Исследовательская работа «Синий цвет в искусстве художников XXI века».

XXXIII районная  научно-практическая конференция

«Молодые умы – науке Красноярья»

«Синий цвет в искусстве художников XXI века».

Направление: мировая художественная культура.

Исследовательская работа.

Автор:

Титова Лариса Юрьевна  

                                                                                                                      ученица 7 «Д» класса,

                                                                                                                  проживающая по адресу

                                                                                                                                   г. Красноярск,

                                                                                                            ул. Инициаторов д. 24, кв.6.

                                                                                                                                     адрес школы

                                                                                                   МБОУ "Средняя школа № 53"

                                                                                                                     г. Красноярск, 660013,

                                                                                                                              ул. Львовская, 43        

                                                                                                                             +7 (391)266-94-11

                                                                                                                E-mail:  school53@mail.ru

Руководитель:

Гольцева Ольга Андреевна 

учитель музыки

МБОУ "Средняя школа № 53"

Красноярск 2020 год.

Оглавление

Аннотация…………………………………………………………………………………….…3

Введение.………………………………………………………………………………………...4

Глава I.Теоретическая часть

1.1. Древний мир……………. ……………………………………………………..……........5-6

1.2. Средние века…………………………………………………………………….………...6-7

3.  Эпоха Возрождения…………………………………………………………………….....7-9
4.  Новое время. .……………………………………………………………………………9-11
5.  Изыскания оттенков синего в XX – XXI веках (Новейшее время)…………………11-18

Глава II. Практическая часть

2.1. Исследование Мартина Белландера ……………………………………………………...19

2.2. Изучение работ самых популярных художников XXI века.………..……….………20-38

Заключение……………………………………………………………………………………...39

Используемая литература……………………………………………………………………...40

Аннотация

Синий цвет — специфический оттенок, не каждый отважится привнести его в свой дом, ведь он потребует от нас долгой и кропотливой работы с продумыванием всех возможных нюансов обстановки. А вот с деталями этого дерзкого цвета дело обстоит уже проще, да и психологическая нагрузка на нас будет значительно меньше. И нагрузка ли?

Речь пойдет о картинах — бессменных атрибутах каждого уважающего себя дома. Как часто они выручают нас после долгих напряженных будней, являясь вдохновением и радостью для глаз. В психологии насыщенный синий цвет, как ни странно, считается универсальным средством для снятия стресса и успокоения сознания. «Его созерцание, словно некое эфемерное охлаждение, замедляет сердцебиение и стабилизирует кровяное давление. Главное, выбрать ту синеву, которая придётся по душе. Для кого-то это будет простор цветущего василькового луга, а кому-то ближе неспешное течение венецианского времени» [2].

Итак, для кого-то оттенок ультрамарина по-прежнему останется неприемлемым и невозможным для соседства. А кто-то взглянет на него по-новому и создаст свой собственный «синий уголок», черпая в нём необходимое. Важно найти меру и гармонию в таком непростом, но бесконечно прекрасном цвете.

Почему синий?

В океане интернета нам попался блог аспиранта психологического факультета из Каролинского института (Швеция). Мартин Белландер проанализировал более 120 тыс. картин и обнаружил, что на протяжении многих столетий самым популярным цветом в европейской живописи был и остаётся оранжевый. Однако в XX веке синий начал постепенно его вытеснять. 

Нас заинтересовала эта тема, и мы решили подробнее разобраться в причинах такого интереса к синему цвету.

           Тема актуальна. Среди работ российских авторов мы не нашли полноценного описания причин популяризации синеного цвета в современном изобразительном искусстве. 5 декабря 2019 года американский институт цвета Pantone («Большой музей») объявил цветом 2020 года «классический синий» (номер оттенка в палитре - 19-4052). «Мы живём во времена, когда вера и доверие важны как никогда раньше. Классический синий из палитры Pantone выражает собой постоянство и уверенность, это цельный и надёжный цвет, оттенок, на который можно положиться», — комментирует выбор директор института Леатрис Айсман. 

Введение

                    «Только тому, кто любит цвет, открывается его красота и внутренняя           сущность. Цветом может воспользоваться каждый, но только беззаветно преданному ему он позволяет открыть свои тайны».

Иоганес Иттен

(швейцарский художник 1888-1967 гг.).

В своей работе я бы хотела разобраться, почему синий цвет так стал популярен в изобразительном искусстве.

В связи с этим, я выбрала тему своей исследовательской работы - «Синий цвет в искусстве художников XXI века».

Объект исследования - картины художников.

Предмет исследования - синий цвет.

В основу исследования положена гипотеза: появившаяся возможность у художников  использовать  в своих картинах больше синего цвета, способствовало индивидуальному развитию и появлению новых направлений в творчестве. У каждого художника имеются отличительные черты, манеры письма, индивидуальный подход в работе с синим цветом на своих полотнах.

Цель работы: на основе работы с литературой и исследований выяснить причины популяризации оттенков синего цвета в творчестве  современных художников.

Для достижения цели поставлены следующие задачи:

1)  изучить литературу по данной проблеме;

2)  изучить историю возникновения, изготовления, распространения и применения краски синего цвета в художественных произведениях;

3) изучить причины увеличения использования оттенков синего цвета на полотнах современных художников;

4)  проанализировать результаты исследований и сделать выводы.

 Методы исследования: метод лингвистического описания, позволяющий изучить теоретический материал; метод сравнения и анализа.

Глава 1. Теоретическая часть

1.  Древний мир

Синий цвет  был «опоздавшим» среди других оттенков, используемых в искусстве и декоре. Красным, чёрным, коричневым и охрой древние люди палеолита изображали сцены своей жизни в наскальных рисунках, но синий цвет они не использовали. Для окрашивания ткани они использовали красный, охристый, розовый и фиолетовый. Вероятно, это связано с многолетней трудностью создания хороших синих красителей и пигментов. Самые ранние известные голубые красители были сделаны из растений, а синие пигменты были сделаны из минералов, обычно из лазурита  или азурита.

Лазурит, полудрагоценный камень, добывали в Афганистане на протяжении более трех тысяч лет, и экспортировали во все части древнего мира. В Иране и Месопотамии он использовался для изготовления ювелирных изделий и сосудов. В Египете, его использован для бровей на похоронах маски фараона Тутанхамона (1341-1323 до н.э.). В  Египет из Афганистана лазурит  попадал с караванами через пустыню и стоил очень дорого.

