Методический доклад "Любительское музицирование-как составляющая творческого развития учащихся"

Муниципальное бюджетное образовательное учреждение дополнительного образования «Детская школа искусств им. Ю.А. Гагарина»

 Котельниковского     муниципального района    Волгоградской области

Методический доклад

«Любительское музицирование-как составляющая творческого развития учащихся»

                                                  Выполнил: преподаватель высшей категории

                                                              Анпилова Гюзяль Забировна

Котельниково 2021 г.

Музицирование (от нем. musizieren - заниматься музыкой) - исполнение музыки в домашней обстановке, вне концертного зала. В более широком понимании - вообще игра на музыкальных инструментах.

Все мы знаем, что, занятия музыкой развивают общие умственные способности человека. Доказано, что дети, обучающиеся музыке, имеют лучшую вербальную (словесную) память, которая сохраняется долгие годы после прекращения музыкальных упражнений. Благодаря занятиям музыкой можно развить творческие способности любого человека. В этом главная роль должна принадлежать детской школе искусств.

После поступления в школу на первые уроки дети приходят с большим интересом, но за годы учебы у многих этот интерес пропадает. В последнее время много говорится о необходимости пересмотра подхода к обучению в музыкальной школе (школе искусств).

Поэтому надо задуматься нам, преподавателям, что нужно сделать, чтобы привлечь учащихся. Наша работа является своеобразной рекламой, и если ученику нравится учиться в школе искусств, он приведет поступать друзей или родственников.

 На сегодняшний день заставить учиться «из-под палки» невозможно, можно только заинтересовать. Профессиональная направленность музыкального обучения привела к оттоку поступающих учащихся. Есть немало людей, окончивших  школу искусств с неплохими отметками, которые через 2-3 года не могут воспроизвести на инструменте от начала до конца какой-либо пьесы: выученное забыли, а подбирать по слуху, читать незнакомое произведение с листа не умеют. Да что говорить, если даже среди преподавателей, т. е профессионалов в музыке, подбирают по слуху единицы! А ведь это один из самых востребованных навыков в быту! Кроме того, творческие виды работ способствуют развитию музыкального мышления вообще и музыкального слуха в частности больше, чем разучивание готовых произведений.

Существует много теоретических исследований о важности формирования таких навыков как подбор по слуху, транспонирование, чтение с листа и др. Есть школы, которые занимаются этим вопросом и многое сделали для того, чтобы приблизить уровень подготовки к требованиям дня, т. е. научить ребенка умению применять инструмент в повседневной жизни, а не только в стенах школы. 

Есть множество исследований в области психологии, изучающих проблему творческих способностей. В отечественной психологии ведущим остается определение Б. М. Теплова, который выделил основные признаки способностей: 1) индивидуально-психологические особенности, отличающие одного человека от другого; 2) это только те особенности, которые имеют отношение к успешности выполнения деятельности или нескольких деятельностей; 3) это те особенности, которые не сводятся к наличным знаниям, умениям, навыкам, но которые могут объяснять легкость и быстроту приобретения знаний и навыков. По мнению ученого А.Л. Маслова, вовлекать в творческую деятельность необходимо всех детей, а не только тех, кто обладает развитым музыкальным слухом, т.к. главной целью музыкального образования является не приобретение научных знаний, а развитие творческой активности учащихся. Признавая творческую активность, А.Л. Маслов сделал вывод о том, что «духовный рост человека также есть творчество. Творчество должно лежать в основании всей созидательной деятельности. Эта творческая деятельность должна поддерживаться по возможности на всех уроках».

Есть мнение, что «От природы способностей нет и не может быть, ведь способы необходимо каждому человеку выработать, приобрести каким-то образом в деятельности» ( В. С. Юркевич). «Необходимо ввести в программы всех отделений школ искусств элемент творчества. Не должно делать всех музыкантов композиторами, но необходимо, чтобы каждый мог произвести на языке своего искусства хотя бы простейшее выражение своих мыслей…» (Яворский Б. Л.).

