Музыкальный предмет ансамбль, в классе фортепиано

                         Методический доклад

«Музыкальный предмет ансамбль,

в классе фортепиано»

                                   Подготовил: преподаватель

                                   Филиала МБУ ДО «Центр ДШИ»-

                                   «Киреевская ДШИ»                  

                    Репринцева Ольга Федоровна

                                       г. Киреевск  

                                       20.08.2024 г.

                                     Содержание:

        I) Введение.

        II) Работа над ансамблем в классе фортепиано:

               1.Цель и задачи.

                   2. Методы обучения.

III) Ансамбль, как эффективная форма музыкального воспитания

               и развития учащегося.

IV) Начальные этапы формирования ансамблевых навыков:

       1. Знакомство ученика с произведением;

        2. Техническое освоение выразительных средств;

        3. Работа над художественным образом. Публичное выступление;

V) Составляющие успешного ансамблевого исполнения:

          1. Ритм – как фактор единства в ансамбле;

          2. Темп – как средство выразительности;

           3. Динамика – как средство выразительности;

           4. Пауза в исполнении. Исполнительские штрихи;

           5.Синхронность – как фактор точности звучания;

           6.Игра с партнёром – мастерство музыканта-исполнителя;

  VI) Заключение.

  VII) Список литературы,

  Введение

На третий год обучения, в классе специального фортепиано по ФГТ, появляется такой предмет как ансамбль. К этому периоду учащиеся подходят с разной степенью подготовленности и музыкального, и эмоционального, и технического развития. Предмет «ансамбль» в классе фортепиано имеет особую роль. За счёт дуэта; педагог-ученик, заинтересованный преподаватель, поддерживает у ученика интерес к инструменту, воспитывает внимание и понимание исполняемого произведения. Начиная с первых уроков, ученик понимает, что исполняемые произведения могут звучать более насыщенно и интересно.

Современных детей сложно сейчас чем-либо удивить, круг их интересов очень многогранен и широк, так как помимо музыкальной школы учащиеся посещают кружки, секции, поэтому задача педагога музыкальной школы не только заинтересовать и обучить игре на инструменте, но и ещё удержать. Ансамблевая игра представляет собой форму деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Перед музыкантом проходят произведения различных художественных стилей, исторических эпох.

Если заглянуть в историю создания фортепианного дуэта, то мы увидим, что фортепианный дуэт  получил свою популярность в конце XVIII века. А в XIX – XX  веках, музицирование в дуэте приобрело наибольшую популярность. Появились переложения народных и  классических произведений. В дальнейшем композиторы стали писать отдельные, самостоятельные произведения для игры на одном или двух инструментах.

Фортепианный ансамбль – это ансамбль, когда два человека музицируют за одним инструментом. В основном используется в младших классах, где два человека сидят за одним инструментом, локоть к локтю, по другому: нос к носу, плечом к плечу, и находятся в очень тесном контакте друг с другом. Где они учатся понимать друг друга, решать вместе музыкальные задачи, слушать себя и своего партнёра.

Фортепианный дуэт – это игра на двух инструментах. Два инструмента дают исполнителям свободу, и то же время усложняет задачу. Нужно воспитывать в себе концентрацию, внимание, дисциплину и ритмическую стабильность. Игра на двух инструментах применяется в более зрелом возрасте: старшие классы, студенты и концертирующие пианисты.

Игра в ансамбле обладает огромным потенциалом развития способностей учащегося, в частности: музыкального слуха, памяти, мышления, чувства ритма, двигательно-моторных навыков. Повышается мотивация к занятиям музыкой, вырабатывается ответственность, формируется художественный вкус, расширяется музыкальный кругозор, понимание стиля и формы произведения. Развивается наблюдательность, слуховой контроль, критичность, стремление к совершенствованию собственного звучания, самодисциплина.

Игра в ансамбле очень нравится детям, она приносит огромное удовольствие и радость, своими неожиданными возможностями, яркой динамикой, новыми тембровыми сочетаниями, музыкальными эмоциями.

Ансамблевое музицирование заметно прогрессирует. Ежегодно устраиваются региональные, Всероссийские, Международные конкурсы и фестивали фортепианных ансамблей для детей. Концертные выступления детских ансамблей пользуются успехом у слушателей на школьных родительских собраниях, классных часах и детских садиках. Эти выступления способствуют приобретению уверенности, чувства сценической свободы, прививают вкус и интерес к концертным выступлениям. Всё это убеждает в необходимости занятий  ансамблевым музицированием в ДШИ и ДМШ.

