Групповой проект "Жанры живописи в шедеврах Русского музея"

Государственное бюджетное общеобразовательное учреждение

средняя общеобразовательная школа № 143

с углубленным изучением английского языка
Красногвардейского района

Санкт-Петербурга

ЖАНРЫ ЖИВОПИСИ В ШЕДЕВРАХ РУССКОГО МУЗЕЯ

Выполнили:

учащиеся 8 «А» класса

ГБОУ СОШ № 143

Василевская А.А.

Герасимов А.Р.

Исполов Е.Н.

Лабузная К.В.

Шурыгина А.В.

Руководитель:

Учитель математики Лысенко С.А.

Санкт-Петербург

2024 – 2025 учебный год

Оглавление

1. Введение.

В Санкт-Петербурге располагается значительная часть всего культурного наследия нашей страны: памятники, театры, парки, архитектурные ансамбли, храмы, музеи. В том числе Русский музей,
в котором хранится самая большая коллекция русского искусства в мире.

Искусство – великая сила в деле просвещения и нравственного воспитания народа. Тысячи шедевров, собранных в наших знаменитых музеях, заслужили всемирную славу. Чтобы увидеть их, люди приезжают за тысячи километров и благодарят судьбу за такую возможность. В наше время заметно усилилась тяга к художественным музеям, к непосредственным встречам с подлинниками, с творениями великих мастеров прошлого
и работами художников современности. Можно без преувеличения сказать: «Счастлив человек, для которого такие встречи стали потребностью. Потому счастлив, что богат душой и с каждым приходом в музей становится
все богаче».1

Русский музей предоставляет великолепную возможность проследить развитие отечественного изобразительного искусства, его содержания
и формы. Для того чтобы все это увидеть и понять, осмыслить
и прочувствовать, требуются пытливость и терпение. В музейных залах
не соревнуются в скорости ходьбы. Сюда приходят, чтобы неторопливо
и чутко углубляться в мир прекрасного. Серьезные встречи с искусством требуют напряженной внутренней работы, но как она приятна
и увлекательна!

Это мы испытали на себе. В течение двух лет мы ежемесячно посещали лекторий Русского музея. Научный сотрудник Русского музея, замечательный экскурсовод Юганова Екатерина Владимировна, проводила лекции в залах музея. Она познакомила нас с историей создания Русского музея, с основными жанрами живописи, с шедеврами великих русских художников 18-20 столетий. И нам захотелось поделиться приобретенными знаниями и впечатлениями со своими ровесниками. В связи
с чем мы подготовили коллективный проект: «Жанры живописи в шедеврах Русского музея».

1. Актуальность проекта.

Писатель Константин Симонов считал, что «Образованный человек
тем и отличается от необразованного, что продолжает считать свое образование незаконченным». А образование – процесс воспитания
и обучения человека, приобретение им знаний о мире, приобщение
к культуре, к ценностям Отечества, мировой цивилизации.

Патриарх Кирилл в своем слове после Литургии в Воскресенском кафедральном соборе Ханты-Мансийска в 2013 году сказал:
«От того, как будет воспитываться молодежь, будет напрямую зависеть
не только благополучие, а само существование суверенной России».
В ст. 44 п. 3 Конституции Российской Федерации сказано:
«Заботиться о сохранении исторического и культурного наследия, беречь памятники истории и культуры обязан каждый гражданин». А чтобы беречь культурное наследие, надо его понимать и ценить. Для этого нужно учиться, постигать науки и искусство.

Зачем нам нужно искусство? Произведения искусства вдохновляют, формируют мышление. Искусство открывает обществу новые перспективы,
а также позволяет понять окружающий нас физический и метафизический мир. Оно позволяет обществу расти и развиваться. И если мы хотим двигаться вперед, то искусство просто необходимо. Искусство развивает чувство самоидентификации, которое так сильно необходимо в сегодняшнем быстро меняющемся мире. Искусство стимулирует мозг и улучшает память. Согласно научным исследованиям даже несколько минут просмотра произведений искусства могут улучшить когнитивные навыки, такие
как решение проблем, критическое мышление и творчество. Исследование, проведенное учеными из Северо-Западного Колледжа США, показало,
что просмотр произведений искусства, таких как картины и скульптуры, улучшает способность запоминать информацию. Когда человек видит картину (не так важно, какого жанра) стимулируется затылочная часть коры его мозга.

Знание работ великих художников может оказать множество полезных воздействий на подрастающее поколение:

1. Развитие эстетического вкуса. Изучение произведений искусства помогает развивать вкус и умение оценивать красоту.

2. Развитие креативности. Знание о том, как великие художники создавали свои произведения, может стимулировать к творчеству.

3. Развитие культурной грамотности. Изучение истории искусства помогает понимать культурные традиции и наследие своей страны и мира
в целом.

4. Изучение произведений искусства помогает развивать память, внимание, логическое мышление и аналитические способности.

5. Произведение искусства отражают, как жили люди в предыдущих эпохах, что они делали, чем занимались, что было для них главным.
Это позитивно влияет на формирование нравственных качеств и понимание собственного я.

6. Развитие эмоционального интеллекта. Изучение произведений искусства помогают понимать различные эмоции и чувства, которые выражены в произведениях художников.

Искусство важно изучать, потому что оно всегда отражает время.
Это еще один способ понимания истории человечества и отдельных культур. Искусство одухотворяет человека. Оно способно менять окружающий мир, что ставит его в один ряд с наукой. Использование произведений живописи на уроках помогает формировать умение увидеть тему, уяснить основную мысль произведения, соотнести название картины с ее содержанием.
В целом, знание великих художников помогает развиваться как личность
и расширять свой кругозор.

1.2. Цель работы.

1. Актуализировать знания обучающихся 7-х классов нашей школы
по основным жанрам живописи на примерах знаменитых полотен русских живописцев из коллекции Русского музея.

2. Создать продукт проекта в виде интерактивной викторины по теме проекта.

