Пути формирования эстрадного искусства

Согласно определению, данному в «Театральной энциклопедии», «Эстрада (искусство эстрады) – вид сценического искусства, соединяющего в одном представлении (концерте) выступления нескольких артистов (чтецов, куплетистов, певцов, музыкантов, фокусников, акробатов, танцоров, конферансье, звукоподражателей и др.). Могут быть также сольные концерты, в которых участвует один артист. Из-за краткости каждого выступления эстрадное искусство получило название искусства малых форм. Сценические образы артистов эстрады не отличаются психологической сложностью, но они обычно выразительны, ярки, гротескны».^[1]

Эстрада относится к временным видам искусства: ее жанры существуют, изменяясь во времени (в отличие, например, от живописи, архитектуры). При этом, к примеру, музыка не занимает места в пространстве, а танец – это пластический вид искусства, разворачивающийся в пространстве. Эстрадные представления имеют начало и конец, они уникальны: нельзя в точности повторить ни одно эстрадное представление, ни один эстрадный номер: они будут воспроизводиться и восприниматься по-разному в зависимости от аудитории, сценической площадки, настроения самих артистов и т.п.

Понятие «эстрада» в его современном значении в начале века еще не знали. Этимология его идет от латинского слова «стратум», означающего помост, возвышение. В отличие от сцены, эстрада не имеет переднего и заднего занавеса, кулис, театральных машин. Отсюда и одна из самых характерных черт эстрады – открытость, непосредственный контакт с публикой. Зачастую при проведении массовых праздников эстрадной площадкой является всё пространство улиц и площадей населенного пункта.

Сам термин «эстрада» в значении вида искусства является относительно молодым. Сначала в лексикон это слово вошло как обозначение сценической площадки. «Постепенно появлялись термины «эстрадный артист», «эстрадный репертуар», но они говорили лишь о месте выступления артиста, назначении его репертуара. Как обобщенное понятие, объединяющее специфические разновидности искусства, термин «эстрада» в исторической ретроспективе является сравнительно новым, утвердившимся во второй половине ХIХ века».^[2]

Термин «эстрада» существует только в нашей стране. За рубежом (Америка, Западная Европа) употребляются понятия: «варьете», «кабаре», «кафе-концерты», «мюзик-холлы», «шоу» и другие.

Особенностью эстрады как вида искусства является ее синтетический характер. В ней синтезируются актерское мастерство, вокал, хореография, инструментальная музыка, пантомима. В этот синтез искусств вливается спорт (акробатические и гимнастические номера, спортивные танцы), цирк (клоунада, эксцентрика, дрессура, др.). Множественность выразительных средств, их необычные и неожиданные сочетания в различных синтетических формах на эстраде очень часто более разнообразны, чем в других зрелищных искусствах.

По сути, исполнительская деятельность в любом искусстве, за исключением театра (драматического, оперного, балета) представляет собой творчество на эстраде. В то же время фрагмент пьесы, оперы или балета также может стать составной частью эстрадного представления. Н.П. Смирнов-Сокольский писал: «То, что на эстраде выступают и артисты оперы, и артисты драмы, абсолютно закономерно. Это было и раньше: была М.Н. Ермолова, читавшая в концертах стихи Некрасова, был Б.С. Борисов, выступавший с песнями Беранже и частушками Демьяна Бедного и т.д. Но тут надо соблюдать одно условие. Коли речь идет об эстрадном искусстве, то необходимо, чтобы артист понял всю специфику этого искусства. Так, как понимала его великая Ермолова, выступавшая в концертах не с отрывками из пьес, а со стихами, революционными стихами Некрасова, и имевшая головокружительный успех у демократической молодежи».^[3]

Продолжая сравнение эстрады и театра, следует отметить определение эстрадной специфики, данное Э.Б. Шапировским в книге «Конферанс и конферансье».

«Драматический актер участвует в коллективном творчестве – создании спектакля, где ему отведена строго определенная роль. Актер театра не может, произвольно импровизируя, оставить в стороне заданную пьесой, ролью, режиссерской установкой задачу, не может в зависимости от состава и настроения аудитории, возникающих в зале привходящих обстоятельств менять текст, говорить и действовать самолично.