Работа над ансамблем в классе фортепиано

*Цели и задачи:

Цель – развитие музыкально-творческих способностей учащихся на основе приобретённых ими  знаний, умений, навыков ансамблевого исполнительства

Задачи – дать музыкально-теоретические и исторические знания, связанные с работой над произведениями ансамблевой литературы, обучить понимать и осмысленно исполнять произведения ансамблевого репертуара, выработать навык грамотного чтения нот с листа при игре в ансамбле.

Воспитательные – формировать волевые качества характера, чувство ответственности, самодисциплину, усидчивость, целеустремлённость, уверенность в себе и своих силах, упорство в достижении цели, интерес к занятиям, музыкальный вкус.

Развивающие – развивать базовые музыкальные способности учащихся, развивать мышление и память, интерес к музыке ансамбля.

*Методы обучения:

Словесный – объяснение, разбор, анализ и сравнение музыкального материала обеих партий.

Наглядный – показ, демонстрация отдельных частей произведения, прослушивание исполнения произведения педагогом и в записи известных исполнителей.

Практический – упражнения, детальная проработка отдельных частей партий  и последующая организация целого.

Ансамбль, как эффективная форма музыкального воспитания и развития учащегося.

Ансамбль – это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена. В этом жанре писали почти все выдающиеся композиторы. Занятия в ансамбле, являются одной из эффективных форм музыкального воспитания и развития учащегося. Игра в ансамбле стимулирует интерес ученика к инструменту, к урокам по специальности и прививает любовь к коллективному творчеству.

В работе с обучающимися, преподавателю необходимо следовать принципам последовательности, постепенности,  доступности и наглядности в освоении материала. Необходимо учитывать индивидуальные особенности учащегося:  интеллектуальные, физические, музыкальные и эмоциональные данные, уровень его подготовки.

Мы знаем, что донотный период тесно связан с ансамблевым музицированием в дуэте: педагог – ученик. За счёт этого: исполнение учащимся одноголосных мелодий, а преподавателем богатого гармоническими красками сопровождения -  исполнение становится более красочным и живым. Совместное исполнение пьесы педагогом  и учеником стимулирует учащегося к лучшему изучению текста, к более стабильной и безошибочной игре. Учащийся начинает понимать, что если играешь с ошибками, то не получается совместная игра. Это стимул для него, что нужно больше заниматься и совершенствовать свои навыки. Чувство ответственности перед партнёром, за результат общей работы, качество публичного выступления, должно естественным образом возникнуть в классе ансамбля.

 Ансамблевое музицирование учит вести музыкальный диалог человека с человеком, уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать. Формируется навык ритмического ансамбля: умение слушать своего партнёра, играть с ним в одном темпе, соблюдать единство пульсации. Игра в ансамбле способствует развитию двигательно-моторных способностей учащихся. Учащиеся естественным путём осваивают основные приёмы звукоизвлечения, знакомятся с разными типами фактуры. У учащегося быстрее происходит организация игрового аппарата, закрепляются полученные навыки.

 Игра в ансамбле с педагогом, позволяет ученику с первых уроков слышать многоголосную музыку. «В интересах развития гармонического слуха музыканта – пишет Л.А. Баренбойм – необходимо настойчиво и упорно с детских лет развивать целостное ощущение музыкальной вертикали». Таким образом, ансамблевая игра с первых уроков развивает умение слышать полифонию, даёт возможность вслушиваться во все её составные элементы.

Ансамблевая игра обладает широкими возможностями в развитии тембро-динамического слуха, благодаря обогащению фактуры, поскольку в ансамблевом репертуаре значительное место занимают переложения. Совместно с педагогом ученик ведёт поиск различных тембровых красок, динамических нюансов, штриховых эффектов. Ансамблевое музицирование способствует развитию всех видов музыкального слуха: звуковысотного, гармонического, полифонического, тембро-динамического.

Начальные этапы формирования ансамблевых навыков.

Процесс работы ансамбля над произведением можно разделить на три этапа, которые в практике тесно между собой связаны:

1. Знакомство ученика с произведением.
2. Техническое освоение выразительных средств.
3. Работа над художественным образом произведения. Публичное выступление.

