Методический доклад на тему: «Ансамблевое музицирование как форма творческого развития обучающегося»

    Управление культуры г. Курска

МБОУ ДО ДШИ  № 5 им. Д.Д. Шостаковича

Методический доклад на тему:

«Ансамблевое музицирование как форма творческого развития обучающегося»

                                Выполнила:

                           концертмейстер методического объединения

   по специализации фортепиано

                                Баранчикова Е.А.

г. Курск, 2018 г.

Содержание

1. Введение.

2. История фортепианного дуэта.

3. Ансамблевое музцирование.

4.Основы ансамблевой техники.

5. Заключение.

Введение

В последние годы концепция развивающего обучения является практически главенствующей в современной педагогической науке. В процессе обучения происходит интенсивное и всестороннее развитие способностей учащихся.

Коллективное музыкальное музицирование – это одна из самых доступных форм ознакомления учащихся с миром музыки.

Непосредственно воздействуя на эмоциональную и нравственную сферу ребенка, музыка играет огромную роль в формировании творчески мыслящей духовно богатой личности. Ансамблевое музицирование издавна известно не только как разновидность исполнительской деятельности, но и как одна из самых доступных форм ознакомления учащихся с миром музыки. Совместное исполнение вызывает у учащихся неподдельный интерес, что, как известно, является мощным стимулом в работе. Творческая атмосфера этих занятий предполагает активное участие детей в учебном процессе. Радость и удовольствие от совместного музицирования с первых дней обучения – залог интереса к этому виду искусства – музыке. При этом каждый ребёнок становится активным участником ансамбля, независимо от уровня его способностей в данный момент, что способствует психологической раскованности, свободе, дружелюбной атмосфере в классе. Педагоги-практики знают, что игра в ансамбле как нельзя лучше совершенствует умение читать с листа, является незаменимой с точки зрения выработки технических навыков и умений, необходимых для сольного исполнения. Еще важнее то, что игра в ансамбле учит слушать партнера, вести диалог, то есть уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать. Если это искусство постигается музыкантом, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.

Цель работы – обобщение методических рекомендаций, направленных на совершенствование учебно-воспитательной работы в классе фортепианного ансамбля.

Задачи:

1. Проследить историю формирования ансамблевого музицирования.
2. Показать специфические моменты создания фортепианного дуэта.
3. Рассмотреть методы преодоления технических и художественных задач совместного исполнительства.

История фортепианного дуэта.

Четырехручный дуэт – это единственный род ансамбля, когда два человека исполняют музыкальное произведение на одном инструменте. Фортепианный дуэт на одном рояле сформировался как жанр в XIX столетии, и тому было немало объективных причин.

Клавишные инструменты прошлых веков, такие как клавесин и клавикорд имели слишком малую клавиатуру, чтобы за ней легко могли разместиться два исполнителя. Их звук был ярким и не мог зависеть от количества играемых нот. Кроме того изящный контрапунктический стиль произведений XVI первой половины XVIII вв. не имел нужды больше чем в одном исполнителе.

Другая картина возникла, когда появилось молоточковое фортепиано с расширенным диапазоном, со способностью к постепенному увеличению или уменьшению звучности, с дополнительным резонатором педали. Этот инструмент скрывал в себе особые возможности при игре двух пианистов. Стремительно возрастала полнота и сила его звучания, открывались неведомые тембровые краски, а новый гомофонный стиль музыки в этом очень нуждался.

Развитие молодого вида ансамбля (фортепианного дуэта) шло стремительными шагами. К концу XIX в. Он располагал обширным репертуаром и утвердился как самостоятельная форма музицирования. Было открыто новое свойство фортепианного дуэта, сделавшее его еще более популярнее: четырехручная фактура оказалась способной к воспроизведению оркестровых эффектов. Наличие четырех рук давало возможность передавать на фортепиано и насыщенность полнозвучных tutti, и разнообразие приемов звукоизвлечения, штрихов (например, одновременное звучание выдержанных звуков, подвижных голосов, играющих legato, staccato), и некоторые тембровые качества оркестровых групп.

Повсеместно распространились фестивали камерной музыки. Так появились предпосылки для возрождения жанра, который может считаться эмблемой камерного музицирования – фортепианного дуэта.

Ансамблевое музицирование.

Ансамблевое музицирование как метод всестороннего развития учащихся. Игра на фортепиано в четыре руки - это вид совместного музцирования, которым занимались во все времена при каждом удобном случае и на любом уровне владения инструментом занимаются и поныне. Педагогическая ценность этого вида совместного музицирования недостаточно познана и поэтому он слишком редко используется при преподавании.