Подобные высказывания мы слышим от многих музыкантов и ученых. Хиндемит П.: «Среди тех, кого обучает наша бесконечная фаланга педагогов, непрофессионалы, то есть люди, которые учатся для удовлетворения своей любительской страсти к музыке, в счет почти не идут. Число любителей – тех, кто в нормальных условиях должны бы быть лучшими клиентами учителей музыки, сократилось почти до нуля; любитель как фактор музыкальной жизни обычно увядает после многих лет обучения, которое, вместо того, чтобы поощрять и лелеять его инстинкты непрофессионала, сводилось к неудобоваримой тренировке, рассчитанной на виртуоза». С. Мильтонян: «Учитель, призванный нести ребенку мировую культуру, выступает теперь как личность, способная ради более высокого балла деформировать и подавлять в процессе обучения другую личность».

 «Есть категория учителей, которые ставят своей целью выучить /гитариста/, в совершенстве владеющего инструментом, способного … побеждать в конкурсах. Педагоги тщательно отбирают себе учеников (и их родителей, из которых часто готовят домашних репетиторов). Изначально, «с нуля» и в высшей степени качественно во всех элементах организуют исполняемый ребенком материал. Если ученик не справляется, могут заменить его на более способного… Эта категория учителей уважаема за то, что они держат в блеске и чистоте эталоны исполнительской школы». Есть другие учителя, которые «не всегда могут предъявить известные имена своих питомцев. Но у них есть другой, не менее ценный, весомый козырь: у них отсутствуют отвергнутые, сломанные ученики. У них отсутствует, говоря словами В.А. Сухомлинского, «кладбище» учеников». Г. Шахов: «В последние десятилетия многие представители музыкальной педагогики все чаще и настойчивее обращают внимание на некоторый разрыв между техническим развитием учащихся, с одной стороны, и воспитанием слуховой активности , творческой инициативы, самостоятельности – с другой… Наиболее трудным в обучении на инструменте является первоначальный этап… Именно музыкальная школа является тем звеном, в котором закладывается фундамент развития будущего музыканта».

Творчество - деятельность, порождающая нечто качественно новое, никогда раньше не бывшее. Творчество как деятельность характеризуется неповторимостью, оригинальностью и уникальностью.

Творчество требует не только воображения, но и строгой критической мысли. Поэтому важно научить ребенка оценивать свою и чужую игру.

В психологии уже давно установлено, что творческое мышление берет свое начало в проблемной ситуации, и мыслительные процессы направлены на ее разрешение. Многие поняли, что надо не просто дать ученику знания, а научить эти знания добывать. Во всех общеобразовательных школах внедряются программы развивающего обучения, т. е. такого обучения, при котором усвоение знаний выступает как процесс активной самостоятельной работы ученика. Задача развивающего обучения - интенсивное и всестороннее развитие способностей учащихся в ходе обучения.

Существует мнение, что умение находить, ставить и решать изобретательские задачи - это «божий дар», которому нельзя обучить. По мнению ряда авторитетных педагогов, обучение методом творчества повышает творческий потенциал каждого человека. Конечно, у одаренных людей при одинаковом обучении со всеми творческий потенциал остается относительно более высоким.

Вопросам важности включения музицирования в учебный процесс посвящены исследования Л.А. Баренбойма. Идеей воспитания в подрастающем поколении творческой активности пронизаны работы К. Орфа, считавшего, что развивать ученика можно только в непосредственном, живом, творческом музицировании, которое активизирует процесс познания: «…Кем бы ни стал в дальнейшем ребёнок – музыкантом или врачом, учёным или рабочим, задача педагогов – воспитывать в нём творческое начало, творческое мышление … Привитые желание и умение творить скажутся в любой сфере будущей деятельности ребёнка».