Актер эстрады выступает «от себя», общается непосредственно с сидящими в зале – там его партнеры, которым он оставляет их долю «доигрывания» и додумывания, привлекая к активному сотворчеству. Прочность прямых контактов, их непрерывность обусловливают степень внимания и интереса слушателей, градус настроения в зрительном зале и, в конечном счете, успех или неуспех выступления».^[4] Таким образом, мы видим, что эстраде присущ момент импровизации, возможность непосредственного контакта с аудиторией.

Далее Э.Б. Шапировский в своей книге пишет: «Актер театра создает столько образов, сколько у него ролей. Конферансье создает, как правило, один стабильный, «пожизненный» образ, чтобы в нем жить на сцене, стремиться «приучить» к нему зрителей, добиться на него их высочайшего утверждения. Эстрадный образ (маска), зарекомендовавший себя творчески, завоевавший публичное доверие, вырабатывает своего рода условный зрительский рефлекс. При знакомстве с концертными анонсами рефлекс срабатывает в соответствии с накопленными впечатлениями».^[5] Следовательно, еще одна специфическая черта эстрады – наличие образа-маски у исполнителя. Как отмечает М. Германова, «для эстрадного артиста маска – одно из важнейших средств воздействия на зрителя».^[6]

Следующая немаловажная черта эстрады – лаконизм. М.В. Литвинова считает, что это эстрадное свойство «распространяется буквально на все аспекты эстрадного искусства. Лаконичны и авторское сочинение, и актерские средства его воплощения, и компоненты внешнего оформления эстрадного номера, и условия демонстрации.

Лаконизм и концентрация выразительных средств на эстраде сегодня полностью соответствуют духу, темпам и ритмам времени. Размещение исполнителя на площадке, мизансцены, жесты, безусловно, подчиняются указанным принципам. Лаконизм позволяет эстраде оперативно откликаться на «горячие» темы дня, формировать и укреплять позитивный эмоциональный тонус масс. Поэтому важнейшим признаком эстрадности, впрямую связанным с лаконизмом, следует считать социальную мобильность».^[7]

Таким образом, мы выделили следующие специфические черты, присущие эстраде: синтез исполнительских жанров, открытость, импровизация, лаконизм, социальная мобильность, создание образа-маски (говоря современным языком – сценического имиджа). Нетрудно проследить присутствие этих качеств на всех этапах развития искусства эстрады от древних празднеств, шествий и карнавалов, скоморошества, ярмарочных представлений до современных эстрадных концертов и спектаклей.

И, наконец, еще одно специфическое качество эстрады – так называемая легкость восприятия (в отличие от «серьезных» классических жанров). Это качество зачастую именуют «эстрадность». Эстрадность подразумевает положительные эмоции, чувство оптимизма, она несет в себе удовольствие и радость прежде всего. Поэтому понятием эстрада можно охарактеризовать всю область искусства легко воспринимаемых жанров. А понятия варьете и кабаре (пестрота, разнообразие), мюзик-холла (музыкальный зал), бурлеска (шутка, пародия) заключают в себе лишь отдельные признаки эстрадного искусства.

 «Эстрадность – это, прежде всего, открытость. Открытость всего – актерского искусства, принципов внешнего оформления, способов общения с публикой».^[8]

В.А. Шпагин называет следующие отличительные признаки эстрады:

«1). Эстрада – наиболее подвижный вид искусства, оперативно отражающий актуальные события, проблемы социальной, политической и бытовой жизни. Отсюда злободневность, актуальность эстрадных программ.

2). По направленности эстрада чаще комедийно-отрицательная, чем положительная, чаще развлекательная, чем поучающая и разъясняющая.

3). Самодозволенность и смелость в осмеянии язв, негативов жизни. Эстрада, а тем более народная, во все времена была в чем-то оппозиционна режиму власти.

4). Смеховая природа эстрады – главное «лекарство», лечащее зрителя от социальных язв и пороков. Смех – средство преодоления негативов жизни. В смехе равны все, и в этом его народность, демократизм. И в этом смысле эстрадный смех приближается к карнавальному.

