Предмет "Музыкальная литература"

8 сентября  4 класс ФГТ  

Урок №1

Место музыки в жизни человека

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал учебника стр.3-10.
2. Выполните задания в «Занимательных страничках»
3. Послушайте музыку по данным ссылкам:

• Глюк «Мелодия» из оперы «Орфей и Эвридика»  - здесь
• Ф. Шопен Ноктюрн до-диез минор - здесь
• М. Легар Музыка из к/ф «Шербургские зонтики»  - здесь

9 сентября

6 класс ФГТ  Урок 1                      

Романтизм  как художественное направление

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал учебника стр.157-162
2. По данным ссылкам прослушайте музыкальные произведения:

• Ф. Шуберт Вокальный цикл «Прекрасная мельничиха» «В путь»  - слушать здесь
• Ф. Шуберт  баллада  «Лесной царь»  - слушать здесь
• Р. Вагнер  «Полет валькирий» из оперы «Валькирия» - слушать здесь
•  Ф. Шуберт. Экспромт Ми-бемоль мажор  - слушать здесь 
• Ф. Шопен. Вальс до-диез минор   - слушать здесь 
• Ф. Шопен  Этюд №12 «Революционный»   - слушать здесь
• Э. Григ  «Утро» из симфонической сюиты «Пер Гюнт»  - слушать здесь 

3. Выполните задания в «Занимательных страничках»

10  сентября   7 класс ФГТ

Урок №1       Русская музыкальная культура второй половины XIX века

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал учебника стр.128-136
2. Выполните задания в «Занимательных страничках»
3. Посмотрите фильм «Русская культура второй половины 19 века» -  здесь

10 сентября  8 класс ФГТ

Урок №1     Музыкальная жизнь России конца XIX начала XX века

Уважаемые ученики!  

1. Прочитайте материал учебника стр. 4-10
2. Ответьте на вопросы в конце теста.
3. Выполните задания в «Занимательных страничках»

11 сентября  3 класс ОРП

Урок № 1

Тема: История развития музыки от Древней Греции до эпохи барокко.

Музыкальная культура Древней Греции

Музыка Древней Греции  наиболее ярко выражает культуру  Древнего мира.  В отличие от других видов искусства музыка античного мира не оставила большого  творческого наследия: на протяжении восьми веков  сохранились всего одиннадцать образцов (некоторые во фрагментах) древнегреческой музыки, записанной  нотами того времени.

Музыка рассматривалась и как важная часть  престижного образования. Древнегреческий мыслитель Платон называл музыку «гимнастикой души».

В VIII веке  до нашей эры  в Древней Греции появляются спортивные состязания – Олимпийские игры. А с  VI века до нашей эры проводятся музыкальные состязания – Пифийские игры, которые стали  предшественниками современных музыкальных конкурсов, например  Дельфийских игр .

Образцы древнегреческой культуры

1)Героические поэмы «Илиада» и «Одиссея»  поэта  Гомера.

 2)Мифы Древней Греции, в которых повествуют о великих музыкантах – Орфее, Олимпе, Марсии, прославляется  магическая сила музыки.

Характерные особенности музыки Древней Греции

−Связь с поэзией, театром, танцем.

 − особое магическое значение музыки (исцеление от болезни, помощь на войне и т. п.).

 − Поэмы «Илиада» и «Одиссея» рассказывались нараспев (напевный сказ).

− Певцы обычно были авторами текста и музыки, сами аккомпанировали себе на музыкальных инструментах.

 − На праздниках исполнялись хоровые танцевальные песни с пантомимой.

−В древнегреческих трагедиях и комедиях (предшественники  оперы) – большая роль принадлежала хору: он комментировал действие, выражал отношение к поступкам героев.

Важность античного искусства (что дошло до наших дней)

−Древние греки изобрели названия ладов и буквенную нотацию: обозначение ступеней музыкальных ладов определёнными буквами алфавита, разработали учение об интервалах. −Древнегреческий философ и математик Пифагор создал музыкальный строй, названный «пифагорейским», который оказал огромное влияние на развитие европейской музыки. Пифагор утвердил музыку как точную науку, в основе которой лежит число.

Буквенная нотация

Музыкальные инструменты Древней Греции Струнные щипковые – лира, кифара, арфа.  Духовые – авлос

Музыкальная культура эпохи Средневековья

Музыкальная культура эпохи Средневековья охватывает период примерно с VI по XIV века.

В эпоху Средневековья музыкальная культура развивалась по двум направлениям: профессиональная богослужебная музыка (на  латыни, григорианский хорал), и народная музыка на разных местных языках, связанная с жизнью народа, с деятельностью бродячих музыкантов.

Центром духовной музыкальной культуры была столица Италии – Рим. Благодаря Папе Римскому Григорию I  начинает развиваться григорианский хорал.  Монах Гвидо Аретинский  усовершенствовал систему записи нот,  которая  явилась предшественником нотного стана.

Яркие представители светского искусства Средневековья:

-Жонглёры, мимы, менестрели (Франция), шпильманы (Германия) – это музыканты, исполнители авторской песни, танцоры, фокусники, акробаты, кукловоды, представлявшие светское искусство эпохи Средневековья.

 -Трубадуры, труверы (Франция), миннезингеры (Германия)  - певцы-рыцари. В своём творчестве они отражали рыцарскую отвагу, храбрость, преданность Прекрасной Даме. В их искусстве использовались  народно-песенные интонации, они сотрудничали с народными музыкантами.

-Ваганты (от лат. vagantes – бродячие, скитающиеся): странствующие поэты и певцы. Они слагали на латинском языке сатирические стихи, застольные и любовные песни, высмеивали духовенство (церковь) и богатых горожан. Преследовались официальной церковью.

Основные жанры полифонии Средневековья

В эпоху средневековья начали развиваться первичные формы многоголосья – полифонии.

-Григорианский хорал – одноголосные песнопения. Исполнялся хором, отсюда название – хорал.

-Органум – жанр многоголосной музыки. Исполнялся в торжественных случаях, иногда с сопровождением органа, отсюда название – органум.

-Мотет – жанр многоголосной музыки, первоначально представлял собой двухголосное музыкальное произведение.

-Рондо, баллада, виреле – песни танцевального характера. Сначала были одноголосными, затем перешли в многоголосие.

Музыкальные инструменты эпохи Средневековья

Струнные смычковые – фидель, ребек.

Струнные щипковые – цитра

Духовые – фретель, флейта, волынка, ручной орган

Ударные – бубны, барабаны, тимбр, цимбал.

Музыкальная культура эпохи Возрождения

За Средневековьем последовала эпоха Возрождения или Ренессанс (XV-XVI века), который был для музыкантов эрой открытий, новшеств и исследований, в разных сферах жизни от музыки и живописи до астрономии и математики.   Хотя, в основном, музыка оставалась религиозной, но ослабление церковного контроля  открыло композиторам и исполнителям большую свободу в проявлении своих талантов.  