Современные педагоги уделяют много внимания проблеме развивающего обучения, ищут новые пути, чтобы заинтересовать ребенка, сделать процесс обучения более интересным и полезным ученику в повседневной жизни. Большой вклад в развитие навыков любительского музицирования внесла Санкт-Петербургская детская музыкальная школа имени В. Андреева. На протяжении уже нескольких лет по всем специальностям введен курс «Программа творческого музицирования», которая направлена на развитие творческих способностей учащихся, развитие гармонического и мелодического слуха. Педагоги сделали занятия увлекательными благодаря использованию элементов игры и импровизации, творческих заданий, чтению с листа.

         Домашнее музицирование

Музицирование предполагает владение различными навыками, приобретение которых невозможно без развития творческих способностей.   Что же требуется для домашнего музицирования? Прежде всего, легко читать ноты с листа, уметь аккомпанировать, обладать  музыкальным вкусом, самостоятельно разучивать произведения. 

Практически все педагоги сходятся в одном – необходимо активизировать самостоятельность учащегося. Помимо традиционной работы над пьесами и гаммами необходимо развивать музыкальное мышление путем различных творческих заданий. К сожалению, несмотря на наличие в программах школ искусств таких направлений учебной деятельности, как развитие навыков чтения с листа, транспонирования, подбора по слуху, на практике занимаются этим немногие.  Происходит это еще оттого, что эти умения не проверяются и не оцениваются на экзаменах. Конечно, восприимчивость к овладению подобными навыками зависит от природной одаренности ученика. Но если педагог с первых уроков развивает музыкальное мышление с помощью творческих заданий, в дальнейшем это принесет свои плоды даже с посредственным учеником.  Использование таких видов работы, как подбор по слуху, транспонирование, сочинение, чтение с листа делают более тесной взаимосвязь специальности и теории музыки, повышают интерес к занятиям, развивают музыкальное мышление и прививают ученикам самостоятельность.

  Фортепиано - базовый музыкальный инструмент, который традиционно является одним из наиболее популярных в системе музыкального воспитания. Его возможности безграничны. На фортепиано можно исполнять музыкальные произведения различных жанров. У каждого человека есть потребность в самореализации, и фортепиано может стать отличным помощником в достижении этой цели. Практика показывает, что в любом возрасте можно обучиться игре на фортепиано, познать основы музыкальной грамоты, играть известные мелодии, освоить чтение с листа, навыки ансамблевой игры, овладеть основами аккомпанемента и приобрести необходимые навыки самостоятельной работы. 

Значение любительского музицирования, по мнению ученых, состоит в том, что, с одно стороны, такое музицирование ориентировано на становление личности ребенка, на развитие его эстетических чувств, эмоций, художественного вкуса и эмоционально-нравственных поступков, т.е. на формирование музыкальной культуры ребенка как части его духовной культуры.

С другой стороны, любительское музицирование способствует социальной адаптации детей в обществе, выявлению их художественных способностей и тем самым играет большую роль в музыкально-профессиональной мотивации. Все это особенно важно для формирования личности ребенка в условиях обучения игре на фортепиано

Использование клавишного синтезатора на уроках  фортепиано в классах музыкальной школы

Все чаще на уроках общего фортепиано большое внимание уделяется развитию навыков творческого музицирования. Ученик должен уметь не только грамотно воспроизводить нотный текст, но и подбирать на слух мелодию, делать простейшую гармонизацию, знать основные виды фактуры и умело использовать это на практике.

С появлением во многих музыкальных школах синтезатора стало возможным использовать новые методы для развития творческого потенциала начинающих музыкантов-пианистов.