Примерно с 2500 г. до н.э. древние египтяне начали производить свой собственный синий пигмент, известный как египетский синий, измельчая диоксид кремния, известь, медь и щелочь, нагревая его до 800 или 900 ° C. Он считается первым синтетическим пигментом. Египетский синий использовался для рисования по дереву, папирусу, холсту, для окраски глазури горшков из фаянса. Особенное значение он имел при оформлении похоронных скульптур, фигурок и картин гробниц. Синий считался особенным цветом, который защищал мертвых от зла ​​в загробной жизни. Также использовался для окраски ткани, в которую были обернуты мумии. В Египте синий отождествлялся с небом и божественностью. Египетский бог Амон имел синюю кожу, чтобы летать по небу невидимкой. Синий мог также защитить от зла.  Люди, живущие по берегам Средиземного моря, до сих пор носят синий амулет, представляющий глаз Бога, чтобы защитить их от несчастий [1].

Голубое стекло было изготовлено в Месопотамии около 2500 г. до н.э., мастера использовали те же самые медные компоненты, что и египтяне. Они стали добавлять кобальт, благодаря которому получился более глубокий синий цвет.

Древние греки первые сделали классификацию цвета от светлого до тёмного. Греческое слово «кьянео» - синий, также имеет значение тёмно-зелёный, фиолетовый, чёрный или коричневый. Греки привозили  индиго-краситель из Индии, называя его «indikon». Египетский синий мы можем увидеть на стенах в храмах на острове Крит  (2100 г. до н.э.). В Греции основными цветами в живописи были: красный, жёлтый, чёрный и белый. Синий же использовали как фоновый  цвет,  и окрашивали бороды статуй.

Римляне также импортировали краситель индиго. Синий был цветом одежды рабочего класса; дворяне и богатые носили белый, черный, красный или фиолетовый. Синий цвет считался цветом траура и варваров. Цезарь писал, что кельты и немцы окрашивают свои лица в синие цвета, чтобы напугать своих врагов, а затем, когда стареют, окрашивают им свои волосы [4]. Римляне широко использовали синий цвет для украшения. Стены римских вилл в Помпеи были украшены фресками небесного синего цвета. На  раскопах нашли красители у продавцов в торговых рядах. У римлян было много разных слов для оттенков синего, включая caeruleus, caesius, glaucus, cyaneus, lividus, venetus, aerius и ferreus. Слово «blavus» - от германского слова blau, прочно вошло в обиход. Оно имело значение бледно-синий цвет.

Синий был широко использован в украшении церквей и храмов в Византийской империи. Одежду Христа и Девы Марии обычно раскрашивали тёмно-синим или фиолетовым цветом. Синий использовался как цвет фона, представляющий небо в великолепных мозаиках, украшавших византийские церкви.

В исламском мире синий был вторым после зелёного, считался любимым цветом Пророка Мухаммеда. В определенные времена в мавританской Испании и других частях исламского мира синий цвет носили христиане и евреи, потому что только мусульманам разрешалось носить белое и зелёное. Синие и бирюзовые декоративные плитки широко использовались для украшения фасадов и интерьеров мечетей и дворцов в Испании и Центральной Азии. Лазурный пигмент был также использован для создания богатого фона в персидских миниатюрах [1].

1.2. Средние века

В искусстве и жизни Европы в раннем средневековье синий играл второстепенную роль. Богатые носили одежду красного или пурпурного цвета, только бедные носили синюю, окрашенную некачественными красителями. Синий не использовали в богатых костюмах духовенства, архитектуре или украшении церквей. В 1130-1140 годы в Париже  Абба Сугер восстановил базилику Святого Деониса. Он установил витражи, состоящие из красного и синего стекла, окрашенного кобальтом, который наполнил церковь голубоватым фиолетовым светом. Церковь стала чудом христианского мира.  Цвет стал известен как «bleu de Saint-Denis». Позже синий цвет появился в витражах других храмов.

Ещё одним важным фактором в повышении престижности синего цвета в XII веке было почитание Девы Марии и изменение цветов, используемых для обозначения её одежды. В ранние века её одежды обычно окрашивались в мрачный чёрный, серый, фиолетовый, тёмно-зелёный или синий. В XII веке итальянские художники, по приказу римского папы, Деву Марию одели в одежду цвета ультрамарин. Синий стал ассоциироваться со святостью, смирением и добродетелью.

Ультрамарин делали из лазурита, который добывали из шахт Бадакшана, в горах Афганистана, вблизи источника Окса реки Мины.  В 1271 году путешественник Марко Поло сообщил: «Здесь находится высокая гора, из которой извлекают самый прекрасный и красивый камень бирюзового цвета» [1]. Грунтовый лапис использовался в византийских рукописях еще в VI веке, но он был нечистым и сильно отличался по цвету. Ультрамарин очищали от примесей. Это был трудоёмкий процесс, благодаря которому получался богатый и глубокий синий цвет. Он получил название bleu outremer по-французски и blu oltremare по-итальянски, что означало «с другой стороны моря». Из-за высокой цены  его стали называть роскошным цветом для королей и принцев Европы.

Французский король Людовик IX, более известный как Сент-Луис (1214-1270), первый ввёл моду на синий цвет в одежде. Герб королей Франции претерпел изменения.  Золотые лилии стали красоваться на светло-голубом щите. Синий  вышел из мрака, чтобы стать королевским цветом. Богатые и влиятельные люди могли носить одежду синего цвета только с разрешения короля.

В Средние века широко использовали другой минерал. Азурит, форма карбоната меди. Он часто использовался в качестве замены ультрамарина. Римляне использовали его под названием lapis armenius, или армянский камень. Англичане называли это лазурным украшением Амане или немецкая лазурь. Сами немцы называли – «бергблау» или горный камень [3].Он был  бледно-голубой с оттенком зелёного, который идеально подходил для изображения неба.  Любимый цвет немецкого художника Альбрехта Дюрера.

Другой синий оттенок, часто используемый в Средние века, назывался турнезоль.  Он был изготовлен на заводе Crozophora tinctoria, на юге Франции. Прекрасный прозрачный синий цвет, который можно увидеть в средневековых манускриптах.