Музыка до сих пор остается одним из главнейших искусств.

Особенности этой эпохи:

-Расцвет любительского музицирования.

- Инструментальная музыка становится самостоятельной.

- Возрастает интерес к танцевальному искусству.

- Неразрывная связь музыки и поэзии: особое внимание уделялось вокальным композициям с инструментальным сопровождением.

- Вокальные многоголосные композиции были характерны как для церковной, так и для светской музыки.

 - В светских произведениях появляется личная лирика, переживания и эмоции композитора.

-Начали публиковаться музыкальные произведения, которые быстро раскупались. В результате всё больше людей стали приобщаться к музыке.

Зарождается гомофонно-гармонический склад. Сформированы понятия мажора и минора: минор ассоциировался с меланхолией и грустью, а мажор – с радостью и возвышенными чувствами.

В Италии происходит зарождение оперы и оратории (конец XVI века)

В полифонической музыке наступает эпоха строгого полифонического письма (эпоха строгого стиля).

Основные музыкальные жанры эпохи Возрождения  

-Месса (крупное хоровое произведение, исполнялось во время богослужений)

-Мотет (в отличие от мотетов средневековья в мотетах количество голосов достигает восьми).

- Мадригал – песня на родном языке любовного, пасторального содержания

-Шансон – французская песня

Музыкальные инструменты эпохи Возрождения

Струнные смычковые- виола, виола да гамба

Струнные щипковые – лютня

Клавишные – клавесин, клавикорд, вёрджинел

Также в эпоху возрождения  в странах Европы сложились крупные школы мастеров струнно-смычковых инструментов. Представители итальянской школы : семейства Амати, Гварнери и Страдивари.

 Антонио Страдивари создал скрипки, альты и виолончели высокого концертного качества.  На инструментах А. Страдивари играют крупнейшие современные исполнители.

11 сентября    4 класс  ОРП

Урок №1      Культура  и  искусство России  XVIII века

С древнейших времен наш народ гордился не только своим героическим прошлым, красотой родной земли, но и творениями рук и ума человека –искусством. Прошло много веков, о которых мы говорили на предыдущих уроках. И вот мы в XVIII веке. Сегодня об этом и пойдет наш разговор. Итак, тема урока «Культура и искусство  XVIII века»

XVIII век вошел во всемирную историю как «век разума и просвещения» (Просвещение — идейное течение эпохи перехода от феодализма к капитализму).

Торжество свободной человеческой мысли, победившей косное средневековое мировоззрение, приводит к стремительному развитию естественных наук, философии, литературы и искусства.

В XVIII веке Россия благодаря реформам Петра I также включается в общий процесс развития, приобщаясь к достижениям европейской цивилизации.

1689 – 1725 годы – правление первого российского императора Петра I Великого.  Реформы Петра I.

• Строительство Санкт-Петербурга – города новой культуры, северной столицы России. Для строительства были приглашены иноземные зодчие Доменико Трезини и Франческо Растрелли. СЛ.5
• Открытие гражданских (нецерковных) школ, первых библиотек, Петербургской Академии наук.
• Реформа шрифта, упростившая кириллицу. Это способствовало увеличению издания книг, учебников.
• Укрепление культурных связей с западно-европейскими странами
• Открытие в Москве на Красной площади «Комедиальной храмины» – первого в России публичного общедоступного театра.
• Появление ассамблей – балов, устраиваемых в домах знати.

1762 – 1796 годы – царствование императрицы Екатерины II Великой.

• Интенсивно формируются национальные школы в литературе, живописи, скульптуре, архитектуре, театре, музыке.
• 1773 – 1775 годы – Крестьянская война под предводительством Емельяна Пугачёва. Сильное воздействие свободолюбивых идей Е. Пугачёва на лучшие умы того времени.
• ОТКРЫВАЮТСЯ: Академия художеств  в Санкт-Петербурге.
• Эрмитаж, ставший впоследствии одним из крупнейших художественных  музеев мира.
• Смольный институт благородных девиц – первое в России женское учебное заведение, положившее начало женскому образованию в России.
• Общедоступный Российский театр в Москве на Красной площади, спектакли которого сопровождала музыка.
• Московский университет  по инициативе М. В. Ломоносова, ставший крупным культурным центром.

Выдающиеся художники-портретисты:

Первая половина XVIII века: Андрей Матвеевич Матвеев, Иван Никитич Никитин.

Вторая половина XVIII века: Иван Петрович Аргунов, Дмитрий Григорьевич Левицкий, Владимир Лукич Боровиковский, Фёдор Степанович Рокотов.

 Музыкальное искусство

- Знакомство с операми, камерными и симфоническими произведениями зарубежных композиторов.

- Создание духовых оркестров, которые играли на парадах и праздниках.

- Продолжает развиваться национальный музыкальный жанр – партесный концерт.

- Развивается и особый род приветственных кантов – канты-виваты, которые создавались к определенным датам и торжественным событиям. На одно событие слагалось сразу множество (не один десяток) таких песнопений.

-  Канты стали обогащаться инструментальным сопровождением: сигналами фанфар, музыкой литавр.

Слушание Кант-виват, сочинённый в 1721 году по поводу окончания Северной войны - здесь

Светское музицирование

- Связано с домашним исполнением танцевальных пьес (менуэтов, полонезов, экосезов, контрдансов), вариаций на темы народных песен для различных инструментов, сонат, квартетов.

- У русского дворянства входит в моду игра на клавикорде, арфе, флейте, гитаре.

- Популярно исполнение на домашних вечерах светских кантов – любовно-лирических, шуточных, поздравительных.

Городская песня

- Возникла на основе народной крестьянской песни, исполнялась в новой манере: её мелодия сопровождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо инструмента с чёткой ритмической структурой и простыми гармоническими оборотами.

Народная  песня

- Ранее существовавшие жанры: колыбельные, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые.

- Появление новых жанров: солдатских и рекрутских, походных и молодецких песен.

- В исторических песнях появляется новое содержание: военные победы России, деяния Петра I, походы А. В. Суворова, крестьянские восстания, их вожди, судьбы обездоленных людей.

Российская песня

- Новый вид вокальной лирической музыки на стихи русских поэтов А. П. Сумарокова, Г. Р. Державина и др.

- Российская песня по стилю и исполнению была похожа на лирические канты.

- Наряду с лирическим кантом, российская песня – предшественница русского романса.

- Издание сборника российских песен «Между делом безделье», сочинённых государственным деятелем и учёным Григорием Николаевичем Тепловым.

- Российские песни русских композиторов Фёдора Михайловича Дубянского и Осипа Антоновича Козловского становятся предтечей первых русских романсов.

Изучение фольклора

- Исследования русских народных сказок, пословиц, обрядов, песен.