1.На этом этапе очень важен выбор учебного репертуара. Педагогу нельзя завышать требования – поэтому пьесы должны быть понятны ученикам, просты и коротки, а главное доступны по содержанию. Для всестороннего развития исполнительских данных учащихся, в репертуар ансамбля следует включать произведения разные по содержанию, форме, стилю и фактуре.

Выбирая репертуар для ансамбля, необходимо заинтересовать учеников этими произведениями. Надо умело подать новый материал, дать послушать произведение в хорошем исполнении. Познакомить учащихся с композитором, эпохой, в которой оно возникло. Разобрать стилистические особенности, манеру исполнения, характер и форму произведения. Составить общее представление о произведении, его художественный образ.

Репертуар ансамбля не должен по трудности быть сложнее тех пьес, которые учащиеся учат в классе по специальности, иначе всё внимание будет уделяться техническим трудностям, и в конечном счёте, будет мешать художественному развитию. Каждый новый ансамбль, разученный и исполненный маленьким пианистом – это шаг вперёд в музыкальном, художественном, творческом развитии ребёнка.

2. Задача второго этапа – это преодоление технических трудностей.

Самая первая трудность – это посадка: тесно, неудобно, локти толкаются, ноги не помещаются и т.д. У каждого исполнителя есть определённый участок клавиатуры, в котором он может работать. Все такие неудобства, конечно проходят, постепенно, по мере дружной и интересной работы. Партнёры начинают приспосабливаться, подстраиваться друг к другу. Дальше необходимо пройти с каждым учеником особенности его партии: найти удобства в технически сложных местах, подобрать удобную аппликатуру, разобрать фразировку, смысловые акценты, выстроить линию кульминации. Подобрать нужные в той или иной фразе единые штрихи, динамические оттенки. Научиться слушать паузы и вступать после пауз, подхватывая своего партнёра, а не перебивая его.

В первой партии более понятна цель и задача. Красиво, правильно и  выразительно проиграть мелодию, провести динамику и кульминации.

 По моему мнению, на второй, аккомпанирующей партии, должен сидеть более продвинутый ученик, так как вторая партия сложнее  в техническом плане. Особенно это видно на начальном этапе (в домашней работе), когда ученик не слышит мелодию, не понимает где начало и где конец фразы. Облегчить игру ученику поможет подсказка, что развитие фраз идёт по басовому голосу, который надо проучить отдельно, а затем вместе с мелодической линией. Также во второй партии присутствует работа с педалью (это её приоритет), что добавляет дополнительные трудности.

Для удобства работы над произведением, текст делим на цифры. Это помогает лучшему ориентированию в тексте, облегчает работу над деталями и заучиванию наизусть

3.Работа над художественным образом начинается, когда обе партии проучены  (каждым учеником в отдельности) и начинают звучать вместе. Начинаются репетиции. У каждого ученика свой пульс, темп, их надо объединить. Для этого и проводятся многократные репетиции, с повторением тех или иных фрагментов произведения. От педагога очень много зависит: как он поставит цель и  задачу,  грамотно объяснит: почему именно так нужно играть и сможет доказать актуальность замечаний. Нужно так организовать работу учащихся, чтобы они осмысленно работали за инструментом, а не тупо повторяли, раз за разом фрагменты произведения. Учащимся надо показать и подсказать, что надо слушать общий результат, что они не солисты, а дуэт, который делает одно дело и от того как они работают в паре зависит их успешность или провал на публичном выступлении.

Составляющие успешного ансамблевого исполнения.

1. Ритм - как фактор единства в ансамбле;

2. Темп - как средство выразительности;

3. Динамика – как средство выразительности;

4. Паузы в исполнении. Исполнительские штрихи;

5. Синхронность – как фактор точности  звучания;

6. Игра с партнёром – мастерство музыканта-исполнителя

1. Ритм - как фактор единства в ансамбле.

Ритм в музыке – категория не только времяизмерительная, но и эмоционально-смысловая. Ритм должен быть коллективным качеством ансамбля. Формирование чувства ритма – важная задача педагога. Ученик, играющий не ритмично, больше подвержен к зарождению волнения и нервозности, потере психологического равновесия. Как же добиться того, чтобы каждый из участников ансамбля, исполняя свою партию, укреплял свой ритмический навык? Вспомогательными упражнениями в процессе работы могут быть следующие:

а) Играть со счетом вслух, причем считать ученики должны вдвоём в темпе, заданном педагогом, который предварительно просчитывает «пустой такт»

б) Затем учащиеся должны считать и задавать темп по очереди, а педагог корректирует темп, если учащийся ошибается.