Другим распространенным синим пигментом был смальт, который был сделан путем измельчения голубого кобальтового стекла в мелкий порошок. Он имел глубокий фиолетово синий оттенок, похожий на ультрамарин. Яркий во фресках, но бледный  в масляных красках. Он стал особенно популярным в XVII веке, потому что ультрамарин был очень дорогой.  В своих работах его использовали Тициан, Тинторетто, Веронезе, Эль Греко, Ван Дейк, Рубенс и Рембрандт.

1.3. Эпоха Возрождения

В эпоху Возрождения произошла революция в живописи. Художники начали изображать мир более натурально. Главными  аспектами работы стали: перспектива, глубина, тени и свет из одного источника. Художникам пришлось перестраиваться и адаптировать оттенки синего к новым правилам. В средневековых картинах синий был использован, чтобы привлечь внимание зрителя к Деве Марии.  В картинах эпохи Возрождения художники  создали гармонию между синим и красным, осветляя синий цвет свинцовой белой краской и добавляя тени и блики. Рафаэль был мастером этой техники. В своих работах он балансировал между красным и синим, так что ни один цвет не доминировал в картине [2].

Ультрамарин был самым престижным синим цветом эпохи Возрождения. Он был очень дорогим. Заказчик картины  Madone des Harpies Андреа дель Сарто (1514) требовал, чтобы одежда Девы Марии была окрашена ультрамарином, стоимостью «по крайней мере, пять хороших флоринов за унцию» [1].  Хороший ультрамарин был дороже золота. В 1508 году немецкий художник Альбрехт Дюрер сообщил в своём письме, что заплатил двенадцать дукатов (сорок один грамм золота)  всего за тридцать граммов ультрамарина.

Часто художники или клиенты экономили деньги, используя менее дорогие краски, такие как лазурит смальты или пигменты, сделанные с индиго, но это иногда вызывало проблемы. Пигменты из лазурита смальты были менее дорогими, но со временем они становились тёмными и зелёными. Примером может служить одежда Девы Марии на полотне  Рафаэля «Мадонна на престоле со святыми», выставленная в Столичном музее города Нью-Йорка. Лазуритовая синяя одежда Девы Марии стала  зеленовато-чёрной [2].

Появление масляной краски изменило цветовую гамму. Например, ультрамариновый пигмент был гораздо темнее при использовании в масляной живописи, чем при использовании в темперной живописи и во фресках. Чтобы предать новой краске былой оттенок, художники эпохи Возрождения, такие как Рафаэль, стали добавлять белый, чтобы облегчить ультрамарин. Темно-синяя одежда Девы Марии стала небесно голубой. Тициан создал свой богатый оттенок, используя множество тонких глазурей из разных красок синего  и фиалок, которые пропускали свет.  Он также использовал слои тонко измельченного ультрамарина, что давало тонкие вариации синему цвету.
         Синий был дорогим и престижным цветом в европейской живописи в эпоху Возрождения, но обычным для одежды. Появление синего цвета в одежде в XII и XIII веках привело к созданию синих красителей. Во французском городе  Амьен сделали краситель, называемый пастелью от woad, растения, распространенного в Европе, который использовался для изготовления голубого красителя кельтами и немецкими племенами. Синий стал цветом, который носили прислужники и ремесленники, а не просто дворяне. В 1570 году Папа Пий V перечислил цвета, которые можно было использовать для церковного платья и для украшения алтаря. Он исключил синий цвет, потому что считал его слишком распространенным [4].

Процесс изготовления синего цвета с помощью woad был длительным и вредным – он включал в себя замачивание листьев растения в течение трех дней в моче человека (мужской). Мужчины употребляли алкоголь, что, улучшало цвет. Ткань вымачивали в течение одного дня в полученной жидкости, потом сушили на солнце.  Когда она высыхала -  становилась синей.

В XV веке из Индии привезли новый краситель (индиго), получаемый из кустарника, выращенного в Азии.  В 1498 году Васко де Гама открыл торговый путь для импорта индиго из Индия в Европу. В Индии, листья индиго вымачивали в воде, ферментировали, прессовали, высушивали в форме кирпичей. Затем морским путём краска попадала в Лондон, Марсель, Генуя [4].

1.4. Новое время

В XVII веке, британцы, испанцы и голландцы создали плантации индиго на Ямайке, в Южной Каролине, на Виргинских островах  и Южной Америке, и начали импортировать американское индиго в Европу. Страны с процветающими отраслями пастели пытались заблокировать использование индиго. В 1577 году в Германии объявили вне закона использование индиго, назвав его «пагубным, лживым и агрессивным веществом, красителем Дьявола». Во Франции, Генрих IV, в указе 1609 года, запретил под страхом смерти использовать «ложный и пагубный индийский наркотик» [4].

Усилия по блокированию индиго были напрасны; качество индиго синего было слишком высоким, а цена слишком низкая по сравнению с пастелью. В 1737 году правительство Франции и Германии окончательно разрешило использование индиго. Это разрушило промышленность красителей в Toulouse и других городах Европы.

В один прекрасный исторический момент все изменилось: в конце эпохи барокко, в середине XVIII века, появилась краска - прусская синяя, берлинская лазурь. 
Это получилось случайно.  Генрих Дисбах, производитель краски, спешил сделать партию красного пигмента, он получали из вареных кошениль (насекомых), квасцов, сульфата железа и калийных удобрений. Из-за спешки была нарушена технология, и когда Дисбах пришёл утром в мастерскую, то обнаружил вместо красной краски вещество насыщенного синего оттенка. Дисбах и алхимик Диппель, с которым он  работал,  быстро поняли коммерческий потенциал этого нового пигмента, и начали его производить, продавая художникам при прусском дворе [2]. Теперь художники смогли смешивать гораздо более широкий спектр цветов на своих палитрах. Прусский синий был создан в алхимической «лаборатории» в нужное время. Он резонировал распространение грандиозного научного откровения и катализировал целое новое направление в выражении чувств и восприятии мира человека.

Сами художники, тоже не стояли на месте и,  смешивая разные цвета, создавали новые оттенки синего цвета. Нидерландский живописец Ян Вермеер часто экспериментировал, смешивая дорогой синий с другими пигментами. Так он получил собственный — васильковый — оттенок синего. 

 А в начале XIX столетия появился более чистый оттенок на основе глинозёма (оксида алюминия) и кобальта, который использовал в своём творчестве Ван Гог.