- Впервые делаются нотные записи народных песен и составляются сборники с их обработками для голоса с фортепиано («Собрание русских простых песен с нотами» Василия Фёдоровича Трутовского, «Собрание народных русских песен с их голосами» Николая Александровича Львова и Ивана Прача.

(Николай Александрович Львов – видный деятель русской культуры, учёный, художник, поэт, любитель музыки, собиратель текстов народных песен.

Иван Прач – чешский композитор, преподаватель фортепиано, музыкальный фольклорист. Большую часть жизни прожил в России)

Опера

- Занимает главное место среди музыкальных жанров.

- Появилась в России благодаря иностранным музыкантам: в 1730-е годы в Петербурге был создан придворный итальянский театр, в репертуаре которого состояли оперы-сериа и оперы-буффа.

- Русские оперы XVIII века представляли собой народно-бытовые музыкальные комедии, построенные на чередовании разговорных диалогов-сцен и музыкальных номеров песенного и ариозного характера.

- Первые оперы 1770 – 1780-х годов писали композиторы М. М. Соколовский, В. А. Пашкевич, Д. С. Бортнянский, Е. И. Фомин.

- Развитию оперного жанра способствовали государственные, частные и крепостные театры.

 Хоровая музыка

- Наиболее древняя область русского музыкального искусства.

- Наряду с традиционными формами культовых песнопений композиторы XVIII века создают хоровые обработки народных песен, разрабатывают новые жанры праздничной, торжественной музыки – панегирические (виватные) канты, гимны, кантаты и оратории.

Национальные композиторы

Алексей Николаевич Верстовский, Евстигней Ипатьевич Фомин – авторы первых русских опер.

Фомин - первый русский композитор, воплотивший в своем творчестве трагическую тему. Он написал оркестровую музыку к мелодраме (Мелодрама — возникший в XVIII веке в Европе жанр музыкально-театрального представления, в котором литературный текст произносился в сопровождении оркестровой музыки: он либо чередовался с музыкальными номерами, либо звучал на их фоне). «Орфей» на текст Я. Княжнина, которая была поставлена в Петербурге при участии знаменитого трагика И. Дмитревского. Увертюра к «Орфею» стала первым образцом русской драматической симфонической музыки. Оперная увертюра была тем жанром, благодаря которому развивалась отечественная симфоническая музыка в XVIII веке: в недрах театра, как это было и в Европе, рождалась будущая русская симфония

Иван Евстафьевич Хандошкин – основоположник русского скрипичного искусства. Композитор и первый русский скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Большую часть жизни он прожил в Петербурге. Хандошкин хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке, а в своей концертной деятельности славился искусством импровизации. Он явился создателем русской сольной скрипичной сонаты.

Максим Созонтович Березовский, Дмитрий Степанович Бортнянский – основатели русского классического хорового концерта. В их творчестве происходит высокий расцвет русской хоровой культуры.

Бортнянский – В историю русской культуры он вошел как автор более ста хоровых произведений. Композитор создал замечательные духовные концерты, которые продолжили традицию партесного концерта и в то же время испытали влияние светской музыки — оперной и симфонической. Духовные концерты Бортнянского по своей форме приближаются к симфоническому циклу и состоят из самостоятельных частей, контрастных по характеру, где хоровые эпизоды чередуются с ансамблевыми и широко используются приемы постепенного нарастания и затухания звучности. Помимо культовой музыки композитор сочинял и светскую хоровую музыку — песни, гимны, кантаты.

Березовский - автор замечательных хоровых концертов

Рождение и взаимодействие многих жанров и художественных стилей в русской музыке XVIII века, широкое распространение в быту музыкальных инструментов и складывавшиеся традиции музицирования, возникновение хоровых капелл, оркестров, оперных трупп, развитие музыкального образования (В конце XVIII века музыкальные классы создаются также при Московском университете, в институтах, лицеях, пансионах; появляется целый ряд частных школ) и становление концертной деятельности, наконец, появление национальной композиторской школы подготовили создание и расцвет русской классической музыки в XIX веке.

15 сентября

4 класс  ФГТ   Урок  №2-3

«Содержание музыкальных произведений. Музыкальные образы»

Уважаемые ученики!

По этим ссылкам вы можете прослушать музыкальные произведения, о которых шла речь на уроке:

1.П. И. Чайковский Цикл «Детский альбом» «Новая кукла»

Видео здесь

2. Р. Шуман Цикл «Альбом для юношества» «Веселый крестьянин» видео -  смотреть здесь

3. Н. А. Римский-Корсаков Опера «Сказка о царе Салтане» Три чуда

Видео – смотреть здесь

4. А. К. Лядов «Кикимора»  

Видео   здесь

5.М. И. Глинка Опера «Иван Сусанин» Ария Сусанина

Видео- здесь

6. М. И. Г линка  Фантазия на две русские песни «Камаринская»

Видео- здесь

7. П. И. Чайковский Цикл «Времена года» Октябрь «Осенняя песнь»

Видео - здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

16  сентября

6 класс ФГТ  

Урок №2   Творческий облик Ф. Шуберта

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал в учебнике стр.164 – 173

2. По данным ссылкам вы можете посмотреть видео о жизни и творчестве композитора:

Видео – Жизнь и творчество Франца Шуберта – видео - здесь 

3. Выполните задания в «Занимательных страничках»

17  сентября

7 класс ФГТ  Урок №2                

Творческий портрет А. П. Бородина

По данной ссылке вы можете посмотреть фильм о жизни и творчестве композитора:

«  А.П. Бородин     Жизнь и творчество.» - смотреть здесь

«Волшебный дар наук и муз. А.П.Бородин» - смотреть здесь 

Учебник –  биография композитора

17 сентября 8 класс ФГТ

                                 Урок №2     Сергей Иванович Танеев

По данным ссылкам вы можете посмотреть фильмы о жизни и творчестве С. И. Танеева:

«С. И. Танеев» - смотреть здесь

«Абсолютный слух. С. И. Танеев» - смотреть здесь

Человек душевной чистоты, неподдельной доброты, большой сердечности, чуткости, деликатности и удивительной скромности - такими добродетельными качествами наделяли современники Сергея Ивановича Танеева – видного композитора, блестящего пианиста, крупнейшего учёного музыковеда и прирождённого педагога, настоящего профессионала своего дела. Как композитор он оставил потомкам богатое творческое наследие. Как пианист он не только славился своей виртуозностью, но мог до тончайших мелочей передавать задуманное автором. Как ученый-музыковед он написал научные труды, которые и сегодня не потеряли своей актуальности. Как педагог для своих учеников он был «лучом в тёмном царстве» и попасть в его класс считалось большой удачей. Танеев был образцом во всём. Чтобы он не делал, он делал с оптимизмом, громадной волей и методичностью в работе. Большой интеллектуал с глубочайшей осмысленностью высказываний он имел такой авторитет, что многие выдающиеся деятели того времени почитали за честь общаться с ним.