5). Природа эстрады – это легкость, и естественность, и простота, и доступность понимания всего, что происходит на сцене.

6). Разножанровость, динамика действия, яркая зрелищность создают праздничность эстрадного выступления, а его открытость, развернутость на зрителя обеспечивают активность восприятия».^[9]

Как любому виду искусства, эстраде присущ свой индивидуальный язык. И единицей такого эстрадного языка выступает эстрадный номер (в театре – спектакль). В создании эстрадного номера концентрируется творчество автора, актера, режиссера, художника, звукооператора, светооператора. Главенствующее положение номера в структуре эстрады несомненно. Именно художественные достоинства эстрадного номера, в конечном счете, определяют вектор развития эстрадного искусства в целом.

«Совокупность эстрадных номеров, организованных определенным образом, является эстрадным представлением».^[10] 

Формами эстрадного представления могут быть эстрадный концерт, эстрадный спектакль, эстрадное обозрение (ревю, шоу). В последние десятилетия наблюдается процесс активного поиска новых зрелищных эстрадных форм.

В специальной литературе эстрадное искусство первоначально было принято делить на два вида: концертную и театральную эстраду. В последнее время появилось такое понятие, как праздничная эстрада. Зарождение этих видов эстрады происходило практически одновременно и своей историей уходит в глубь веков.

Истоки эстрадного искусства лежат в представлениях бродячих актеров: в России – скоморохов, во Франции – жонглеров, в Германии - шпильманов и др. Их выступления включали сатирические сценки, пение, танцы, акробатику, жонглирование, дрессуру. Возможно, у истоков концертной эстрады стояло творчество древних музыкантов, увеселявших в древние времена гостей царских придворных пиршеств. С другой стороны, первыми эстрадными артистами можно считать древних бардов и скальдов, древних гусляров или средневековых трубадуров (поэт и композитор) и менестрелей (исполнитель), странствующих рыцарей, выступающих перед владельцами средневековых замков, знатными рыцарями и дамами.

В любом случае, становление современной концертной эстрады во многом связано с появлением в XVIII веке в Западной Европе дивертисментов – отдельных вокальных, музыкальных и танцевальных номеров, включенных в оперно-балетные и драматические спектакли. Позже в дивертисменты стали включаться художественное чтение и исполнение куплетов. В драматических театрах Петербурга и Москвы дивертисменты стали даваться с середины двадцатых годов XIХ века и имели целью «обогатить программу бенефисного или благотворительного спектакля, показать любимых актеров, которые почему-либо в пьесе не играли, или дать бенефицианту возможность помимо основной роли выступить еще и в «выигрышном» номере».^[11] В драматических театрах небольшие, состоявшие из двух-трех номеров, дивертисменты давались в течение антрактов, почему и получили распространенное наименование «антрактов». В репертуаре дивертисментов большое место занял задорный и злободневный куплет.

В процессе формирования русской концертной эстрады важную роль сыграли народные хоры. После отмены крепостного права хоры, освобождались от прежних ограничений. Теперь речь шла уже не об отдельных хорах, появлявшихся на эстраде, каковыми были солдатский хор Ивана Молчанова или фабричный хор В.Г. Жукова, а всё большее число профессиональных хоровых коллективов, и хоровых товариществ.

Однако «народные хоры со своим самобытно сложившимся репертуаром и исполнительским стилем не всегда соответствовали требованиям эстрадных предпринимателей, всячески старавшихся прислуживать и угождать своей публике. На открытых сценах летних садов народные хоры встречали заинтересованную в их творчестве, отзывчивую аудиторию в лице разночинного демократического зрителя. Выходя на буржуазную эстраду в ресторане, выступая на подмостках шантанной эстрады, народные певцы оказывались вынужденными приспосабливаться к новой обстановке».^[12] 

В целях экономии эстрадные антрепренеры стали требовать от народных хоров, чтобы они полностью обеспечивали программу всего вечера. Поэтому народные хоровые коллективы начали давать сольные и дуэтные номера в исполнении отдельных хористов и танцоров. В результате возникли смешанные программы, разнокачественные по составу номеров, в отдельных случаях прибегавшие к сотрудничеству с цирковыми артистами.