Другая война красок произошла в конце XIX века, между индиго и синтетическим индиго, обнаруженным в 1868 году немецким химиком Иоганном Фридрихом Вильгельмом Адольфом фон Баиером. Немецкая химическая фирма BASF выпустила новый краситель на рынок в 1897 году, и составила прямую конкуренцию Британии, которая произвела большую часть мирового индиго. В 1897 году Британия продала десять тысяч тонн натурального индиго на мировом рынке, а BASF продала шестьсот тонн синтетического индиго. Британская промышленность снизила цены и зарплаты своихм рабочим, но не смогла конкурировать; синтетическое индиго было более ярким чистым устойчивым и не зависело от хороших или плохих урожаев. В 1911 году колониальная Индия продала всего 660 тонн натурального индиго, а BASF продала 22 000 тонн синтетического индиго.

Для романтиков, в особенности немецких, синий цвет, как и фиолетовый имел  мощную положительную символику. Это цвет прозаиков и поэтов, влюбленных в неведомое. "Цвет таинственной души мира" — так романтики воспевают синий, восхищаясь всем разнообразием его оттенков [3]. Достоинства синего цвета в максимальной полноте были раскрыты в конце XIX — начале XX в. Голубой считался самым красивым оттенком синего. Романтизм наделил голубой цвет ещё большим религиозным смыслом. На момент написания "Юного Вертера", где И. Гёте одевает своего героя в синий фрак, синий — был самым модным в Германии 1770-х годов. Ошеломительный успех книги ещё больше способствовал усилению моды на синий цвет. Благодаря популярности этого литературного произведения  синий  получил признание среди творческих и простых людей по всей Европе.
         Изобретение новых синтетических пигментов в XVIII и XIX веках значительно осветлило и расширило палитру живописцев. JMW Turner экспериментировал с новым кобальтовым синим, а из двадцати цветов, наиболее используемых импрессионистами, двенадцать были новыми и синтетическими красками, в том числе синий кобальт, ультрамарин и голубой.

Важное влияние на живопись XIX века оказала теория дополнительных цветов, разработанная французским химиком Мишелем Юджином Шеврулем опубликованная в 1839 году. Он продемонстрировал, что размещение дополнительных цветов, таких как синий и жёлто-оранжевый или ультрамариновый и жёлтый, рядом друг с другом усилили интенсивность каждого цвета “до апогея их тональности” [3]. В 1879 году американский физик Огден Руд опубликовал книгу, в которой описываются дополнительные цвета каждого цвета в спектре.

К. Моне и О. Ренуар любили использовать чистые цвета, без смешивания. К. Моне и импрессионисты были одними из первых, кто заметили, что тени полны цвета. Синий был любимым цветом художников-импрессионистов, которые использовали его не только для описания природы, но и для создания настроений, чувств и атмосферы.

Кобальтовый синий, пигмент оксида кобальта-оксида алюминия, был излюбленным Огюстом Ренуаром и Винсентом Ван Гогом. Это было похоже на смальт, пигмент, используемый на протяжении веков, чтобы сделать синее стекло, но он был значительно улучшен французским химиком Луи Жаком Тенаром, который представил его в 1802 году. Он был очень стабильным, но чрезвычайно дорогим. Ван Гог написал своему брату Тео: «Кобальт (синий) – это божественный цвет, и нет ничего прекрасного для того, чтобы помешать атмосфере …» [1].

1.5. Изыскания оттенков синего в XX – XXI веках (Новейшее время)

Синий – один из трех основных цветов в живописи и традиционной цветовой теории, а также в цветовой модели RGB. Физики доказали, что он находится между фиолетовым и зелёным на спектре видимого света. Глаз воспринимает синий цвет при наблюдении света с доминирующей длиной волны между приблизительно 450 и 495 нанометрами. Большинство оттенков содержат небольшую смесь других цветов; azure содержит некоторые зелёные, в то время как ультрамарин содержит некоторые фиолетовые. Яркое дневное небо и глубокое море кажутся синими из-за оптического эффекта, известного как рэлеевское рассеяние. Оптический эффект, называемый рассеянием Тиндалла, объясняет голубые глаза. Отдаленные объекты выглядят более синими из-за другого оптического эффекта, называемого атмосферной перспективой. [3].

В XX веке синий цвет стал ассоциироваться с меланхолией, депрессией, переживанием горя. Передавать апатию так же, как и покой, ощущение глубины так же, как и одновременное ощущение безнадёжности.

Невзирая на меланхоличность синего цвета, каким он запечатлелся в современной культуре, он также оставляет за собой ассоциации с близостью к истине, космогонии, мистике, создает впечатление духовности и остаётся любимым цветом для огромного количества творческих людей.

В начале XX века многие художники признали эмоциональную силу синего и сделали его центральным элементом картин. Во время «Голубого периода» (1901-1904) Пабло Пикассо смешивал синие и зелёные, с едва теплыми цветами, чтобы создать меланхолическое настроение. В России, художник-символист Павел Кузнецов и художественная группа «Голубая роза» (1906-1908) использовали синий цвет, чтобы создать фантастическую и экзотическую атмосферу. В Германии, Василий Кандинский и другие русские эмигранты сформировали художественную группу под названием «Дер Блау Рейтер» («Голубой всадник») и использовали синий цвет, чтобы символизировать духовность и вечность. Анри Матисс использовал яркий синий, чтобы выразить эмоции, которые он хотел передать зрителям. А. Матисс писал: «Некий синий проникает в твою душу». [1].

В искусстве второй половины XX века художники абстрактного экспрессионистского движения стали использовать синий и другие цвета в чистом виде, без каких-либо попыток представить что-либо, вдохновлять идеи и эмоции. Художник Анри Матисс заметил, что цвет был «всего лишь инструментом»; его интерес был «выражать человеческие эмоции, трагедию, экстаз, гибель и т. д.» [1].

В моде синий цвет, особенно темно-синий, был серьезным, но не мрачным. В середине XX века синий стал  самым распространенным цветом мужских деловых костюмов.

В 1873 году немецкий иммигрант в Сан-Франциско, Леви Штраус, изобрёл крепкие рабочие брюки, выполненные из джинсовой ткани и окрашенные индиго. Они получили название «синие джинсы». В 1935 году они были подняты до уровня высокой моды журналом Vogue. Начиная с 1950-х годов стали неотъемлемой частью одежды для молодых людей в Соединенных Штатах, Европы и всего мира.

После второй мировой войны синий был принят как цвет важных международных организаций, включая Организацию Объединенных Наций, Совет Европы, ЮНЕСКО, Европейский союз и НАТО. Миротворцы Организации Объединенных Наций носят голубые шлемы, чтобы подчеркнуть свою миротворческую роль.

С появлением телевидения мы узнали, что такое «голубой экран». А с рассветом Всемирной паутины синий стал стандартным цветом для гиперссылок в графических браузерах.  Экраны мониторов светятся оттенком синего цвета.

В XX веке были изобретены новые способы создания синего, такие как хемилюминесценция, превращение синего света в химическую реакцию.

В XX столетии также стало возможным владеть собственным цветом синего. Французский художник Ив Клейн, с помощью французского торговца красками, создал особый синий цвет под названием International Klein blue, который запатентовал в 1960 году.  Новый  оттенок синего был сделан из ультрамарина в сочетании со смолой Rhodopa, которая придала ему особенно яркий цвет. Бейсбольная команда Лос-Анджелес Доджерс разработала свой собственный синий, названный Dodger blue, а несколько американских университетов изобрели новый оттенок синего для своей атрибутики.

         В 2009 году химик из Орегона создал новый оттенок с химическим названием YInMn. Он считается первым новым синим цветом, который был создан за последние 200 лет. Так что поиск идеального синего цвета все ещё продолжается.

Мы изучили и проанализировали теорию, и составили таблицу, в которой систематизировали полученные знания.

Обобщая полученный теоретический материал можно сказать, что история возникновения синего цвета начинается 3000 лет назад в Афганистане, где стали добывать полудрагоценный минерал лазурит и изготовлять  из него порошок, который был на вес золота.

Он был недоступен из-за своей дороговизны, поэтому не каждый мог позволить себе использовать этот цвет так часто, как  бы ему хотелось.  Художникам приходилось подстраиваться и изыскивать другие возможности, заменяя синий другими цветами или более дешёвыми аналогами.

Благодаря техническому развитию, изобретениям в производстве краски, творческих поисков  художников,  появлялись новые оттенки. В определённые эпохи, синий цвет нёс в себе разные смысловые нагрузки как в живописи, в общественной жизни и в быту людей.

Благодаря изысканиям 2009 года, был получен новый оттенок синего. Это говорит о том, что люди  ищут и продолжают искать оттенки синего цвета.

Глава II. Практическая часть

2.1. Исследование Мартина Белландера

В океане интернета нам попался блог аспиранта психологического факультета из Каролинского института (Швеция). Мартин Белландер проанализировал более 120 тыс. картин и обнаружил, что на протяжении многих столетий самым популярным цветом в европейской живописи был и остаётся оранжевый. Однако в XX веке синий начал постепенно его вытеснять. 

Большая часть картин, изображения которых были изучены Мартином  Белландером, созданы с 1800 по 2000 год. Их количество составило 94 526. Поэтому результаты анализа наиболее показательны в отношении этого периода. 

Проведённый анализ и его визуализация демонстрируют, что оранжевый был и остается самым популярным цветом в европейской живописи. Однако в XX веке, примерно с 1910 года, художники стали использовать в своих картинах больше синего цвета. А с 1960-х годов тенденция увеличения синего начинает набирать обороты и достигает пика к концу 1990-х годов.

       Эта любовь к синему цвету не имеет убедительного житейского объяснения; её причины скорее интеллектуального и символического свойства и уходят своими корнями в далекое прошлое.

    Вопрос, чем обусловлена тенденция вытеснения синим цветом оранжевого, остаётся открытым.          

На примере картин современных художников мы докажем, что оттенки синего цвета действительно широко используются и имеют определённое значение в изобразительном искусстве XXI века.

2.2. Изучение работ самых популярных художников XXI века.

Каждый художник имеет отличительные черты, манеры письма, индивидуальный подход в работе с синим цветом на своих полотнах.

Цвиатко Кинчев. Болгария. Импрессионизм.

Родился 8 мая 1980 года в Пловдиве, Болгария, в настоящее время живёт и работает в Софии, очень талантливый молодой болгарский цифровой художник. Учился в Национальной академии искусств, а также в высшей школе визуального искусства, которую успешно, на отлично окончил со специальностью 2D художника.
         Трудно поверить, но все его работы в стиле импрессионизма, выполнены на компьютере, в программе Photoshop, сюжеты рисунков навеяны оригинальными фотографиями. Этим объясняется близкая к реальности фактура изображений и красочная палитра в теплых тонах. Невероятно сочные творения художника подчеркивают красоту и яркость окружающего мира [5].

Художник будто распространяет вдохновение на окружающих через шедевры, которые он создаёт. Как вы, вероятно, заметили, в своём творчестве он использует мастихин, что показывает особую точность в передаче оттенков. Конечно, можно ошибаться в этом, хотя текстура материала говорит сама за себя.

Кроме того, использование нежных тонов позволяет сотворить нечто исключительное. Критики выступали против его подхода к творчеству, но это  никак не  помешало художнику.

Ведь всегда будут правдивы слова: «Нет ничего неправильного или правильного в искусстве. Пока ты выражаешь свои мысли и чувства с честностью, это и будет настоящим» [5]. Художник изображает замечательные и восхитительные образы, которые могут подтолкнуть,  других делать то же самое.

Творчество вне зависимости от того, как оно делается, несёт в себе только положительные эмоции.

 Зимний вечер.

 Пристань.

 Ветер в волосах.

Виллем  Хайенраетс. Голландия. Импрессионизм.

Родился в голландском городе Херлен 9 ноября 1940-го. Художественный талант у него обнаружился уже в раннем возрасте. С шестнадцати лет Виллем начал обучение в Академии искусств города Маастрих. После четырех лет обучения талантливому студенту правительство Бельгии дало стипендию, которая позволяла ему продолжить обучение в Национальном Институте изящных искусств в городе Антверпене. Там же у него вскоре появилась и своя мастерская. Виллем  обучался у именитых профессоров. Опытные мастера были рады тому, что растёт достойная смена, и всячески содействовали продвижению Виллема. В нём они увидели продолжение традиций бельгийско-голландской школы.

Изначально работы создавались в технике акварели. Позже прибавился акрил. Последние серии работ, в большинстве своём, акриловые. Акрилом художник стал писать картины тёплые, и даже местами горячие. Некоторые работы как будто написаны в смешанной технике [6].

Используя в акварелях свой неповторимый мягкий цвет, он словно колдует с помощью кисти, создавая романтичный мир красивой иллюзии. Художник - импрессионист, чьи современные художественные работы окружены ореолом цвета, лёгкости, какого-то особого настроения отдыха и покоя. Глядя на его картины, ловишь себя на мысли, что хочется отбросить все дела, сесть на велосипед, надеть соломенную шляпку, взять в охапку букет полевых цветов и умчаться куда-нибудь к морю... забраться на утёс и подставить лицо тёплому ветру... [6].

В настоящее время Виллем  Хайенраетс работает с издателем, который представляет его работы по всему миру в форме литографий и высококачественных постеров. Подлинники работ продаются им самим и владельцами галерей. Его работы находятся во многих частных коллекциях: Бельгии, Голландии, Франции, Германии, Англии, Испании, Канаде, США, Японии и Италии. 

 Велосипед.

  У фонтана.

 Вечер. 

                                Юрий Петренко. Россия, Украина. Импрессионизм.

Юрий Владимирович Петренко родился в 1962 году в Сочи, основам живописного мастерства учился в Крымском художественном училище. Профессионально занимается живописью около 20-ти лет, его работы находятся в частных коллекциях во многих странах мира. Живёт и работает в Киеве.

Весьма впечатляют места проведения и статусы выставок, в которых художник не просто участвовал, а получал гран-при и награды за достижения в живописи – он выставлялся на международных выставках во Франции, Монако, Германии, Дании, Венгрии, Словении. В странах Центральной и Восточной Европы работы мастера особо востребованы. Они современны, свежи и позитивны, при всём этом за ними чувствуется и классическая живописная школа, и мастерское владение техникой.

Работы Ю. В. Петренко импрессионистичны. Объект живописания формируется цветовым пятном, даже набором цветовых пятен. Особенно это проявляется в пейзажах. Будто на большой палитре из смешанной краски вдруг проявляются парусники, берег и пальмы, архитектурные сооружения. Автор смело накладывает разные цветовые пятна на один объект, растушевывает контуры, использует подтеки, капли и процарапывание слоя краски. Тем самым, образ проявляется из фона наружу и снова сливается с ним, подчёркивая свою причастность к окружающей среде. И здесь вдруг перед нами возникает идея сосуществования всего во всём мире [7].   

Нежность и хрупкая утончённая атмосфера – вот главные характеристики. Образ возникает и тут же растворяется. Невероятно красивый яркий цвет интеллигентно сопровождает нас на протяжении всего общения с работами этого художника. Его пейзажи, натюрморты, фигурные композиции пребывают в пограничном состоянии, где-то между реалистичной и абстрактной живописью [7].    И это неуловимое качество завораживает… 

        Юрий Владимирович Петренко - участник групповых выставок в Украине, Венгрии, Словении и Франции. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

 Город у моря.

 Синее море.

 Паяц.

Овик Зограбян. Армения. Одесса. Импрессионизм.

Родился  в 1966 году в Армении, в посёлке Доларик, в семье известного художника Никогоса Зограбяна. Искусством начал заниматься ещё в юном возрасте. У себя на родине известен как талантливый график. Окончил Ереванское художественное училище, Московский народный университет им. Н.К. Крупской. Жил и работал в Ереване, Москве, Петербурге. C 1988 года, и по сей день, художник живет в Одессе. Работы находятся во многих частных коллекциях Украины, России, Армении, США, Канады, странах западной Европы [8].   

Очень веселый, оптимистичный взгляд на жизнь у этого художника. У него яркая гамма, очаровательная стилизация.  Когда разглядываешь работы, на ум приходят стихи и вспоминаются бардовские песни, полные искренности.   Даже если вы – случайный прохожий, бросивший недолгий взгляд на сочные, чуть размытые полотна Овика Зограбяна, - за эти пару мгновений они изменят ваше настроение. Вы с удивлением обнаружите, что идете и улыбаетесь сами себе, встречным людям, солнцу и ветру.  Возникает удивительный эффект движения, застывшего на полотне [8]. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.

  Прогулка.

 Летний дождь.

   Улочка.

Линда Вайлдер. Канада. Реализм.

Выросла в Канаде, семье служащего ВВС, путешествовала по всей Канаде и поселилась в Альберте. Её художественные способности были замечены родителями давно, когда Линда была ещё ребёнком. После окончания школы, Линда поступила в художественный колледж искусств и дизайна Red Deer, где получила первоначальное художественное образование, а затем в университет Флориды, после окончания, которого получила степень бакалавра в области изобразительного искусства. Также она посещала многочисленные семинары, проводимые, известными в Соединённых Штатах и Канаде, художниками [9].  

Линда, художник, работающий в манере традиционного изобразительного искусства. Поскольку это современная художница конечно полной традиционности здесь нет. И если обратить внимание на техническую сторону, то она сильно разбавляет масло имитируя акварельный эффект чередуя это с кроющими мазками. А композиция натюрмортов — чарующая простота. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин – один из любимых ее инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии. Её пейзажи точны и реалистичны.

В настоящее время живёт в Калгари и пишет так часто, как только может. Её пейзажи пользуются большим спросом. В данный момент художница сотрудничает исключительно с галереями Банф, Джаспер и Уистлере. Картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру [9].  

 Сосна.

 Бурные воды.

 Ромашки и колокольчики.

Кен Хонг Лунг.  Китай. США. Неоимпрессионализм.

Родился 14 мая в 1933 году, в Кантоне, Китай.  Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга с 1960 г.  Сегодня, художник признан как один из лучших мировых художников неоимпрессионистов [10].  

Он создает красивые радужные пейзажи маслом. Его самобытные, яркие картины написаны на грани абстракции.   В каждой картине чувствуется умиротворенность и покой.

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета. 

Природа наградила его талантом  изящно, без каких-либо стилевых рамок изображать природу. Чистейшие цвета, волшебные пейзажи, магические отблески света и расцветки. Кен Хонг Лунг пишет то, о чём поёт его душа. Его полу абстрактная манера письма, пробуждает воображение, позволяет дорисовывать образы в вашем воображении [10].  

За прошедшие годы, художник показал свои картины по всему миру, и получил многочисленные премии и награды во многих странах.  Он живет в Сан-Франциско.

 В горах.

  Яхты.  Туман.

Йохан Мессели. Бельгия. Импрессионизм.

Родился в 1953 году в семье известного бельгийского художника. Рисовать начал в раннем детстве и первым его учителем стал отец. Поль Мессели также был художником и всегда служил Йохану примером для подражания и его вдохновителем.

Любимая тема Йохана Мессели – это старинные уютные дворики, утопающие в цветах и зелени, забрызганные задорными солнечными зайчиками. Йохан работает маслом и пастелью.

Картины Йохана отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных улочек, утопающих в цветах и зелени, добрых окошек и красивых веранд. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Художник видит мир трогательно красивым и восхитительно разноцветным. Яркие пятна, брызги солнечного света, искрящийся воздух наполняют его картины, излучающие тепло, позитив и радость бытия. Картины наполнены цветами и запахами, обволакивающими нас своими ароматами и дарящими романтический момент прекрасной поэзии... [11].   
              Есть места, по которым мы тоскуем. Места, знакомые лишь немногим счастливым избранным, уголки, где царят покой и красота. Маленькие уютные дворики из детства, любимые старые скамейки, на которых звучали первые признания в любви и поверялись самые сокровенные секреты, зелёные веранды, где любимая бабушка часто сидела с вязанием…
              Йохан Мессели открывает нам такие места. Он становится нашим проводником по тайным тропинкам, ведущим, в эти маленькие уголки рая… Он позволяет нам зайти и присесть на минутку в сени пейзажей, на которых отдыхает глаз и душа...

 Полдень.

 Уютный уголок.

 Синяя дверь.

Джилл Чарук. Канада. Импрессионизм.

Родилась в Ричмонде, Британская Колумбия, пригороде Ванкувера, Канада. Два десятилетия творчества в индустрии одежды и интерьера убедили Джилл начать рисовать для души. Тридцать пять лет обучения изобразительному искусству и способам наложения краски привели Джилл к её нынешней, смелой, импрессионистической манере живописи. Её любовь к сильным цветам проявляется в ее ярких пейзажах и больших цветочных натюрмортах. "Я люблю яркие цвета, потому что мне часто приходилось обсуждать с клиентами их предпочтения при выборе цвета для стен и мебели" [12].   Использование ярких цветов оказало непосредственное влияние на положительную реакцию со стороны её клиентов, а затем и коллекционеров.

Как художница Джил, во многом самоучка, множество раз она посещала различные семинары в нижней части материка, а также в Калифорнии, Орегоне и Италии. Её яркие картины есть в частных и корпоративных коллекциях современного искусства в Северной Америке, Мексике и Европе. "Я рисую цвета, которые вижу в окрестных пейзажах. Серые и зелёные оттенки тех мест, где я живу, слишком холодны для меня, я многократно усиливаю их в своих картинах. Однако вы всё равно сможете их "прочитать" даже при том, что на самом деле дорога совсем не фиолетовая"[12].   

Джилл пишет, в основном, в масляной и акриловой средах. Её картины получили международное признание во всём мире. Дом и студия художницы расположены недалеко от Ванкувера, в Британской Колумбии, Канада, где в настоящее время она живёт и работает.

  Осень в горах.

 Осень.

 Цветы в белой вазе.

Леонид Афремов. Беларусь. Мексика. Импрессионизм.

Родился в 1955 году в Витебске, республика Беларусь. В 1978 году окончил Витебскую школу искусств, основанную художником Марком Шагалом 1921году.
             В СССР стиль его работы не вписывался в официальный курс государства в области изобразительного искусства, поэтому в 1990 году Афремов переехал в Израиль, где художнику пришли известность и признание таланта. В 1991 году состоялась его первая персональная выставка в израильском городе Ришон-ле-Цион. Работы Афремова находятся во многих частных коллекциях США, Израиля, Франции.            

 Причиной популярности полотен Афремова, по оценке искусствоведов, является его необычная техника. Характерная манера - нанесение крупных, широких выразительных мазков.  Работы Афремова выполнены на холсте маслом, при создании картин используется мастихин, специальный ножик, служащий для смешивания красок. Мастер является создателем индивидуального уникального стиля написания картин, благодаря чему творчество Леонида Афремова нельзя ни с кем спутать. Художник  много путешествовал, с 1990 по 2002 годы проживал в Израиле, с 2002 по 2010 жил в США. С 2010 творил в Мексике, на собственном ранчо. Умер всемирно знаменитый художник 19 августа 2019 года в Мексике.  Жизненный опыт, эмоции, личные переживания, по словам самого Леонида, являлись важной частью его вдохновения. Картины Афремова всегда наполнены оптимизмом, страстью, а также невероятной энергетикой. Яркие краски будоражат сознание, а исполнение сюжетной линии заставляет задуматься [13].   

Среди его работ, в основном, пейзажи, городские сцены, морские ландшафты, цветы и портреты. Его творчество политически нейтрально, очень колористично и радует глаз. Они обычно отражают определенные личные воспоминания и эмоции. Леонид Афремов пытался создавать у зрителя определённые переживания, эмоции. Леонид Афремов много путешествовал и сделал много фотографий различных сцен, которые он позже стали сюжетами его картин. Благодаря ярким цветам, которые использовал художник, его искусство очень позитивно и жизнерадостно.

 Дождь в городе.

 Ромашки.

 Балерина.

Эжен Джей Папроски. США. Импрессионизм.

Родился в Чикаго в 1971 году. Свою первую картину нарисовал в семилетнем возрасте. Получив образование бизнесмена, он продолжал занятия живописью. После того как Папроски защитил степень бакалавра, он продолжил своё обучение искусству странствуя по Европе и совершенствуя навыки пленэрной живописи. В 18 лет Папроски впервые продал свою работу. Большинство картин импрессиониста написаны на пленэре. Он считает, что эта работа заставляет работать быстрее, и останавливаться на мелочах и деталях время не позволяет.