В середине позапрошлого века, а именно 25 ноября 1856 года, в древнейшем и красивом городе России – Владимире, в доме добрейшего души человека, потомка старинного дворянского рода, статского советника, врача и магистра словесности - Ивана Ильича Танеева произошло радостное событие: на свет появился малыш. Мальчик, которого счастливые родители назвали Сергеем, рос в доброжелательной и творческой атмосфере: в семье между собой изъяснялись на трёх языках и могли похвастаться богатейшей домашней библиотекой. Кроме того, глава семейства, будучи весьма образованным человеком и страстно увлекавшийся литературой и музыкальным искусством, часто устраивал в своём гостеприимном доме различные творческие вечера.

Родители очень заботились о всестороннем развитии своих сыновей, которых кроме Сережи было ещё двое: старший Владимир и средний Павел. Однако из троих детей музыкальными способностями был одарён только младшенький. Одарённость Сёрёжи, проявившаяся в раннем возрасте, всячески поддерживалась и уже с пяти лет он начал заниматься на фортепиано со специально приглашёнными преподавателями, которые отмечали великолепный слух, музыкальную память и необычайную серьёзность малыша.

Биография Танеев гласит, что в середине семидесятых годов семья Танеевых переехала на постоянное место жительство в Москву, где в Обуховском переулке приобрела скромный домик. Сергея определили на обучение в первую классическую гимназию, а 1966 году, после открытия Московской консерватории, записали вольнослушателем и в это учебное заведение, где на протяжении четырех лет он был учеником Э.Л. Лангера по фортепиано и теоретическим дисциплинам. В 1868 году обучение в гимназии всё же пришлось оставить, так как совмещать учёбу сразу в двух заведениях было для мальчика тяжело, тем более в консерватории тоже преподавались общеобразовательные дисциплины.

В сентябре 1969 года Сергей Танеев становится действительным учащимся консерватории, кроме того, по теоретическим дисциплинам он сразу был определён в класс П.И. Чайковского, а затем у него же продолжал изучать инструментовку и композицию. Уже с того времени, когда преподаватель и ученик начали профессионально общаться, между ними завязались тёплые дружеские отношения, которые продолжались до самой смерти любимого учителя.

Юноша занимался музыкой очень увлечённо и иногда этим даже пугал своего отца. Иван Ильич стал беспокоиться, что одностороннее образование пагубно отразиться на общем развитии сына и поэтому консерваторское обучение Сергея поставил под вопрос. Спасти будущего композитора от неправильных намерений его родителя смог только директор консерватории Николай Григорьевич Рубинштейн. Обычно скупой на похвалу, он настолько одобрительно отозвался о талантах молодого музыканта, что все страхи Ивана Ильича насчёт будущего его сына развеялись в один момент. После этого случая Николай Григорьевич взял Сергея в свой класс и обучал его игре на фортепиано до окончания консерватории. Более того не сомневаясь, что у талантливого ученика будет прекрасное творческое будущее как у исполнителя, так и композитора, Рубинштейн приглашал Сергея на музыкальные вечера, которые устраивал в своём доме.

Дебют Танеева – пианиста состоялся в 1874 году в Усадьбе Голицыных в Знаменском переулке. Это было первое публичное выступление молодого музыканта, на котором он блестяще исполнил произведения Листа и Шопена. В классе композиции Сергей также оправдывал все ожидания своего учителя П.И. Чайковского. За годы учёбы он стал автором крупных произведений, среди которых симфония, увертюры и кантата. Консерваторию Танеев закончил в девятнадцать лет просто блестяще: он стал первым учащимся этого учебного заведения, получившим золотую медаль. Перед молодым человеком открывались большие перспективы исполнительской, композиторской и педагогической деятельности, которыми он впоследствии на протяжении всей жизни с успехом занимался, но поначалу юноша решил совершить познавательное турне за пределы отечества. По приглашению своего педагога и наставника Н.Г. Рубинштейна он с образовательными целями посетил Грецию, Италию и Швейцарию, где с интересом изучал культуру и искусство этих стран. Вернувшись на родину, Сергей Танеев начал самостоятельную творческую жизнь. Активно гастролируя по городам России, он успешно выступал в Санкт - Петербурге, Харькове, Нижнем Новгороде, а в ноябре в Москве привёл слушателей в восторг премьерным исполнением концерта № 1 для фортепиано с оркестром П.И. Чайковского.

Весной 1876 года Сергей вновь отправляется с концертами по российским городам, а летом, немного отдохнув, вновь покидает Россию и уезжает во Францию, чтобы познакомиться с европейским искусством. В Париже он прилежно продолжает заниматься на фортепиано, просиживая за инструментом по 4-5 часов, регулярно присутствует на репетициях симфонических оркестров под управлением таких известных маэстро как Ж. Э. Падлу и Э. Колонна, посещает лекции в Сарбонне и различные концертные выступления. Ему посчастливилось быть приглашённым на «музыкальные четверги» к знаменитой Полине Виардо, которая в то время своим прекрасным пением радовала только близких друзей. Круг знакомств молодого человека сильно расширился: он сблизился с писателями Тургеневым, Ренаном, Флобером, и Золя, а также композиторами – Форе, Гуно, Сен-Сансом, Дюпарком и д'Энди. Восемь месяцев проведённые в Париже не прошли для Сергея даром, они вдохновили его на новые творческие свершения. Молодой музыкант переоценил свои предыдущие достижения и сделал вывод о недостаточной полноценности своего образования. Он учредил для себя программу, которой неукоснительно следовал всю жизнь.

Возвращение на родину пришлось на июль месяц, но прекрасная летняя погода не соблазнила музыканта. Он поставил перед собой цель отработать ряд интересных программ, которые впоследствии исполнил на концертах в течение текущего года.

В 1878 году в жизни Сергея Танеева произошли кардинальные изменения. Его друг и учитель Пётр Ильич Чайковский, устав от преподавательской работы, а кроме того получив от государства пенсионное материальное обеспечение, решил полностью заняться творчеством. Он уговорил Танеева, которому к тому времени было всего лишь 22 года, взять на себя его консерваторскую педагогическую нагрузку, включающую в себя курс гармонии, полифонии, анализа музыкальных форм и оркестровки. А в 1881 году после кончины Н.Г. Рубинштейна, получив должность профессора, Сергей Иванович прибавил к своей преподавательской нагрузке фортепианный класс своего любимого педагога. В 1884 году по рекомендации Чайковского Танеев занял должность директора консерватории, на которой оставался в течение четырёх лет. Пользуясь большим авторитетом не только профессуры, но и студентов, он не только вернул консерватории прежний престиж, но и ввёл много новшеств, которые улучшили работу учреждения. Однако в 1889 году из-за неудовлетворённости административной работой и сильного влечения к творческой деятельности он оставил руководящий пост и сохранил в консерватории только педагогическую нагрузку.