1.3. Задачи работы.

1. Создать анкету и провести интерактивный опрос обучающихся
с выявлением уровня знаний по теме проекта.

2. Проанализировать полученные сведения из анкет и представить результат в виде диаграммы, Приложение № 1.

3. Подготовить и провести в классах уроки-лекции по теме проекта.

4. На основе полученных обучающимися знаний получить обратную связь. Создать и провести интерактивную викторину, которая будет являться продуктом данного проекта.

1.4. Значимость проекта.

Проект – это всегда возможность сделать что-то значимое
и самостоятельно добиться результата: что-то изменить,
в чем-то разобраться, чего-то добиться.

Мы, посещая музей, поняли, что мир художника – это и наш мир. Однако этот прекрасный мир может стать достоянием каждого только
в том случае, если человек будет обладать необходимой художественной культурой. Если мы хотим, чтобы наше эстетическое наслаждение было полнее, чтобы мы могли пережить те чувства, которые волновали художника, нужно стремиться понять язык того вида искусства, в котором он работает. Мир искусства богат и сложен. Для того чтобы человек вступил в него
не как в темный, неведомый лес, полный всяких неожиданностей, его нужно постепенно вводить в этот прекрасный мир с самых первых лет жизни, настойчиво приобщая к художественным сокровищам, накопленным человечеством за многие тысячелетия.

Совершенно очевидно, что искусство станет внутренним достоянием каждого из нас только в том случае, если мы будем пробуждать и развивать художников в себе самих. Самый верный и наиболее плодотворный путь приобщения к искусству - это живое общение с ним. Постоянно посещая музеи и выставки, рассматривая репродукции, мы незаметно для самих себя накапливаем бесценный опыт «эстетического отношения
к действительности». Мы начинаем другими глазами смотреть
на то, что нас окружает, начинаем видеть красоту или же замечать непривлекательность в том, мимо чего раньше проходили равнодушно.

Произведения искусства нужно смотреть. А как смотреть? Что значит смотреть, например, картины? Леонардо да Винчи считал:
«Живопись – это поэзия, которую видят, а поэзия – это живопись, которую слышат...»

Простая плоская холстина

И разноцветные мазки,

А я стою перед картиной

И рамки мне ее узки...

Гляжу на мертвые творенья

В чем их способность увлекать?

Манить, влиять на настроенье,

Простым сюжетом восхищать?2

Как же работает художник, через какие этапы проходит
его произведение от возникновения замыла до завершения творческого процесса? Художники иногда шутливо говорят, что хорошо писать – это значит «взять ту самую краску и положить ее на то самое место».

Казалось бы, все очень просто. Но какая она «та самая краска»
и где «то самое» единственное место, куда ее нужно положить?
За этой шуткой скрываются огромные трудности, а иногда – подлинные муки творчества. Выдающийся русский художник-педагог Павел Петрович Чистяков (1832 - 1919) воспитавший целую плеяду крупнейших мастеров русской живописи II половины XIX века любил повторять своим ученикам: «Поработаешь раз со сто и будет просто!!!» Поэтому важно научиться самим понимать труд художников и их нелегкие творческие искания и победы.
И мы бы хотели хотя бы чуть-чуть приоткрывать эту завесу. Приглашаем
вас в волшебный мир шедевров великих художников в Русский музей!

5. Этапы реализации проекта

Вид проекта: творческий, групповой.

Сроки реализации: учебный год.

Таблица 1

1. Основная часть.

Когда говорят о видах искусства, то имеют ввиду различные произведения, которые могут быть объединены по какому-то главному признаку. Если говорят о живописи, то имеют ввиду ее разновидности: картину, написанную на полотне, мозаику, выполненную на стене здания, крошечную миниатюру, величественное панно. Внутри каждого вида искусства существуют более частные подразделения, именуемые жанрами. Так в живописи существуют жанры: натюрморт, пейзаж, портрет, исторический, бытовой, анималистика. Исторически сложилось,
что все жанры делили на высокие и низкие. К высокому жанру
или исторической живописи относили произведения монументального характера, несущие в себе какую-либо мораль, значимую идею, демонстрирующую исторические, военные события, связанные
с религией, мифологией или художественным вымыслом. К низкому жанру относили все, что связано с обыденностью. Это натюрморты, портреты, бытовая живопись, пейзажи, анимализм, изображение обнаженных людей
и прочее.

Далее мы рассмотрим основные виды жанров на примере работ наиболее известных русских художников.

1. Анимализм.

(лат. animal - животное)

Анималистический жанр возник еще в древности, когда первые люди рисовали на скалах хищных животных. Постепенно это направление переросло в самостоятельный жанр, подразумевающий выразительное изображение любых животных. Анималисты обычно проявляют большой интерес к животному миру, например, могут быть превосходными наездниками, держать домашних животных или просто длительно изучать
их повадки. Среди русских художников многие отлично разбирались
в лошадях, например Виктор Васнецов и Валентин Серов.
Серов недолюбливал людей и считал лошадь во всех смыслах лучше человека, из-за чего часто изображал ее в самых разных сценах.
Иван Шишкин хотя и изображал животных, анималистом себя не считал, поэтому медведей на его знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» создавал анималист Константин Савицкий.

2. Бытовая (жанровая) живопись.

