы, косвенно выражающих содержание современности.

Тема 8. М.А. Врубель.

М.А. Врубель (1856–1910) – крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве, новый тип универсального художника, умевшего написать картину и декоративное панно, исполнить виньетку для книги и монументальную роспись, вылепить скульптуру и сочинить театральный костюм.

Творческий облик. Особенность почерка художника, колорита; абсолютное чувство ритма, линии, цвета. Рождение мира образов Врубеля из его фантазий. Характерная черта: работал сразу, по воображению, а не с натуры; образам героев часто придавал свои черты; «работал, как дышал».

«Девочка на фоне персидского ковра». Иллюстрации к поэме М.Ю. Лермонтова «Демон»: «Не плачь, дитя, не плачь напрасно», «Тамара и Демон». Картины «Демон (сидящий)», «Демон поверженный». «Портрет С.И. Мамонтова». «К ночи», «Пан» «Царевна-лебедь» «Сирень».

Декоративные панно «Испания» и «Венеция». Скульптуры «Волхова» и

«Мизгирь». Эскизы декоративных блюд, камина для Абрамцева. Декорации к операм Н.А. Римского-Корсакова. Костюмы для театральных образов жены художника: «Царевна Волхова». Графические листы: «Автопортрет», «Букет сирени». Отличительные черты Врубеля – универсализм дарования, беспредельная фантазия, необычайная страстность.

Тема 9. «Мир искусства». Художественное объединение «Мир искусства» – крупное эстетическое явление русской культуры рубежа веков, утвердившее новые вкусы и проблематику, вернувшее искусству – на самом высоком профессиональном уровне – утраченные формы книжной графики. Создатели театрально-декоративной живописи, приобретшей их усилиями европейское признание, «открывших» заново русское искусство XVIII в.

Формирование объединения из кружка одноклассников, самостоятельно изучавших искусство и решивших, что через знакомство с произведениями мировой культуры можно воспитывать вкусы широких слоев русского общества. Эта просветительская задача стала главной. Эстетическая позиция группы: все, что любит и чему поклоняется художник в прошлом и настоящем, имеет право быть воплощенным в искусстве, независимо от злобы дня; единственным чистым источником красоты является само искусство. Воплощение мечты о соединении видов искусства (живописи, литературы, музыки, театра) на практике, создание журнала (1899), проведение регулярных выставок под эгидой «Мира искусства».

Роль С.П. Дягилева – мецената и организатора выставок, а впоследствии организатора гастролей русского балета и оперы за границей.

Программные произведения ведущих художников объединения – К.А. Сомов: портрет художницы Мартыновой «Дама в голубом»; А.Н. Бенуа:

«Прогулка короля», графическое оформление «Медного всадника»; Л.С. Бакст: «Terror antiguus», декорации и костюмы к балету на музыку симфонической сюиты «Шехеразада» Н.А. Римского-Корсакова, балету «Жар-птица» И. Стравинского; Е.Е. Лансере: «Императрица Елизавета Петровна в Царском  Селе»;  М.В.  Добужинский:  «Человек  в  очках»;  Н.  К.  Рерих:

«Заморские гости»; Б. Кустодиев: «Купчиха за чаем», «Масленица».

Тема 10. «Союз русских художников». Деятельность «Союза русских художников», его роль в отечественном изобразительном искусстве и воздействие на формирование советской живописной школы. История объединения. Национальный пейзаж как основной жанр художников «Союза». Своеобразие «русского импрессионизма» в живописи и скульптуре.

Работы И.Э. Грабаря, его интерес к разложению видимого цвета на спектральные, чистые цвета. Повышенное декоративное чувство цвета в работах Ф.А. Малявина. Работы К.Ф. Юона, С.Ю. Жуковского, которых

привлекала        задача        создания        образа        старинных        русских        городов. Романтическое настроение картины А.А. Рылова «Зеленый шум». Работы П. Трубецкого – одного из ярких представителей импрессионизма в скульптуре. И. Грабарь: «Сентябрьский снег», «Февральская лазурь», «Мартовский снег»; Ф. Малявин: «Вихрь», «Крестьянская девушка», «Гости»; К. Юон:

«Мартовское солнце», «Троицкая лавра зимой»; С. Жуковский: «Брошенная терраса», «Радостный май», «Плотина»; П. Трубецкой: «Дети».