К сожалению, в это время Танеев всё же мало занимался композиторской деятельностью, его больше интересовала грядущая постановка его оперы «Орестея» намеченная на сентябрь 1895 года в Петербурге. Композитор в это время часто наведывался в столицу, где сблизился с меценатом и владельцем нотного издательства М. Беляевым, а также питерскими композиторами: Римским-Корсаковым и Глазуновым. Серьёзные изменения в жизни Сергея Ивановича произошли в 1905 году. Возмущённый властными методами руководства директора консерватории В. Сафронова, он покинул стены учреждения и туда более не возвращался, а кроме того отказался от положенной ему пенсии. Тем не менее от любимой своей педагогической деятельности Танеев не отказался: он занимался частной практикой, совершенно бесплатно обучая учеников.

Уйдя из консерватории, Сергей Иванович продолжал оставаться значимой персоной в музыкальной жизни Москвы. В 1906 году он был одним из музыкальных деятелей, инициировавших открытие Народной консерватории, первоочередной задачей которой было музыкальное просвещение и приобщение простых людей к классической музыке. Помимо этого Танеев начал работать в ней преподавателем, с удовольствием приобщая широкие массы к искусству. В том же 1906 году Танеев закончил работу над «Подвижным контрапунктом строгого письма» - уникальным трудом, над которым композитор корпел около семнадцати лет. В 1908 году он стал одним из основателей «Музыкально-теоретической библиотеки, а в 1912 году был избран её почётным членом. Последним в жизни композитора стал 1915 год. Потрясённый преждевременной кончиной в апреле месяце Александра Скрябина, он, на похоронах следуя за гробом своего ученика, сильно простудился. Не придавая большого значения своему заболеванию, Танеев продолжал активно работать. С начала мая состояние здоровья композитора резко ухудшилось и его на автомобиле перевезли в семейную усадьбу Дютьково, где 19 июня Сергей Иванович скончался.

18 сентября

3 класс ОРП    Урок 2             Иоганн Себастьян Бах

Иоганн Себастьян Бах — великий немецкий композитор XVIII века, не получивший при жизни заслуженного признания.

Он родился в 1685 году в небольшом немецком городке Эйзенахе.

Первые навыки игры на скрипке Иоганн получил от отца, который был городским скрипачом. Кроме того, мальчик обладал прекрасным голосом (сопрано) и пел в хоре городской школы. Таким образом, ярко выраженная музыкальность маленького Иоганна предопределила его будущее:

никто не сомневался, что он станет музыкантом.

В девять лет ребенок потерял своих родителей и остался на попечении старшего брата, служившего церковным органистом в городе Ордруфе. Он отдал своего воспитанника в гимназию и продолжил обучать музыке. Однако учитель из старшего брата был неважный. Современники отзывались о нем, как о сухом и нечутком музыканте, а русский писатель и музыкальный критик В. Ф. Одоевский в своей новелле «Себастьян Бах» описал его следующим образом: «Сорок лет он прожил органистом в одной и той же церкви. Сорок лет каждое воскресенье играл почти один и тот же хорал, 40 лет одну и ту же к нему прелюдию, и только по большим праздникам присоединял к ней в некоторых местах один форшлаг и две трели, и тогда слушатели говорили между собой: «О! Сегодня наш Бах разгорячился!».

Занятия музыкой под руководством брата проходили для Иоганна столь же однообразно, что являлось для любознательного ребенка настоящей пыткой. Ему не оставалось ничего другого, как заниматься самообразованием.  Узнав, что у брата в запертом шкафу хранится тетрадь с произведениями знаменитых композиторов, мальчик тайком по ночам доставал тетрадь и переписывал ноты при лунном свете. Эта утоми тельная работа, вследствие которой зрение Иоганна значительно ухудшилось, длилась шесть месяцев, пока однажды брат не застал своего маленького подопечного за его ночными занятиями и не отобрал уже переписанные ноты.

Когда Иоганну Себастьяну исполнилось пятнадцать лет, он решил начать самостоятельную жизнь и переехал в Люнебург. В 1703 году молодой человек закончил гимназию и получил право поступить в университет. Но продолжить учебу он не смог, т. к. надо было добывать средства к существованию.

В течение своей жизни Бах несколько раз переезжал из города в город, меняя место работы. Однако на новом месте его ждало то же самое: неудовлетворительные условия для развития своей деятельности, унизительное зависимое положение. Но как бы ни была неблагоприятна обстановка для жизни и творчества композитора, его никогда не покидало желание овладеть новыми знаниями и стремление к самосовершенствованию. Иоганн Бах постоянно изучал музыку не только своих соотечественников, но также итальянских и французских композиторов (например, А. Скарлатти, Ф. Куперена). Не упускал Бах случая и лично познакомиться с выдающимися музыкантами, изучить манеру их исполнения. Однажды, не располагая деньгами на поездку, молодой человек

отправился в другой город пешком, чтобы послушать игру прославленного органиста Букстехуде.

Такое же упорство, как в учении, Бах проявлял и в отстаивании своих взглядов на творчество и музыку. Вопреки преклонению придворного общества перед иностранной музыкой, композитор изучал и широко использовал в своих произведениях народные немецкие песни и танцы.

Следует заметить, что талант Баха не ограничивался областью композиции. Он был лучшим среди своих современников исполнителем на органе и клавесине. Рассказывают, что однажды Баха пригласили в Дрезден, чтобы участвовать в состязании со знаменитым в то время французским органистом и клавесинистом Луи Маршаном. Накануне состоялось предварительное знакомство музыкантов, оба они играли на клавесине. В ту же ночь Маршан поспешно уехал, признав тем самым неоспоримое превосходство Баха.

С 1708 года Иоганн Бах обосновался в Веймаре, где поступил на службу в качестве придворного музыканта и городского органиста. Здесь он создал свои известнейшие произведения для органа, в том числе токкату, фугу ре-минор и пассакалию до-минор. Эти сочинения отличаются глубиной содержания, звучностью и совершенством по мастерству.

В 1717 году Бах с семьей перебрался в Кетен. В этом городе он писал в основном клавирную и оркестровую музыку. Блеснуть своим искусством игры на органе он не мог, т. к. при дворе принца Кетенского такого инструмента просто не было. Зато в обязанности композитора входило руководить небольшим оркестром, аккомпанировать пению принца и развлекать его игрой на клавесине.

Все свое свободное время Бах, как и прежде, отдавал творчеству. Созданные в это время произведения для клавира представляют собой вторую —после органных сочинений—вершину в его творчестве. В Кетене были написаны двух-голосные и трехголосные инвенции (трехголосные инвенции Бах называл симфониями), «Французские» и «Английские» сюиты, 24 прелюдии и фуги, составившие первый том большого труда под названием «Хорошо темперированный клавир», а также известная «Хроматическая фантазия и фуга» ре-минор.