Повседневная жизнь еще с древних времен волновала человека. Первые бытовые сцены изображались на стенах погребальных комнат в Древнем Египте, а позже проникли во все сферы искусства. Художники-наблюдатели изображали на вазах, в манускриптах, на стенах домов те сцены, которые
их особенно взволновали. Это были трудовые эпизоды, сцены выступлений актеров, развлечений или жизненных трудностей. В самостоятельный жанр бытовая живопись выделилась только в XV-XVI веках, когда художники вначале дополняли бытовыми сценами религиозные картины, а затем стали изображать их отдельно. Но подлинное распространение по всему миру этого жанра произошло только в XVII веке, хотя многие школы относили
его к низким жанрам и не считали достойным своего внимания.
В России расцвет жанровой живописи пришелся только на XIX век, когда художников стали особо волновать острые социальные вопросы. С помощью картин они пытались привлечь внимание широкого круга населения к этим вопросам. Так, у В.Перова и И.Репина это проблема долга, совести и чести. Жанровые картины также создавались и для того, чтобы продемонстрировать достижения народа, мотивировать его на новые трудовые, военные, спортивные и иные подвиги. Часто художники изображали ровно то,
что видели, знакомили с традициями разных народов и классов, предоставляя зрителю возможность самому получить впечатления от увиденного и сделать выводы. Таковы сцены из трудовой жизни крестьян и состоятельных людей С.Виноградова, из жизни простого народа М.Нестерова.

3. Историческая живопись.

Этот жанр подразумевает монументальные картины, которые призваны передать обществу грандиозный замысел, какую-либо истину, мораль
или продемонстрировать значимые события. В него входят работы
на историческую, мифологическую, религиозную тематику, фольклор,
а также военные сцены. В древних государствах мифы и легенды долгое время считались событиями прошлого, поэтому их часто изображали
на фресках или вазах. Позже художники начали отделять произошедшие события от вымысла, что выразилось в первую очередь в изображении батальных сцен. В Древнем Риме, Египте, Греции на щитах воинов-победителей часто изображали сцены героических сражений с целью демонстрации их торжества над врагом. В эпоху Средневековья из-за засилья церковных догм преобладала религиозная тематика, в эпоху Возрождения общество обратилось к прошлому в основном с целью прославления своих государств и правителей, а с XVIII века к этому жанру часто обращались
с целью воспитания молодежи. В России жанр получил массовое распространение в XIX веке, когда художники нередко пытались проанализировать жизнь русского общества. В работах русских художников батальная живопись была представлена, например, А.Боголюбовым
и В.Верещагиным. Мифологические и религиозные сюжеты в своих картинах затрагивали М.Врубель, А.Иванов, Н.Рерих, А.Певзнер, В.Поленов, П.Филонов. Историческая живопись преобладала у И.Глазунова, Г.Семирадского, В.Сурикова.

4. Пейзаж

(фр. paysage, англ. pays - местность)

В этом жанре приоритетным является изображение естественной
или созданной человеком окружающей среды: природных уголков, видов городов, сел, памятников и т.д. В зависимости от выбранного объекта выделяют природный, индустриальные, морской, сельский, лирический
и иные пейзажи. Первые пейзажи древних художников были обнаружены
в наскальной живописи эпохи неолита и представляли собой изображения деревьев, рек или озер. Позже природный мотив использовали
при украшении домов. В эпоху Средневековья пейзаж практически полностью вытеснила религиозная тематика, а в эпоху Возрождения, напротив, на первый план выступили гармоничные отношения человека
и природы. В России пейзажная живопись развивалась с XVIII века
и первоначально ограничивалась классицизмом (в этом стиле создавали пейзажи, например, Н.Крымов и К. Крыжицкий), однако позднее целая плеяда талантливых русских художников обогатила этот жанр приемами
из разных стилей и направлений. И.Левитан создал так называемый неброский пейзаж, то есть вместо погони за эффектными видами
он изображал в русской природе самые сокровенные моменты. А.Саврасов
и И.Бродский пришли к лирическому пейзажу, поражавшему публику тонко передаваемым настроением. У М.Клодта и Н.Дубравского это эпический пейзаж, когда зрителю демонстрируется вся грандиозность окружающего мира. В.Борисов-Мусатов бесконечно обращался к старине, Е.Волков умел любой неброский пейзаж превратить в поэтическую картину. А.Куинджи поражал зрителя своим дивным светом в пейзажах. Каждый из пейзажистов концентрировал внимание на таком пейзаже, который увлекал его особенно сильно. И.Айвазовский и Л.Лагорно с детских лет «болели» морем,
так что работа с морским пейзажем (мариной) стала их основным призванием.

5. Портрет.

(фр. portrait - изображение)

Этот жанр подразумевает изображение внешнего или внутреннего облика одного человека или нескольких людей. То есть это не только повторение форм и линий конкретной фигуры, но и идейно-художественная работа над внутренним миром человека. Сам термин portrait изначально применяли к любому объекту, который можно изобразить, пока в XVII веке не стали применять его только к человеку. В Древнем Египте портреты (вначале скульптурные) создавали только для того, чтобы вернувшаяся после судилища душа умершего могла найти погребенное тело и поселиться
в его мумии (скульптуре). С X-XII веков портрет применяли для надгробий, чеканили на монетах, изображали в книгах. Чаще всего этого удостаивались знатные особы. Расцвет жанра начался с эпохи Возрождения, когда человеку отводилась особая роль в мире. В России жанр портрета развивался в эпоху Средневековья, а первые портреты относятся к XI-XIII векам. Портреты делят на парадные и камерные. В первых художник должен возвеличить важную персону, потому ее обычно изображают в праздничной одежде
в роскошных интерьерах или пейзажах в полный рост. Во вторых фон бывает менее помпезным, а самого человека изображают только по плечи, грудь
или пояс. Парадные портреты создавали, например, Б.Кустодиев, В.Боровиковский, О.Кипренский, а с камерным вариантом работали А.Харламов, П.Челищев, А.Самохвалов, А.Яковлев и другие. Отдельно стоит выделить портреты-миниатюры, которые вставляли в медальоны, носили
в футлярах или табакерках. Одним из виртуозов в этом жанре был В.Боровиковский. Также выделяется жанр автопортрета, когда художник изображал сам себя. Такая картина во многом позволяет понять мировоззрение художника, его видение себя. Большинство мастеров
хотя бы однажды рисовали автопортрет, а некоторые создавали
их десятками.

Изучение картин разного жанра помогает понять, что даже в рамках одного из них существует огромный разброс по стилям, направлениям
и приемам исполнения. Смешение стилей, жанров и собственных приемов
и делает картины каждого художника неповторимыми.

        Свой достойный вклад в сокровищницу мировой живописи внесли русские художники XIX-XX века. Их работы признаны цивилизованным сообществом шедеврами жанра. Уровень профессионального мастерства
и художественной одаренности делают их картины гордостью экспозиции
и особой заботы музеев и частных коллекционеров. Своей проникновенной одухотворенностью, откровенным желанием поделиться с миром увиденным и прочувствованным они прославили русскую художественную школу
и отечественное изобразительное искусство.

С целью актуализации знаний обучающихся 7-ых классов по теме проекта нами были проведены уроки-лекции. На уроках мы рассказали
о знаменитых художниках и их выдающихся картинах, расположенных
в экспозиции Русского музея.

6. Конспект урока-лекции.

1. Русский музей.

Русский музей расположен в здании Михайловского дворца, построенного в 1819-1925 годах, для князя Михаила Павловича.
По замыслу императора Павла I, дворец должен был затмить резиденции европейских государей своей роскошью и величием. Чуть позже дворец стал центром культурной жизни. В субботний день 19 марта 1898 года открывал свои двери «Русский музей имени Александра III» (с 1917 года — Государственный Русский музей). Почему Александра III? В Москве уже была Третьяковская галерея, и император подумал, что нужно создать свой музей в Петербурге. Архитектор К. И. Росси придал дворцу образ торжественной приподнятости. В стенах музея располагаются не только полотна великих русских художников, но и множество других видов искусства: скульптура, прикладное дело и множество других. Также
к филиалам русского музея относятся: корпус Бенуа, Михайловский замок, Летний сад, Строгановский дворец, Домик Петра I, летний дворец Петра I.

2. Исторический жанр: мифологический и батальный.

Ещё с древности живопись играла большую роль в жизни человека. Мифологическая живопись одна из наидревнейших жанров живописи.
Она зародилась ещё в Античности, в Древней Греции. Многие художники изображали богов и героев мифов в скульптурных работах, мозаиках, каменных или деревянных дощечках. Позже уже и в Древнем Риме начали писать в мифологическом стиле. Чаще всего в виде скульптур. Спустя множества столетий европейские художники изображали греческих, римских, славянских богов и героев. В наше время, мы можем увидеть немало образцов мифологической живописи, как и древние, так и образцы XX века.

Художники, которые прославились в этом стиле: Виктор Васнецов
и Карл Брюллов.

В творчестве В.Васнецова ярко представлены разные жанры, ставшие этапами очень интересной эволюции: от бытописательства к сказке,
от станковой живописи к монументальной, от приземлённости передвижников к прообразу стиля модерн. На раннем этапе в работах В.Васнецова преобладали бытовые сюжеты, например в картинах
«С квартиры на квартиру» (1876), «Военная телеграмма» (1878), «Книжная лавочка» (1876), «Балаганы в Париже» (1877). Позже главным направлением становится былинно-историческое: «Витязь на распутье» (1882). Художник работал над полотном 15 лет. Перед написанием картины «Витязь
на распутье» Виктор Васнецов написал различные эскизы, наброски. Причем варианты изображения богатыря были абсолютно разные.
Так, изначально витязь смотрел на зрителя. На полотне была изображена дорога. Но потом художник решил, что гораздо важнее изобразить камень
с надписью и поле, и убрал дорогу. Он оставил только одну фразу из трех: «прямо пойдешь, живым не бывать». Таким образом В.Васнецов хотел показать безысходность Ильи Муромца. Ему некуда идти, так как в любом случае он умрет. Пессимистичное настроение подчеркивают и изображения останков павших бойцов, вечернее небо, вороны. Другие картины
«После побоища Игоря Святославича с половцами» (1880), «Алёнушка» (1881), «Иван-Царевич на Сером Волке» (1889), «Богатыри» (1881—1898), «Царь Иван Васильевич Грозный» (1897).

К.Брюллов — единственный русский художник, удостоенный
при жизни лаврового венка и бриллиантового перстня из рук императора.
При жизни еще его называли "Карл Великий". За «Последний день Помпеи» его назвали «первой кистью государства». Брюллов создал более 200 парадных и камерных портретов и расписал купол Исаакиевского собора площадью 800 квадратных метров. Карл Брюллов побывал на раскопках Помпей летом 1827 года во время своей поездки в Неаполь,
там же ему и пришла мысль написать большое полотно, посвящённое гибели Помпей. Заказчиком полотна стал Анатолий Демидов. В целом работа
над картиной заняла около шести лет — с 1827 года, когда К.Брюллов создал первые наброски и эскизы, до 1833 года. Окончательная версия большого многофигурного полотна создавалась в 1830—1833 годах. В левой части картины на втором плане изображены несколько человек на ступеньках большого здания гробницы Скавра. Прямо на зрителя смотрит женщина,
в глазах которой читается ужас. А за ней — художник с ящиком красок на голове: это автопортрет К.Брюллова, переживающего трагедию вместе
со своими персонажами.

Батальный жанр обрел большую популярность в ХVIII веке
при его появлении в России. На картинах этого жанра художники изображают сцены баталий (они же – битвы или сражения) либо образы военной тематики. В то время жанр начал разделятся на несколько видов:

1. Академический, для которого была характерна официальная подача, соответствующая позиции власти.
2. Романтический, с высоким эмоциональным накалом, с обращением
   к остро-драматическим моментам и шокирующим современников темам (например, трагедии завоёванных народов в освободительной борьбе).
3. Реалистический, с нарастающим акцентом на трагической стороне войны, казарменного быта, солдатских судеб. Данный жанр был популярен всегда: с XVIII века по XX век. В XVIII веке жили такие русские баталисты,
   как Ломоносов, Зубов, Каравак и Дмитриев-Мамонов, в XIX – Верещагин, Репин, Френц и Зауервейд, а в XX – Бут, Геннадиев, Горпенко и Евстигнеев.

Василий Васильевич Верещагин был русским художником-баталистом и путешественником, известным своими реалистичными изображениями военных сцен и этнографических зарисовок. Он родился 26 октября 1842 года в Череповце. Получил образование в Императорской академии художеств в Санкт-Петербурге, но в поисках творческой свободы покинул
её и отправился в путешествия по Кавказу и Средней Азии. Особое место
в творчестве В.Верещагина занимают картины, посвящённые войне.
Он был свидетелем многих сражений и осад, что позволило ему создавать произведения с высокой степенью реализма и исторической достоверности. Среди его наиболее известных работ – «Апофеоз войны», «Шипка-Шейново (Скобелев под Шипкой)» и «Смертельно раненный». В.Верещагин также много путешествовал за границу, побывал в Индии, Китае и на Ближнем Востоке. Его работы часто выставлялись в ведущих музеях России и мира, включая Третьяковскую галерею и Русский музей. Его картины, такие как «Продажа раба» и «Муллы на пути к базару», отражают разнообразие культур и народов, с которыми он сталкивался в своих путешествиях. Больше мы расскажем о картине «Шипка-Шейново (Скобелев под Шипкой)», законченной В.Верещагиным в 1879 году. На картине изображен смотр Скобелевым, сопровождаемый свитой, среди которой и сам художник, объезжает на белом коне шеренги солдат, встречающих его радостными приветствиями. Суровый зимний пейзаж и фигуры мертвых солдат омрачают апофеоз победы, выражая идею художника-пацифиста: любая победа дается ценой лишений и страданий. В ней усилен мотив драматической напряженности события, наглядно показано, какой дорогой ценой досталась победа над врагом.

Еще один из самых известных русских художников – Василий Иванович Суриков, прославившийся в батальном жанре картинами «Переход Суворова через Альпы», «Покорение Сибири Ермаком Тимофеевичем»
и «Степан Разин». Картина «Переход Суворова через Альпы» была написана В.Суриковым за 4 года. Её масштабы поражают – в высоту почти 5 метров,
а в ширину – 373 сантиметра. Василий Иванович взял за основу сюжета
для картины трагический эпизод, когда после кровопролитных битв
с французами и изнурительных горных переходов измотанному войску
под командованием А.В.Суворова оставалось преодолеть последний
перевал – Паникс. Глубокой осенью 1799 года в Альпах уже стояли морозы. Впереди – пугающая бездна, вокруг – снегопад и сильный ветер, отступать нельзя. Этот переход занял сутки и унес жизни как минимум двухсот человек.

Если присмотреться к фигуре Суворова на коне, то можно заметить, что он улыбается! Полководец юмором вдохновляет верных солдат
на подвиг, они же летят в бездну. И их готовность следовать за командиром поражает! Сам Суриков называл свою картину «подвигом под шутку полководца». Живописец завершил полотно в 1899 году – как раз к столетию швейцарского похода Суворова. В том же году картину купил Николай II
для учрежденного Русского музея. Суриков несколько раз ездил на место событий и писал альпийские пейзажи с натуры. Он даже скатывался
со склонов, чтобы точнее описать эмоции солдат. Благодаря нетипичной высоте картина сильнее передаёт чувство вечного падения в бездну.

3. Бытовой жанр.

Жанр изобразительного искусства, предметом которого является изображение сцен повседневной, частной и общественной жизни. Признанное рождение и развитие бытового жанра началось в XVII веке
в Голландии, а в России только в XVIII. Основными живописцами этого жанра в русском музее считаются Илья Ефимович Репин и Павел Андреевич Федотов.

Павел Андреевич Федотов родился 22 июня 1815 года в Москве. Является одним из основоположников бытового жанра в России.
В 11 лет определён отцом в Первый Московский кадетский корпус, в 1832 окончил курс и 3 декабря 1833 года направлен в лейб-гвардии Финляндский полк, где прослужил 10 лет, через 3-4 года начал посещать вечерние уроки
в Академии художеств, любил рисовать в свободное время. Федотов написал картину «Освящение знамён в Зимнем Дворце, обновлённом после пожара»
и показал её Михаилу Павловичу, а он Николаю I, который повелел предоставить Павлу Андреевичу право добровольно покинуть службу
и посвятить себя искусству, получая выплаты. Павел Федотов написал полотно «Сватовство майора» (второе название – «Женитьба майора») в 1848 году. За этот шедевр Федотов получил звание академика в 1849 году
в Академии художеств. Позже в 1850-1852 годах художник написал вариант повторения этой картины, он хранится в Русском музее.

В XXI веке нередки были браки между обедневшими офицерами-дворянами и богатыми дочками купцов, этот сюжет и изображён на нашем полотне. В дверном проёме стоит сваха, которая привела офицера, ждущего знакомства с будущей женой в другой комнате. Посередине сцены изображена дочь. Она в испуге бросилась прочь, её удерживает мать.
Сам купец стоит в углу справа, а в углу слева 3 второстепенных персонажа.
Автор картины создаёт её композицию так, что мы видим сцену
с той стороны гостиной, где обычно находятся окна, создаётся впечатление, будто мы заглянули в окно и увидели хозяев дома в таком положении,
в каком вовсе не должны были видеть... Под конец жизни Павел Андреевич начал страдать от психологического расстройства, был помещён сначала
в одну из лечебниц для душевно больных, а затем в больницу Всех Скорбящих, где и скончался 14 ноября 1852 года от плеврита. Не был женат.
В Русском музее находится 9 картин Павла Андреевича Федотова.

Илья Ефимович Репин родился 5 августа 1844 года в городе Чугуеве Харьковской губернии. Илья Ефимович сначала учился в школе топографов, затем в иконописной мастерской, в 16 лет устроился в кочевую иконописную артель, а в одну осень отправился в Петербург учиться в Академии художеств. Отучившись в ней 8 лет Репин обрёл много друзей на всю жизнь.
Сюжет картины «Бурлаки на Волге» Репин увидел, ещё будучи учеником академии. Во время работы над этюдами в 1868 году он увидел на Неве бурлаков. Художника впечатлил контраст между светским населением, гуляющем на берегу, и «тягловой живой силой». Летом 1870 года Репин вместе с братом и друзьями-живописцами отправился на Волгу.
Там они не просто рисовали пейзажи, а полностью вживались в роль бурлаков: знакомились с местным населением, ночевали в незнакомых домах, сидели вечером у костра. Всё это помогло создать шедевр, который произвёл сенсацию в мировом художественном сообществе! Окончательно Репин закончил картину в марте 1873 года. Если присмотреться, то можно заметить перевёрнутый российский флаг, есть версия, что таким образом Репин хотел показать политическую ситуацию России, которая к тому моменту была на грани переворота. Стоит отметить, что каждый из бурлаков — реальный персонаж, с которым художник общался порой на протяжении многих месяцев. Это помогло сделать каждого из персонажей уникальным, через его эмоции показать историю, которая привела его к такому исходу и понять его внутренний мир...У Репина были 2 жены, 4 детей. Последние 30 лет жизни художник провёл в усадьбе Пенаты (Финляндия), умер 29 сентября 1930 года в ней же…В Русском музее представлено более 250 картин Ильи Ефимовича Репина. Благодаря бытовому жанру люди начали видеть контраст между разными слоями населения. Авторы этого жанра угнетали своими произведениями пороки прогнившего общества, эти идеи подхватывали сподвижники. Всего в русском музее 1129 картин бытового жанра.

4. Пейзаж.

Жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа, в том числе естественная среда, преображённая человеком. С французского языка переводится как «местность, страна».

Первые пейзажи возникли в Древнем Китае. Европейские
же художники долгое время не писали картины природы как отдельные произведения. Пейзаж служил фоном на иконах и портретах, исторических
и жанровых полотнах. Самостоятельные пейзажи в Европе появились в XVII веке в творчестве голландских живописцев. А уже в XIX веке пейзаж стал распространенным жанром. Возникли его разновидности: морской, архитектурный, парковый, городской, сельский.

В русском искусстве пейзажи появились в середине XVIII века. Мастера того времени писали, как правило, не конкретную местность,
а собирательный идеализированный образ природы, например несуществующие леса или горы. Расцвет пейзажа в России наступил
во второй половине XIX века, когда художники-передвижники открыли
для искусства неброскую красоту русской природы. Они изображали
ее в любом состоянии: солнечным летним днем, дождливым осенним вечером, морозным утром. Пейзажи писали Алексей Саврасов, Архип Куинджи, Исаак Левитан, Иван Шишкин и другие мастера. Основными живописцами этого жанра в русском музее были Иван Айвазовский и Архип Куинджи.

Иван Айвазовский был самым известным маринистом.
Маринист – это художник, пишущий морскую стихию. Его так называют, потому что картина, изображающая море, называется марина. 

Родился И.Айвазовский в приморском городе Феодосия, в Крыму, в 1817 году. Шестнадцатилетнем юношей, в 1833 году, прибыл он в Петербург
и был принят в Академию художеств, которую окончил через 4 года
с золотой медалью. Началась яркая творческая жизнь, сначала в Крыму,
а с 1840 года – в Европе, куда он отправился как пенсионер Академии художеств. Затем И.Айвазовский был художником Главного морского штаба и оказался первым живописцем, чьи способности были оценены настолько, что он был приглашен участвовать в походах русской флотилии.

Всю жизнь он наблюдал за морем. Дома, в Феодосии, он вставал в 5 утра и несколько часов сидел на берегу моря, наблюдая его изменчивую жизнь. А потом по памяти в своей мастерской писал картины. Писал
он их быстро, ибо в его сознании отчетливо запечатлевались все события
на море, о которых он читал и свидетелем чего был сам. Так, ему врезалась
в память буря, которую он пережил в Бискайском заливе в 1844 году. Шторм был такой силы, что судно сочли погибшим вместе со всем экипажем. Много позднее художник записал: «Страх не подавил во мне способности воспринять и сохранить в памяти впечатление, произведенное на меня бурею как дивною живою картиной». Самая популярная картина Ивана Айвазовского – это «Девятый вал». Она была написана всего за 11 дней!
И сразу стала настоящим хитом – на нее приходили по нескольку
раз в неделю. По успешности это произведение можно сравнить
с Брюлловским «Последним днем Помпеи». Девятый вал – это самая страшная волна во время шторма. Так гласит поверье, бытующее среди моряков. Родившийся и выросший на черноморском побережье Айвазовский наверняка был с ним знаком. По одной из версий, он стал свидетелем свирепого буйства стихии во время морского путешествия в Европе. Умер Айвазовский внезапно, во сне, в возрасте 82 лет, оставив после себя 4 дочерей и множество внуков.

Архип Куинджи родился в Мариуполе в семье сапожника. Точный год рождения до сих пор не удалось установить, поскольку в разных документах художника указаны разные даты: от 1840 до 1843 года. В наши дни исследователи чаще склоняются к 1842-му. Именно он указан в самом раннем документе, который выдала Мариупольская городская управа. Мальчик рано лишился родителей, его воспитывали дядя и тетя по отцовской линии. Куинджи обучался греческой грамматике у учителя-грека, позже посещал занятия в городском училище. Его товарищи вспоминали,
что учился Куинджи плохо, но с юных лет любил рисовать. Он рисовал везде: на обрывках бумаги, заборах и стенах. Семья была бедна, поэтому мальчику с детства приходилось много работать. Он, то пас гусей, то служил у подрядчика, то подрабатывал у торговца хлебом. Именно хлеботорговец посоветовал Архипу Куинджи поехать в Крым и поступить в ученики
к Ивану Айвазовскому. Юноша дошел в Феодосию пешком и пробыл
там все лето. Однако Айвазовский так и не оценил талант ученика — поручал ему лишь красить забор и толочь краски.

В 1865 году Архип Куинджи приехал в Санкт-Петербург поступать
в Академию художеств. Однако стать вольнослушателем ему удалось только с третьей попытки, когда он написал полотно «Татарская сакля в Крыму».

Коллегам–пейзажистам необычной казалась его манера писать картины. Он не старался выписывать каждую отдельную травинку
или трещинку на древесной коре, а передавал общие очертания того,
что изображал. За это его упрекали в неграмотности, в отсутствии должного художественного образования и в незнании природы. Куинджи обиделся
и перестал участвовать в коллективных выставках. А публике его полотна нравились. Особенно «Березовая роща». И вот в 1880 году Куинджи написал «Лунную ночь на Днепре». Картина получилась самой необычной из всех. Он и сам это понимал, а еще понимал, что такая работа и одна стоит целой выставки. Все же Куинджи волновался, приглашал к себе в мастерскую друзей и корреспондентов, проверял на них силу воздействия картины.

И сила оказалась так велика, что слухи о картине взбудоражили петербуржцев задолго до начала выставки, и народу собралось видимо – невидимо. В один из зимних дней 1880 года петербуржцы выстроились в длинную очередь. Они выстроились вдоль улицы Морской и далее вдоль Невского проспекта совершенно добровольно, потому что очень хотели попасть на открытие выставки в здании Общества поощрения художеств.
А вся выставка состояла из одной – единственной картины.

До Куинджи никто из художников не выставлял на обозрение широкой публики всего одну работу. Но это не единственное необычное обстоятельство, связанное с живописцем. Для жителей Москвы и Петербурга необычно звучала его фамилия – Куинджи. Она досталась Архипу Ивановичу от деда, которого прозвали по-татарски «Куинджи» – «золотых дел мастер», хотя был он не татарином, а греком.

Знаменитый художник Илья Репин тоже пришел на открытие выставки. Полотно он видел и раньше, а потому смотрел на людей. Позже
он вспоминал, что у одних слезы стояли в глазах от восторга, другие
же удивлялись, отчего так сияет луна, и просили разрешение заглянуть
за полотно: нет ли там лампы? К сожалению, с годами краски сильно потемнели. Уже не пережить нам, глядя на картину, того, что пережили петербуржцы в 1880 году. Но все так же сияет на ней луна, и хочется смотреть на нее, не отрываясь.

Архип Куинджи ушел из жизни в июле 1910 года. Весь свой капитал
он завещал Обществу имени Куинджи, которое основал в 1908 году вместе
с пейзажистом Константином Крыжицким для поддержки художников.
На его могиле на Смоленском православном кладбище установили бронзовый бюст и надгробие по проекту архитектора Алексея Щусева.
В 1952 году прах художника и надгробие перенесли на Тихвинское кладбище Александро-Невской лавры.

Пейзаж принес в развитие искусства: реалистичность изображений природы, эксперименты с эффектами света и композиций, эмоциональность и драматизм, передача мгновенных впечатлений.

Иван Иванович Шишкин появился на свет 25 января 1832, Елабуга, Вятская губерния. Учился у Аполлона Мокрицкого в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, у. Сократа Воробьева– в Императорской Академии художеств. Профессор-руководитель пейзажной мастерской Высшего художественного училища (1894–1895). Один из членов-учредителей Товарищества передвижников (с 1870). С самого детства Шишкин любил наблюдать за природой. Возможно это и сподвигло его рисовать именно пейзажи. Картина «Корабельная Роща» 1895 года, написанная Шишкиным, в стиле реализма находится в Русском музее. 
Вы никогда не думали, почему картина называется именно Корабельная Роща? А всё потому, что он изобразил сосны, которые использовались для кораблестроения в Петербурге. Картина считается художественным завещанием Ивана Шишкина, он написал её в год своей смерти.

По данным виртуального Русского музея, в коллекции музея 1949 пейзажей. Самые известные художники пейзажа в Русском музее: Архип Куинджи, Алексей Саврасов, Федор Васильев, Иван Айвазовский, Исаак Левитан, Иван Шишкин, Василий Поленов. Самые известные картины пейзажа в Русском музее: «Девятый вал» Айвазовского, «Лунная ночь
на Днепре» Куинджи, «Остров Валаам» А.В.Гине, «Водопад Иматра
в Финляндии» Ф.М.Матвеева.

5. В России существует огромное количество анималистов,
   но, к сожалению, обойдя большое количество выставочных залов, выставок, мы так и не нашли определённый анималистический стиль в картинах.
   Есть картины со смешанным жанром, например «Купчиха за чаем». Картина показывает нам бытовой жанр, анималистический, но при этом и портрет Купчихи. Борис Михайлович Кустодиев родился в 1878 году в Астрахани. Академик Императорской Академии художеств (с 1909). Учился
   у П.А.Власова (Астрахань, 1890-е), в Высшем художественном училище
   при Академии художеств у В.Е.Савинского, И.Е.Репина (1896–1903). Преподавал в своей частной художественной школе («Новая художественная мастерская», Петербург, 1913). Почему же картина является знаменитой?
   Наверное, потому, что Кустодиев был тяжело болен во время его написания. Так же известно, что Кустодиев написал эту картину примерно за 10 дней. «Купчиха за чаем» написана в 1918 году. Для «Купчихи за чаем» Кустодиеву позировала соседка по дому Галина Адеркас. Кроме того существует никому не известный факт, что сама Галина не была настолько пышной дамой,
   тут поработала фантазия художника.

2. Заключение.

Данная работа представляет собой творческий практико-ориентированный проект по созданию интерактивной викторины, в которой отражены индивидуальные интересы работавших над проектом обучающихся 8а класса, их родителей, классного руководителя Лысенко С.А.

Работа над проектом велась на экскурсиях, которые ребята посещали
в течение двух лет в Русском музее, в школе на внеурочных занятиях и дома.

        Практическая деятельность охватила следующие учебно-предметные области: изобразительное искусство, история Санкт-Петербурга, информатика, психология, логика.

