Методический доклад на тему: « ВЗГЛЯД НА МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ В ЯПОНИИ »

Управление культуры города Курска

Муниципальное бюджетное образовательное учреждение дополнительного образования

 «Детская школа искусств №7» города Курска

Методический доклад на тему:

« ВЗГЛЯД НА МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ В ЯПОНИИ »

                                           Преподаватель   МБОУ ДО

                                                     ДШИ № 7

                                                                                       Выскубова И.В.

Курск 2017   

   Интерес к культуре «Страны восходящего солнца» всё более возрастает, не говоря уже о популярности японских автомашин, электроники, японской кухни, японских анимэ, компьютерных игр и кинофильмов, литературе таких писателей, как Харуки Мураками, Юкио Мисима, кинофильмам Акира Куросава, театру «но» и «кабуки», музыке классика Ямада Косаку, всемирно известного композитора Такемицу Тору. Издавна формируют экзотический образ Японии акварели и стихотворения хайку/хокку, образы самурая, гейши, виды горы Фудзи. Заслуживает внимания популярность таких феноменов японской дзэнкультуры, как икэбана, чайная церемония, сад камней, виды национального спорта дзюдо, кэндо и др.

        Начиная с 1990-х гг., японская музыка известна в Европе и США благодаря своим уникальным жанрам, таким как j-pop, j-rock, visual kei, она попадает к слушателю через саундтреки в мультипликации или видеоиграх, как компонент фестивалей японской культуры, где выступают приезжие японские группы и исполнители. Традиционная японская музыка покоряет необычными инструментами вроде «поющих колодцев», «поющих чащ» (флейты сякухати, рютеки, лютня сямисен — сангэн, инструменты оркестра гагаку, цитра кото, барабан тайко и др.), а также тем, что основана на интервалах человеческого дыхания, а не математического расчета.

       В пестром калейдоскопе форм музицирования на национальных инструментах, множества европеизированных симфонических, сольных концертов потрясают качество акустического оборудования концертных залов, оригинальность сценических площадок, совершенство аудио и видео записей, обусловливающие приоритетность гастролирования в Японии как для молодых, так и заслуживших мировое признание музыкантов. Наряду с удивительно интересной оркестровой и сольно-инструментальной (светской и религиозной) этномузыкой, насчитывающей более тысячи лет, в контексте японской культуры интенсивно развивается искусство фортепианной игры, которому в данном регионе, строго говоря, чуть более 120-150 лет. Заметим, что фортепианное творчество — композиторское и исполнительское — сыграло и продолжает играть значительную роль в просветительстве населения Японии, а также в процессе музыкального образования в стране.

       Обучение японских музыкантов в консерваториях западной Европы (Германии, Франции), университетах США было типичным в период конца XIX-XX в. Впоследствии все они возвращались на родину (возможно, на какое-то время) и активно участвовали в процессах просветительства и развития музыкального образования в стране. В современный период (конец XX-XXI в.) ситуация в этой стране изменилась в сторону совершенствования собственно японского музыкального образования, которое осуществляется для значительного числа населения с привлечением иностранных специалистов.

         Приведем информацию о системе музыкального образования в Стране восходящего солнца: первое апреля — начало учебного года и своеобразная «инициация» на право быть японцем. Учтем, что в Японии функционируют более 400-х различных университетов (национальных, государственных, частных), высшее образование, как и в Европе, предполагает четырёхлетнее обучение до степени бакалавра (иногда предлагается шестилетняя программа для достижения определённой профессиональной степени). Бесплатное образование в стране практически отсутствует: стипендии получают только самые талантливые и самые необеспеченные студенты, причём выдаются они с условием возврата и расходы на обучение покрывают не полностью.

       Обучение игре на инструментах начинается в государственных и частных старших школах, где уроки являются платными. Программа первого года старшей школы одинакова для всех, однако в последующие 2 года подразумевают выбор курса в зависимости от намерения получать высшее образование. Общие педагогические позиции таковы: все дети равны, среди них нет слабых и сильных, а есть ленивые и прилежные. Эти же положения касаются и музыкального образования: в школах, ориентированных на музыку, «второгодников» нет, репетиторские школы — дзюку — помогают «выравниванию» детей. Задача средней школы — воспитание, задача старшей школы — передача знаний для поступления в вуз, и практически все поступившие их заканчивают.

        Образование в Японии —это культ, поддерживаемый семьей, обществом и государством: до 5 лет японцы обращаются с ребенком, «как с королем», с 5 до 15 лет — «как с рабом», а после 15 — «как с равным». Сегодня в японской педагогической среде, наряду с тенденцией стандартизации образования, ощущается «острая потребность в творческой личности», необходимость выявления одаренных детей в раннем возрасте. Ведь именно эти принципы культивируются в системе музыкального образования всех цивилизованных стран. Приоритеты  западноевропейской цивилизационной музыкальной культуры: музыкальные произведения, созданные как профессиональными композиторами, так и фольклор, их хранение и распространение, приемы музыкального воспитания подрастающих поколений, материально-техническая база музыкальной деятельности — в совокупности оказались более конкурентноспособными по сравнению с азиатской музыкальной культурой.

СИСТЕМА МАССОВОГО МУЗЫКАЛЬНОГО  ВОСПИТАНИЯ «ЯМАХА»

 История корпорации Yamaha насчитывает более 100 лет. С того  момента, как молодой предприниматель Торакусу Ямаха в 1887 г. изготовил высокока-чественный тростниковый орган, он основал свою компанию (Nippon Gakki,  Ltd.). Она не только выпустила первое пианино в Японии, но и получила  широкую известность за рубежом: в1904г. пианино и орган компанииYamahaполучили Гран-при на международной выставке в Сент-Луисе.  После  столь  блистательного  начала  компания  продолжила  свое  движение  на  пути  к  популярности и стала одним из самых лучших производителей музыкальных инструментов в мире.  По мере своего  развития компания  использовала  уникальный  накопленный  опыт мастерства  и последние  технологические   достижения для расширения ассортимента  продукции  и  услуг.

       С  самых  ранних  времен  музыка  была  одна  из  наиболее  естественных  и  художественных  форм  человеческого  выражения.  Она  затрагивает  людей  самого  разного  возраста.  Yamaha  Music  Foundation  стремится передать радость от общения с музыкой  всем  людям  независимо  от  культурных  и  национальных  границ  и  увеличить  эмоциональность,  которая  позволяет  людям  свободно  выражать  себя  через музыку. Внедряя  музыкальное воспитание в человеческое общество система «Ямаха» вносит  значительный вклад в создание более яркого и  счастливого  мира.

      Система  музыкального  воспитания  «Ямаха»  зародилась  в  Японии  в  середине  1950-х гг.  Она  возникла  под  непосредственным  руководством  тогдашнего  президента  корпорации  «Ямаха»  Геничи  Каваками. В  1966 г.  с одобрения Министерства просвещения страны был основан Музыкальный  фонд «Ямаха». Эта некоммерческая общественная корпорация поставила  благородную цель: развивать и продвигать массовое музыкальное воспитание и образование, содействовать международной популяризации музыкальной деятельности. Практическими задачами фонда стали: развитие и расширение сети  музыкальных  школ  «Ямаха», проведение  научных  психолого-педагогических исследований (особенно в области музыкального воспитания и развития детей), разработка новых современных методов обучения.  Музыкальный фонд «Ямаха»поддерживает ряд значительных международнх мероприятий, например, престижных Международных  детских  концертов.

        Система  массового  музыкального  воспитания  «Ямаха»  представляет  реализацию цели глобального продвижения  музыки  независимо  от  существующих национальных и государственных границ. Все дети во всем мире учатся по «Ямаха-методе», которая способствует музыкальному  развитию представителей нового поколения. Наиболее продвинутые из них рассматриваются корпорацией  как  «послы  музыки».

        Цель  системы  «Ямаха»  состоит  в  том,  чтобы  всесторонне  развить  музыкальные  способности  каждого  учащегося  в  окружающей  его  среде.  Система  призвана привить  любовь  к  музыке,  способствовать  активному  творческому  самовыражению  на  протяжении  всей  жизни  человека,  используя  самые  разнообразные  формы  музицирования.  По  мере  обучения  учащиеся  добиваются  прогресса  в  трех  основных  видах  творческой  работы:  в  исполнении,  импровизации, композиции. Методы  обучения привлекли  внимание  многих  профессиональных  музыкантов,  успешных  педагогов  и  миллионов  любителей  музыки  во  всем  мире.

          В методической основе системы  образования  музыки  «Ямаха»  лежат  три  позиции:  1)  своевременное  музыкальное  обучение;  2)  групповые  занятия  и  3)  акцент  на  развитии  творческого  потенциала  учащихся.  Рассмотрим  их  по  отдельности. Своевременное  музыкальное  воспитание  и  образование.  Для  того чтобы  дети  могли  получать  удовольствие  от  занятий  музыкой,  а  также  воспринимать  и  понимать  учебный  материал  необходимо,  чтобы  их  учебная  программа  соответствовала  уровню  и  степени физического и умственного развития детей.  Опыт  показывает, что  усвоение младшего курса соответствует уровню развития ребенка 4 - 6  лет.  В  этом  возрасте  способности  детей  развиваются  особенно  быстро. 

        Групповые  занятия  имеют  множество  специфических  преимуществ  перед  индивидуальными. Они  позволяют  детям  наслаждаются  богатым  музыкальным  опытов  в  общении  с  друзьями  через  музицирование.  Участие  в  ансамблях  способствует  быстрому  и  глубокому  понимании  музыки.  Совместное  слушание  и  разнообразные  виды  музыкальной  деятельности  развивают  интерес  детей  к  музицированию,  учат  их  наслаждаться  музыкой  в  ходе  обучения.  Широкий  возрастной  диапазон  - с 2-3 лет до глубокой старости, разнообразный учебный и художественный  материал,  использование  сочетания  индивидуальных  и групповых  занятий,  ориентация  на  творческие  методы  работы  вызвали  восторженные отклики выдающихся музыкантов, например, М.Ростроповича

       Сегодня действует 6.450 музыкальных  школ системы  «Ямаха»,  они расположены  более  чем  в  40 странах, там учатся почти 1 млн.  учащихся,  преподают около 20 тыс. учителей. Более  11  млн.  окончили  музыкальные  школы. Во всем мире  психолого-педагогические  и  методические  подходы,  философская и нравственная основа системы согласуются с местными  культурами и национальными традициями, условиями и характером  жизни  людей.  В этом заложены возможности  дальнейшего  распространения  системы  массового  музыкального воспитания «Ямаха». 

Музыкальное образование и развитие детей в Японии.

ШИНИЧИ СУЗУКИ: «МУЗЫКАЛЬНОСТЬ — ЭТО НЕ ВРОЖДЕННЫЙ ТАЛАНТ»

 Шиничи Сузуки — японский скрипач и педагог, который сильно повлиял на музыкальное образование как в Японии, так и во всем мире. Вот основа его подхода: «Музыкальность — это не врожденный талант, а способность, которая, как и всякая способность, может быть развита. Любой ребенок, обученный должным образом, может стать музыкальным — это не сложнее, чем научиться говорить на родном языке. Потенциал каждого маленького человечка неограничен».

Чтобы вы поверили в действенность его методики, приведем несколько фактов из жизни Шиничи Сузуки. В 1946 г. Сузуки основывает ассоциацию «Дошикай» — прообраз Института исследования талантов (Talent Education Research Institute). В1949 г. в его институте уже 35 отделений и 1500 учеников. А в 1955 г. в Токио он организовывает грандиозный концерт, на котором 1200 маленьких скрипачей играют в унисон. Сегодня в мире более 8000 учителей работают по методике Сузуки и более 250 000 детей учатся играть на различных музыкальных инструментах.

На первом месте личность ребенка

  Итак, Сузуки ставит на первое место личность ребенка, а таланты и способности на второе. Он подчеркивает, что, воспитывая любовь к музыке, мы развиваем в первую очередь личность ребенка, а не его музыкальные способности. Ш. Сузуки был первым, кто предположил, что дети 3—4 лет могут свободно обращаться с музыкальным инструментом. Не просто по-детски «пиликать», а играть на нем. Он верил, что каждый ребенок обучаем, музыка — не таинство, а музыкальные таланты есть у многих. И главное, как любые способности, их можно развить. При правильном подходе к музыкальному образованию понимать музыку и исполнять ее могут практически все. Он хотел обучать детей музыке, потому что верил в ее «исцеляющее» и «гармонизирующее» воздействие. По мнению Сузуки, музыка учит чувственности, восприимчивости, дисциплине и настойчивости. Он мечтал вырастить «хороших граждан» своей страны, не обделенных сердечностью.

Вера этого педагога в изумительные способности всех людей и в важность уважения и развития ребенка с помощью любви осталась нам в наследство. Сам метод родился в тот момент, когда Сузуки связал уникальную способность детей с легкостью изучать родной язык с возможностью обучения аналогичным методом игре на скрипке — методом, который он назвал «Рождение таланта».

Обучение родному языку и музыке аналогично

 Редко кто задумывался, как дети во всем мире легко и непринужденно постигают родную речь. А вот Сузуки более 50 лет назад оценил важность этого факта и начал применять основные принципы развития речи при обучении музыке. На основе своих наблюдений Ш. Сузуки сделал вывод, что все дети изучают родной язык путем слушания, подражания, повторения и именно по этому принципу дети также могут обучаться музыке!

Все родители знают, что ребенок обязательно заговорит на родном языке. Эта способность не приобретенная, а врожденная. Доктор Сузуки сравнивал свой метод обучения музыке с усвоением родного языка, имея в виду, что дети легко и без усилий учатся с рождения языку, на котором говорит их окружение. Взращенные с любовью дети не испытывают трудностей, усваивая достаточно сложные речевые конструкции. Он делает вывод: Музыка имеет свой язык, которому можно и нужно учиться с рождения.

Три открытия Шиничи Сузуки

Первое открытие Сузуки сделал, посетив громадный инкубатор для выведения японских жаворонков. Яйца этих певчих птичек помещаются в гигантские теплые и тихие залы инкубатора, где создаются такие же условия, как в гнезде. Здесь царит тишина, за исключением одного звука, голоса взрослой птицы — учителя, своего рода птичьего Бетховена. Сузуки отметил, что каждый вылупившийся птенец автоматически повторяет песню учителя. Однако через несколько дней каждый птенец, начавший с простого копирования, начинает создавать собственные вариации оригинальной песни. Специалисты-орнитологи ждут, пока каждая из этих птиц овладеет собственным стилем, а затем выбирают из их числа нового «учителя», и процесс повторяется с самого начала. «Удивительно! — подумал Сузуки. — Если уж крошечный мозг птицы обладает такой способностью к обучению, то что можно сказать о намного более совершенном мозге человека?!»

Эти размышления привели его ко второму открытию. Как и Ньютон до него, он открыл совершенно очевидную истину, которую никто раньше не замечал: ребенок, родившийся в определенной стране, автоматически в течение двух-трех лет уже понимает и  начинает разговаривать на языке своей родины. Открытие Сузуки состояло в том, что система, включающая в себя голос, ухо и мозг, представляет собой совершеннейшую копировальную машину, дающую практически безграничную возможность освоить мелодию любого языка. И не имеет значения, о каком языке идет речь: китайском, португальском, музыкальном, художественном или японском. Достаточно поместить ребенка в нужную обучающую среду и создать соответствующие стимулы, и он сможет выучить что угодно!

Третье открытие японца стало последним элементом в мозаике к размышлениям над поразительными способностями детского мозга. Препятствие в обучении музыке заключалось в том, что ребенок слишком мал, чтобы держать скрипку, ведь она в пропорции к его телу — как контрабас для взрослого. Но почему бы не сделать скрипку, подходящую по размеру? Вдохновленный этой мыслью, Сузуки принялся мастерить маленькие скрипочки. Осталось научить детей играть на них.  

 Сузуки обратился к своим друзьям и пригласил их детей учиться играть на скрипке. На первом же уроке Сузуки разложил скрипки и смычки вместе с другими игрушками. Сидя посреди комнаты, играя в игрушки, Сузуки время от времени брал скрипку, подносил к ней смычок и извлекал одну ноту. Как он и предполагал, дети по очереди начали копировать его действия. Тогда он стал играть две ноты. Точно так же, как птенцы, подражая птице-учителю, осваивали свои трели, дети  легко и непринужденно начали играть на скрипке, которая постепенно становилась их вторым «языком».

Таким образом Сузуки создал методику, которая в наши дни распространилась по всему миру и нашла десятки тысяч последователей и учеников, многие из которых стали первоклассными музыкантами.

На пути совместного с ребенком постижения музыкальной науки,  мы должны знать, что, когда ребенок учится говорить, огромное значение имеют следующие моменты: активное слушание, мотивация, повторение, пошаговый подход, память, словарь, вовлечение родителей, любовь. Все эти вещи прекрасно работают и при обучении игре на музыкальном инструменте: пианино, скрипке, виолончели, гитаре, флейте. Этот подход работает также при обучении математике, искусству и поэзии. По сути, он универсален.

                                         Список литературы

1. Григорович Н. Специфика ладового мышления в цитровой музыке Китая, Кореи и Японии / Н. Григорович // Проблемы музыкальной науки. 2008. №1. — С.73–84.

2. Есипова М. Музыка Японии в исторических взаимодействиях / М. Есипова // Музыкальная академия. 2001. № 2. — С.156–165.

3. Желтоног А.Н.. Этноцивилизационные корни японской фортепианной музыки / А.Н.. Желтоног // Вісник Харківської державної академії дизайну і мистецтв : зб. наук. пр. — Х. : ХДАДМ, 2012 — № 12. — C. 138–141.

4. Мория Р. Взаимопроникновение двух музыкальных культур в XX — нач. XXI вв.: Япония — Россия // Автореферат дис. канд. иск. М.: Московск. гос. консерватория им. П.И. Чайковского, 2010. — 32 с.

5. Лупинос С. Ладовое мышление японцев / С. Лупинос // Культура Дальнего Востока. — Владивосток: 1992. — С. 145 — 158.

6. Фролкин В.А. СИСТЕМА МАССОВОГО МУЗЫКАЛЬНОГО ВОСПИТАНИЯ «ЯМАХА» // Личность, семья и общество: вопросы педагогики и психологии: сб. ст. по матер. V междунар. науч.-практ. конф. Часть I. – Новосибирск: СибАК, 2011.

Приложение

Основные  исторически  организационно  значимые  события,  связанные  с  развитием  системы  массового  музыкального  воспитания  «Ямаха»: 

Даже  беглый  взгляд  на  таблицу  убеждает  в  том,  что  система  музыкального  воспитания  «Ямаха»  приобретает  всё  больший  размах  и  все  более  полно  выполняет  основную  её  цель  –  обогащает  качество  жизни  людей  во  всем  мире. 

                    Этапы взаимопроникновения европейской и японской музыкальных культур.

          В процессе освоения музыкальной культурой Японии европейской жанровой системы, в том числе и фортепианной музыки, можно наметить три основных этапа, отличающихся степенью осознания значения этого инструмента — своего рода «окна влияния» западной музыки — в развитии искусства восточного региона. Первый этап, определяющий вектор дальнейших взаимодействий такого рода, относится к XVII ст. и может быть охарактеризован как начальный и стихийный, когда путешественники привезли в страну первые фортепиано. Второй этап — после 250-летней культурно-экономической изоляции Японии — наступление эпохи Мэйдзи (1878-1912 гг.), глобально отразившейся на культуре и системе образования страны. Третий этап (XX — нач. XXI в.) характеризуется осознанной творческой интеграцией восточных и западных компонентов в сфере фортепианной музыки.

Характерной чертой первого периода было развитие национальных форм музицирования, основанное на медитативной практике японских дзэн-буддийских монахов-комусо, последователей школы Фукэ [6, c. 148], культивировавших простоту и лаконизм, умение выделять смысл из бессмысленности, тончайшие эстетические ощущения. Японский дзэн был представлен несколькими школами: Риндзай, Обаку, Фукэ и Сото, впитав традиции китайского чань, вьетнамского тхиен и корейского сон в учении о просветлении, во многом развивался самостоятельно и имел свою национальную специфику [8, c. 523]. К примеру, игра на популярной и ныне флейте сякухати постепенно вошла в официальную дзэнскую практику в конце периода Эдо (1603—1868), явилась воплощением срединного пути: она не издавала слишком тихие или слишком громкие звуки, отображала множество нюансов разных тонов, требовала сосредоточения дыхания и чистого сознания. Музицирование показывало, насколько адепт смог постичь состояние недвойственности и соединить себя со Вселенной.

        Второй этап, определяемый наступлением эпохи Мэйдзи, характеризуется внедрением новой системы государственного управления в процессы образования, которое осуществлялось в целях взаимодействия с доминирующими западными странами [9, c. 23]. Японская музыка, которая - с подачи государственных структур — вынужденно подвергалась инонациональной экспансии, приобрела статус общеобразовательного предмета, в котором роль фортепиано была весьма значительной. Новая эра западных музыкальных влияний началась с правительственного учреждения о повсеместном внедрении западного стиля военной службы и его неотъемлемой принадлежности - военного оркестра. В 1871 г. была введена в систему должность инструктора «военных музык», на которую был назначен иностранец - Джон Уильямс Фентон [9, c. 28].                

       Последующим преобразованием стала трансформация исполнительской деятельности оркестра императорского двора, который провел свой первый концерт японской и западной музыки в 1876 г. Важно отметить, что при правительстве эпохи Мэйдзи значительно изменилась система образования, реформированная в соответствии с западными принципами. Введены были новшества и в музыкальное просветительство и воспитание, в 1879 г. основан комитет «Исследований музыки», возглавляемый Сюдзи Идзава [9, c. 29]. После окончания Токийского университета он отправился в Соединенные Штаты: увлекся западной классической музыкой и, исследовав систему образования, осознал перспективы и для Японии. Токийская школа музыки (яп. 東京音楽学校 то:кё: онгаку гакко:) — первое японское высшее музыкальное образовательное учреждение. Основано в 1887 году, в 1952 году вошло в состав Токийского университета искусств. По инициативе Исавы в министерстве был создан музыкальный отдел во главе с ним, который и был в 1887 году преобразован в музыкальную школу. В 1890 году открылось специально для школы построенное небольшое здание.

        При проведении образовательной реформы Сюдзи Идзава преследовал три основные цели: создание новых правил сочинения музыки (из восточных и западных элементов), совершенствование подготовки учителей-музыкантов, внедрение в национальную программу начального и университетского образования новых музыкальных учебных курсов. Совместно с Лютером Мейсоном, который был назначен министром музыкального образования, они создавали новые учебные материалы, появилась книга песен для начальной школы под названием «Шока» [9, c. 24]. В большинстве из этих песен, которые зазвучали по всей Японии, использованы оригинальные западные мелодии с добавлением текста на японском языке. Кроме того, правительство пригласило зарубежных музыкантов для работы в Японии. Например, Франц Эккерт приехал из Германии по приглашению министерства образования в качестве музыкального консультанта. В школе преподавали заметные европейские музыканты, в том числе Леонид Крейцер, Леонид Коханский и Лео Сирота.

        В рамках учебных реформ было решено, что все школы должны иметь в своем распоряжении фортепиано и орган, поскольку эти инструменты были основными в западных странах. Конструктивную роль сыграл тот факт, что в 1885 г., после изучения технологии производства фортепиано, импортированных из США, Токаруша Ямаха начал производство первой линии пианино Yamaha, ныне широко известных во всем мире [9, c. 34]. Дальнейшее производство роялей было быстро налажено, им помогли «распространиться» в качестве основных инструментов для школ в целях популяризации классической музыки западного образца. Для того, чтобы японские учащиеся лучше понимали особенности западной классической музыки, в 1888 г. комитет «исследований музыки» был преобразован в первую японскую академию музыки, известную как Музыкальная школа Токио [9,c. 36].

          Среди ее студентов выделился Рентаро Таки (1879-1903), прекрасный пианист и первый исполнитель фортепианной музыки Л. Бетховена в Японии, который стал первым значительным композитором в стилях западной музыки. [10, c. 39]. Профессиональные композиторы последующих поколений — Косаку Ямада, Такемицу Тору и др. — также совершенствовались в Европе, однако, возвращались на родину и влияли на развитие музыки в Японии.

          Таким образом, на рубеже XIX-XX в. сформировались условия для развития фортепианной музыки в Японии: была создана основа для обучения на фортепиано, роста японской композиторской и исполнительской школ, ориентированных на синтез восточных и западных музыкальных традиций. В Японии началась бурная концертная деятельность европейских исполнителей и коллективов.

        Третий этап, в котором можно дифференцировать различные периоды, охватывает XX — нач. XXI в., характеризуется форсированным внедрением европейской модели музыкального профессионализма. В японском обществе, где 120 млн. чел. составляют обширную и во многом однородную группу без выраженных этнических различий, одним из важнейших факторов, обеспечивающих социальное положение личности в обществе, становится образование, в частности, музыкальное. В специальных музыкальных университетах Токио, Сензоку гакуэн, Кунитачи, Шова, Мусасино, Тохо, Осака, Нагоя, Эризабето, а также в художественных университетах Токио, Кёто, Аичи, Окинава, Нагоя, Осака преподается курс фортепиано. Не остаются в стороне и гуманитарные университеты, имеющие в своем составе несколько факультетов, в том числе и музыкальные.  Несмотря на платное обучение, в Японии широко используется система частных занятий по фортепиано в приватных студиях. Существует возможность, по желанию обучаемого, обратиться в любой университет с заявкой на частный урок с профессором, хотя обучаемый и не является при этом студентом данного вуза.

         Характерной особенностью современного этапа музыкального образования Японии становится приглашение к сотрудничеству педагогов-пианистов из стран СНГ, в частности из России и Украины. В этой тенденции просматривается результат влияния перфектного стиля славянского пианизма на развитие исполнительских стилей японских музыкантов, в частности, в процессе интерпретации произведений для фортепиано. В Японии проводится множество конкурсов пианистов, на которых молодые музыканты (возраст участников — преимущественно до 30-35 лет) соревнуются в мастерстве исполнения шедевров академической музыки для фортепиано. Ведущее место среди них занимает международный конкурс пианистов в Хамамацу (Hamamatsu International Piano Competition) — впервые проведён 1991 г. Приобрел известность и международный конкурс музыкантов в Сендае (Sendai International Music Competition) — соревнование пианистов и скрипачей — исполнителей академической музыки, учреждён в 2001 г.

            Значительный вклад в музыкальное развитие страны вносят всемирно известные фирмы, выпускающие музыкальные инструменты (Каваи, Ниппон Гаккай, Ямаха). В настоящее время в Японии большой популярностью пользуется ансамбль традиционных инструментов «Ниппоника», а характерной чертой является возрастание интереса к традиционной национальной музыкальной культуре. Влияние дзэн-культуры и театра но испытывали такие известные музыканты, как Бенджамин Бриттен, Ольвье Мессиан, Карлхайнц Штокхаузен, Янис Ксенакис и др.

         Существует мнение, что система образования Японии ориентирована на формирование и воспитание послушных функционеров. Развитие системы музыкального образования, обучение исполнительству на фортепиано корректируют эту тенденцию: речь идет о соотношении традиционного (Мы-сознание) и динамического (Я-сознание) типов мышления, которое успешно балансирует в музыкальном творчестве Страны восходящего солнца.

        Так, вышеизложенное позволяет сделать некоторые выводы. Самобытность фортепианного искусства Японии обусловлена воздействием на его развитие комплекса явлений национального континуума — философско-мировоззренческих концепций, песенного и инструментального фольклора, театральных традиций и др. Ассимилируя в своем творчестве западноевропейские способы композиции, японские музыканты подчеркивают «звучание» этнонационального компонента. Перспективным является дальнейшее изучение коммуникативных свойств японской музыкальной культуры и образования, реализующих взаимосвязи с европейскими музыкальными традициями.