Синтезатор – с одной стороны, такой же клавишный инструмент, как и фортепиано, но с другой стороны – это «инструмент-оркестр» или иначе «большая творческая лаборатория». Привлечение синтезатора в качестве помощника расширяет возможности преподавания фортепиано, способствует активизации внимания ученика и музыкального мышления в целом. С помощью синтезатора можно воспитывать чувство темпа и ритма. Изучая полифонию или пьесы с элементами полифонии, возможно представить в какую эпоху они были написаны, какие в то время звучали инструменты, синтезатор предоставляет возможность услышать и воспроизвести тембры клавесина, органа, струнного оркестра, скрипки, духовых инструментов и множество других тембров. Это развивает слуховой контроль, пробуждает воображение.

При помощи синтезатора можно научить ребёнка гармонизовать мелодию и записать аккорды буквенным обозначением или подобрать к мелодии определённый стиль, вспомнить композитора и эпоху, в которой была написана пьеса.

Любое музыкальное творчество полезно для развития интеллекта учащихся. Привлечение клавишного синтезатора как дополнительного средства обучения детей способствует развитию их музыкальных способностей, логики, пианистического аппарата, музыкального вкуса.

В настоящее время клавишные синтезаторы и цифровые фортепиано являются полноправными спутниками акустических клавишных инструментов. В данной статье рассматриваются некоторые специфические особенности и возможности синтезатора при обучении игре на фортепиано.

Синтезатор представляет собой некую творческую мастерскую с готовыми электронными банками тембров, темпов, ритмов и использование этого арсенала демонстрационных средств может обогатить традиционную исполнительскую деятельность учащихся, создать предпосылки для более продуктивной работы за фортепиано в целом. Привлечение синтезатора в качестве помощника расширяет возможности преподавания фортепиано, способствует активизации внимания ученика и музыкального мышления в целом.

Рассмотрим несколько понятий, в работе над которыми можно эффективно использовать синтезатор: темп, ритм, тембр, жанр, стиль. Причем эти понятия настолько связаны между собой, что обучая одному из них, непременно затрагиваешь и другие.

Для определения темпа, указанного в произведении композитором или редактором, можно применять традиционный метроном. Из опыта работы известно, что не все ребята могут играть под метроном. Однако, если подходить к процессу творчески (а это один из способов мотивирования ученика), то целесообразнее использовать темповые возможности синтезатора.

Например, многие произведения классической и современной музыки написаны в темпе Allegro. Традиционный метрономический канон этого темпа 120 ударов (битов) в минуту. Если этюд (пьеса) написан в размере двух или четырех четвертей, можно выбрать из банка соответствующий ритм и сыграть композицию под аккомпанемент синтезатора. Примером могут служить танцевальные ритмы (полька, фокстрот, квикстеп), джазовые (регтайм, баллада, свинг), ритмы рок-музыки (рок, твист, буги-вуги и другие). Причем можно давать темп в сравнении, проиллюстрировать, как звучит это произведение в медленном, умеренном темпах, как меняется его характер и как влияет темп на образное содержание композиции. Размер три четверти подразумевает обращение к жанру вальса (можно джаз-вальса). Соответственно выбирается и ритм.

 Пьесы в медленном темпе требуют другого ритмического сопровождения. Здесь уместно обратиться к медленным балладам, серенадам, медленным вальсам, которые в изобилии представлены в программах любого клавишного синтезатора. Параллельно ученику преподносятся знания о стилевом разнообразии музыки.

Некоторым ученикам не свойственно природное чувство ритма и воспитывать его с помощью синтезатора просто необходимо. Применение приема темпо-ритмического сопровождения игры обучающегося дает ему колоссальный опыт слушания и понимания ритма как системы комбинации различных длительностей. Воспитывается и ощущение сильной доли, что немаловажно для начинающего пианиста. Игра на фортепиано превращается в процесс совместного исполнения музыки, причем синтезатор выступает в качестве своеобразного дирижера, чья жесткая рука не дает ученику отклоняться от темпа и учит играть ритмично. Ритмы можно менять, экспериментировать, а темп устанавливать по мере подготовки ученика на данный момент. Даже прохождение гамм под темпо-ритмическое сопровождение превращается в занимательную игру. В определенный момент синтезатор выключается, и учащемуся предлагается самому продолжить игру уже без помощи музыкального компьютера. Каждое занятие по фортепианной технике становится интересным, творческим.