При игре уже без счёта, необходимо найти другие ориентиры, которые помогут учащимся контролировать своё исполнение. Конечно – же, таким ориентиром может быть сильная доля. Метроритм – это главный компонент, объединяющий исполнителей в единый ансамбль. Ощущение сильной и слабых долей такта - это тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Необходимо системно работать над метроритмом, так как, при неточном исполнении других компонентов - снижается общий художественный результат, а при нарушении метроритма – рушится ансамбль.

2. Темп – как средство выразительности

Разобравшись с пульсацией (метроритмом) в произведении, нужно определиться с темпом. Конечно, выше головы не прыгнешь, поэтому, темп должен быть приближенным к заданному автором, но нельзя задавать темп выше возможностей учащихся. Вначале создания ансамбля, выбираем произведения в умеренном темпе и постепенно добавляем произведения в подвижном темпе, по мере укрепления технических навыков учащихся. Ритмическая определённость делает игру более уверенной, надёжной в техническом исполнении. Но, не редко, темпы могут меняться внутри произведения, на это надо обращать внимание учащихся, надо помочь им выбрать, кто из них будет «дирижером», ответственным за все ускорения и замедления в произведении. Все неточности в ритме, по мере взросления учащихся уходят, метроритм и пульсация закладываются в душу и начинают помогать учащимся. Правильно выбранный темп, способствует правильной передаче характера исполняемой музыки. Здесь мы можем согласиться со словами Римского-Корсакова, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп».

3. Динамика – как средство выразительности.

В музыке, как и в живописи, ничего не выйдет, если всё будет серым, иметь равную силу, не будет представлен передний и задний план. Это исправить, нам поможет динамика. Каким бы ярким ни был инструментальный ансамбль, главным условием является умело использовать динамику, придавая звучанию гибкость и утончённость. Динамика, должна совпадать в игре обеих партий – если форте, то общее, если пиано, то вместе тихо. Четырехручное изложение фортепианной фактуры, безусловно, предполагает более широкий спектр динамических оттенков, в некоторый произведениях подразумевается объёмное, оркестровое звучание. Чтобы добиться такой динамики необходимо сначала проработать отдельные отрывки, потом выстроить общий динамический план, определить кульминацию. У учащихся надо воспитывать  чувство динамики и контроля. Учащиеся должны хорошо слышать не только себя, но и товарища по игре. Если исполнитель главной партии немножко не дошел до нужного звука, в том или ином эпизоде, его партнёр, просто обязан подкорректировать своё исполнение и не оказаться солистом, ведь у нас совместная работа и динамика у нас общая.

4. Паузы в исполнении. Исполнительские штрихи.

Паузы – это особая трудность не только в ансамблях, но и в сольных исполнениях. Обычно учащиеся недодерживают длину пауз. И если в сольном исполнении эта ошибка не так видна, то в ансамблевой игре всё распадается. Один убегает – другой догоняет или один замешкался в трудном (в техническом плане) эпизоде, а партнёр убежал вперёд. На паузах, партнёр не имеет право просто сидеть, он должен проживать звучащую музыку, вместе с играющим. Тогда паузы не будут такие томительные для ученика. В домашних условиях, учащийся, на паузах может проигрывать (в дальнейшем пропевать мысленно) мелодию противоположной партии. Это поможет ему хорошо ориентироваться во время совместной игры.

Всё многообразие артикуляционных приёмов сводится к трём основным группам: non legato, legato, staccato. Очень неопрятно звучит дуэт, если нет одинакового штриха в обеих партиях или неодновременны окончаниях фраз. Особенно это заметно, если в тексте есть имитация или подголоски, повторяющие в разных партиях одинаковый или похожий музыкальный материал. Нужно добиться, чтобы, каждый учащийся соблюдал единый приём в одинаковых по фактуре разделах своей партии, чтобы все моменты, требующие одинакового штриха в разных партиях, исполнялись одинаковым приёмом обеими партнёрами. Особое внимание приходится уделять, когда проходящая у обоих исполнителей тема на staccato, должна не только совпадать, но должна сливаться до мельчайших подробностей. Необходимо добиваться чёткой, одинаковой атаки звука у обоих исполнителей.

5. Синхронность – как фактор точности звучания.