Тема 11. «Голубая роза». «Русский символизм». Выставка последователей В.Э. Борисова-Мусатова под названием «Голубая роза». Синтез искусств, воздействие на художников стилистики символизма и модерна (плоскостно-декоративная стилизация форм, прихотливость линейных ритмов). Единство и особенности творчества лидеров.

Ведущий художник П.В. Кузнецов (1878–1968). Создал декоративное панно-картину, в которой отошел от житейской конкретности и показал единство человека и природы, устойчивость вечного круговорота жизни, рождение в этой гармонии человеческой души. В поисках своего большого стиля художник обращается к классическим традициям мирового искусства.

Художник М.С. Сарьян (1880–1972). Создал в пейзажах образ экзотического Востока: Ирана, Египта, Турции. Важно: ориентальные произведения Сарьяна с их цветовыми контрастами появились раньше работ Матисса. Жизнерадостный характер декоративных полотен художника.

Кузнецов и Сарьян создавали поэтический образ красочно-богатого мира разными путями: один – опираясь на традиции древнерусского искусства иконы, другой – древнеармянской миниатюры. В период «Голубой розы» их объединял интерес к ориентальным мотивам, символические тенденции.

П. Кузнецов: «Голубой фонтан», «Мираж в степи», «Вечер в степи»; М. Сарьян:  «Улица.  Полдень.  Константинополь»,  «Идущая  женщина»,«Финиковая пальма»; С. Судейкин: «Пионы», «Маскарад»; Н. Сапунов:

«Цветы и фарфор»; дополнительно – Феофан Грек: «Троица»; фреска церкви Спаса Преображения в Великом Новгороде.

Тема 12. Ранний русский авангард. Художественное объединение

«Бубновый валет» и их окружение – художники России начала ХХ в., избравшие путь постимпрессионизма, поклонники примитивного народного искусства, кубизма и фовизма. Причины возникновения художественного объединения, выступавшего яростными противником предшествующего искусства; состав участников, цели и задачи. Принципы деятельности: отвержение всего смутного, таинственного, недосказанного в искусстве; утверждение предмета и предметности; интенсивность цвета.

Натюрморт как любимый жанр, подчеркнутая плоскость холста, ритм цветовых пятен – И.И. Машков: «Синие сливы», «Натюрморт с камелией»; П.П. Кончаловский: «Агава», «Сухие краски»; А.В. Куприн: «Натюрморт с книгами и свечой». Портреты, построенные на выделении в образе какой-нибудь одной яркой черты – П.П. Кончаловский: портрет  Г. Якулова,

«Матадор Мануэль Гарт»; И.И. Машков: «Портрет дамы с фазаном».

Сходные черты работ художников в трактовке образов с народным лубком, вывеской, росписью изразцов. Подоплека тяги к примитивизму – поиск непосредственности и целостности художественного восприятия.

Бунтарское творчество М.Ф. Ларионова, его обращение к предметам прозаичным и грубым, тусклым и нецветным, построенным на гармонии сближенных цветов: «Отдыхающий солдат». Работы Н.С. Гончаровой, работавшей в подобной стилистике: «Мытье холста». Обращение художницы к религиозному искусству, переосмысление опыта иконописи: «Четыре евангелиста». Влияние на творчество художников «Бубнового валета» авангардных направлений: фовизма, кубизма и футуризма. Картины А.В. Лентулова «Звон. Колокольня Ивана Великого», «Василий Блаженный». Роль

языка авангардного искусства в создании выразительного образа, гармония которого разрушена нервным восприятием современного человека, обусловленным индустриальными ритмами.