Конечно, не стоит злоупотреблять этим видом работы с учеником. Во всем, как известно, нужна мера. Это вспомогательный способ обучения, если можно так сказать экспозиционный, который приносит свои плоды в виде частично сформированных в сознании ученика и укоренившихся на слуховом уровне ритмоформул, метрических ощущений. После этого начинается подлинный процесс игры, когда обучающийся остается один на один с фортепиано и музицирует только на основе полученных знаний, слуховых представлений и формирующегося музыкального вкуса. И даже темп он должен выбрать самостоятельно, предполагая при этом некоторые выходы из времени (агогику), моменты напряжения и спада, движения вперед и замедления, которые необходимы для создания музыкального образа исполняемого произведения.

Возможности синтезатора в изучении окраски звука и инструментария велики. В современных инструментах демонстрируются разнообразные наборы тембров и шумов, которые можно синтезировать. Это большое подспорье при изучении полифонии, кантилены. Несомненно, преподаватель должен разъяснить учащемуся, что тембры синтезатора ‒ это аналоги тембров акустических инструментов.

Изучая полифонию или пьесы с элементами полифонии, полезно представить в какую эпоху они были написаны, какие в то время звучали инструменты. Игра заданных пьес на аутентичных инструментах весьма проблематична, а вот синтезатор предоставляет возможность услышать и воспроизвести тембры клавесина, органа, струнного оркестра. Обычно в практике работы над полифонией в музыкальной школе обучающемуся непременно рассказывается о сопрано, альте, теноре и басе. Используя возможности синтезатора, можно предложить другие составы инструментов: скрипка (флейта), альт, виолончель (фагот), контрабас. Ученику предлагается поиграть полифоническое произведение по голосам, услышать и запомнить окраску каждого голоса, а затем воспроизвести звуковые образы на фортепиано, приблизившись к тембру только что услышанного инструмента. И тогда игра ученика начинает приобретать совсем другое содержание.

При изучении сонаты учащемуся обязательно говорится об оркестровом слушании фактуры, ведь инструменты – это своеобразная палитра музыки. И здесь простор для фантазии безграничен. Синтезатор показывает эту красочную музыкальную палитру во всем великолепии различных тембров. Играть на синтезаторе все элементы фактуры в звучании различных инструментов – это значит приблизиться к оркестровке произведения и лучшему его прочтению.

Владение кантиленой, певучей манерой игры на фортепиано всегда считалось признаком профессионализма. Преодолевать ударную природу инструмента, умению петь обучают с самых первых занятий. Как правило, ребенку приводятся сравнения: «Пой как скрипочка», «Веди звук, как смычок у виолончели поет по струнам», «А здесь флейта запела». Используя тоны синтезатора, можно сразу же сыграть музыкальный пример, охарактеризовать окраску инструмента и попытаться найти нужный тембр вместе с учеником на фортепиано. Процесс поиска тембра очень кропотливый, но именно он дает неповторимость звучанию и учит хорошему качественному пианизму, развивает слуховой контроль, пробуждает воображение.

Любое музыкальное творчество полезно для развития интеллекта учащихся. Привлечение клавишного синтезатора как дополнительного средства обучения детей способствует развитию их музыкальных способностей, логики, пианистического аппарата, музыкального вкуса. Использование синтезатора на уроках специальности в музыкальной школе – это современное направление, которое, по мнению автора, можно внедрять в музыкальную учебную практику. Детская музыкальная школа сегодня как никогда призвана заинтересовать ребенка, сделать занятия музыкой интересными, перспективными, ожидаемыми. Введение новых методов, новых интерпретаций, нового наполнения содержания образовательного процесса – залог полноценной жизнедеятельности ДМШ.