        Конечным результатом проекта является интерактивная викторина, созданная по типу игры в Морской бой и телевизионных игр Своя игра
и Брейн-ринг.

        Во время работы над проектом ребята учились находить нужную информацию, работать в парах, группах, индивидуально, презентовать свою работу. Они узнали:

1. Что художники работают в разных жанрах;
2. Что выбор жанра отдельным художником определяется его биографией и интересами;
3. Что работа над картиной требует огромных знаний в разных областях и трудолюбия;
4. Что каждый знаменитый художник внес значительный вклад в культурную историю России.

Полученный продукт может быть использован на уроках изобразительного искусства, истории России, истории города, как дополнительный творческий материал к различным темам уроков.

Презентации к урокам-лекциям и викторину можно найти на сайте учителя математики и руководителя проекта Лысенко С.А. https://nsportal.ru/user/290408.

4. Список использованных источников и литературы.

1. Астахов Ю.А. 50 великих русских художников, «Белый город», 2008

2. Алянский Ю. Рассказы о Русском музее, Издательство «Искусство», 1987

3. Волков Н.Н. Восприятие картины, Пособие для учителя, под редакцией доктора педагогических наук И.П.Глинской, Москва, «Просвещение», 1976

4. Голубева Э.И., Крестинский А.А., Кузнецова Э.В. Беседы о русских художниках. Вторая половина XIX века, Государственное учебно-педагогическое издательство Министерства Просвещения РСФСР, Ленинградское отделение, Ленинград, 1960

5. Гомберг-Вержбинская Э. Передвижники, государственное издательство «Искусство», Ленинград, 1961, Москва

6. Иванов А.Б. Рассказы о русских художниках: Кн. для учащихся ст. классов сред. шк. – М.: Просвещение, 1988. – 128 с., 2 л. ил.: ил.

7. Минченков Я.Д. Воспоминания о передвижниках: Художник РСФСР, Ленинград, 1959

8. Петров Г.Ф. Идем по Русскому музею: Историко-искусствоведческий очерк. – Л.: Лениздат, 1982. – 192 с., ил. – (Библиотека молодого рабочего).

9. Розенвассер В.Б. Беседы об искусстве: Пособие для учителей нач. классов. – М.: Просвещение, 1979. – 183 с. с ил.

10. Туберовская О.М. В гостях у картин: Издательство «Детская литература» Ленинград, 1964

11. Энциклопедия живописи для детей под редакцией Н.А.Старостиной:
М.: Белый город, 2006 – 2008

12. https://rusmuseumvrm.ru/

13. https://www.culture.ru/

14. https://artchive.ru/places/17~Gosudarstvennyj_Russkij_muzej/artists

15. https://kartina.net/what-is-painting

16. https://art.batato.ru/category/bio-russian-painters/

17. https://vtbrussia.ru/culture/istoriya-muzeev-russkij-muzej/

18. https://nsportal.ru/user/335079/page/zhivopis-kak-odin-iz-osnovnyh-vidov-izobrazitelnogo-iskusstva 

1 Народный художник Григорий Михайлович Мельников

2 Анатолий Александрович Мозжухин, поэт, писатель публицист

Приложение 1

Анкета

Сейчас вы проходите опрос по теме «Жанры живописи в шедеврах Русского Музея».

Впишите ниже своё имя и фамилию, если хотите узнать количество всех баллов, результаты всего теста через некоторое время в формате таблицы староста пришлёт в группу класса. Если нет, то укажите лишь свой класс ниже, в конце теста вы узнаете только баллы за тестовые вопросы.

Пример:
Герасимов Андрей

*

Какой ваш класс?

Обязательное поле

А

Б

В

На выполнение опроса вам даётся 10 минут на 16 вопросов, время засечёт организатор, ПО ЕГО КОМАНДЕ нажимайте "Я ГОТОВ" ниже.

На 1 странице - тестовые (10 вопросов, каждый правильный ответ - 1 балл), на второй - развёрнутые (6 вопросов, каждый правильный ответ - 1,5 балла). Если вы не знаете ответ на вопрос, пропускайте его и отвечайте на следующий.

*

я готов

Кто был архитектором Михайловского дворца?

Б. К. Растрелли

К. И. Росси

А. И. Куинджи

А.Н. Воронихин

Какой жанр из перечисленных - самый древний?

Мифологический

Батальный

Натюрморт

Бытовой

Какой жанр изображает сцены из повседневной жизни?

Бытовой

Пейзаж

Батальный

Мифологический

Какой жанр изображает сцены войны, сражений и военного быта?

Батальный

Пейзаж

Портрет

Бытовой

В каком из жанров изображается первозданная или в той или иной степени преображённая человеком природа?

Бытовой

Пейзаж

Мифологический

Батальный

Как называется морской пейзаж?

Морской пейзаж

Водный пейзаж

Марине

Амплуа

Какая из этих картин была написана И. И. Шишкиным?

Лес ночью

Лунная ночь на Днепре

Водопад Иматра в Финляндии

Корабельная роща

Кого в виде художника изобразил автор картины «Последний день помпеи»?

Друга из Италии

Прохожего

Себя самого

Уличного художника

Кто из известных русских писателей был другом и современником Сурикова?

Н. В. Гоголь

Л. Н. Толстой

А. С. Пушкин

М. Ю. Лермонтов

Какой художник жил в усадьбе названной в честь богов домашнего очага (усадьба Пенаты)?

И. И. Шишкин

И. Е. Репин

А. И. Куиджи

И. К. Айвазовский

Развёрнутые

На какой площади находится Русский музей?

Для кого был построен Михайловский дворец?

Имя и отчество.

Кто написал картину «Сватовство майора»?

Фамилия художника.

Кто написал картину «Девятый вал»?

Фамилия художника.

Приведите 1 пример картины К. П. Брюллова.

Какое прозвище получил автор картины «Последний день Помпеи», после её написания?

Приложение 2

Диаграмма итогов проведенного анкетирования