Синхронность ансамблевого исполнения является важнейшим качеством, которое говорит о взаимопонимании партнёров и их общем чувстве темпа и ритмического пульса. Под синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью: мельчайших длительностей, звуков, пауз у всех исполнителей. При синхронном исполнении можно выделить три момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить одновременно. Мы уже проговаривали, что в ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий роль «дирижера».  Вступление можно показывать небольшим кивком головы, который состоит из двух моментов: движение головы вверх (ауфтакт) и чёткое движения головы вниз (сигнал к взятию звука). Одновременное окончание фразы или произведения, имеет не меньшее значение. Последний аккорд имеет определённую длительность, которую каждый участник ансамбля отсчитывает «про себя», или считает наш «дирижер», для точного снятия аккорда вовремя, а показать можно небольшим кивком головы, движением кистью или согласованным звуком голоса. Всё это отрабатывается на репетициях. Синхронность является единым пониманием и чувством партнёрами темпа и ритмической пульсации. Игра в ансамбле помогает музыканту преодолеть присущие ему недостатки (неумение держать темп, вялый или излишне жесткий ритм), помогает сделать его исполнение более многообразным, ярким, уверенным.

6. Игра с партнёром – мастерство музыканта – исполнителя.

При соединении партий в единый ансамбль, когда появляются определённые трудности: и в посадке, и в лидерстве друг перед другом, и в разных темповых привычках, и в возможностях, необходимо как можно точнее объяснить учащимся их права и обязанности. В первую очередь надо учить партнёров слушать друг друга, но ещё важнее слышать ансамбль в целом, и, лишь в пределах необходимого контроля – себя в ансамбле. Это умение связано с преодолением психологического барьера: ансамблист не должен различать партии по признаку «я» или «не я». Для партии secondo партия  primo тоже «я», и наоборот. Только с появлением слитного единства «я-мы», появляется живое совместное действие за инструментом. Конечно, мастерство приходит с годами. И чтобы оно появилось надо с первых занятий над этим работать. Учащимся надо совместно решать: как будут передавать характер произведения с помощью своей игры, как будет браться тот или мной штрих, какая динамика, темп. Совместная игра отличается от сольной прежде всего тем, что и общий план и все детали  в произведении,  являются плодом раздумий и творческой фантазии не одного, а двух (трёх) исполнителей, и реализуются они их объединёнными усилиями. Пытаясь определить характерные, специфические ансамблевые исполнительские качества, вспомним об отличии талантливого рассказчика и талантливого собеседника. Для первого будет главное говорить, для второго – слушать. В ансамбле учащиеся учатся быть партнёрами: и говорить и слушать. Получив удовольствие от совместной работы, начинают больше понимать друг друга, увлекаются своим замыслом,  в дальнейшем помогают друг другу преодолеть эмоциональные трудности. Появляются общие интересы, похожие воображения. Начинают одинаково думать, двигаться, брать аккорды, исполнять штрихи. Чем больше дети играют, тем больше они сливаются в своих эмоциях, динамике и в создании художественных образов.

                         Заключение.

В заключение хочется сказать, что работа над ансамблем – это огромный, кропотливый труд. Но, работа над ансамблем интересна как педагогу, так и учащемуся. Игра в ансамбле увлекает ученика красочным миром звуков, дисциплинирует ритмику, учит быстрому освоению нотного текста и музыкальному мышлению, воспитывает такие качества характера как чувство коллективизма, ответственности и сплочённости. Сам процесс при его трудностях, даёт серьёзный импульс к развитию ребёнка. На определённом этапе музыкальных занятий и при определённых условиях развития учащегося, именно ансамблевая игра может стать основой его концертных выступлений, дополнить и украсить его выступления на  различных мероприятиях, усилить мотивацию к дальнейшему музыкальному образованию.

 Всё это говорит о важности занятий музыкальным ансамблем в ДШИ и ДМШ.

                            Список литературы:

1. Алексеев А. Методика обучения на фортепиано.3-е изд., испр. и доп. – М: Музыка, 1981.
2. Баренбойм Л. Вопросы фортепианной педагогики и исполнительства.Л.,1969.
3. Готлиб А. Первые уроки фортепианного ансамбля//Вопросы фортепианной педагогики.Вып.3. – М., 1971.
4. Коган Г. Работа пианиста.М., 1979.
5. Самойлова Т. Некоторые методические вопросы раьрты в классе фортепианного ансамбля// О мастерстве ансамблиста.-Л.,2006.
6. Сорокина Е. Фортепианный дуэт. – М., 1988.