Из Кетена в 1723 году Бах переехал в Лейпциг, где и остался до конца своих дней. Здесь композитор занял должность кантора (руководителя хора) певческой школы при церкви Святого Фомы. Данное положение обязывало его ограничить свое творчество довольно узкими рамками и сочинять такую музыку, которая бы «не была слишком продолжительной, а также… опероподобной, но чтобы возбуждала в слушателях благоговение». Однако Бах, как всегда, жертвуя многим, никогда не поступался главным — своими художественными убеждениями. Действуя в соответствии с этим принципом, композитор смог, даже будучи стеснен различными условностями, создать свои лучшие вокально-инструментальные композиции: большую часть кантат,

«Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», мессу си-минор, «Итальянский концерт». Примерно в это же время он закончил и второй том «Хорошо темперированного клавира», куда вошли 24 новые прелюдии и фуги.

Помимо огромной творческой работы и службы в церковной школе, Бах принимал активное участие в деятельности «Музыкальной коллегии» города — общества, объединявшего любителей музыки, время от времени дававших светские концерты для жителей города сам не раз принимал участие в качестве солиста и дирижера, Бах написал много оркестровых, клавирных и вокальных произведений светского характера.

Между тем основная работа Баха — руководителя школой певчих —

приносила ему одни огорчения и неприятности. Средства, выделяемые церковью на школу, были настолько малы, что певчие мальчики не могли нормально питаться и одеваться. Их музыкальные способности также оставляли желать лучшего, а оркестр школы состоял всего лишь из четырех труб и стольких же скрипок. Все прошения об оказании помощи учебному заведению, поданные Бахом городскому начальству, оставались без внимания. Ответственность же за все неполадки тяжелым бременем ложилась на его плечи.

Отрадой композитору служило его творчество и семья. Сыновья Вильгельм Фридеман, Филипп Эмануэль, Иоганн Кристианн рано обнаружили свой музыкальный талант и впоследствии стали известными музыкантами и композиторами. Музыкальные способности были и у второй жены Баха Анны Магдалены, хорошо пела и старшая дочь. Поэтому в доме композитора часто звучала музыка, а сам он сочинял для своей семьи вокальные и инструментальные ансамбли.

Последние годы жизни Бах страдал серьезной болезнью глаз. Неудачная операция привела к тому, что он полностью ослеп, но и тогда он продолжал сочинять, диктуя свои произведения для записи.

Смерть великого композитора осталась незамеченной. О нем скоро забыли, а его могила при перепланировке церковного двора исчезла под мостовой. Трагически сложились судьбы жены и младшей дочери Баха.

Первая умерла десять лет спустя в доме призрения для бедных, а другая влачила нищенское существование.

По данным ссылкам вы можете посмотреть фильм о композиторе:

Видео - здесь

Ответьте на вопросы теста  - здесь

18 сентября

4 класс ОРП               Михаил Иванович Глинка

1804 - 1857

Глинка — основоположник русской классической музыки и первый русский композитор мирового значения. Творчество Глинки завершило процесс формирования отечественной композиторской школы и вместе с тем открыло новые пути русской музыки, занявшей в XIX веке одно из ведущих мест в европейской культуре. В произведениях Глинки нашел свое яркое выражение подъем русской национальной культуры, порожденный событиями Отечественной войны 1812 года. Подобно Пушкину Глинка создал прекрасное и гармоничное искусство, воспевающее красоту и радость жизни, торжество разума, добра и справедливости. В своем творчестве Глинка обращался к различным музыкальным жанрам — опере, романсу, симфоническим произведениям, камерным ансамблям, фортепианным пьесам и другим сочинениям. Важнейшими качествами музыки Глинки были выразительность и пластичность мелодий, тонкость гармонии и стройность формы, изящество инструментовки. Его музыкальный язык, впитав в себя своеобразные черты русской народной песни и итальянского бельканто, венской классической школы и романтического искусства, стал основой национального стиля русской классической музыки.

Биография Детство и юность.

 Глинка родился 20 мая (по старому стилю) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии. В имении родителей он был окружен любовью и заботой, а его первые детские впечатления, связанные с русской природой, деревенским бытом и народной песней, повлияли на всю дальнейшую судьбу. «Живейшим поэтическим восторгом» наполняли его душу колокольные звоны и церковное пение. Мальчик рано познакомился и с профессиональной музыкой, когда слушал домашние концерты небольшого оркестра  крепостных музыкантов, принадлежавшего его дяде, а зачастую и играл по слуху вместе с ними. Много позднее композитор вспоминал в своих «Записках »: «...Однажды играли квартет Крузеля (Б. Круселль — финский композитор и кларнетист-виртуоз, старший современник Глинки) с кларнетом; эта музыка произвела на меня непостижимое, новое и восхитительное впечатление — я оставался целый день потом в каком-то лихорадочном состоянии, был погружен в неизъяснимое, томительно-сладкое состояние и на другой день во время урока рисования был рассеян;  в следующий урок рассеянность еще увеличилась, и учитель, заметя, что я рисовал уже слишком небрежно, неоднократно журил меня и, наконец, однако ж, догадавшись, в чем было дело, сказал мне однажды, что он замечает, что я все только думаю о музыке: что ж делать? — отвечал я, — музыка — душа моя».  В это же время Глинка начинает учиться игре на фортепиано, а затем и на скрипке. Домашнее образование, типичное для дворянских семей в начале XIX века, включало в себя различные предметы; юный Глинка неплохо рисовал, страстно увлекался географией и путешествиями, изучал литературу, историю и иностранные языки (впоследствии он владел восемью языками).

Неизгладимое впечатление оказали на мальчика события Отечественной войны 1812 года. На время наполеоновского нашествия семья Глинки была вынуждена покинуть имение и перебраться в Орёл. Но по возвращении домой услышанные им рассказы о героизме русских людей и подвигах партизан Смоленщины остались в памяти на всю жизнь. Дом в селе Новоспаском, где родился Глинка остался в памяти на всю жизнь.

С 1818 года Глинка продолжил свое образование в одном из лучших учебных заведений Петербурга — Благородном пансионе при Главном педагогическом институте. Пансион славился прогрессивно мыслящими преподавателями и передовыми учеными, среди которых выделялся своим смелым талантом и незаурядностью выдающийся русский юрист А. П. Куницын — один из любимых учителей Пушкина. Гувернером Глинки в пансионе был В. К. Кюхельбекер — лицейский друг Пушкина, поэт и будущий декабрист. Общение с ним способствовало развитию у Глинки чувства любви к народному искусству и интереса к поэзии. Тогда же Глинка познакомился и с Пушкиным, который часто навещал в пансионе Кюхельбекера и своего младшего брата Льва. Годы учения протекали в атмосфере пылких литературных и политических споров с друзьями, что отражало тревожный дух времени. В Благородном пансионе, как и в Царскосельском лицее, сформировались личности будущих «бунтовщиков» - непосредственных участников трагических событий 14 декабря 1825 года. Во время пребывания в пансионе продолжалось развитие музыкального дарования Глинки. Он берет уроки игры на фортепиано и скрипке, а также теории музыки у лучших петербургских педагогов (в том числе несколько уроков фортепиано у Дж. Филда), постоянно посещает камерные и симфонические концерты, оперу и балет, принимает участие в любительских выступлениях и, наконец, делает первые шаги в сочинении.