Работы М.З. Шагала «Я и деревня», «Над Витебском», «Венчание», создававшего фантазии, близкие западному экспрессионизму и народному примитиву. Работы К.С. Петрова-Водкина «Купание красного коня», «Мать», в произведениях которого материальность сочетается с почти фовистской яркостью цвета и приемами древнерусской иконописи.

Раздел 11. ИСКУССТВО СОВЕТСКОГО ПЕРИОДА

Тема 13. Искусство периода Октябрьской революции и гражданской войны. Начало нового этапа в развитии культуры. Первые мероприятия советской власти в области искусства и сохранения художественного наследия прошлого. Расцвет агитационного массового искусства. «Окна сатиры РОСТА». Плакаты М. Черемных и В. Маяковского. Творчество Д.С. Моора и В.Н. Дени. Агитационный фарфор. Революционный пафос произведений Б.М. Кустодиева, К.Ф. Юона, А.А. Рылова.

Тема 14. «Четыре искусства», АХРР и ОСТ. Искусство 20-х гг., появление объединений, стремившихся не только продолжить развитие традиций реализма, но и создать современный язык на основе синтеза традиций классической культуры и формальных поисков авангарда.

Историческая и социальная обстановка; трудное положение художников в первые годы советской власти, необходимость доказывать нужность своего творчества новому государству рабочих и крестьян; поиск образов, созвучных эпохе перемен. Продолжение традиций реализма в обществе «Четыре искусства»  и  Ассоциации  художников  революционной  России  (АХРР);

новаторство Общества станковистов (ОСТ), которых привлекал язык плаката и «монтажа» – приема, взятого из кинематографа.

Д.  Моор: плакат «Красный подарок белому пану»; В. Дени: плакат

«Капитал»; Е. Чепцов: «Заседание сельской ячейки»; А. Рылов: «В голубом просторе»; М. Греков: «В отряд к Буденному», «Тачанка», «Трубачи Первой Конной»; Г. Ряжский: «Автопортрет»; Н. Касаткин: «Делегатка», «Вузовка»; А. Дейнека: «Оборона Петрограда»; К. Петров-Водкин: «Смерть комиссара»,

«1919 год. Тревога», «Портрет Ахматовой»; П. Кончаловский «Портрет Наталии Петровны Кончаловской, дочери художника»; И. Машков: «Снедь московская. Мясо, дичь», «Хлебы. Снедь московская».

Тема 15. Искусство 30-х гг. Картины историко-революционной тематики в творчестве Б.В. Иогансона: «На старом уральском заводе»,

«Допрос коммунистов»; отражение жизни советского народа в картинпх А.А. Дейнеки, А. А. Пластова, К.Н. Истомина; тема спорта в творчестве А.А. Дейнеки, А.Н. Самохвалова.

Расцвет портретной живописи: галерея портретов советской интеллигенции М.В. Нестерова, портретные работы П.Д. Корина.

Развитие пейзажной живописи: городской пейзаж Ю.И. Пименова, пейзажи В.К. Былыницкого-Бирули, Н.П. Крымова.

Натюрморт в творчестве И.И. Машкова, П.П. Кончаловского.

Ведущее значение реалистической книжной иллюстрации: В.А. Фаворский, Е.А. Кибрик.

Расцвет монументальной скульптуры: скульптурная группа В.И. Мухиной «Рабочий и колхозница» для советского павильона на Всемирной выставке в Париже (1937). Портретные работы В.И. Мухиной, С.Д. Лебедевой.

Строительство Московского метрополитена.

Тема 16. Искусство в период Великой Отечественной войны. Образ героического советского народа в искусстве; гуманизм советского искусства; утверждение стойкости и несгибаемого мужества советского человека.

Большая мобилизующая роль плаката и политической карикатуры. Плакаты И.М. Тоидзе, В.Б. Корецкого. «Окна ТАСС». Работы Кукрыниксов. Графические серии Д.А. Шмаринова и А.Ф. Пахомова.