Хотя о пользе ансамблевой игры для развития учащихся известно с давних пор. Повышенный интерес к разнообразным камерным ансамблям сделал особенно актуальной задачу воспитания музыкантов-ансамблистов. Эта задача решать которую необходимо на всех стадиях обучения начиная с самой ранней заставляет по новому взглянуть на возможность дуэтного музицирования. В чем же заключена польза ансамблевого музицирования? В силу каких причин оно оказывается способным стимулировать общемузыкальное развитие учащихся? Ансамблевая игра представляет собой форму деятельности открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Перед музыкантом проходят произведения различных художественных стилей исторических эпох. Заметим, что ансамблист находится при этом в особо выгодных условиях - наряду с репертуаром адресованным собственно роялю он может пользоваться также оперными клавирами аранжировками симфонических камерно - инструментальных и вокальных опусов.

Иными словами ансамблевая игра - постоянная и быстрая смена новых восприятий впечатлений открытий интенсивный приток богатой и разнохарактерной музыкальной информации. Значение ансамблевой игры, раздувшая горизонты познанного учащимися в музыке, пополняя фонд его слуховых впечатлений, обогащая профессиональный опыт, увеличивая багаж специфических сведений и т.д. оно способно сыграть активную роль в процессах становления и развития музыкального сознания.

Ансамблевое музицирование создает максимально благоприятные условия для кристаллизации музыкально-интеллектуальных качеств учащегося.

Умение играть с одним или несколькими партнерами – очень важная сторона профессионального мастерства музыканта-исполнителя. Сольное выступление пианиста возможно лишь в очень ограниченных сферах инструментальной деятельности. Чем отличается игра в ансамбле от сольного выступления? Призывая не только совершенствовать профессиональное мастерство юных музыкантов, но и формировать их личность, характер. Идеалы, мы иной раз упускаем возможности нравственного развития, заложенные в самой природе нашего искусства. В занятиях по специальности учащийся пианист привыкает к тому, что от него одного зависит направление, метод работы и ее конечный результат. Он в центре внимания преподавателя. Поэтому встреча с партнером в классе фортепианного ансамбля имеет для него особое значение. Совместная игра – это прежде всего объединенные к одной цели направленные усилия нескольких исполнителей, воплощающих общий замысел, дружный и радостный коллективный труд.

«Если внимательно проанализировать, - писал В. Сухомлинский – то, что в житейском плане называется счастьем и несчастьем, удачей и неудачей…- все это основывается на культуре человеческих отношений на умении управлять своими желаниями, сообразуя и согласуя их с желаниями других людей».

Совместное исполнительство развивает «культуру человеческих отношений», «культуру желаний» самым непосредственным  и действенным образом. Ансамблист должен обладать особым искусством не только понять и разделить чувство другого, рядом играющего музыканта, но и предугадывать возможные  им провизационные  нюансы этого чувства. Воспитание и обучение сливаются воедино. Овладевая ансамблевыми навыками, учащийся развивает драгоценные нравственные качества, совершенствуя характер, создает необходимые предпосылки исполнительского искусства.

Четырехручная игра – это выход за пределы фортепианного репертуара. Широчайшее распространение звукозаписи имело несколько неожиданное следствие – угасание домашнего музицирования. Увлеченные желание передать учащемуся максимум знаний, мы часто забываем о необходимисти пробудить в нем жажду этих знаний, потребность знать и чувствовать новое, не испытанное. Обогащающее душу, понимать жизнь и искусство глубже и искать пути выражения своего видения мира.

Основы ансамблевой техники.

К первым шагам в овладении «ансамблевой техники» можно отнести следующие разделы начального обучения:

- особенности посадки и педализации при четырехручном исполнении на одном фортепиано;

- способы достижения синхронности при взятии и снятии звука, равновесие звучания в удвоениях и аккордах. Разделенных между партнерами, согласование приемов звукоизвлечения;

- подача голоса от партнера к партнеру;

- соразмерность в сочетании нескольких голосов;

- соблюдение общности ритмического пульса и т.д.

По мере усложнения художественных задач, расширяются и технические задачи совместной игры. При четырехручной игре за одним инструментом, трудности начинаются уже с посадки. Партнеры должны уметь «поделить» клавиатуру, держать локти так, чтобы не мешать друг другу.

Педализирует исполнитель партии Secondo, т.к. она обычно служит фундаментом мелодии (бас, гармония). При этом необходимо внимательно слушать своего товарища и учитывать его исполнительские интересы. Это умение слушать общее звучание обеих партий – основа игры в ансамбле. Неумение слушать общее звучание нередко сказывается уже на позе пианиста: «утонув в клавиатуру, он слушает и следит за движением своих пальцев». Полезно бывает предложить учащемуся, исполняющему вторую партию, не играя, только педализировать во время исполнения другим учащимся партии Primo. При этом сразу обнаруживается, насколько это непривычно и требует особого внимания и навыка. Затем следует поменять пианистов мечтами. И ученик, быть может усмехавшийся в неудачах своего партнера, быстро поймет, что и сам еще не владеет достаточно свободно нужной  техникой. Очень часто непрерывность исполнения нарушается из-за отсутствия у пианистов навыков переворачивания страниц. Учащиеся должны установить кому удобнее перевернуть страницу с минимальной потерей в нотном тексте. Ловко и быстро перевернуть страницу одной рукой, продолжая играть другой – не такое простое дело. Этому тоже надо учиться.