На сегодняшний день художник-импрессионист получил широкую мировую известность. У него было множество выставок, а его работы показаны в нескольких международных журналах искусства таких как Art of the West, Southwest Art, Gulfshore Life, International Artist. Картины художника нашли свое достойное место в стенах Белого Дома, американских посольствах в Кувейте и Уругвае и других крупных корпорациях. В 2013 году университет Notre Dame обратился к художнику-импрессионисту с просьбой создать для него четыре монументальных фрески для своей постоянной коллекции. Его картины выставлены более чем в 1 000 музеев мира и частных коллекциях по всему миру[14].   

Художник-импрессионист предпочитает писать пейзажи, городские сцены и сады. Но среди его картин можно увидеть и натюрморты, сцены на пляже, моделями для которых является семья Эжена. Картины Папроски отличаются пастозностью мазков, широкой палитрой цветов и необычной игрой света, напоминающей легкую дымку. Работы его объемны и в этом, кроме импрессионизма, можно прочитать и классическую школу.

 Дождь в городе.

 Натюрморт.

 Девочки у моря.

Мы изучили и проанализировали творчество современных художников и составили сводную таблицу.

Изучив творчество десяти самых популярных художников, мы смогли ответить на вопрос: «Почему оттенки синего цвета действительно широко используются и имеют определённое значение в изобразительном искусстве XXI века».

Восемь из десяти художников – импрессионисты. Один – неоимпрессионист, а другой реалист.  

Импрессионизм – (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру.

Неоимпрессионизм ( фрац. neo- impressionnisme) – течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 года. Художники  Ж. Сера и П. Синьяк разработали новую живописную технику дивизионизма.

Реализм (от позднелатинского reālis — «действительный») принято рассматривать как начало развития современного искусства. В буквальном смысле «реализм» — художественный стиль, который правдиво и объективно воспроизводит действительность во всех ее подробностях, вне зависимости от степени красоты изображаемого на картине.

В изобразительном искусстве XXI века импрессионизм является ведущим направлением. Почему художники изображают на своих полотнах различные пейзажи,  портреты, фигурные композиции и натюрморты? Почему  их больше интересует внутренний мир человека и природа? Ответ очевиден!

В настоящее время люди, охваченные скоростью технического прогресса, почти  не находят времени для полноценного отдыха. Только иногда, урывками, позволяют себе окунуться в мир природы и спокойствия.

В начале XXI века многие художники признали эмоциональную силу синего цвета. Они  сделали его центральным элементом  своих картин.

Синий был и остаётся любимым цветом художников-импрессионистов, которые используют его не только для описания природы, но и для создания настроений, чувств и атмосферы.

Современные художественные работы окружены ореолом цвета, лёгкости, какого-то особого настроения отдыха и покоя. Они создают у зрителя положительные эмоции.  Дают возможность окунуться в мир природы и хорошего настроения.

Синий цвет в работах современных художников дарит нам романтичный мир красивой иллюзии. Синий несёт в себе определённую смысловую нагрузку.

«Художник видит мир трогательно красивым и восхитительно разноцветным. Яркие пятна, брызги солнечного света, искрящийся воздух наполняют его картины, излучающие тепло, позитив и радость бытия. Картины наполнены цветами и запахами, обволакивающими нас своими ароматами и дарящими романтический момент поэзии...»[11].   
        Исследование Мартина Белландера заканчивается 2000 годом. В своей исследовательской работе я обратилась к творчеству художников и полностью согласна с его гипотезой о том, что на протяжении двух столетий (с 1800 по 2000 года) синий цвет стал занимать больше места на полотнах, вытесняя оранжевый.

Действительно, современные художники продолжают традиции  XX века. Синий цвет на картинах несёт смысловую нагрузку и занимает определённую нишу в цветовой гамме.

Диаграмму Мартина Белландера можно продолжить и смело сказать, что сегодня синий цвет актуален и широко используется современными художниками в своих работах. Несмотря на технический прогресс и развитие химической промышленности, синий цвет продолжает оставаться одним из самых дорогих.

XXI век уже подарил нам новый оттенок синего цвета (2009год). А что нас ожидает дальше?

Я думаю, что творческие люди не остановятся на достигнутом. Они и  дальше будут продолжать всматриваться в голубые дали, любоваться морским прибоем, и искать оттенки ультрамарина.

Заключение

Изучив данную тему, мы пришли к следующим выводам:

1. В результате изучения теоретических источников мы нашли объективные подтверждения и схематизировали знания о том, что синяя краска на протяжении многих столетий была и остаётся одной из самых дорогих по себестоимости и трудоёмкости производства, что повлияло на её использование в работах мастеров разных эпох.
2. Определили, что синий цвет на полотнах художников подчёркивает индивидуальность и уникальность стиля.
3. Изучив творчество художников XXI века, выяснили причины популяризации синего цвета в произведениях современного изобразительного искусства.

Гипотеза, сформулированная в начале работы в ходе исследования, была подтверждена. Действительно, появившаяся возможность у художников  использовать  в своих картинах больше синего цвета, способствовало развитию и появлению новых направлений в творчестве. У каждого художника имеются отличительные черты, манеры письма, индивидуальный подход в работе с синим цветом на своих полотнах.

Данная работа может быть полезна: преподавателям искусства, мировой художественной литературы, старшеклассникам и их родителям, которые увлекаются изучением творчества современных художников и хотят расширить свои познания в данной области.

Список используемых источников

1. Мишель Пастуро «Синий. История цвета», 2017. — 144 с.
2. «Синий» (Все краски мира), 2009. — 216 с.
3. Ян Балека «Синий — цвет жизни и смерти. Метафизика цвета», 2008 — 408 с.
4. Синий в истории и культуре  А. Буренков, М. Дегтяёв  2014.
5. Цифровой художник. Tzviatko Kinchev - http://www.facebook.com/tzviatko.kinchev
6. https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post391925170
7. https://www.risunoc.com/2014/06/linda-wilder.html
8. https://www.liveinternet.ru/community/1726655/post286713231/
9. https://www.livemaster.ru/topic/2513103-pozitivnaya-zhivopis-sovremennogo-hudozhnika-ovika-zograbyana
10. https://govza.ru/2016/06/01/linda-vaylder-kanadskaya-hudozhnitsa/
11. https://obiskusstve.com/1486185033329281056/hudozhnik-johan-messeli-johan-messely/
12. https://papyrus-net.livejournal.com/274381.html
13. https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post366002369
14. https://www.livemaster.ru/topic/806541-zhivopis-sovremennyj-impressionizm-chast-2-ezhen-dzhej-paproski-e-j-paprocki