Отражение массового героизма народа в живописи – А.А. Дейнека:

«Оборона Севастополя», А.А. Пластов: «Фашист пролетел», С.В. Герасимов:

«Мать партизана». Патриотическая роль исторической живописи – П.Д. Корин: триптих «Александр Невский». Военный пейзаж в творчестве А.А. Дейнеки и Г.Г. Нисского.

Скульптурные портреты героев войны в творчестве В.И. Мухиной, Е.В. Вучетича. Образы народных героев в творчестве М.Г. Манизера: «Народные мстители», «Зоя».

Тема 17. Искусство конца 40-х – начала 80-х гг. Основная тематика советского искусства на примере работ наиболее ярких художников эпохи. Обращение к темам прошедшей войны. Тема борьбы за мир как одна из центральных в советском искусстве. Отражение труда советских людей. Портрет как создание образа современника; развитие жанра исторического портрета в творчестве С.П. Викторова. Определяющая роль эпического пейзажа. Натюрморт в творчестве В.Ф. Стожарова. Создание образа героя в монументальной и портретной скульптуре.

Тема 18. Искусство моего края, города. Региональный компонент программы. Познакомиться с художниками нашего города, их творчеством. Посетить выставки.

  СПИСКИ РЕКОМЕНДУЕМОЙ ЛИТЕРАТУРЫ И СРЕДСТВ ОБУЧЕНИЯ

Основная учебная литература

Филиппова А.Л. Беседы об искусстве: учеб. пособие для учащихся детских художественных школ и щкол искусств. – Краснодар: [б.и.], 2017.

Филиппова А.Л. История изобразительного искусства: учеб. пособие для учащихся детских художественных школ и щкол искусств: первый-четвертый годы обучения. – Краснодар: [б.и.], 2017.

Филиппова А.Л. Филиппов А.Е. История изобразительного искусства: учеб. пособие для учащихся детских художественных школ и щкол искусств пятый год обучения. – Краснодар: [б.и.], 2020.

Дополнительная учебная литература

Александров В.Н. История русского искусства. – Минск: Харвест, 2009.

Алленов М. История русского искусства: конец XVIII – начала XX века. Т.2.

Кн. 2. – М.: (без из-ва), 2000.

Арган Дж.К. История итальянского искусства. Т.1. Античность, Средние века, Раннее Возрождение; Т.2. Высокое Возрождение, барокко, искусство XVIII в., искусство XIX – начала XX в. – М: Радуга, 1990.

Борзова Е.П. История мировой культуры. – СПб: Лань, 2002.

Вёрман К. История искусства всех времен и народов: искусство XVI–XIX столетий. – М: АСТ, 2001.

Гнедич П.П. История искусства. – М: АСТ, 2009.

Дворжак М. История итальянского искусства в эпоху Возрождения. Т.1. XIV–XV столетия; Т.2. XVI столетие. – М: Искусство, 1978.

История        советского        искусства:        Живопись,        скульптура,        графика.        –        М: Искусство, 1965.

История русского и советского искусства: учебное пособие для ВУЗов. – М: Высшая школа, 1989.

История искусств: Франция, Испания, искусство XIX века. Т.1. СПб: ДБ, 2003.

История искусств: западноевропейское искусство: учебник. – М: Высшая школа, 2004.

История искусства: художники, памятники, стили. – М: АСТ, 2008.

Куманецкий К. История культуры Древней Греции и Рима. – М: Высшая школа, 1990.

Любимов Л.Д. История мирового искусства: Древний мир, Древняя Русь, Западная Европа. – М: Астрель, 2006.

Овсянников Ю. История памятников архитектуры: от пирамид до небоскребов. – М: АСТ-Пресс, 2001.

Ожегов С.С. История ландшафтной архитектуры. – М: Архитектура-С, 2004.

Рябцев Ю.С. История русской культуры: ХХ век: учеб. пособие. – М: Владос, 2004.

Сарабьянов Д. История русского искусства конца XIX – начала ХХ века. – М: Галарт, 2001.