Ранний период творчества. Окончив пансион в 1822 году, Глинка

некоторое время проводит в Новоспасском, где с домашним оркестром дяди пробует свои силы как дирижер, постигая искусство оркестрового письма.

Летом следующего года он совершает для лечения поездку на Кавказ, принесшую много ярких впечатлений. Далее в течение нескольких лет Глинка живет в Петербурге.

Прослужив недолгое время чиновником в канцелярии Совета путей сообщения, он вскоре подает в отставку, чтобы целиком посвятить себя главному и любимому занятию — музыке.

Огромное значение для художественного формирования композитора имело его знакомство и постоянное общение с крупнейшими поэтами и писателями — Пушкиным, Дельвигом, Грибоедовым, Жуковским, Мицкевичем, Одоевским, а также с лучшими музыкантами того времени: Глинка часто встречается и музицирует с Варламовым, братьями Виельгорскими. Анна Петровна Керн, в доме которой часто бывал Глинка, рассказывала в своих воспоминаниях об исполнительском искусстве композитора: «Глинка... поклонился своим выразительным, почтительным манером и сел за рояль. Можно себе представить, но мудрено описать мое удивление и восторг, когда раздались чудные звуки блистательной импровизации... У Глинки клавиши пели от прикосновения его маленькой ручки. Он так искусно владел инструментом, что до точности мог выразить все, что хотел; невозможно было не понять того, что пели клавиши под его миниатюрными пальцами... В звуках импровизации слышалась и народная мелодия, и свойственная только Глинке нежность, и игривая веселость, и задумчивое чувство. Мы слушали его, боясь пошевелиться, а по окончании оставались долго в чудном забытьи. ...Когда он, бывало, пел... романсы, то брал так сильно за душу, что делал с нами что хотел: мы и плакали и смеялись по воле его. У него был очень небольшой голос, но он умел ему придавать чрезвычайную выразительность и сопровождал таким аккомпанементом, что мы заслушивались. В его романсах слышалось и близкое искусное подражание звукам природы, и говор нежной страсти, и меланхолия, и грусть, и милое, неуловимое, необъяснимое, но понятное сердцу». Наряду с этим начинающий композитор много времени посвящает самостоятельному изучению оперной и симфонической литературы. После первых несовершенных опытов появляются такие яркие сочинения, как романсы «Не искушай» (слова Е. Баратынского), «Бедный певец» и «Не пой, красавица, при мне» (оба на слова Пушкина), соната для альта с фортепиано и другие инструментальные произведения. Желая развить и усовершенствовать свое мастерство, Глинка в 1830 году уезжает за границу.

Путь к мастерству.

За четыре года Глинка посетил Италию, Австрию и Германию. Будучи по натуре своей добрым, общительным и увлекающимся человеком, он легко сходился с людьми. В Италии Глинка сближается с такими корифеями итальянского оперного искусства, как Беллини и Доницетти, знакомится с Мендельсоном и Берлиозом. Жадно впитывая разнообразные впечатления, увлекаясь красотой итальянской романтической оперы, композитор пытливо и серьезно учится. В общении с первоклассными певцами он с упоением постигает на практике великое искусство бельканто.

В Италии Глинка продолжает много сочинять. Из-под его пера появляются произведения разных жанров: «Патетическое трио», секстет для фортепиано и струнных инструментов, романсы «Венецианская ночь» и «Победитель», а также целый ряд фортепианных вариаций на темы популярных итальянских опер. Но вскоре в душе композитора возникают иные стремления, о чем есть свидетельство в «Записках»: «Все написанные мною в угождение жителей Милана пьесы... убедили меня только в том, что я шел не своим путем и что я искренно не мог быть Итальянцем. Тоска по отчизне навела меня постепенно на мысль писать по-Русски». Выехав летом 1833 года из Италии, Глинка сначала посетил Вену, затем переехал в Берлин, где зимой 1833 – 1834 года совершенствовал свои знания под руководством известного немецкого теоретика музыки Зигфрида Дена.

Центральный период творчества.

 Весной 1834 года Глинка возвращается в Россию и приступает к осуществлению своего заветного замысла, возникшего еще за границей, — созданию национальной оперы на отечественный сюжет. Этой оперой стал «Иван Сусанин», премьера которой состоялась в Петербурге 27 ноября 1836 года. Музыкальный писатель и критик В. Ф. Одоевский дал высокую оценку этому событию в русской музыке: «С оперою Глинки является то, чего давно ищут и не находят в Европе, — новая стихия в искусстве — и начинается в его истории новый период: период русской музыки. Такой подвиг, скажем, положа руку на сердце, есть дело не только таланта, но гения!» Успех окрылил композитора, и сразу после премьеры «Ивана Сусанина» он начинает работать над новой оперой «Руслан и Людмила». Поэму Пушкина Глинка узнал еще в юности и теперь горел желанием воплотить в музыке яркие сказочные образы. Композитор мечтал, что либретто напишет сам поэт, но судьба распорядилась иначе. Гибель Пушкина разрушила первоначальные планы Глинки, и создание оперы растянулось почти на шесть лет. Другие жизненные обстоятельства также не благоприятствовали творческому процессу.

В 1837 году Николай I в качестве поощрения назначает Глинку на должность капельмейстера Придворной певческой капеллы. Эта служба, сначала привлекшая композитора своей творческой стороной, постепенно стала тяготить его многочисленными чиновничьими обязанностями, и он подает в отставку. Неудачной оказалась женитьба Глинки, закончившаяся бракоразводным процессом. Все эти события делали жизнь композитора все более трудной. Глинка разрывает прежние знакомства в светском обществе и ищет убежище в артистическом мире. Ближайшим его другом становится известный писатель и драматург Н. Кукольник. В его доме Глинка общается с художниками, поэтами, журналистами и находит избавление от нападок и сплетен своих великосветских недоброжелателей. Композитор и музыкальный критик А. Н. Серов в своих воспоминаниях оставил выразительный портрет Глинки, относящийся к этому времени: «...Брюнет с бледно-смуглым, очень серьезным, задумчивым лицом, окаймленным узкими, черными, как смоль, бакенбардами; черный фрак застегнут доверху; белые перчатки; осанка чинная, горделивая... Как все истинные артисты, Глинка был темперамента, по преимуществу, нервного. Малейшее раздражение, тень чего-нибудь неприятного вдруг делали его совсем не в духе; среди общества, которое было не по нем, он, даже приневоливая себя, решительно не мог музицировать. Напротив, в кругу людей, искренно любящих музыку, горячо ей сочувствующих... более далеких от условного, холодного этикета и пустой церемонности великосветских гостиных, Глинка дышал свободно, свободно весь отдавался искусству, увлекал всех, потому что сам увлекался, и чем дальше, тем больше увлекался, потому что увлекал других».