Пианисты не обладают хорошо известным оркестрантам навыком отсчета длительных пауз. Поэтому надо объяснить учащимся, что фиксировать каждый такт паузы нужно только при первом знакомстве с нотным текстом. В дальнейшем можно увеличить «масштаб» отсчета, отмечая 4-х или 8-ми такты, еще целесообразнее пользоваться репликами, ясно представляя себе общий ход музыкального развития и структуру того отрывка, где встречались эти длительные паузы. Простой и эффективный способ преодолеть боязнь пропустить момент вступления – проиграть самому звучащего у партнера музыку. Казалось бы, самая простая вещь – начать вместе играть. Однако синхронно взять два звука – не так легко. Это требует большой тренировки и взаимопонимания. Нужно объяснить учащимся прием дирижерского замаха – ауфтакта, и как он может быть применен в данном случае пианистом: когда руки каждого видны другому – легким движением кисти (с ясно определенной верхней точкой), кивком головы, или с помощью знака глазами в тех случаях, когда рука не видна (при расположении пианистов напротив друг друга). Полезно посоветовать одновременно с этим жестом обоим учащимся взять дыхание (сделать вдох). Это делает начало исполнения естественным, органичным, снимает сковывающее напряжение. Преподаватель может предложить учащимся несколько раз начать исполнение, сперва следуя указаниям его руки, а затем – самостоятельно. Каждый из партнеров должен уметь делать затакт. Нужно очень строго отмечать малейшую неточность при неполном совпадении звуков. Очень важно тут же обратить внимание и на синхронном окончании «снятие звука». «Рваные, лохматые аккорды», в которых одни звуки длятся дольше других, загрязняют, уродуют паузы и производят неприятное впечатление.

Огромно выразительное значение – паузы. Недооценка его – весьма распространенный недостаток. Синхронность возникновения отдельных звуков не исчерпывает технические задачи, партнерам необходимо добиться и равновесия их звучания. Задача усложняется в случае, когда правильного равновесия нужно достичь не в отдельном аккорде, а в параллельном проходящих голосах (при октавном исполнении мелодии в разных партиях).

С первых же тактов исполнения в ансамбле требует от участников полной договоренности о приемах извлечения звука. Пианисты должны научиться «подхватывать» незаконченную фразу и передавать ее партнеру, не разрывая музыкальной ткани.

Следует сказать и о динамике исполнения. Наиболее распространенный недостаток – динамическое разнообразие. Надо объяснить учащимся, что динамический диапозон должен быть никак не уже, а шире, чем при сольной игре, так как играют двое. Еще не начав исполнение учащиеся должны договориться о том, кто будет показывать вступление, каков характер пьесы, ее темп. Особое место в ансамбле занимают ритмические вопросы. Малозаметные иной раз в сольной игре ритмические недочеты, в ансамбле могут резко нарушать целостность впечатления. Здесь работа пианиста начинается с устранения индивидуальных недостатков в исполнении. Отсутствие ритмической устойчивости часто связано со свойственно начинающим пианистам тенденции к ускорению. Технические трудности вызывают желание возможно скорее «проскочить» опасные такты. Если этот недостаток свойственен обоим учащимся, то задача педагога не так сложна (работать с обоими сразу). Если этот недостаток присущ только одному из партнеров, то второй оказывается верным союзником и помощником преподавателя.

Таким образом, в условиях совместной игры возникают некоторые благоприятные возможности для исправления не только общих, но и индивидуальных погрешностей исполнения. Педагог должен этим воспользоваться, и работать над этим постоянно.

Заключение.

Ансамблевое музицирование обладает огромным развивающим потенциалом всего комплекса способностей учащегося: музыкального слуха, памяти, римческого чувства, двигательно-моторных навыков; расширяется музыкальный кругозор; воспитывается и формируется художественный вкус, понимание стиля, формы произведения. Развиваются профессионально-психологические качества: наблюдательность, критичность, стремление к совершенствованию собственного звучания, слуховой контроль, рационализация профессиональных игровых движений.

Ансамблевое музицирование заметно прогрессирует. Устраиваются региональные, Всероссийские и Международные фестивали и конкурсы фортепианных ансамблей для детей. Концертные выспупления детских ансамблей пользуются успехом у слушателей. Эти выступления способствуют приобретению уверенности, чувства сценической свободы, прививает вкус и интерес к концертным выступлениям. Все это говорит о необходимости занятий ансамблевым музицированием.