Таким образом, из хоров начали выделяться отдельные исполнители: певцы, танцоры, куплетисты. Например, первые русские профессиональные актеры-рассказчики в антрактах и дивертисментах – М.С. Щепкин (1788-1863) и П.М. Садовский (1818-1872); П.С. Мочалов (1800-1848) – первый чтец пушкинских произведений на эстраде.

В советский период отечественной истории и по настоящее время профессиональная концертная эстрада в структуре государственных организаций и учреждений развивается в рамках филармоний, а любительская (самодеятельная) эстрада сконцентрирована в концертной деятельности культурно-досуговых учреждений.

С конца ХХ века и по настоящее время наблюдается активизация деятельности коммерческих организаций, занимающихся концертной эстрадой. Это направление носит название шоу-бизнеса, и ведущую роль здесь играет продюсер.

Ряд исследователей выдвигает следующие формы концертной эстрады: концерт (так называемый «сборный» концерт), тематический концерт, сольный концерт, юбилейный концерт.

Театральная эстрада своими корнями уходит в народные обряды, календарно-обрядовые и семейно-обрядовые песни, принявшие театрализованный характер. Формирование русской театральной эстрады исследователи связывают с деятельностью скоморохов.

Теме скоморошества посвящен целый ряд исследовательских работ культурологов, фольклористов, лингвистов, положивших начало целой науке – скомороховедению (одно из первых фундаментальных исследований - книга А.С.Фаминцына «Скоморохи на Руси», которая вышла в 1889 году). Но до настоящего времени среди исследователей нет единого мнения ни по поводу этимологии слова «скоморох», ни по поводу истории становления скоморошества в древнерусской культуре.

 Искусство скоморохов преимущественно сказалось в области музыки, пения и пляски, а также малых форм народной драмы и комедии. Это и предрешило взаимосвязь скоморошьего творчества с рядом жанров, в последующее время развивавшихся на эстраде. Скоморохи были первыми представителями профессионального театра, работающими почти во всех жанрах уличных представлений: площадные лицедеи, плясуны и песенники, гудочники и волынщики, петрушечники и медведчики. Представления скоморохов объединили разные виды народного творчества: и собственно драматические, и цирковые, и эстрадные. Дифференциация произошла гораздо позже, примерно в XVI-XVII веках, и уже в наше время скоморошечьи виды искусств можно рассматривать как отдельные полноценные профессии, унаследовавшие традиции творчества скоморохов.

К началу XVI столетия стали образовываться скоморошьи ватаги, то есть артели скоморохов. Они представляли собой большие труппы, состоявшие из песельников, плясунов, кукольных комедиантов, балагуров, глумотворцев и сопровождавших их музыкантов, и насчитывали до сорока и более человек. Эти артели подразделялись на «подвижные» и «оседлые». «Подвижные», «пришлые» скоморохи странствовали, бродяжничали по стране в поисках пропитания. «Оседлые» скоморошьи артели жили в посадах и слободах. Наибольшую значимость среди скоморохов приобрели острословы, глумотворцы-сатирики – исполнители глумов, то есть юмористических или сатирических сценок. Они привлекали особое внимание, поскольку в их творческой деятельности заключались элементы сатиры и юмора, соответствующие природе эстрадных жанров. Скоморохи-дрессировщики устраивали так любимые русским народом «Медвежьи потехи».

С утверждением на Руси православной веры скоморохи, равно как и всяческие зрелища с их участием, подпадают под запрет и осуждение церкви. Однако, несмотря на многочисленные конфессиональные запреты и осуждение, скоморохи постоянно появлялись на всевозможных игрищах и празднествах. Скоморошество на Руси развивалось вплоть до начала XVIII века – до так называемого периода «Петровских реформ».

Скоморошество положило начало развитию народного кукольного театра – театра Петрушки. Первоначально кукольный театр Петрушки был составлен из персонажей итальянской кукольной комедии. Но постепенно стали укореняться национальные персонажи, появились барин, солдат, цыган, доктор, невеста. Комедия Петрушки состояла из коротеньких злободневных сценок, была насыщена музыкальными номерами: куклы беспрерывно пели, танцевали, пародировали известные произведения, и, конечно же, импровизировали и общались со зрителями. Так появились принципы интерактивного зрелища. Традиции театра Петрушки в советский период были блестяще продолжены кукольным театром С.В. Образцова.

Первые эстрадные театры появились за рубежом в начале XVIII века – мюзик-холлы в Англии. Их представления состояли из коротких пьес, пения, танцев, буффонных интермедий. Наиболее известные в Лондоне мюзик-холлы – «Альгамбра» (создан в 1890 году), «Колизей» (организован в 1903 году). Во Франции, начиная с 1850-х годов, становятся популярными рестораны с эстрадой, которые получили название кафе-шантанов («Эльдорадо», «Алькасар» и другие). В своих выступлениях артисты иногда затрагивали злободневные темы, но чаще ограничивались развлекательными номерами. В 1880-90-е годы кафе-концерты распространились в Германии, Дании, других странах.

С 1880-х годов во Франции создаются кабаре, в них даются импровизированные представления с участием поэтов, музыкантов, актеров-пародистов, сатириков, куплетистов, исполняющих злободневный репертуар, а также танцоров (салонные танцы, модернизированные танцы, в которых используются элементы акробатики и др.). Здесь же появляется конферансье, объявляющий выступающих и разговаривающий со зрителями. Кабаре имели очень большой успех у публики (например, «Мулен Руж» в Париже).

Начало профессиональной режиссуры на русской эстраде положил М.В. Лентовский (1843-1906) - режиссер эстрадных номеров и спектаклей-феерий сада «Эрмитаж». Впервые в России были открыты театры по типу кабаре в 1908 году: литературно-артистический театр миниатюр «Кривое зеркало» в Петербурге (репертуар - литературно-театральная пародия, осмеяние штампов в постановках опер, балетов, драматических театров, оперетт и номеров кафе-шантанной эстрады) и эстрадный театр «Летучая мышь» в Москве.

В удивительный период русского искусства, названный впоследствии «Серебряным веком», пользовались огромной популярностью так называемые артистические или литературные кафе (по форме – кабаре). Например, в Петербурге - «Бродячая собака» (1911 год открытия). В этом литературном кабаре собирались футуристы, акмеисты, символисты. После закрытия в 1916 году «Бродячей собаки» было организовано новое кабаре (литературно-артистическое кафе) – «Привал комедиантов». В «Привале» создали постоянную труппу, ядро которой составили учащиеся студии В. Мейерхольда. В Москве артистическое кафе носило название «Стойло Пегаса», в Киеве, а затем Одессе – «ХЛАМ»: аббревиатура, составленная из первых букв названий творческих профессий: художники, литераторы, артисты, музыканты.

С именем В. Маяковского открывается новая страница художественного слова – поэзия становится «слышимой». Его могучий талант оказал огромное влияние на развитие литературной эстрады, художественного чтения, придав им динамику, агитационный импульс. В плане развития такого направления, как поэтический концерт, интересен опыт И. Северянина – создателя так называемых «поэзо-концертов».

В советский период зародилось разнообразное по форме и средствам агитационное эстрадное искусство. Начали создаваться театры революционной сатиры (Теревсаты). Их репертуар - сатира, злободневные шутки, частушки, агитационные пьесы, они использовали традиции балаганных действ и народного кукольного театра. В спектаклях участвовали молодые художники (М. Шагал в Витебском Теревсате), поэты, драматурги (А. Арго, Н. Адуев и др.). В Москве Теревсат был открыт в 1920 году.

В 1922 была организована Мастерская Фореггера – Мастфор. Н.М. Фореггер - режиссер и балетмейстер, в его спектаклях принимал участие С.М. Эйзенштейн. В представлениях были номера акробатики, эксцентрики, пародии, эстрадные танцы на современные темы. В Петроградском театре Народной комедии устраивали спектакли-арлекинады с участием артистов эстрады (К.Э. Гибшман) и оригинального жанра (акробат А. Александров-Серж, клоун и акробат Жорж Дельвари и др.).

В 1923 году произошло рождение новой формы эстрадных представлений: «Синяя блуза». В «Синей блузе» продолжена агитационная линия Теревсатов – публицистичность, сатира, в представлениях использовались формы «живой газеты» и традиций ярмарочных балаганов. В «Синей блузе» создавались программы из фельетонов, обозрений, частушек, райков на темы внутренней и внешней политики. Художественные приемы представлений – коллективная декламация, гимнастические построения, акробатика, ритмические движения. Также использовались буффонада, гротесковые и эксцентрические персонажи в представлениях, компактность оформления, моментальная трансформация костюмов.

В.Е. Ардов считает «Синюю блузу» абсолютно новой формой эстрадных выступлений по сравнению с дореволюционными. В чем же выражается эта новизна? «В «Блузе широко пользовались синтезом искусств для опубликования «передовых», как сказали бы в газете, статей своей программы. После парада участников бригады (который шел под музыку и сопровождался песней – зачином, как правило, одним и тем же в данном коллективе) исполнители переходили к многоголосной оратории, в которой тексты из стихов и прозы (заимствованные из многих источников или созданные на месте) сочетались опять-таки с соответствующей музыкой. Ритмические мизансцены, перемещения, построения в два-три яруса в сочетании с элементами акробатики, художественной гимнастики  также подчеркивали и выявляли эмоциональное содержание темы. Участники этого номера были вооружены флагами и эмблемами, красные ленты, протянутые от одного исполнителя к другому, к третьему и так далее, вычерчивали, например, красную звезду или серп и молот. Надо ли говорить, что подобная символика отлично дополняла и текст и музыку.

Весь номер обычно шел не более семи минут. А его воздействие было огромным. И кроме того, он давал направленность всей программе».^[13]

В эти же годы зародился жанр эстрадного фельетона, у истоков которого стоял выдающийся мастер Н.П. Смирнов-Сокольский (1898-1962). В годы Великой Отечественной войны был создан политический агитационный фельетон.

С именем А.Я. Закушняка (1879-1930) связано рождение советской школы литературного чтения на эстраде. В.Н. Яхонтов (1899-1945) – создатель театра одного актера. Именно Яхонтова считают основателем искусства литмонтажа, который, в свою очередь, лег в основу литературно-поэтического спектакля.

В послевоенные годы в СССР организуются мюзик-холлы, варьете, новые эстрадные театры миниатюр. Например, открывается Ленинградский театр миниатюр под руководством А.И. Райкина.

Большое значение в развитии театральной эстрады имеет массовое распространение телевидения. Стали популярны телевизионные эстрадные передачи и самая популярная из них – это КВН («Клуб веселых и находчивых»). Сойдя с экранов телевизоров в 1960-х годах, КВН  прочно обосновался в артистичной студенческой среде. На сегодняшний день КВН – самая популярная эстрадная форма среди молодежи. В последние годы повсеместно стали появляться и «Школьные лиги КВН».

Наиболее массовый по форме вид эстрады – это праздничная эстрада. Истоки этого вида эстрады лежат в глубокой древности – в древнеегипетских мистериях, связанных со смертью и возрождением Осириса, в древнегреческих дионисийских мистериях, в древней обрядовой культуре всех этносов мира. В русской культуре отголоски древних языческих обрядов сохранились в троицком (семицком), масленичном, купальском и ряде других обрядов, дошедших до наших дней.

Исторически развиваясь, обряды переросли в массовые народные праздники. «Многодневные праздничные действа, возникавшие на улицах городов-государств Древней Греции, триумфальные шествия Древнего Рима, Средневековые мистерии Западной Европы, превращавшие площади и улицы в огромный многотысячный театр, традиционная весенняя игра в «майского короля», популярная в феодальной Англии, буйство красочных карнавалов Итальянского Возрождения, традиционные театрализованные шествия по улицам средневековых городов представителей гильдий и цехов, празднества французской революции, старославянские «игрища», русские народные гулянья»^[14] – все это та или иная разновидность массового праздника. Они веками сопровождали все значительные события в жизни народа, выявляя и фиксируя в народном искусстве общественные и политические идеалы, господствующие в данную эпоху.

Одной из первых массовых зрелищных форм, давшей начало всей праздничной культуре (в том числе праздничной эстраде) является карнавал (от латинского «каррус навалис» - корабельная лестница). Этимология этого слова связана с дионисийскими мистериями или вакханалиями – ведь Дионис или его другое имя – Вакх (главный персонаж мистерии) прибывал в Афины на корабле, и эта корабельная лестница возглавляла праздничное шествие в его честь. А свиту Диониса составляли козлоногие паны (отсюда обычай рядиться в козлиные шкуры на различные народные праздники), вакханки, наяды.

В дионисийских мистериях различали 3 части: ритуальную с жертвоприношением и процессией в честь Диониса; гражданскую с общегородскими состязаниями в беге, борьбе, песнях, плясках; зрелищную с выступлениями профессиональных мимов, жонглеров, клоунов.

Традиции европейского карнавала окончательно сложились в Венеции. Карнавал отличает момент ряженья – яркие костюмы, маски. Проводится на открытых площадках (в то время как маскарад – в закрытых помещениях).

«В дни карнавала город преображался: толпы народа, распевающие веселые песни, со всего города стекались в центр, на городскую площадь, где звенели мандолины и гитары, где выступали народные забавники, потешая народ остроумными злободневными сценками. Начиналось общее веселье.

Венецианский карнавал – массовый народный праздник, полный ярких красок, музыки и танца. К XIII веку основными компонентами карнавала стали процессии, игры, акробатические и спортивные показы и, наконец, маски. Собственно, эти компоненты остались и по сей день основными слагаемыми данной разновидности массового праздника».^[15]

В средние века сформировались особые виды театрализованных массовых празднеств и зрелищ. Одним из таких видов были мистерии. Время расцвета мистерий – XV-XVI века, время бурного расцвета городов и обострения социальных противоречий. Мистерия и явилась выражением процветания средневекового города, его культуры. Она выросла из так называемых мимических мистерий – городских процессий в честь религиозных праздников, в честь торжественных въездов королей. Из этих празднеств постепенно складывалась площадная мистерия.

Представления мистерий организовывались не церковью, а городскими цехами и муниципалитетами. Несмотря на то, что ими руководили патрицианские круги буржуазии и церковники, мистерия была массовым площадным самодеятельным искусством. В представлениях мистерий участвовали сотни человек. Поэтому в инсценировки церковных легенд, которые и составляли мистериальную драматургию, вторгался народный, мирской элемент. Господствовавшая более двухсот лет в Европе, особенно во Франции, мистерия всей своей историей дает наглядный пример борьбы религиозного и мирского начал.

Ярким примером ранней мистерии может служить огромная (50 тысяч стихов, 242 действующих лица) «Мистерия Ветхого завета», содержавшая 38 отдельных эпизодов. Постепенно поддаваясь настроению масс, библейские эпизоды прослаиваются интермедиями с чисто ярмарочными героями – шарлатаном-врачом, его громкоголосым зазывалой, строптивой женой и т.д.

Стремление к достоверному отражению окружающей жизни также находило выход в мистериях. Так, вскоре после осады Орлеана в 1429 году появляется «Мистерия об осаде Орлеана». В ней действуют исторические герои, конфликт происходит не между богом и дьяволом, а между английскими захватчиками и французскими патриотами. Патетическое и гротесковое существовало на мистериальной сцене рядом. Любимые народом персонажи – шут и бес – вносили в мистерию струю народной энергии. Их текст часто импровизировался. Мистерия раздвинула тематический диапазон средневекового театра, накопила огромный сценический опыт, который был использован последующими историческими эпохами.

Становление эстрадных форм праздничной эстрады в культуре России происходило в народных гуляньях. Так, в путеводителе по Москве, выпущенном в конце XVIII столетия, народные гулянья выделены в самостоятельный раздел, в котором перечисляется более двадцати гульбищ в различных местах Москвы и ее ближайших пригородах.

К XVIII веку в народных гуляниях оформилась такая форма, как балаган (в переводе с татарского – сарай, навес). Исследователи истории русского театра обнаруживают корни традиций балаганных выступлений в древнем театре скоморохов. Балаган сразу же становится центром и душой увеселительных городков, составляющих ядро народных гуляний. «Балаган был центром праздничной площади, главной притягательной силой, самым заманчивым, хотя и не всегда доступным увеселением. Балаган – лицо гулянья. По количеству и убранству балаганов, по именам их владельцев и дедам-зазывалам судили о ярмарке вообще, о ее размахе и значимости».^[16]

На подмостках балагана разыгрывались коротенькие интермедии, называвшиеся игрищами. Предварял действие прибаутками неизменный балаганный зазывала – карусельный дед. Балаганы выступали на площади с утра до вечера, без перерывов, представления длились от 15 минут до часа.

А.В. Лейферт, сын известного в конце XIХ века владельца балаганных театров В. Лейферта, так описывает картинку народных гуляний XIХ века: «Балаганами в былое время называли не одни театры, в которых давались всяческие представления в течение Масленой и Пасхальной недель, но все то, что представляло из себя в эти недели Марсово поле в совокупности. Поэтому выражение «побывать на балаганах» означало посетить в эти дни Марсово поле и приобщиться к тем удовольствиям, какие в эти недели там были устроены для народа».^[17] 

«Лейферт свидетельствует, что в создании представлений использовалась вся передовая техническая театральная база того времени, поэтому всевозможные аттракционы и трюки выглядели весьма эффектно.

Младшими братьями балаганов, «аттракционами-спутниками» можно назвать и такие формы фольклорного театра, как вертеп – кукольный театр и «потешную панораму» – раек, где в «волшебном» глазке можно было за умеренную плату рассмотреть все чудеса мира и последние страницы величайших исторических событий».^[18]

Искусство балаганных артистов носило синтетический характер. Игра на музыкальных инструментах, звукоподражание, пение, пляска, исполнение коротких рассказов, гимнастические и атлетические упражнения. Балаган впитывал и отбирал весь разнообразный материал, выплескивающийся во время праздничных гуляний.

В советский период отечественной истории сценический принцип балаганов-театров взяли за основу большевики при создании массовых представлений для народа (в частности, агитационных представлений). В создании уличных постановок для многотысячных народных праздников участвовали такие именитые мастера того времени, как В.Э. Мейерхольд, Н.П. Охлопков, Е.Б. Вахтангов.

«В годы свершения социалистической революции в России театрализованные представления и празднества проводятся повсеместно, несмотря на голод и разруху. Они объединяют в активном революционном порыве тысячи исполнителей и десятки тысяч зрителей».^[19] Как правило, такие празднества назывались действами или мистериями (например, «Мистерия-буфф» – массовое зрелище к годовщине Октябрьской революции, «Мистерия освобожденного труда» – массовое зрелище, организованное в мае 1920 года в Петербурге).

Принципы балагана: зрелищность, музыкальность, доступность восприятия, злободневность, быстрота смены декораций и сюжетов, импровизация, профессиональная игра актеров. Все эти принципы остаются актуальными и поныне при организации массовых зрелищных праздников. Меняются социальные условия жизни, изменяются культурные запросы населения, соответственно времени выходят на первый план те или иные формы праздничной эстрады, но принципы балагана остаются актуальными для массовых представлений и по сей день.

Таким образом, эстрада – это многогранный, находящийся в постоянном поиске новых форм и средств выражения вид искусства. Эстрадному искусству свойственны такие качества, как открытость, лаконизм, импровизация, праздничность, оригинальность, зрелищность. Стремительное развитие техники в современном мире приводит к появлению новых выразительных эстрадных форм, к включению в эстрадные представления лазерного шоу, движущихся конструкций, спецэффектов (холодных фейерверков, светоэффектов, конструкций из воздушных шаров и т.п.). Эстрада с каждым годом становится все зрелищнее, эффектнее. И сейчас для современной эстрады на первый план выходит задача – за внешней красивой картинкой не потерять суть эстрадного представления, его стержня, не обесценить его содержание. Именно на эстраду сегодня во многом возлагаются задачи духовно-нравственного, патриотического воспитания населения, поскольку современная эстрада – один из самых востребованных видов искусства.