Вместе с тем в эти трудные годы, работая над «Русланом», композитор создает много других сочинений; среди них романсы на слова Пушкина «Я помню чудное мгновенье» и «Ночной зефир», вокальный цикл «Прощание с Петербургом» и романс «Сомнение» (оба на слова Кукольника), а также музыка к трагедии Кукольника «Князь Холмский», первый вариант (для фортепиано) «Вальса-фантазии». К этому же времени относится деятельность Глинки в качестве певца и вокального педагога: на его этюдах и упражнениях и при его участии постигали секреты мастерства певцы Д. Леонова, С. Гулак-Артемовский; его советами пользовались О. Петров и А. Петрова-Воробьева (первые исполнители ролей Сусанина и Вани).

Наконец, была закончена опера «Руслан и Людмила» и 27 ноября 1842 года, ровно через шесть лет после премьеры «Ивана Сусанина», поставлена в Петербурге. Эта премьера принесла Глинке немало тяжелых переживаний. Император и его свита покинули зал до окончания представления, что определило «мнение» аристократической публики. В печати разгорелись жаркие споры вокруг новой оперы. Великолепным ответом недоброжелателям Глинки стала статья В. Ф. Одоевского и строки из нее: «О, верьте мне! На русской музыкальной почве вырос роскошный цветок — он ваша радость, ваша слава. Пусть черви силятся вползти на его стебель и запятнать его, — черви спадут на землю, а цветок останется. Берегите его: он цветок нежный и цветет лишь один раз в столетие». «Руслан и Людмила» — «большая волшебная опера» (по определению автора) — стала первой русской сказочно-эпической оперой. В ней причудливо переплелись разнооб-разные музыкальные образы — лирические и эпические, фантастические и восточные. Опера, проникнутая солнечным оптимизмом, выражает вечные идеи победы добра над злом, верности долгу, торжества любви и благородства. Глинка, по словам ученого и критика Б. Асафьева, «на былинный лад распел пушкинскую поэму», в которой неторопливое, как в сказе, былине, развертывание событий построено на контрасте сменяющих друг друга красочных картин. Традиции «Руслана и Людмилы» Глинки были в дальнейшем разносторонне развиты русскими композиторами. Эпичность, картинность по-новому ожили в опере «Князь Игорь» и «Богатырской симфонии» Бородина, а сказочность нашла свое продолжение во многих произведениях Римского-Корсакова. Сценическая жизнь «Руслана и Людмилы» не была счастливой. Оперу стали ставить все реже из-за резко возраставшего увлечения аристократической публики итальянской оперой, и через несколько лет она надолго исчезла из репертуара.

Поздний период жизни и творчества.

В 1844 году Глинка уезжает в Париж, где проводит около года. Художественная жизнь французской столицы производит на него большое впечатление; он встречается с французскими композиторами Джакомо Мейербером, а также Гектором Берлиозом, который с успехом исполнил в своих концертах фрагменты из опер Глинки и напечатал хвалебную статью о русском композиторе. Глинка был горд приемом, оказанным ему в , Париже: «...Я первый русский композитор, который познакомил парижскую публику со своим именем и своими произведениями, написанными в России и для России», — писал он в письме к матери. Весной 1845 года, специально выучив испанский язык, Глинка отправляется в Испанию. Там он пробыл два года: посещал многие города и области, изучал обычаи и культуру этой страны, записывал от народных певцов и гитаристов испанские мелодии, даже выучился народным танцам. Результатом поездки стали две симфонические увертюры: «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде». Одновременно с ними в 1848 году появилась знаменитая «Камаринская» — оркестровая фантазия на темы двух русских песен. С этих произведений ведет свое начало русская симфоническая музыка. Последнее десятилетие Глинка жил попеременно то в России (Новоспасское, Петербург, Смоленск), то за границей (Варшава, Париж, Берлин). В эти годы зарождаются новые веяния в русском искусстве, связанные с расцветом, по определению В. Белинского, «натуральной» (реалистической) школы в литературе. Они пронизывают творчество Тургенева, Достоевского, Островского, Салтыкова-Щедрина, Толстого и других писателей. Это течение не прошло мимо внимания композитора — оно определило направление его дальнейших художественных поисков.

Глинка начинает работу над программной симфонией «Тарас Бульба» и оперой-драмой «Двумужница», но позже прекращает их сочинение. В эти годы вокруг Глинки возникает кружок молодых музыкантов и почитателей его таланта. В доме композитора часто бывают Даргомыжский, Балакирев, музыкальные критики В. В. Стасов и А. Н. Серов.

Хозяйкой дома и близким другом Глинки стала его любимая сестра Людмила Ивановна Шестакова. Именно по ее просьбе в 1854—1855 годы Глинка написал «Записки» — свою автобиографию. Впоследствии Л. И. Шестакова содействовала увековечению памяти композитора и популяризации его творчества, а в 60—70-е годы в ее доме часто проходили собрания балакиревского кружка, известного под названием «Могучая кучка». Весной 1856 года Глинка совершает последнюю поездку в Берлин. Увлекшись старинной полифонией, изучая произведения Палестрины, Генделя, Баха, он не оставляет мысль о возможности связать «фугу западную с условиями нашей музыки узами законного брака». Эта задача вновь привела Глинку к Зигфриду Дену. Целью занятий было создание оригинальной русской полифонии, основанной на мелодиях знаменного распева.

 Начинался новый этап творческой биографии, которому не суждено было продолжиться. 3 февраля 1857 года в Берлине Глинка скончался. По настоянию Л. И. Шестаковой его прах был перевезен в Россию и погребен на кладбище Александро-Невской лавры в Петербурге. Глинка не успел осуществить многое из задуманного. Но идеи, заложенные в его творчестве, получили развитие в произведениях всех крупнейших русских композиторов.

Вопросы 

1.Каково значение творчества Глинки в истории русской музыки?

2. Расскажите о главных событиях жизни и творчества Глинки.

3. Каковы были «музыкальные университеты» композитора?

4. Назовите выдающихся музыкантов и литераторов — современников и друзей Глинки.

5. Перечислите основные сочинения композитора. 6. Составьте краткий план главных событий жизни и творчества Глинки.

Посмотрите обзательно!

 Худ. фильм М. И. Глинка – здесь

 Жизнь и творчество М. И. Глинки - здесь

Сказки старого пианино (М. И. Глинка) - здесь

Составьте таблицу жизненного и творческого пути композитора: