Предмет "Музыкальная литература"

8 сентября  4 класс ФГТ  

Урок №1

Место музыки в жизни человека

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал учебника стр.3-10.
2. Выполните задания в «Занимательных страничках»
3. Послушайте музыку по данным ссылкам:

• Глюк «Мелодия» из оперы «Орфей и Эвридика»  - здесь
• Ф. Шопен Ноктюрн до-диез минор - здесь
• М. Легар Музыка из к/ф «Шербургские зонтики»  - здесь

9 сентября

6 класс ФГТ  Урок 1                      

Романтизм  как художественное направление

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал учебника стр.157-162
2. По данным ссылкам прослушайте музыкальные произведения:

• Ф. Шуберт Вокальный цикл «Прекрасная мельничиха» «В путь»  - слушать здесь
• Ф. Шуберт  баллада  «Лесной царь»  - слушать здесь
• Р. Вагнер  «Полет валькирий» из оперы «Валькирия» - слушать здесь
•  Ф. Шуберт. Экспромт Ми-бемоль мажор  - слушать здесь 
• Ф. Шопен. Вальс до-диез минор   - слушать здесь 
• Ф. Шопен  Этюд №12 «Революционный»   - слушать здесь
• Э. Григ  «Утро» из симфонической сюиты «Пер Гюнт»  - слушать здесь 

3. Выполните задания в «Занимательных страничках»

10  сентября   7 класс ФГТ

Урок №1       Русская музыкальная культура второй половины XIX века

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал учебника стр.128-136
2. Выполните задания в «Занимательных страничках»
3. Посмотрите фильм «Русская культура второй половины 19 века» -  здесь

10 сентября  8 класс ФГТ

Урок №1     Музыкальная жизнь России конца XIX начала XX века

Уважаемые ученики!  

1. Прочитайте материал учебника стр. 4-10
2. Ответьте на вопросы в конце теста.
3. Выполните задания в «Занимательных страничках»

11 сентября  3 класс ОРП

Урок № 1

Тема: История развития музыки от Древней Греции до эпохи барокко.

Музыкальная культура Древней Греции

Музыка Древней Греции  наиболее ярко выражает культуру  Древнего мира.  В отличие от других видов искусства музыка античного мира не оставила большого  творческого наследия: на протяжении восьми веков  сохранились всего одиннадцать образцов (некоторые во фрагментах) древнегреческой музыки, записанной  нотами того времени.

Музыка рассматривалась и как важная часть  престижного образования. Древнегреческий мыслитель Платон называл музыку «гимнастикой души».

В VIII веке  до нашей эры  в Древней Греции появляются спортивные состязания – Олимпийские игры. А с  VI века до нашей эры проводятся музыкальные состязания – Пифийские игры, которые стали  предшественниками современных музыкальных конкурсов, например  Дельфийских игр .

Образцы древнегреческой культуры

1)Героические поэмы «Илиада» и «Одиссея»  поэта  Гомера.

 2)Мифы Древней Греции, в которых повествуют о великих музыкантах – Орфее, Олимпе, Марсии, прославляется  магическая сила музыки.

Характерные особенности музыки Древней Греции

−Связь с поэзией, театром, танцем.

 − особое магическое значение музыки (исцеление от болезни, помощь на войне и т. п.).

 − Поэмы «Илиада» и «Одиссея» рассказывались нараспев (напевный сказ).

− Певцы обычно были авторами текста и музыки, сами аккомпанировали себе на музыкальных инструментах.

 − На праздниках исполнялись хоровые танцевальные песни с пантомимой.

−В древнегреческих трагедиях и комедиях (предшественники  оперы) – большая роль принадлежала хору: он комментировал действие, выражал отношение к поступкам героев.

Важность античного искусства (что дошло до наших дней)

−Древние греки изобрели названия ладов и буквенную нотацию: обозначение ступеней музыкальных ладов определёнными буквами алфавита, разработали учение об интервалах. −Древнегреческий философ и математик Пифагор создал музыкальный строй, названный «пифагорейским», который оказал огромное влияние на развитие европейской музыки. Пифагор утвердил музыку как точную науку, в основе которой лежит число.

Буквенная нотация

Музыкальные инструменты Древней Греции Струнные щипковые – лира, кифара, арфа.  Духовые – авлос

Музыкальная культура эпохи Средневековья

Музыкальная культура эпохи Средневековья охватывает период примерно с VI по XIV века.

В эпоху Средневековья музыкальная культура развивалась по двум направлениям: профессиональная богослужебная музыка (на  латыни, григорианский хорал), и народная музыка на разных местных языках, связанная с жизнью народа, с деятельностью бродячих музыкантов.

Центром духовной музыкальной культуры была столица Италии – Рим. Благодаря Папе Римскому Григорию I  начинает развиваться григорианский хорал.  Монах Гвидо Аретинский  усовершенствовал систему записи нот,  которая  явилась предшественником нотного стана.

Яркие представители светского искусства Средневековья:

-Жонглёры, мимы, менестрели (Франция), шпильманы (Германия) – это музыканты, исполнители авторской песни, танцоры, фокусники, акробаты, кукловоды, представлявшие светское искусство эпохи Средневековья.

 -Трубадуры, труверы (Франция), миннезингеры (Германия)  - певцы-рыцари. В своём творчестве они отражали рыцарскую отвагу, храбрость, преданность Прекрасной Даме. В их искусстве использовались  народно-песенные интонации, они сотрудничали с народными музыкантами.

-Ваганты (от лат. vagantes – бродячие, скитающиеся): странствующие поэты и певцы. Они слагали на латинском языке сатирические стихи, застольные и любовные песни, высмеивали духовенство (церковь) и богатых горожан. Преследовались официальной церковью.

Основные жанры полифонии Средневековья

В эпоху средневековья начали развиваться первичные формы многоголосья – полифонии.

-Григорианский хорал – одноголосные песнопения. Исполнялся хором, отсюда название – хорал.

-Органум – жанр многоголосной музыки. Исполнялся в торжественных случаях, иногда с сопровождением органа, отсюда название – органум.

-Мотет – жанр многоголосной музыки, первоначально представлял собой двухголосное музыкальное произведение.

-Рондо, баллада, виреле – песни танцевального характера. Сначала были одноголосными, затем перешли в многоголосие.

Музыкальные инструменты эпохи Средневековья

Струнные смычковые – фидель, ребек.

Струнные щипковые – цитра

Духовые – фретель, флейта, волынка, ручной орган

Ударные – бубны, барабаны, тимбр, цимбал.

Музыкальная культура эпохи Возрождения

За Средневековьем последовала эпоха Возрождения или Ренессанс (XV-XVI века), который был для музыкантов эрой открытий, новшеств и исследований, в разных сферах жизни от музыки и живописи до астрономии и математики.   Хотя, в основном, музыка оставалась религиозной, но ослабление церковного контроля  открыло композиторам и исполнителям большую свободу в проявлении своих талантов.  

Музыка до сих пор остается одним из главнейших искусств.

Особенности этой эпохи:

-Расцвет любительского музицирования.

- Инструментальная музыка становится самостоятельной.

- Возрастает интерес к танцевальному искусству.

- Неразрывная связь музыки и поэзии: особое внимание уделялось вокальным композициям с инструментальным сопровождением.

- Вокальные многоголосные композиции были характерны как для церковной, так и для светской музыки.

 - В светских произведениях появляется личная лирика, переживания и эмоции композитора.

-Начали публиковаться музыкальные произведения, которые быстро раскупались. В результате всё больше людей стали приобщаться к музыке.

Зарождается гомофонно-гармонический склад. Сформированы понятия мажора и минора: минор ассоциировался с меланхолией и грустью, а мажор – с радостью и возвышенными чувствами.

В Италии происходит зарождение оперы и оратории (конец XVI века)

В полифонической музыке наступает эпоха строгого полифонического письма (эпоха строгого стиля).

Основные музыкальные жанры эпохи Возрождения  

-Месса (крупное хоровое произведение, исполнялось во время богослужений)

-Мотет (в отличие от мотетов средневековья в мотетах количество голосов достигает восьми).

- Мадригал – песня на родном языке любовного, пасторального содержания

-Шансон – французская песня

Музыкальные инструменты эпохи Возрождения

Струнные смычковые- виола, виола да гамба

Струнные щипковые – лютня

Клавишные – клавесин, клавикорд, вёрджинел

Также в эпоху возрождения  в странах Европы сложились крупные школы мастеров струнно-смычковых инструментов. Представители итальянской школы : семейства Амати, Гварнери и Страдивари.

 Антонио Страдивари создал скрипки, альты и виолончели высокого концертного качества.  На инструментах А. Страдивари играют крупнейшие современные исполнители.

11 сентября    4 класс  ОРП

Урок №1      Культура  и  искусство России  XVIII века

С древнейших времен наш народ гордился не только своим героическим прошлым, красотой родной земли, но и творениями рук и ума человека –искусством. Прошло много веков, о которых мы говорили на предыдущих уроках. И вот мы в XVIII веке. Сегодня об этом и пойдет наш разговор. Итак, тема урока «Культура и искусство  XVIII века»

XVIII век вошел во всемирную историю как «век разума и просвещения» (Просвещение — идейное течение эпохи перехода от феодализма к капитализму).

Торжество свободной человеческой мысли, победившей косное средневековое мировоззрение, приводит к стремительному развитию естественных наук, философии, литературы и искусства.

В XVIII веке Россия благодаря реформам Петра I также включается в общий процесс развития, приобщаясь к достижениям европейской цивилизации.

1689 – 1725 годы – правление первого российского императора Петра I Великого.  Реформы Петра I.

• Строительство Санкт-Петербурга – города новой культуры, северной столицы России. Для строительства были приглашены иноземные зодчие Доменико Трезини и Франческо Растрелли. СЛ.5
• Открытие гражданских (нецерковных) школ, первых библиотек, Петербургской Академии наук.
• Реформа шрифта, упростившая кириллицу. Это способствовало увеличению издания книг, учебников.
• Укрепление культурных связей с западно-европейскими странами
• Открытие в Москве на Красной площади «Комедиальной храмины» – первого в России публичного общедоступного театра.
• Появление ассамблей – балов, устраиваемых в домах знати.

1762 – 1796 годы – царствование императрицы Екатерины II Великой.

• Интенсивно формируются национальные школы в литературе, живописи, скульптуре, архитектуре, театре, музыке.
• 1773 – 1775 годы – Крестьянская война под предводительством Емельяна Пугачёва. Сильное воздействие свободолюбивых идей Е. Пугачёва на лучшие умы того времени.
• ОТКРЫВАЮТСЯ: Академия художеств  в Санкт-Петербурге.
• Эрмитаж, ставший впоследствии одним из крупнейших художественных  музеев мира.
• Смольный институт благородных девиц – первое в России женское учебное заведение, положившее начало женскому образованию в России.
• Общедоступный Российский театр в Москве на Красной площади, спектакли которого сопровождала музыка.
• Московский университет  по инициативе М. В. Ломоносова, ставший крупным культурным центром.

Выдающиеся художники-портретисты:

Первая половина XVIII века: Андрей Матвеевич Матвеев, Иван Никитич Никитин.

Вторая половина XVIII века: Иван Петрович Аргунов, Дмитрий Григорьевич Левицкий, Владимир Лукич Боровиковский, Фёдор Степанович Рокотов.

 Музыкальное искусство

- Знакомство с операми, камерными и симфоническими произведениями зарубежных композиторов.

- Создание духовых оркестров, которые играли на парадах и праздниках.

- Продолжает развиваться национальный музыкальный жанр – партесный концерт.

- Развивается и особый род приветственных кантов – канты-виваты, которые создавались к определенным датам и торжественным событиям. На одно событие слагалось сразу множество (не один десяток) таких песнопений.

-  Канты стали обогащаться инструментальным сопровождением: сигналами фанфар, музыкой литавр.

Слушание Кант-виват, сочинённый в 1721 году по поводу окончания Северной войны - здесь

Светское музицирование

- Связано с домашним исполнением танцевальных пьес (менуэтов, полонезов, экосезов, контрдансов), вариаций на темы народных песен для различных инструментов, сонат, квартетов.

- У русского дворянства входит в моду игра на клавикорде, арфе, флейте, гитаре.

- Популярно исполнение на домашних вечерах светских кантов – любовно-лирических, шуточных, поздравительных.

Городская песня

- Возникла на основе народной крестьянской песни, исполнялась в новой манере: её мелодия сопровождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо инструмента с чёткой ритмической структурой и простыми гармоническими оборотами.

Народная  песня

- Ранее существовавшие жанры: колыбельные, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые.

- Появление новых жанров: солдатских и рекрутских, походных и молодецких песен.

- В исторических песнях появляется новое содержание: военные победы России, деяния Петра I, походы А. В. Суворова, крестьянские восстания, их вожди, судьбы обездоленных людей.

Российская песня

- Новый вид вокальной лирической музыки на стихи русских поэтов А. П. Сумарокова, Г. Р. Державина и др.

- Российская песня по стилю и исполнению была похожа на лирические канты.

- Наряду с лирическим кантом, российская песня – предшественница русского романса.

- Издание сборника российских песен «Между делом безделье», сочинённых государственным деятелем и учёным Григорием Николаевичем Тепловым.

- Российские песни русских композиторов Фёдора Михайловича Дубянского и Осипа Антоновича Козловского становятся предтечей первых русских романсов.

Изучение фольклора

- Исследования русских народных сказок, пословиц, обрядов, песен.

- Впервые делаются нотные записи народных песен и составляются сборники с их обработками для голоса с фортепиано («Собрание русских простых песен с нотами» Василия Фёдоровича Трутовского, «Собрание народных русских песен с их голосами» Николая Александровича Львова и Ивана Прача.

(Николай Александрович Львов – видный деятель русской культуры, учёный, художник, поэт, любитель музыки, собиратель текстов народных песен.

Иван Прач – чешский композитор, преподаватель фортепиано, музыкальный фольклорист. Большую часть жизни прожил в России)

Опера

- Занимает главное место среди музыкальных жанров.

- Появилась в России благодаря иностранным музыкантам: в 1730-е годы в Петербурге был создан придворный итальянский театр, в репертуаре которого состояли оперы-сериа и оперы-буффа.

- Русские оперы XVIII века представляли собой народно-бытовые музыкальные комедии, построенные на чередовании разговорных диалогов-сцен и музыкальных номеров песенного и ариозного характера.

- Первые оперы 1770 – 1780-х годов писали композиторы М. М. Соколовский, В. А. Пашкевич, Д. С. Бортнянский, Е. И. Фомин.

- Развитию оперного жанра способствовали государственные, частные и крепостные театры.

 Хоровая музыка

- Наиболее древняя область русского музыкального искусства.

- Наряду с традиционными формами культовых песнопений композиторы XVIII века создают хоровые обработки народных песен, разрабатывают новые жанры праздничной, торжественной музыки – панегирические (виватные) канты, гимны, кантаты и оратории.

Национальные композиторы

Алексей Николаевич Верстовский, Евстигней Ипатьевич Фомин – авторы первых русских опер.

Фомин - первый русский композитор, воплотивший в своем творчестве трагическую тему. Он написал оркестровую музыку к мелодраме (Мелодрама — возникший в XVIII веке в Европе жанр музыкально-театрального представления, в котором литературный текст произносился в сопровождении оркестровой музыки: он либо чередовался с музыкальными номерами, либо звучал на их фоне). «Орфей» на текст Я. Княжнина, которая была поставлена в Петербурге при участии знаменитого трагика И. Дмитревского. Увертюра к «Орфею» стала первым образцом русской драматической симфонической музыки. Оперная увертюра была тем жанром, благодаря которому развивалась отечественная симфоническая музыка в XVIII веке: в недрах театра, как это было и в Европе, рождалась будущая русская симфония

Иван Евстафьевич Хандошкин – основоположник русского скрипичного искусства. Композитор и первый русский скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Большую часть жизни он прожил в Петербурге. Хандошкин хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке, а в своей концертной деятельности славился искусством импровизации. Он явился создателем русской сольной скрипичной сонаты.

Максим Созонтович Березовский, Дмитрий Степанович Бортнянский – основатели русского классического хорового концерта. В их творчестве происходит высокий расцвет русской хоровой культуры.

Бортнянский – В историю русской культуры он вошел как автор более ста хоровых произведений. Композитор создал замечательные духовные концерты, которые продолжили традицию партесного концерта и в то же время испытали влияние светской музыки — оперной и симфонической. Духовные концерты Бортнянского по своей форме приближаются к симфоническому циклу и состоят из самостоятельных частей, контрастных по характеру, где хоровые эпизоды чередуются с ансамблевыми и широко используются приемы постепенного нарастания и затухания звучности. Помимо культовой музыки композитор сочинял и светскую хоровую музыку — песни, гимны, кантаты.

Березовский - автор замечательных хоровых концертов

Рождение и взаимодействие многих жанров и художественных стилей в русской музыке XVIII века, широкое распространение в быту музыкальных инструментов и складывавшиеся традиции музицирования, возникновение хоровых капелл, оркестров, оперных трупп, развитие музыкального образования (В конце XVIII века музыкальные классы создаются также при Московском университете, в институтах, лицеях, пансионах; появляется целый ряд частных школ) и становление концертной деятельности, наконец, появление национальной композиторской школы подготовили создание и расцвет русской классической музыки в XIX веке.

15 сентября

4 класс  ФГТ   Урок  №2-3

«Содержание музыкальных произведений. Музыкальные образы»

Уважаемые ученики!

По этим ссылкам вы можете прослушать музыкальные произведения, о которых шла речь на уроке:

1.П. И. Чайковский Цикл «Детский альбом» «Новая кукла»

Видео здесь

2. Р. Шуман Цикл «Альбом для юношества» «Веселый крестьянин» видео -  смотреть здесь

3. Н. А. Римский-Корсаков Опера «Сказка о царе Салтане» Три чуда

Видео – смотреть здесь

4. А. К. Лядов «Кикимора»  

Видео   здесь

5.М. И. Глинка Опера «Иван Сусанин» Ария Сусанина

Видео- здесь

6. М. И. Г линка  Фантазия на две русские песни «Камаринская»

Видео- здесь

7. П. И. Чайковский Цикл «Времена года» Октябрь «Осенняя песнь»

Видео - здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

16  сентября

6 класс ФГТ  

Урок №2   Творческий облик Ф. Шуберта

Уважаемые ученики!

1. Прочитайте материал в учебнике стр.164 – 173

2. По данным ссылкам вы можете посмотреть видео о жизни и творчестве композитора:

Видео – Жизнь и творчество Франца Шуберта – видео - здесь 

3. Выполните задания в «Занимательных страничках»

17  сентября

7 класс ФГТ  Урок №2                

Творческий портрет А. П. Бородина

По данной ссылке вы можете посмотреть фильм о жизни и творчестве композитора:

«  А.П. Бородин     Жизнь и творчество.» - смотреть здесь

«Волшебный дар наук и муз. А.П.Бородин» - смотреть здесь 

Учебник –  биография композитора

17 сентября 8 класс ФГТ

                                 Урок №2     Сергей Иванович Танеев

По данным ссылкам вы можете посмотреть фильмы о жизни и творчестве С. И. Танеева:

«С. И. Танеев» - смотреть здесь

«Абсолютный слух. С. И. Танеев» - смотреть здесь

Человек душевной чистоты, неподдельной доброты, большой сердечности, чуткости, деликатности и удивительной скромности - такими добродетельными качествами наделяли современники Сергея Ивановича Танеева – видного композитора, блестящего пианиста, крупнейшего учёного музыковеда и прирождённого педагога, настоящего профессионала своего дела. Как композитор он оставил потомкам богатое творческое наследие. Как пианист он не только славился своей виртуозностью, но мог до тончайших мелочей передавать задуманное автором. Как ученый-музыковед он написал научные труды, которые и сегодня не потеряли своей актуальности. Как педагог для своих учеников он был «лучом в тёмном царстве» и попасть в его класс считалось большой удачей. Танеев был образцом во всём. Чтобы он не делал, он делал с оптимизмом, громадной волей и методичностью в работе. Большой интеллектуал с глубочайшей осмысленностью высказываний он имел такой авторитет, что многие выдающиеся деятели того времени почитали за честь общаться с ним.

В середине позапрошлого века, а именно 25 ноября 1856 года, в древнейшем и красивом городе России – Владимире, в доме добрейшего души человека, потомка старинного дворянского рода, статского советника, врача и магистра словесности - Ивана Ильича Танеева произошло радостное событие: на свет появился малыш. Мальчик, которого счастливые родители назвали Сергеем, рос в доброжелательной и творческой атмосфере: в семье между собой изъяснялись на трёх языках и могли похвастаться богатейшей домашней библиотекой. Кроме того, глава семейства, будучи весьма образованным человеком и страстно увлекавшийся литературой и музыкальным искусством, часто устраивал в своём гостеприимном доме различные творческие вечера.

Родители очень заботились о всестороннем развитии своих сыновей, которых кроме Сережи было ещё двое: старший Владимир и средний Павел. Однако из троих детей музыкальными способностями был одарён только младшенький. Одарённость Сёрёжи, проявившаяся в раннем возрасте, всячески поддерживалась и уже с пяти лет он начал заниматься на фортепиано со специально приглашёнными преподавателями, которые отмечали великолепный слух, музыкальную память и необычайную серьёзность малыша.

Биография Танеев гласит, что в середине семидесятых годов семья Танеевых переехала на постоянное место жительство в Москву, где в Обуховском переулке приобрела скромный домик. Сергея определили на обучение в первую классическую гимназию, а 1966 году, после открытия Московской консерватории, записали вольнослушателем и в это учебное заведение, где на протяжении четырех лет он был учеником Э.Л. Лангера по фортепиано и теоретическим дисциплинам. В 1868 году обучение в гимназии всё же пришлось оставить, так как совмещать учёбу сразу в двух заведениях было для мальчика тяжело, тем более в консерватории тоже преподавались общеобразовательные дисциплины.

В сентябре 1969 года Сергей Танеев становится действительным учащимся консерватории, кроме того, по теоретическим дисциплинам он сразу был определён в класс П.И. Чайковского, а затем у него же продолжал изучать инструментовку и композицию. Уже с того времени, когда преподаватель и ученик начали профессионально общаться, между ними завязались тёплые дружеские отношения, которые продолжались до самой смерти любимого учителя.

Юноша занимался музыкой очень увлечённо и иногда этим даже пугал своего отца. Иван Ильич стал беспокоиться, что одностороннее образование пагубно отразиться на общем развитии сына и поэтому консерваторское обучение Сергея поставил под вопрос. Спасти будущего композитора от неправильных намерений его родителя смог только директор консерватории Николай Григорьевич Рубинштейн. Обычно скупой на похвалу, он настолько одобрительно отозвался о талантах молодого музыканта, что все страхи Ивана Ильича насчёт будущего его сына развеялись в один момент. После этого случая Николай Григорьевич взял Сергея в свой класс и обучал его игре на фортепиано до окончания консерватории. Более того не сомневаясь, что у талантливого ученика будет прекрасное творческое будущее как у исполнителя, так и композитора, Рубинштейн приглашал Сергея на музыкальные вечера, которые устраивал в своём доме.

Дебют Танеева – пианиста состоялся в 1874 году в Усадьбе Голицыных в Знаменском переулке. Это было первое публичное выступление молодого музыканта, на котором он блестяще исполнил произведения Листа и Шопена. В классе композиции Сергей также оправдывал все ожидания своего учителя П.И. Чайковского. За годы учёбы он стал автором крупных произведений, среди которых симфония, увертюры и кантата. Консерваторию Танеев закончил в девятнадцать лет просто блестяще: он стал первым учащимся этого учебного заведения, получившим золотую медаль. Перед молодым человеком открывались большие перспективы исполнительской, композиторской и педагогической деятельности, которыми он впоследствии на протяжении всей жизни с успехом занимался, но поначалу юноша решил совершить познавательное турне за пределы отечества. По приглашению своего педагога и наставника Н.Г. Рубинштейна он с образовательными целями посетил Грецию, Италию и Швейцарию, где с интересом изучал культуру и искусство этих стран. Вернувшись на родину, Сергей Танеев начал самостоятельную творческую жизнь. Активно гастролируя по городам России, он успешно выступал в Санкт - Петербурге, Харькове, Нижнем Новгороде, а в ноябре в Москве привёл слушателей в восторг премьерным исполнением концерта № 1 для фортепиано с оркестром П.И. Чайковского.

Весной 1876 года Сергей вновь отправляется с концертами по российским городам, а летом, немного отдохнув, вновь покидает Россию и уезжает во Францию, чтобы познакомиться с европейским искусством. В Париже он прилежно продолжает заниматься на фортепиано, просиживая за инструментом по 4-5 часов, регулярно присутствует на репетициях симфонических оркестров под управлением таких известных маэстро как Ж. Э. Падлу и Э. Колонна, посещает лекции в Сарбонне и различные концертные выступления. Ему посчастливилось быть приглашённым на «музыкальные четверги» к знаменитой Полине Виардо, которая в то время своим прекрасным пением радовала только близких друзей. Круг знакомств молодого человека сильно расширился: он сблизился с писателями Тургеневым, Ренаном, Флобером, и Золя, а также композиторами – Форе, Гуно, Сен-Сансом, Дюпарком и д'Энди. Восемь месяцев проведённые в Париже не прошли для Сергея даром, они вдохновили его на новые творческие свершения. Молодой музыкант переоценил свои предыдущие достижения и сделал вывод о недостаточной полноценности своего образования. Он учредил для себя программу, которой неукоснительно следовал всю жизнь.

Возвращение на родину пришлось на июль месяц, но прекрасная летняя погода не соблазнила музыканта. Он поставил перед собой цель отработать ряд интересных программ, которые впоследствии исполнил на концертах в течение текущего года.

В 1878 году в жизни Сергея Танеева произошли кардинальные изменения. Его друг и учитель Пётр Ильич Чайковский, устав от преподавательской работы, а кроме того получив от государства пенсионное материальное обеспечение, решил полностью заняться творчеством. Он уговорил Танеева, которому к тому времени было всего лишь 22 года, взять на себя его консерваторскую педагогическую нагрузку, включающую в себя курс гармонии, полифонии, анализа музыкальных форм и оркестровки. А в 1881 году после кончины Н.Г. Рубинштейна, получив должность профессора, Сергей Иванович прибавил к своей преподавательской нагрузке фортепианный класс своего любимого педагога. В 1884 году по рекомендации Чайковского Танеев занял должность директора консерватории, на которой оставался в течение четырёх лет. Пользуясь большим авторитетом не только профессуры, но и студентов, он не только вернул консерватории прежний престиж, но и ввёл много новшеств, которые улучшили работу учреждения. Однако в 1889 году из-за неудовлетворённости административной работой и сильного влечения к творческой деятельности он оставил руководящий пост и сохранил в консерватории только педагогическую нагрузку.

К сожалению, в это время Танеев всё же мало занимался композиторской деятельностью, его больше интересовала грядущая постановка его оперы «Орестея» намеченная на сентябрь 1895 года в Петербурге. Композитор в это время часто наведывался в столицу, где сблизился с меценатом и владельцем нотного издательства М. Беляевым, а также питерскими композиторами: Римским-Корсаковым и Глазуновым. Серьёзные изменения в жизни Сергея Ивановича произошли в 1905 году. Возмущённый властными методами руководства директора консерватории В. Сафронова, он покинул стены учреждения и туда более не возвращался, а кроме того отказался от положенной ему пенсии. Тем не менее от любимой своей педагогической деятельности Танеев не отказался: он занимался частной практикой, совершенно бесплатно обучая учеников.

Уйдя из консерватории, Сергей Иванович продолжал оставаться значимой персоной в музыкальной жизни Москвы. В 1906 году он был одним из музыкальных деятелей, инициировавших открытие Народной консерватории, первоочередной задачей которой было музыкальное просвещение и приобщение простых людей к классической музыке. Помимо этого Танеев начал работать в ней преподавателем, с удовольствием приобщая широкие массы к искусству. В том же 1906 году Танеев закончил работу над «Подвижным контрапунктом строгого письма» - уникальным трудом, над которым композитор корпел около семнадцати лет. В 1908 году он стал одним из основателей «Музыкально-теоретической библиотеки, а в 1912 году был избран её почётным членом. Последним в жизни композитора стал 1915 год. Потрясённый преждевременной кончиной в апреле месяце Александра Скрябина, он, на похоронах следуя за гробом своего ученика, сильно простудился. Не придавая большого значения своему заболеванию, Танеев продолжал активно работать. С начала мая состояние здоровья композитора резко ухудшилось и его на автомобиле перевезли в семейную усадьбу Дютьково, где 19 июня Сергей Иванович скончался.

18 сентября

3 класс ОРП    Урок 2             Иоганн Себастьян Бах

Иоганн Себастьян Бах — великий немецкий композитор XVIII века, не получивший при жизни заслуженного признания.

Он родился в 1685 году в небольшом немецком городке Эйзенахе.

Первые навыки игры на скрипке Иоганн получил от отца, который был городским скрипачом. Кроме того, мальчик обладал прекрасным голосом (сопрано) и пел в хоре городской школы. Таким образом, ярко выраженная музыкальность маленького Иоганна предопределила его будущее:

никто не сомневался, что он станет музыкантом.

В девять лет ребенок потерял своих родителей и остался на попечении старшего брата, служившего церковным органистом в городе Ордруфе. Он отдал своего воспитанника в гимназию и продолжил обучать музыке. Однако учитель из старшего брата был неважный. Современники отзывались о нем, как о сухом и нечутком музыканте, а русский писатель и музыкальный критик В. Ф. Одоевский в своей новелле «Себастьян Бах» описал его следующим образом: «Сорок лет он прожил органистом в одной и той же церкви. Сорок лет каждое воскресенье играл почти один и тот же хорал, 40 лет одну и ту же к нему прелюдию, и только по большим праздникам присоединял к ней в некоторых местах один форшлаг и две трели, и тогда слушатели говорили между собой: «О! Сегодня наш Бах разгорячился!».

Занятия музыкой под руководством брата проходили для Иоганна столь же однообразно, что являлось для любознательного ребенка настоящей пыткой. Ему не оставалось ничего другого, как заниматься самообразованием.  Узнав, что у брата в запертом шкафу хранится тетрадь с произведениями знаменитых композиторов, мальчик тайком по ночам доставал тетрадь и переписывал ноты при лунном свете. Эта утоми тельная работа, вследствие которой зрение Иоганна значительно ухудшилось, длилась шесть месяцев, пока однажды брат не застал своего маленького подопечного за его ночными занятиями и не отобрал уже переписанные ноты.

Когда Иоганну Себастьяну исполнилось пятнадцать лет, он решил начать самостоятельную жизнь и переехал в Люнебург. В 1703 году молодой человек закончил гимназию и получил право поступить в университет. Но продолжить учебу он не смог, т. к. надо было добывать средства к существованию.

В течение своей жизни Бах несколько раз переезжал из города в город, меняя место работы. Однако на новом месте его ждало то же самое: неудовлетворительные условия для развития своей деятельности, унизительное зависимое положение. Но как бы ни была неблагоприятна обстановка для жизни и творчества композитора, его никогда не покидало желание овладеть новыми знаниями и стремление к самосовершенствованию. Иоганн Бах постоянно изучал музыку не только своих соотечественников, но также итальянских и французских композиторов (например, А. Скарлатти, Ф. Куперена). Не упускал Бах случая и лично познакомиться с выдающимися музыкантами, изучить манеру их исполнения. Однажды, не располагая деньгами на поездку, молодой человек

отправился в другой город пешком, чтобы послушать игру прославленного органиста Букстехуде.

Такое же упорство, как в учении, Бах проявлял и в отстаивании своих взглядов на творчество и музыку. Вопреки преклонению придворного общества перед иностранной музыкой, композитор изучал и широко использовал в своих произведениях народные немецкие песни и танцы.

Следует заметить, что талант Баха не ограничивался областью композиции. Он был лучшим среди своих современников исполнителем на органе и клавесине. Рассказывают, что однажды Баха пригласили в Дрезден, чтобы участвовать в состязании со знаменитым в то время французским органистом и клавесинистом Луи Маршаном. Накануне состоялось предварительное знакомство музыкантов, оба они играли на клавесине. В ту же ночь Маршан поспешно уехал, признав тем самым неоспоримое превосходство Баха.

С 1708 года Иоганн Бах обосновался в Веймаре, где поступил на службу в качестве придворного музыканта и городского органиста. Здесь он создал свои известнейшие произведения для органа, в том числе токкату, фугу ре-минор и пассакалию до-минор. Эти сочинения отличаются глубиной содержания, звучностью и совершенством по мастерству.

В 1717 году Бах с семьей перебрался в Кетен. В этом городе он писал в основном клавирную и оркестровую музыку. Блеснуть своим искусством игры на органе он не мог, т. к. при дворе принца Кетенского такого инструмента просто не было. Зато в обязанности композитора входило руководить небольшим оркестром, аккомпанировать пению принца и развлекать его игрой на клавесине.

Все свое свободное время Бах, как и прежде, отдавал творчеству. Созданные в это время произведения для клавира представляют собой вторую —после органных сочинений—вершину в его творчестве. В Кетене были написаны двух-голосные и трехголосные инвенции (трехголосные инвенции Бах называл симфониями), «Французские» и «Английские» сюиты, 24 прелюдии и фуги, составившие первый том большого труда под названием «Хорошо темперированный клавир», а также известная «Хроматическая фантазия и фуга» ре-минор.

Из Кетена в 1723 году Бах переехал в Лейпциг, где и остался до конца своих дней. Здесь композитор занял должность кантора (руководителя хора) певческой школы при церкви Святого Фомы. Данное положение обязывало его ограничить свое творчество довольно узкими рамками и сочинять такую музыку, которая бы «не была слишком продолжительной, а также… опероподобной, но чтобы возбуждала в слушателях благоговение». Однако Бах, как всегда, жертвуя многим, никогда не поступался главным — своими художественными убеждениями. Действуя в соответствии с этим принципом, композитор смог, даже будучи стеснен различными условностями, создать свои лучшие вокально-инструментальные композиции: большую часть кантат,

«Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», мессу си-минор, «Итальянский концерт». Примерно в это же время он закончил и второй том «Хорошо темперированного клавира», куда вошли 24 новые прелюдии и фуги.

Помимо огромной творческой работы и службы в церковной школе, Бах принимал активное участие в деятельности «Музыкальной коллегии» города — общества, объединявшего любителей музыки, время от времени дававших светские концерты для жителей города сам не раз принимал участие в качестве солиста и дирижера, Бах написал много оркестровых, клавирных и вокальных произведений светского характера.

Между тем основная работа Баха — руководителя школой певчих —

приносила ему одни огорчения и неприятности. Средства, выделяемые церковью на школу, были настолько малы, что певчие мальчики не могли нормально питаться и одеваться. Их музыкальные способности также оставляли желать лучшего, а оркестр школы состоял всего лишь из четырех труб и стольких же скрипок. Все прошения об оказании помощи учебному заведению, поданные Бахом городскому начальству, оставались без внимания. Ответственность же за все неполадки тяжелым бременем ложилась на его плечи.

Отрадой композитору служило его творчество и семья. Сыновья Вильгельм Фридеман, Филипп Эмануэль, Иоганн Кристианн рано обнаружили свой музыкальный талант и впоследствии стали известными музыкантами и композиторами. Музыкальные способности были и у второй жены Баха Анны Магдалены, хорошо пела и старшая дочь. Поэтому в доме композитора часто звучала музыка, а сам он сочинял для своей семьи вокальные и инструментальные ансамбли.

Последние годы жизни Бах страдал серьезной болезнью глаз. Неудачная операция привела к тому, что он полностью ослеп, но и тогда он продолжал сочинять, диктуя свои произведения для записи.

Смерть великого композитора осталась незамеченной. О нем скоро забыли, а его могила при перепланировке церковного двора исчезла под мостовой. Трагически сложились судьбы жены и младшей дочери Баха.

Первая умерла десять лет спустя в доме призрения для бедных, а другая влачила нищенское существование.

По данным ссылкам вы можете посмотреть фильм о композиторе:

Видео - здесь

Ответьте на вопросы теста  - здесь

18 сентября

4 класс ОРП               Михаил Иванович Глинка

1804 - 1857

Глинка — основоположник русской классической музыки и первый русский композитор мирового значения. Творчество Глинки завершило процесс формирования отечественной композиторской школы и вместе с тем открыло новые пути русской музыки, занявшей в XIX веке одно из ведущих мест в европейской культуре. В произведениях Глинки нашел свое яркое выражение подъем русской национальной культуры, порожденный событиями Отечественной войны 1812 года. Подобно Пушкину Глинка создал прекрасное и гармоничное искусство, воспевающее красоту и радость жизни, торжество разума, добра и справедливости. В своем творчестве Глинка обращался к различным музыкальным жанрам — опере, романсу, симфоническим произведениям, камерным ансамблям, фортепианным пьесам и другим сочинениям. Важнейшими качествами музыки Глинки были выразительность и пластичность мелодий, тонкость гармонии и стройность формы, изящество инструментовки. Его музыкальный язык, впитав в себя своеобразные черты русской народной песни и итальянского бельканто, венской классической школы и романтического искусства, стал основой национального стиля русской классической музыки.

Биография Детство и юность.

 Глинка родился 20 мая (по старому стилю) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии. В имении родителей он был окружен любовью и заботой, а его первые детские впечатления, связанные с русской природой, деревенским бытом и народной песней, повлияли на всю дальнейшую судьбу. «Живейшим поэтическим восторгом» наполняли его душу колокольные звоны и церковное пение. Мальчик рано познакомился и с профессиональной музыкой, когда слушал домашние концерты небольшого оркестра  крепостных музыкантов, принадлежавшего его дяде, а зачастую и играл по слуху вместе с ними. Много позднее композитор вспоминал в своих «Записках »: «...Однажды играли квартет Крузеля (Б. Круселль — финский композитор и кларнетист-виртуоз, старший современник Глинки) с кларнетом; эта музыка произвела на меня непостижимое, новое и восхитительное впечатление — я оставался целый день потом в каком-то лихорадочном состоянии, был погружен в неизъяснимое, томительно-сладкое состояние и на другой день во время урока рисования был рассеян;  в следующий урок рассеянность еще увеличилась, и учитель, заметя, что я рисовал уже слишком небрежно, неоднократно журил меня и, наконец, однако ж, догадавшись, в чем было дело, сказал мне однажды, что он замечает, что я все только думаю о музыке: что ж делать? — отвечал я, — музыка — душа моя».  В это же время Глинка начинает учиться игре на фортепиано, а затем и на скрипке. Домашнее образование, типичное для дворянских семей в начале XIX века, включало в себя различные предметы; юный Глинка неплохо рисовал, страстно увлекался географией и путешествиями, изучал литературу, историю и иностранные языки (впоследствии он владел восемью языками).

Неизгладимое впечатление оказали на мальчика события Отечественной войны 1812 года. На время наполеоновского нашествия семья Глинки была вынуждена покинуть имение и перебраться в Орёл. Но по возвращении домой услышанные им рассказы о героизме русских людей и подвигах партизан Смоленщины остались в памяти на всю жизнь. Дом в селе Новоспаском, где родился Глинка остался в памяти на всю жизнь.

С 1818 года Глинка продолжил свое образование в одном из лучших учебных заведений Петербурга — Благородном пансионе при Главном педагогическом институте. Пансион славился прогрессивно мыслящими преподавателями и передовыми учеными, среди которых выделялся своим смелым талантом и незаурядностью выдающийся русский юрист А. П. Куницын — один из любимых учителей Пушкина. Гувернером Глинки в пансионе был В. К. Кюхельбекер — лицейский друг Пушкина, поэт и будущий декабрист. Общение с ним способствовало развитию у Глинки чувства любви к народному искусству и интереса к поэзии. Тогда же Глинка познакомился и с Пушкиным, который часто навещал в пансионе Кюхельбекера и своего младшего брата Льва. Годы учения протекали в атмосфере пылких литературных и политических споров с друзьями, что отражало тревожный дух времени. В Благородном пансионе, как и в Царскосельском лицее, сформировались личности будущих «бунтовщиков» - непосредственных участников трагических событий 14 декабря 1825 года. Во время пребывания в пансионе продолжалось развитие музыкального дарования Глинки. Он берет уроки игры на фортепиано и скрипке, а также теории музыки у лучших петербургских педагогов (в том числе несколько уроков фортепиано у Дж. Филда), постоянно посещает камерные и симфонические концерты, оперу и балет, принимает участие в любительских выступлениях и, наконец, делает первые шаги в сочинении.

Ранний период творчества. Окончив пансион в 1822 году, Глинка

некоторое время проводит в Новоспасском, где с домашним оркестром дяди пробует свои силы как дирижер, постигая искусство оркестрового письма.

Летом следующего года он совершает для лечения поездку на Кавказ, принесшую много ярких впечатлений. Далее в течение нескольких лет Глинка живет в Петербурге.

Прослужив недолгое время чиновником в канцелярии Совета путей сообщения, он вскоре подает в отставку, чтобы целиком посвятить себя главному и любимому занятию — музыке.

Огромное значение для художественного формирования композитора имело его знакомство и постоянное общение с крупнейшими поэтами и писателями — Пушкиным, Дельвигом, Грибоедовым, Жуковским, Мицкевичем, Одоевским, а также с лучшими музыкантами того времени: Глинка часто встречается и музицирует с Варламовым, братьями Виельгорскими. Анна Петровна Керн, в доме которой часто бывал Глинка, рассказывала в своих воспоминаниях об исполнительском искусстве композитора: «Глинка... поклонился своим выразительным, почтительным манером и сел за рояль. Можно себе представить, но мудрено описать мое удивление и восторг, когда раздались чудные звуки блистательной импровизации... У Глинки клавиши пели от прикосновения его маленькой ручки. Он так искусно владел инструментом, что до точности мог выразить все, что хотел; невозможно было не понять того, что пели клавиши под его миниатюрными пальцами... В звуках импровизации слышалась и народная мелодия, и свойственная только Глинке нежность, и игривая веселость, и задумчивое чувство. Мы слушали его, боясь пошевелиться, а по окончании оставались долго в чудном забытьи. ...Когда он, бывало, пел... романсы, то брал так сильно за душу, что делал с нами что хотел: мы и плакали и смеялись по воле его. У него был очень небольшой голос, но он умел ему придавать чрезвычайную выразительность и сопровождал таким аккомпанементом, что мы заслушивались. В его романсах слышалось и близкое искусное подражание звукам природы, и говор нежной страсти, и меланхолия, и грусть, и милое, неуловимое, необъяснимое, но понятное сердцу». Наряду с этим начинающий композитор много времени посвящает самостоятельному изучению оперной и симфонической литературы. После первых несовершенных опытов появляются такие яркие сочинения, как романсы «Не искушай» (слова Е. Баратынского), «Бедный певец» и «Не пой, красавица, при мне» (оба на слова Пушкина), соната для альта с фортепиано и другие инструментальные произведения. Желая развить и усовершенствовать свое мастерство, Глинка в 1830 году уезжает за границу.

Путь к мастерству.

За четыре года Глинка посетил Италию, Австрию и Германию. Будучи по натуре своей добрым, общительным и увлекающимся человеком, он легко сходился с людьми. В Италии Глинка сближается с такими корифеями итальянского оперного искусства, как Беллини и Доницетти, знакомится с Мендельсоном и Берлиозом. Жадно впитывая разнообразные впечатления, увлекаясь красотой итальянской романтической оперы, композитор пытливо и серьезно учится. В общении с первоклассными певцами он с упоением постигает на практике великое искусство бельканто.

В Италии Глинка продолжает много сочинять. Из-под его пера появляются произведения разных жанров: «Патетическое трио», секстет для фортепиано и струнных инструментов, романсы «Венецианская ночь» и «Победитель», а также целый ряд фортепианных вариаций на темы популярных итальянских опер. Но вскоре в душе композитора возникают иные стремления, о чем есть свидетельство в «Записках»: «Все написанные мною в угождение жителей Милана пьесы... убедили меня только в том, что я шел не своим путем и что я искренно не мог быть Итальянцем. Тоска по отчизне навела меня постепенно на мысль писать по-Русски». Выехав летом 1833 года из Италии, Глинка сначала посетил Вену, затем переехал в Берлин, где зимой 1833 – 1834 года совершенствовал свои знания под руководством известного немецкого теоретика музыки Зигфрида Дена.

Центральный период творчества.

 Весной 1834 года Глинка возвращается в Россию и приступает к осуществлению своего заветного замысла, возникшего еще за границей, — созданию национальной оперы на отечественный сюжет. Этой оперой стал «Иван Сусанин», премьера которой состоялась в Петербурге 27 ноября 1836 года. Музыкальный писатель и критик В. Ф. Одоевский дал высокую оценку этому событию в русской музыке: «С оперою Глинки является то, чего давно ищут и не находят в Европе, — новая стихия в искусстве — и начинается в его истории новый период: период русской музыки. Такой подвиг, скажем, положа руку на сердце, есть дело не только таланта, но гения!» Успех окрылил композитора, и сразу после премьеры «Ивана Сусанина» он начинает работать над новой оперой «Руслан и Людмила». Поэму Пушкина Глинка узнал еще в юности и теперь горел желанием воплотить в музыке яркие сказочные образы. Композитор мечтал, что либретто напишет сам поэт, но судьба распорядилась иначе. Гибель Пушкина разрушила первоначальные планы Глинки, и создание оперы растянулось почти на шесть лет. Другие жизненные обстоятельства также не благоприятствовали творческому процессу.

В 1837 году Николай I в качестве поощрения назначает Глинку на должность капельмейстера Придворной певческой капеллы. Эта служба, сначала привлекшая композитора своей творческой стороной, постепенно стала тяготить его многочисленными чиновничьими обязанностями, и он подает в отставку. Неудачной оказалась женитьба Глинки, закончившаяся бракоразводным процессом. Все эти события делали жизнь композитора все более трудной. Глинка разрывает прежние знакомства в светском обществе и ищет убежище в артистическом мире. Ближайшим его другом становится известный писатель и драматург Н. Кукольник. В его доме Глинка общается с художниками, поэтами, журналистами и находит избавление от нападок и сплетен своих великосветских недоброжелателей. Композитор и музыкальный критик А. Н. Серов в своих воспоминаниях оставил выразительный портрет Глинки, относящийся к этому времени: «...Брюнет с бледно-смуглым, очень серьезным, задумчивым лицом, окаймленным узкими, черными, как смоль, бакенбардами; черный фрак застегнут доверху; белые перчатки; осанка чинная, горделивая... Как все истинные артисты, Глинка был темперамента, по преимуществу, нервного. Малейшее раздражение, тень чего-нибудь неприятного вдруг делали его совсем не в духе; среди общества, которое было не по нем, он, даже приневоливая себя, решительно не мог музицировать. Напротив, в кругу людей, искренно любящих музыку, горячо ей сочувствующих... более далеких от условного, холодного этикета и пустой церемонности великосветских гостиных, Глинка дышал свободно, свободно весь отдавался искусству, увлекал всех, потому что сам увлекался, и чем дальше, тем больше увлекался, потому что увлекал других».

Вместе с тем в эти трудные годы, работая над «Русланом», композитор создает много других сочинений; среди них романсы на слова Пушкина «Я помню чудное мгновенье» и «Ночной зефир», вокальный цикл «Прощание с Петербургом» и романс «Сомнение» (оба на слова Кукольника), а также музыка к трагедии Кукольника «Князь Холмский», первый вариант (для фортепиано) «Вальса-фантазии». К этому же времени относится деятельность Глинки в качестве певца и вокального педагога: на его этюдах и упражнениях и при его участии постигали секреты мастерства певцы Д. Леонова, С. Гулак-Артемовский; его советами пользовались О. Петров и А. Петрова-Воробьева (первые исполнители ролей Сусанина и Вани).

Наконец, была закончена опера «Руслан и Людмила» и 27 ноября 1842 года, ровно через шесть лет после премьеры «Ивана Сусанина», поставлена в Петербурге. Эта премьера принесла Глинке немало тяжелых переживаний. Император и его свита покинули зал до окончания представления, что определило «мнение» аристократической публики. В печати разгорелись жаркие споры вокруг новой оперы. Великолепным ответом недоброжелателям Глинки стала статья В. Ф. Одоевского и строки из нее: «О, верьте мне! На русской музыкальной почве вырос роскошный цветок — он ваша радость, ваша слава. Пусть черви силятся вползти на его стебель и запятнать его, — черви спадут на землю, а цветок останется. Берегите его: он цветок нежный и цветет лишь один раз в столетие». «Руслан и Людмила» — «большая волшебная опера» (по определению автора) — стала первой русской сказочно-эпической оперой. В ней причудливо переплелись разнооб-разные музыкальные образы — лирические и эпические, фантастические и восточные. Опера, проникнутая солнечным оптимизмом, выражает вечные идеи победы добра над злом, верности долгу, торжества любви и благородства. Глинка, по словам ученого и критика Б. Асафьева, «на былинный лад распел пушкинскую поэму», в которой неторопливое, как в сказе, былине, развертывание событий построено на контрасте сменяющих друг друга красочных картин. Традиции «Руслана и Людмилы» Глинки были в дальнейшем разносторонне развиты русскими композиторами. Эпичность, картинность по-новому ожили в опере «Князь Игорь» и «Богатырской симфонии» Бородина, а сказочность нашла свое продолжение во многих произведениях Римского-Корсакова. Сценическая жизнь «Руслана и Людмилы» не была счастливой. Оперу стали ставить все реже из-за резко возраставшего увлечения аристократической публики итальянской оперой, и через несколько лет она надолго исчезла из репертуара.

Поздний период жизни и творчества.

В 1844 году Глинка уезжает в Париж, где проводит около года. Художественная жизнь французской столицы производит на него большое впечатление; он встречается с французскими композиторами Джакомо Мейербером, а также Гектором Берлиозом, который с успехом исполнил в своих концертах фрагменты из опер Глинки и напечатал хвалебную статью о русском композиторе. Глинка был горд приемом, оказанным ему в , Париже: «...Я первый русский композитор, который познакомил парижскую публику со своим именем и своими произведениями, написанными в России и для России», — писал он в письме к матери. Весной 1845 года, специально выучив испанский язык, Глинка отправляется в Испанию. Там он пробыл два года: посещал многие города и области, изучал обычаи и культуру этой страны, записывал от народных певцов и гитаристов испанские мелодии, даже выучился народным танцам. Результатом поездки стали две симфонические увертюры: «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде». Одновременно с ними в 1848 году появилась знаменитая «Камаринская» — оркестровая фантазия на темы двух русских песен. С этих произведений ведет свое начало русская симфоническая музыка. Последнее десятилетие Глинка жил попеременно то в России (Новоспасское, Петербург, Смоленск), то за границей (Варшава, Париж, Берлин). В эти годы зарождаются новые веяния в русском искусстве, связанные с расцветом, по определению В. Белинского, «натуральной» (реалистической) школы в литературе. Они пронизывают творчество Тургенева, Достоевского, Островского, Салтыкова-Щедрина, Толстого и других писателей. Это течение не прошло мимо внимания композитора — оно определило направление его дальнейших художественных поисков.

Глинка начинает работу над программной симфонией «Тарас Бульба» и оперой-драмой «Двумужница», но позже прекращает их сочинение. В эти годы вокруг Глинки возникает кружок молодых музыкантов и почитателей его таланта. В доме композитора часто бывают Даргомыжский, Балакирев, музыкальные критики В. В. Стасов и А. Н. Серов.

Хозяйкой дома и близким другом Глинки стала его любимая сестра Людмила Ивановна Шестакова. Именно по ее просьбе в 1854—1855 годы Глинка написал «Записки» — свою автобиографию. Впоследствии Л. И. Шестакова содействовала увековечению памяти композитора и популяризации его творчества, а в 60—70-е годы в ее доме часто проходили собрания балакиревского кружка, известного под названием «Могучая кучка». Весной 1856 года Глинка совершает последнюю поездку в Берлин. Увлекшись старинной полифонией, изучая произведения Палестрины, Генделя, Баха, он не оставляет мысль о возможности связать «фугу западную с условиями нашей музыки узами законного брака». Эта задача вновь привела Глинку к Зигфриду Дену. Целью занятий было создание оригинальной русской полифонии, основанной на мелодиях знаменного распева.

 Начинался новый этап творческой биографии, которому не суждено было продолжиться. 3 февраля 1857 года в Берлине Глинка скончался. По настоянию Л. И. Шестаковой его прах был перевезен в Россию и погребен на кладбище Александро-Невской лавры в Петербурге. Глинка не успел осуществить многое из задуманного. Но идеи, заложенные в его творчестве, получили развитие в произведениях всех крупнейших русских композиторов.

Вопросы 

1.Каково значение творчества Глинки в истории русской музыки?

2. Расскажите о главных событиях жизни и творчества Глинки.

3. Каковы были «музыкальные университеты» композитора?

4. Назовите выдающихся музыкантов и литераторов — современников и друзей Глинки.

5. Перечислите основные сочинения композитора. 6. Составьте краткий план главных событий жизни и творчества Глинки.

Посмотрите обзательно!

 Худ. фильм М. И. Глинка – здесь

 Жизнь и творчество М. И. Глинки - здесь

Сказки старого пианино (М. И. Глинка) - здесь

Составьте таблицу жизненного и творческого пути композитора:

22 сентября

4 класс ФГТ  Урок № 3    «Выразительные средства музыки»

 Мелодия  Ритм  Лад  Гармония

Домашнее задание:

Учебник -  стр. 12-17

«Занимательные странички» Урок №4

По этим ссылкам прослушайте произведения, о которых  шла речь  на уроке:

• Русская нар. Песня «Уж ты поле мое»

Видео: смотреть здесь 

• Ф.Шопен Этюд №19

Видео: смотреть здесь

• М.П.Мусоргский  Цикл «Детская» «Кот  Матрос»

Видео: смотреть здесь

• Р. Шуман Цикл «Альбом для юношества» «Солдатский марш»

Видео: смотреть здесь

• Г. В. Свиридов: «Весна и осень» Видео: смотреть здесь
• Ф. Шопен Прелюдия №20 до минор Видео:   смотреть здесь 
• Ф. Шопен Полонез Ля мажор: Видео: смотреть здесь
• Л.Бетховен Соната №14 «Лунная» основная тема

Видео:  смотреть здесь

• Бах И.С. Прелюдия  До мажор 1 том «Хорошо темперированного клавира»    Видео: смотреть здесь

23 сентября

6 класс ФГТ      Урок № 3  Вокальное творчество Ф. Шуберта

Прочитайте материал учебника стр. 174 - 179 (до вокальных циклов)

• «Гретхен за прялкой» сл. И. В. Гете  - слушать здесь

Русский текст:

1 :Тяжка печаль и грустен свет,

    Ни сна, ни покоя, мне, бедной, мне, бедной, нет!

    Когда его со мною нет, могилой кажется мне свет.

    Потух, поблёк мой бедный ум, нет ясных чувств, нет светлых дум.

2:Тяжка печаль и грустен свет,

   Ни сна, ни покоя, мне, бедной, мне, бедной, нет!

   В окошко глядя, о нём грущу, повсюду встречи с ним ищу.

   Его ищу я, - не нахожу.

   Его улыбка и жар страстей, и стан высокий, и блеск очей...

   Волшебный звук его речей, пожатье рук, его поцелуй!

3:Тяжка печаль и грустен свет,

   Ни сна, ни покоя, мне, бедной, мне, бедной, нет!

   О нем грущу и плачу я, о нём томится душа моя,

   Зачем не могу я за ним лететь, обнять и млеть, обнять и млеть.

   Зачем не могу я за ним лететь,

   И в поцелуе с ним умереть, и в поцелуе с ним умереть.

   Тяжка печаль и грустен свет!

• Баллада «Лесной царь»  ст.  И. В. Гете   Видео- смотреть здесь

• «Форель»   стихи Х. Шубарта   Видео – смотреть здесь

• «Вечерняя серенада» стихи Л.  Рельштаба  Видео – смотреть здесь

• «Аве Мария»  Видео  - смотреть здесь 

Выполните задания в «Занимательных страничках»

24 сентября

7 класс ФГТ  

Урок №3    А. П. Бородин  Симфония №2 «Богатырская»

Прочитайте материал учебника  

По данным ссылкам вы можете прослушать части симфонии:

 1 часть – видео -  здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

24 сентября

8 класс ФГТ Урок №3

Творческий портрет А. К. Лядова

Уважаемые ученики!

Прочитайте материал учебника  стр. 12-20.

По данным ссылкам посмотрите фильм о композиторе – видео – смотреть здесь

А. К. Лядов симфоническая картина «Кикимора» - смотреть здесь

Симфоническая картина «Баба Яга»  - смотреть здесь

Симфоническая картина «Волшебное озеро» - смотреть здесь

«Музыкальная табакерка»   - смотреть здесь

«Восемь русских народных песен для оркестра» -  1 – «Духовный стих» 2 – «Коляда – Маляда»  3 – «Протяжная»   4 – «Шуточная»   5 – «Былина о птицах» 6 «Колыбельная» 7 – «Плясовая» 8 – «Хоровод» смотреть здесь

25 сентября

3 класс ОРП   Урок №3           И. С. Бах     Органное творчество

Уважаемые ученики! Прочитайте данный материал, прослушайте музыкальные произведения по ссылкам.

Орган – любимый инструмент Баха, постоянный спутник его жизни.

Орган – духовой клавишный инструмент, известный еще у древних римлян, египтян, греков. В западноевропейских странах он появился в VII веке. Вначале орган сопровождал церковное пение во время богослужения. Постепенно он превратился в сольный инструмент. Долгое время его называли «королем инструментов».. устройство его непрерывно совершенствовалось. В настоящее время орган употребляется в первую очередь как сольный концертный инструмент.. огромные размеры, связанные со сложностью конструкции, значительно ограничивают его распространение.

Современный орган состоит из набора деревянных и металлических труб, число которых доходит до несколько тысяч. Некоторые инструменты имею до пяти ручных клавиатур – мануалов. Есть клавиатура для ног. Обычно она имеет 32 клавиши

Все клавиши органа соединены с его трубами. Нажатие клавиши дает звук одной и той же высоты, силы. При помощи переключения специальных рычагов звучание органа может принимать окраску различных инструментов оркестра. Поэтому игра на органе требует большого мастерства.

Орган был любимым инструментом Баха. Композитор написал для него огромное количество произведений.

С ранних лет Бах ощущал своим призванием органное поприще, неустанно учился искусству органной импровизации, явившейся основой его композиторского мастерства.

 Еще ребенком, в родном Эйзенахе, он слушал игру на органе своего дяди, а затем, в Ордруфе – брата.

В должности органиста композитор служил и в Веймаре, где полностью сформировался его самобытный органный стиль. Как известно, именно на Веймарские годы приходится исключительная активность в области баховского органного творчества – создано большинство органных сочинений: Токката и фуга ре минорl, Токката и фуга До мажор, Прелюдия и фуга ля минор, Фантазия и фуга соль минор, Пассакалия до минор и многие другие. Даже когда в силу обстоятельств композитор переключался на другую работу, он не расставался с  органом. Не нужно забывать и то, что в сопровождении органа звучали в церкви баховские оратории, кантаты, пассионы. Именно через орган Бах был известен своим современникам. В органных импровизациях он достиг высшего совершенства, потрясая всех, кто мог его слышать. Прославленный органист Ян Рейнкен, уже на склоне лет, услышав игру Баха, произнес: «Я думал, что это искусство уже давно умерло, но теперь я вижу, что оно живет в Вас!»

В баховскую эпоху орган был «королем всех инструментов» – самым мощным, полнозвучным и красочным. Он звучал под просторными сводами церковных соборов с их пространственной акустикой. Органное искусство было обращено к широким массам слушателей, отсюда такие качества органного музыки, как ораторский пафос, монументальность, концертность.

Подобный стиль требовал развернутых форм, виртуозности. Органные произведения подобны монументальной (фресковой) живописи, где всё подано крупным планом. Неудивительно, что самые величественные инструментальные произведения Бах создал именно для органа.

Органное искусство Баха выросло на богатой почве, ведь в развитии органной музыки наиболее важную роль сыграли именно немецкие мастера. В Германии органное искусство достигло небывалого размаха, выдвинулась целая плеяда замечательных органистов. Многих из них Баху довелось слышать: в Гамбурге – Я. Рейнкена, в Любеке – Д. Букстехуде, который был особенно близок Баху. От своих предшественников он воспринял основные жанры немецкой органной музыки – фугу, токкату, хоральную прелюдию.

Токката и фуга ре минор для органа. (Токката (на итальянском «toccata» - «прикосновение», «удар» от глагола «toccare» - «касаться», «трогать») – виртуозная пьеса для клавишных инструментов) 

Это произведение, пользующееся большой популярностью, начинается тревожным, но мужественным волевым кличем..Он раздается трижды, опускаясь из одной октавы в другую, и приводит к громовому аккордовому раскату в нижнем регистре. Так в начале токкаты очерчивается сумрачно затененное, грандиозное звуковое пространство.

Далее слышатся мощные «завихряющиеся» виртуозные пассажи и широкие аккордовые взмахи-«всплески». Их несколько раз разделяют паузы и остановки на протянутых аккордах. Такое противопоставление стремительного и медленного движения напоминает настороженные передышки между схватками с буйной стихией.

А вслед за свободно, импровизационно построенной токкатой звучит фуга. Она сосредоточена на имитационном развитии одной темы, в которой волевое начало как бы обуздывает стихийные силы:

Широко развернувшись, фуга перерастает в коду — завершающий, итоговый раздел. Здесь вновь разражается импровизационная стихия токкаты. Но она окончательно усмиряется напряженными повелительными репликами. И последние такты всего произведения воспринимаются как суровая и величавая победа непреклонной человеческой воли.

Токката и фуга ре минор – видео – смотреть здесь

Особую группу органных сочинений Баха составляют хоральные прелюдии. (Хорал - это произведение церковного характера, которое исполняется хором служащих. В нем могут воспеваться конкретные события или же воспроизводиться те или иные молитвы, просьбы и т. п.).

Хоральная прелюдия фа минор – это небольшая пьеса лирического характера. Вдохновенная поэтическая мелодия хорала звучит в верхнем голосе. Бах, как будто, поручает ее духовому инструменту гобою. Неторопливое, спокойное  движение нижних голосов придает звучанию мягкость и особенную глубину.

Хоральная прелюдия фа минор – видео – смотреть здесь

25 сентября

4  класс   ОРП       Урок 3      М. И. Глинка  Опера «Иван Сусанин»

        Во время премьеры оперы  осенью1836 года в Большом театре в Петербурге, когда оркестр только начал исполнять увертюру, все  почувствовали в ней что-то необычное. Необычна была и сама музыка. она отличалась своей особой мелодичностью и звучностью. Это была русская музыка, основанная на русском музыкальном фольклоре.

Глинка был высокообразованным музыкантом, и все темы и мелодии были обработаны по всем законам оперного искусства. Но то, что музыкальная основа явно была не иностранной, а русской, было потрясающе новым.

Новым было и то, что о судьбах крестьян в опере говорилось с такой же серьезностью, с какой обычно в опере речь велась о царях, герцогах и принцессах. Перед слушателями были не привычные мужички комических опер или нарядно одетые крестьяне придворных балетов. Герои оперы Глинки были крупными личностями. Даже недоброжелатели были захвачены сценой героической гибели Сусанина.

 «Иван Сусанин (бас) – характер важный.

Антонида, его дочь (сопрано) – характер нежно-грациозный.

Собинин, жених Антониды (тенор) – характер удалый.

Сирота 13- или 14-летний мальчик – характер простосердечный»

В этих определениях композитор выразил суть характеров и с помощью музыки сделал своих героев неповторимыми личностями.

Народный замысел всей оперы подчеркивается и особым пониманием партии хора. Глинка хорошо знал итальянские и французские оперы и роль в них хора.  Он с иронией говорил: «Уж эти мне хоры! Придут неизвестно зачем, пропоют неизвестно что, а потом и уйдут с тем же, с чем пришли». У Глинки  впервые в истории мировой оперы хор показан как действующая сила. Это народ, который активно участвует во всем происходящем, даже в личной жизни героев. Он становится действующим лицом и действующей силой, направляющей сам ход событий.

Глинка впервые в русской музыке отказался от оперы с разговорными диалогами, как было во всех операх в России в XVIII веке. Но самое главное, он создал метод симфонического развития оперной формы. В его сочинениях устанавливается принцип слияния вокального и симфонического начал.

В опере описано подлинное историческое событие — подвиг крестьянина костромского села Домнино Ивана Осиповича Сусанина, который он совершил в 1613 году. Москва уже была освобождена от польской армии, но отряды шляхтичей еще бродили по русской земле. Один из таких отрядов должен был захватить в плен только что избранного русского царя Михаила Федоровича, который жил тогда возле Домнино. Враги пытались сделать Сусанина своим проводником. Но русский крестьянин завел захватчиков в густой лес и погубил их, при этом сам погиб.

Патриотическая тема оперы решена композитором в трагедийном плане — главный герой, простой русский мужик, погибает, спасая Родину и молодого царя от иноземных захватчиков. Подвиг его вошел в историю. Этот подвиг был воспет в русской литературе и музыке. Поэт-декабрист Рылеев создал на этот сюжет стихотворную думу в 1825 году. Композитор К. Кавос в 1815 году написал оперу «Иван Сусанин».

Основу драматургии оперы составляет противопоставление двух образных сфер. Главная из них — русская. Она показана композитором во всем многообразии душевных и духовных качеств человека. Она поднята до уровня трагедийности благодаря идее любви к Отечеству, и вся пронизана интонациями русской песенности. Ей противостоит польская сфера, показанная композитором обобщенно. Ее воплощением являются польские танцы — мазурка, полонез, краковяк, вальс.

Важной особенностью драматургии оперы является ее симфонизация. Все развитие строится на системе тематических связей. С ее помощью композитор не только проводит через всю оперу главную патриотическую мысль, выраженную в народно-песенных темах, но и воплощает идею борьбы двух сил — русских и поляков — посредством конфликтного развития.

Краткое содержание

Действие первое

Действие первое. Осень 1612 года. Село Домнино в Костромской губернии. Крестьяне радостно встречают ополченцев. Дочь Ивана Сусанина Антонида ждет возвращения своего жениха Богдана Собинина, который с дружиной сражается с поляками, она мечтает о свадьбе. На реке показывается лодка — это возвращается Собинин с ратниками. Он рассказывает о сборе ополчения во главе с Мининым и Пожарским. Вместе с Антонидой он просит Сусанина дать согласие на свадьбу. Сначала Сусанин непреклонен, но, узнав, что поляки осаждены в Москве, меняет свое решение.

Начинается опера увертюрой, в которой средствами музыки передается основной драматический конфликт между русскими и польской шляхтой. Темы, которые звучат в увертюре, потом будут использованы композитором в различных эпизодах оперы. Но уже здесь, в увертюре, последовательно развивается основная идея оперы — идея народности, патриотизма.

Действие первое содержит характеристику русского народа и главных героев произведения. Оно открывается интродукцией (Интродукция — «введение», «вступление» (лат.). В оперной и балетной музыке это оркестровое вступление ко всему произведению или отдельным действиям, а также хоровая сцена, следующая за увертюрой и открывающая первое действие). Эта развернутая хоровая сцена строится на двух контрастных хорах — мужском и женском. Мужской хор, по словам Глинки, передает «силу и беззаботную неустрашимость русского народа». Энергичные интонации, близкие крестьянским и солдатским песням, и особенности изложения (сольный запев, подхватываемый хором) придают музыке народный характер:

Слушать  Мужской хор «Родина моя…» - здесь

Мелодия женского хора (появляющаяся сначала в оркестре) своим оживленным и радостным характером напоминает весенние хороводные песни.

Кульминацией интродукции является большая хоровая фуга (свободной композиции), в которой соединяются темы обоих хоров.

Слушать Женский хор «На зов своей родной страны»- здесь

Видео Интродукция  смотреть - здесь

После монументальной интродукции следуют каватина и рондо Антониды — музыкальный портрет героини, раскрывающий ее душевный мир, нежность и верность в любви.

Каватина, неторопливая и задумчивая, близка своей распевностью русским протяжным песням. Мечтательно- грустные фразы солирующих кларнета и флейты подчеркивают  народный характер музыки:

Рондо, оживленное и шаловливо-грациозное, раскрывает светлый мир

мечтательной Антониды:

Слушать -  здесь

Трио «Не томи, родимый» является лирической кульминацией всего первого действия. Оно пронизано общим настроением грусти, поэтому вокальные партии Собинина, Антониды и Сусанина основаны на одних и тех же выразительных задушевных интонациях, близких городскому бытовому романсу: слушать   - здесь

29 сентября

4 класс ФГТ  Урок №5

Выразительные средства музыки: фактура, регистр, темп

Прочитайте материал учебника стр.11-20

По этим ссылкам прослушайте музыкальные произведения  

1. В каком регистре звучат следующие музыкальные произведения?

• Э Григ «В пещере горного короля»   Видео: здесь
• Н. А. Римский-Корсаков Тема Шахриара из сюиты «Шехеразада»  - слушать здесь
• П. И. Чайковский «Марш деревянных солдатиков» из цикла «Детский альбом»  - видео  - здесь
• Э.Григ «Птичка» слушать  здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

30 сентября

6 класс ФГТ  Урок 5       Вокальные циклы Ф. Шуберта

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.179  -182

Выполните задания в «Занимательных страничках»

По данным ссылкам прослушайте  произведения:

Цикл «Прекрасная мельничиха»

• «В путь» - слушать здесь

В движеньи мельник жизнь ведёт,

B движеньи!

Плохой тот мельник должен быть,

Кто век свой хочет дома жить,

Всё дома!

Вода примером служит нам,

Примером!

Ничем она не дорожит

И дальше, дальше в путь бежит —

Всё дальше!

Колёса тоже не стоят,

Колёса!

Стучат, кружатся и шумят —

С водою в путь они хотят,

С водою!

Вертятся, пляшут жернова,

Вертятся.

Кажись бы — им и не под стать,

Но ведь нельзя от всех отстать —

Нельзя же!

Движенье — счастие моё,

Движенье!

Прости, хозяин дорогой,

Я в путь иду вслед за водой —

Далёко!

• «Мельник и ручей»  - слушать здесь

Где страданье в сердце на веки замрет,

Там лилии нежной цветок опадет.

Пусть месяц за тучи зайдет поскорей,

Чтоб слезы его не пугали людей.

И ангелы с неба к бедняжке придут,

И с плачем то сердце баюкать начнут.

Но если страданья любовь победит,

То в небе играя звезда заблестит,

То в небе играя звезда заблестит.

Три розы распустят свои лепестки,

И вянуть не будут несчастья цветки.

Ангелы с неба слетят к нам сюда,

И жить будет счастье меж нами всегда,

И жить будет счастье меж нами всегда.

О милый ручеек мой, беспечный светлый друг,

Не ведаешь любви ты, ее не знаешь мук.

Журчи ж беззаботно и песенки ты пой,

На дне твоем найду я мой вечный покой,

На дне твоем найду я мой вечный покой.

• «Колыбельная ручья» - слушать здесь

Баю-бай, баю-бай!

Тихо ты засыпай!

Здесь тебя усыпит моя волна.

Ты здесь отдохни,

Засни, засни —

До тех пор, как ручьи море выпьет до дна.

Тебя положу

На дне моем —

Там, под сводом хрустальной моей волны.

Вот здесь усни

Под песни и звон.

Рейте и пойте: усталый он спит!

Когда рог звучит

В глубине лесов,

Вкруг тебя подниму сильной бури шум.

Взор скройте свой,

О цветы ручья!

Несете ему вы тяжелые сны.

Уйди, уйди

От тропинки ты,

Уйди, уйди,

Не тревожь его.

Тенью разбудишь его ты своей!

Брось в волны мне

Платочек свой!

Я им закрою бедняге глаза.

Сон и мир, сон и мир

До дня зари.

Забудь свою радость, забудь печаль!

Встает луна,

Ушел туман.

Высока, недоступна небесная даль!

Цикл «Зимний путь»

• «Шарманщик»  - слушать здесь

Вот стоит шарманщик грустно за селом,

И рукой озябшей вертит он с трудом,

Топчется на месте, жалок, бос и сед.

Тщетно ждет бедняга – денег в чашке нет.

Тщетно ждет бедняга, – денег нет и нет.

Люди и не смотрят, слушать не хотят,

Лишь собаки злобно на него ворчат.

Все покорно сносит, терпит все старик,

Не прервется песня и на краткий миг,

Не прервется песня и на краткий миг.

Хочешь, будем вместе горе мы терпеть?

Хочешь, буду песни под шарманку петь?

1 октября

7 класс ФГТ  Урок №4

А. П. Бородин  Опера «Князь Игорь»

Уважаемые ученики!

Прочитайте материал учебника стр159-161

Выполните задания в «Занимательных страничках»

Прочитайте сюжет оперы «Князь Игорь»

Оперу «Князь Игорь» написал А. П. Бородин. В ней пролог и четыре действия. Опера написана на основе памятника древнерусской литературы «Слово о полку Игореве».

Пролог. Площадь Путивля. Князь Игорь готовит поход на половцев. Звучит хор «Солнцу красному слава! Слава князю Игорю!» Неожиданно наступает солнечное затмение. Народ, решив, что это недобрый знак, говорят, что поход успехом не обернется, отговаривают Игоря его совершать. Князь не принял эту примету во внимание, отговорить его не получилось. Он прощается с княгинями и боярынями, в числе которых Ярославна, его жена, и отправляется в поход. Вновь звучит хор «Солнцу красному слава! Слава князю Игорю!», теперь уже более мощно.

Действие первое. Картина первая. Князь Владимир Галицкий сидит в своих покоях и рассуждает о том, как хочет стать князем, а сестру, Ярославну, отправить в монастырь. Увидев толпу девушек, князь выкрадывает одну, а остальных прогоняет.

Действие первое. Картина вторая. Ярославна переживает, что нет никаких новостей от князя Игоря и тепло вспоминает время, когда он был рядом. Приходят девушки, говорят ей о том, что одну из них выкрал Владимир Галицкий. Ярославна, сказав, что обо всем расскажет князю Игорю, получает заявление от Владимира о том, что ему все равно, что подумает князь. Более того, он обвиняет Ярославу в неверности. Когда все ушли, девушка начинает молиться за князя Игоря и за его скорое возвращение. Входят бояре с плохой вестью о том, что князь Игорь и его сын в плену. Звонит набатный колокол. Враги подошли к городу, и вдалеке уже видно языки пламени. Бояре готовятся к обороне.

Действие второе. Половецкий стан. Кончаковна, дочь хана, поет о любви к сыну князя Игоря Владимиру. Под покровом ночи он появляется у ее шатра, и они проводят вместе некоторое время. Входит князь Игорь и поет арию «Ни сна, ни отдыха измученной душе». К нему подходит Овлур, половецкий воин, и, с целью помочь, передает Игорю коней. Князь отказывается бежать. Возвращается хан и предлагает Игорю дары, от которых князь также отказывается. Он не соглашается даже на свободу, говоря, что после освобождения он бы вновь напал. Начинаются половецкие пляски.

Действие третье. Половцы ожидают приезда хана Гзака. Его войско входит с добычей: с русскими пленниками. Когда темнеет, Овлур вновь предлагает Игорю бежать, и на этот раз он соглашается. Кончаковна бежит к Владимиру и слезно умоляет его остаться. Пока Владимир находится в раздумьях, дочь хана будит весь стан. Игорь успевает бежать, и разбуженные половцы отправляются за ним. Хан делает Владимира своим зятем и собирается в поход на Русь.

Действие четвертое. Площадь в Путивле. Ярославна горько плачет, вспоминая Игоря. С просьбой вернуть князя она обращается к ветру, солнцу и Днепру. Ярославна смотрит вдаль и видит двух всадников, один из которых - ее муж. Он соскакивает с коня и бежит к ней. Их видят два гудошника и, недолго думая, звонят в набатный колокол. Народ, убедившись, что вернулся князь Игорь, собираются и славят князя.  

1  октября

8 класс ФГТ   Урок №4

Василий Сергеевич Калинников

Уважаемые ученики!

- Прочитайте материал учебника стр.21-28

- Фильм-биография В. С. Калинникова – смотреть здесь

- Прослушайте музыкальные произведения по данным ссылкам:

• «Грустная песенка» - здесь
• Симфония №1 - здесь

6 октября

4 класс ФГТ  Урок №6  

«Выразительные средства музыки    Штрихи, динамика, тембр».

Прослушайте произведения, о которых шла речь  на уроке:

• Р. Шуман  Цикл «Альбом для юношества» «Мелодия» здесь
• С. Слонимский «Маленькое рондо»  здесь
• В. Моцарт Колыбельная «Спи, моя радость, усни» здесь
• С.С.Прокофьев Балет «Ромео и Джульетта» Танец рыцарей здесь
• П.И.Чайковский  Цикл «Детский альбом» «Баба Яга» здесь
• С.С.Прокофьев Герои симфонической сказки «Петя и волк» темы героев сказки здесь

Для выполнения домашнего задания:

• П. И. Чайковский «Песня жаворонка» - здесь
• Э. Григ «В пещере горного короля» - здесь
• П. И, Чайковский «Баркарола» - здесь

Подготовьтесь к контрольному уроку по теме «Выразительные средства музыки»:

• Прочитайте материал в учебнике стр. 11-20
• Выполните задания в тетради «Занимательные странички»
• Выучите определения
• Прослушайте музыкальные произведения

7 октября

6 класс ФГТ    

Урок № 6     Ф. Шуберт Симфония №8

си-минор «Неоконченная»

Уважаемые ученики!

Прочитайте  учебник стр. 188-191 (поиграйте темы симфонии)

Выполните задания в «Занимательных страничках»

По данной ссылке прослушайте симфонию: видео  смотреть здесь

8 октября

7 класс ФГТ Урок №5

А. П. Бородин  Опера «Князь Игорь»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника, прослушайте музыкальные фрагменты оперы по данным ссылкам, выполните задания в «Занимательных страничках»

Пролог

Хор «Солнцу красному слава»  - смотреть здесь

Сцена солнечного затмения  - смотреть здесь

1 действие 1 картина

Песня Галицкого «Только б мне дождаться чести…»  - смотреть здесь

1 действие  2 картина

Ариозо Ярославны «Ах, где ты, где ты, прежняя пора» - смотреть здесь

Хор девушек «Мы к тебе, княгиня» - смотреть здесь

Хор бояр «Мужайся, княгиня» - смотреть здесь

8 октября

8 класс ФГТ     Урок №5              Сергей  Васильевич  Рахманинов

Уважаемые ученики!

• Прочитайте материал учебника стр.29-42
• По данной ссылке посмотрите фильм о композиторе - здесь 
• Биография С. В. Рахманинова – смотреть здесь

9 октября

3 класс ОРП  Урок №4    Клавирное творчество И. С. Баха

        Большинству произведений И. С. Баха присущ полифонический склад. «Полифония» - греческое слово.  В переводе на русский язык оно означает «многоголосие». Каждый голос в полифонической музыке мелодически самостоятелен, поэтому  все голоса выразительны и напевны. Очень хорошо о существе баховской полифонии сказал русский музыкальный критик А. Н. Серов: «Бах не перестает быть великим, быть может величайшим, мелодистом. Только он любит заставлять петь не один голос, а многие разом, создает не одну нить мелодическую, а целую ткань одновременных мелодий».

Слово «клавир» во времена Баха служило общим обозначением для всех клавишных инструментов: от органа до клавесина и клавикорда (любимого инструмента Баха). Исполнители того времени по строению и, возможно, по цифрованному басу определяли, для какого инструмента произведение предназначено: для органа или клавесина. Клавирная музыка Баха сегодня, как правило, исполняется на фортепиано.

Заметный подъем клавирного искусства наблюдается с первой половины XVIII века; он связан с деятельностью выдающихся мастеров: Франсуа Куперена, Доменико Скарлатти (1685-1757), Георга Фридриха Генделя, Иоганна Себастьяна Баха и других. Не умаляя исторической роли перечисленных композиторов, следует особенно выделить значение Баха как величайшего новатора в области клавирного творчества. Так же как и другие знаменитые музыканты XVIII века, Бах опирался на богатый, веками накопленный опыт. Восприняв самое интересное и лучшее, чем обладали школы клавирного искусства Италии, Англии, Франции, Бах не пренебрег тем, что было создано у него на родине.

В Германии складывалась своя национальная школа клавирной музыки. Правда, господство органа замедлило этот процесс, и клавир долгое время занимал подчиненное положение. Тем не менее большинство крупных немецких композиторов трудилось над созданием репертуара и для этого инструмента.

Бах первый ощутил универсальность клавира. Он превратил этот инструмент в настоящую творческую лабораторию, где, не стесняемый внешними запретами и церковным контролем, мог свободно экспериментировать и осуществлять самые смелые проекты и идеи.

Бах писал для клавира на протяжении всей своей творческой жизни - в Арнштадте и Веймаре, в Кётене и Лейпциге. Но только в Кётене композитор достиг в этой области того совершенства, которым обладал уже в органной музыке. В Кётене были созданы Французские и Английские сюиты, двухголосные и трехголосные инвенции, первый том «Хорошо темперированного клавира», «Хроматическая фантазия и фуга» и многие другие клавирные произведения. Даже такой далеко не полный перечень позволяет судить об исключительной разносторонности и многообразии замыслов и жанров, которых никогда ранее не знала клавирная музыка.

        Полифонический склад определился во многих пьесах Баха, написанных им в педагогических целях для малолетних сыновей, - в маленьких прелюдиях, фугах, инвенциях, «симфониях» (3-хголосных инвенциях). Особенно ясно это можно видеть в двухголосных инвенциях. Всего таких полифонических пьес композитором написано 15. Основу инвенции составляет короткая, но выразительная тема

        В первой инвенции До мажор – это простая мелодия, построенная вначале по звукам до-мажорной гаммы. Мелодия неторопливая, спокойная, звучит мягко и плавно.

Прозвучав в верхнем голосе, эта тема  появляется октавой ниже

Затем следует развитие данной темы: иная тональная окраска, различные приемы изложения, все это делает ее более энергичной.

Заканчивается пьеса в основной тональности – До мажор. Так одна тема составляет основу целого произведения, что очень характерно для полифонической музыки.

По данной ссылке прослушайте Двухголосная инвенцию До мажор –

Видео: смотреть здесь

Инвенция Фа мажор совсем иного рода. Здесь, как и в первой инвенции, характер всей пьесы определяет одна тема. Но в отличие от темы до-мажорной  инвенции, она подвижная, жизнерадостная. Мелодия строится на легких  отрывистых скачках по звукам восходящего трезвучия и напоминает призывный возглас трубы:

        Одноголосной теме в верхнем голосе «отвечает» нижний голос, имитирующий ее октавой ниже. Но нижний голос имитирует не только тему, но и ее продолжение. Такая имитация называется канонической или просто каноном.

        Дальнейшее музыкальное развитие сходно с развитием темы первой инвенции.

По данной ссылке прослушайте Двухголосная инвенцию Фа мажор –

Видео – смотреть здесь        

        Двухголосные инвенции были сочинены Бахом для своего сына Вильгельма Фридемана. Позднее Бах сочинил еще 15 пьес в тех же тональностях, но с трехголосным изложением, назвав их «симфониями» (греч. «согласие», «созвучие»)

«Хорошо темперированный клавир» «ХТК»        

I том ХТК написан в 1722 году в г. Кетене.

II том – в 1744 году в г. Лейпциге.

 «ХТК»

        Идея и строение
Утверждение на практике равноправие всех 24 тональностей. По причине несовершенства настройки инструмента тональности свыше 4-х знаков звучали фальшиво и композиторами не использовались.

        Бах писал для клавира новой конструкции, где октава была разделена на 12 равных полутонов, то есть равномерно (хорошо) темперирована.

        ХТК состоит из 48 прелюдий и фуг, охватывающих 12 мажорных и 12 минорных тональностей, расположенных в хроматическом порядке(До мажор – до минор, До диез мажор – до диез минор и т.д.

Прелюдия

• Свободное построение (импровизация)
• Гомофонно-гармонический склад
• импровизация

Фуга

• Полифония

Объединены общей тональностью и тонкими внутренними связями

ХТК называют энциклопедией баховских форм (фуги), образов, мыслей, чувств.

В темах прелюдий и фуг ХТК синтезировалась мелодика разных жанров и эпох: темы-речитативы, песенные, танцевальные, инструментальные (часто имитирующие приемы скрипичной, гитарной игры).

В XIX и XX веках ХТК стал образцом для аналогичных циклов прелюдий и фуг во всех тональностях: Прелюдии и фуги  Д. Шостаковича, Р. Щедрина, «Ludus Tonalis» П. Хиндемита.

Прелюдия и фуга до минор  - смотреть здесь

        Полифоническое мастерство великого Баха вызывает удивление не только изобретательностью и разнообразием тематического развития, но и глубокой выразительностью музыки, основанной часто на развитии одной темы.

9 октября

4 класс ОРП           М. И. Глинка Опера «Иван Сусанин»

Действие второе. Ослепительный бал в тронном зале замка польского короля резко контрастирует со сценами русской крестьянской жизни, представленной в первом акте.  Перед нами предстают иной мир и иные характеры, и воплощены они другими выразительными средствами. Если в первом действии преобладало сольное и хоровое пение, то здесь господствует оркестровая балетная музыка, почти полностью основанная на ритмах польских танцев.

Блеск и пышность звучания усиливаются благодаря участию оркестра медных духовых инструментов, располагающегося на сцене. Четыре танца (все польские, кроме вальса) образуют большую сюиту. Она начинается парадным и воинственным полонезом с призывной и горделивой темой фанфарного характера:  

Смотреть  здесь

Завершает сюиту блестящая мазурка с упругой мелодией и звонкими аккордами на третьей доле:

Смотреть здесь 

В дальнейшем интонации и ритмы полонеза и мазурки будут постоянно сопровождать появление поляков; но если полонез не изменит свой надменный характер, то мазурка в четвертом действии приобретет совсем иной психологический подтекст (поляки в глухом заснеженном лесу).

Таким образом, впервые в русской опере танцы перестали играть роль вставных номеров и приобрели важное драматургическое значение, стали средством характеристики действующих лиц. Именно здесь таятся истоки будущего русского классического балета.

3 действие

Действие третье состоит из двух частей. Первая (до прихода врагов), лирическая и светлая по настроению, отличается неторопливым и спокойным течением событий.

Начинается она песней Вани «Как мать убили», выражающей, по словам Глинки, «тихую и беззаботную жизнь и благодарность благодетелю». Приветливая и ясная мелодия близка русским народным песням:

Слушать Песня Вани (3 действие 1 картина) – видео здесь

Вторая часть третьего акта начинается с появления поляков; с этого момента музыкально-сценическому действию будут свойственны стремительное развитие событий, драматические столкновения, резкие контрасты.

 Центральный и наиболее напряженный эпизод — сцена Сусанина с поляками. В этой драматической сцене-диалоге поляки охарактеризованы темами трехдольных польских танцев, хотя в них уже нет былой удали и беспечности. Речь Сусанина резко противопоставлена агрессивным интонациям врагов: она звучит серьезно, с большой гордостью и достоинством. Его ответы полякам Глинка построил на темах главных хоровых сцен оперы — интродукции и эпилога. В первом ответе («Велик и свят наш край родной»)

Во втором ответе («Страха не страшусь») звучит тема мужского хора из интродукции:

 Так Глинка подчеркивает неразрывную связь между подвигом Сусанина и героизмом народа, выражает идею народного патриотизма.

 После ухода Сусанина с поляками в избе собираются девушки: следует свадебный хор «Разгулялися, разливалися», который своей безмятежностью и поэтичностью усугубляет драматизм предыдущей сцены. Тихая светлая мелодия, переменный лад, пятидольный размер, преобладание бесполутоновых оборотов роднят ее с русскими обрядовыми песнями. 

Романс Антониды «Не о том скорблю, подруженьки» раскрывает глубокие переживания девушки, ее тревогу и отчаяние. В проникновенной печальной мелодии соединяются интонации горестных крестьянских плачей и обороты, типичные для бытовых романсов:

 4 действие Картина вторая. Сцена у монастырского посада была написана Глинкой уже после премьеры оперы по просьбе А. Петровой-Воробьевой (первой исполнительницы партии Вани). В этой сцене лирический образ Вани приобретает мужественные, героические черты. Взволнованный прерывистый речитатив «Бедный конь в поле пал» строится на коротких песенных мотивах; он сменяется плавной кантиленой в небольшой арии «Ах, беда, беда сиротинке мне», которая своей певучестью напоминает песню из третьего действия. Призывные восходящие интонации заключительного раздела сцены с хором («Где тут Минин стоит») звучат быстро, энергично и воинственно.

Картина третья. В ней находится драматическая кульминация всей оперы и развязка действия. Сцена начинается хором поляков, основанным на измененной теме мазурки: она звучит теперь неуверенно и мрачно, ее мелодия, насыщенная хроматизмами, приобрела изломанный характер, а неустойчивые гармонии (увеличенное трезвучие, уменьшенный септаккорд) усиливают ощущение безнадежности.

Центральный эпизод картины — речитатив и ария Сусанина, приобретающие здесь черты драматического монолога, в котором композитор раскрывает глубокий внутренний мир героя, высокие качества его души. Сусанин, по словам Б. Асафьева, — «человек громадной внутренней силы и сердечной теплоты, чувства его простые, ясные, открытые». Речитатив «Чуют правду» — великолепный пример глинкинского распевного речитатива — звучит мужественно и строго:

Ария «Ты взойдешь, моя заря» полна глубокой скорби. В ней Глинка, по словам В. Ф. Одоевского, сумел «создать новый, неслыханный дотоле характер, возвысить народный напев до трагедии». Ее сдержанная величественная мелодия пронизана певучими интонациями народных лирических песен:

        В средней части арии тема насыщается широкими выразительными распевами, становится более динамичной. Реприза приобретает беспокойный характер благодаря ритмическому варьированию оркестровой партии (синкопированные аккорды на фоне триольного ритма в басах).

Слушать Речитатив и ария Сусанина (4 действие)- видео здесь

За арией следует речитативный монолог, в котором Сусанин, готовясь к смерти, мысленно прощается с близкими; в оркестре появляются отголоски тем Антониды, Собинина, Вани. После оркестровой картины метели наступает развязка драмы. Решительно и непреклонно звучит ответ Сусанина полякам: «Туда завел я вас, куда и серый волк не забегал...».

        В оркестре в это время слышны волевые интонации народной молодецкой песни «Вниз по матушке по Волге». Так Глинка подчеркивает единство героя и народа — защитников Родины.

Эпилог оперы — грандиозная народная сцена. Величественный хор «Славься» выражает всеобщую радость и ликование, он воплощает основную идею оперы. Звучание колоколов придает музыке особую торжественность.

Слушать Хор «Славься» -  видео здесь

        Назвав «Славься» гимном-маршем, Глинка хотел подчеркнуть неразрывную связь эпической распевности и горделивой поступи народного шествия. По словам музыкального критика А. Н. Серова, «во всех существующих до сих пор операх нет финального хора, который бы так тесно был сплочен с задачею музыкальной драмы и такой могучей кистью рисовал бы историческую картину данной страны в данную эпоху. Тут Русь времен Минина и Пожарского в каждом звуке».

        Создание «Ивана Сусанина» стало поворотным пунктом в развитии русской оперы. Глинка ввел в оперу новых народных героев. Он создал первую отечественную оперу, отличающуюся подлинной цельностью стиля, драматургическим и музыкальным единством.

Поэтому день премьеры оперы —27 ноября 1836 года — считают днем рождения русской оперы.

14 октября

 Урок 7   6 класс ФГТ

Фортепианное творчество Ф. Шуберта

 Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.183-187

Послушайте произведения по данным ссылкам

Выполните задания в «Занимательных страничках»

• Вальс  си-минор – слушать здесь
• Музыкальный момент  фа- минор  - слушать здесь
• Экспромт  Ми-бемоль мажор – слушать здесь

15  октября

7 класс ФГТ    Урок №6

А. П. Бородин  опера «Князь Игорь»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника. Выполните задания в «Занимательных страничках»

По данным ссылкам прослушайте  и посмотрите фрагменты оперы:

2  действие

• Песня половецкой девушки «На безводье, днем на солнце» -  слушать здесь    смотреть здесь
• Каватина Кончаковны – видео  - здесь
• Ария князя Игоря – видео - здесь
• Ария хана Кончака – видео - здесь
• Половецкие пляски – видео  - здесь

15 октября

8 класс ФГТ

Урок №6 Фортепианное творчество С. В. Рахманинова

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.43 -51.

Поиграйте темы музыкальных произведений.

 Прослушайте произведения по ссылкам:

• Прелюдия до-диез минор – здесь
• Мелодия  Ми мажор - здесь
• Этюд ми-бемоль минор - здесь
• Второй фортепианный концерт - здесь

16 октября

3 класс ОРП    Урок №5     И. С. Бах   Французская  сюита №2  до минор

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника.

По данным ссылкам прослушайте Французскую сюиту №2 до-минор - здесь

20 октября

4 класс ФГТ   Урок №8  «С чего начинается музыка?»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр. 102-103.

Прослушайте произведения по данным ссылкам. Выполните задания в «Занимательных страничках»

• П. И. Чайковский  Цикл «Времена года» Июнь «Баркарола»

 видео   - здесь       

• В. Моцарт Симфония №40 1 часть  видео  - здесь 
• Ф. Шуберт «Аве Мария» - здесь
• В. Моцарт    Реквием    Лакримоза  - здесь

22 октября    

7 класс ФГТ  + 4(5)   Урок №7      

А. Бородин Опера «Князь Игорь»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника. Прослушайте фрагменты оперы по данным ссылкам.

Выполните задания в «Занимательных страничках»

3 д.

«Половецкий марш» - смотреть здесь

4 д.

Хор поселян -   Плач Ярославны – видео - здесь

Эпилог  - здесь

23 октября             4 класс ОРП

Урок №5       М. И. Глинка   Симфоническое творчество

Уважаемые ученики! Прочитайте материал,   прослушайте по данным ссылкам музыкальные произведения:

• «Камаринская» - смотреть здесь
• «Вальс-фантазия» - смотреть здесь
• Увертюра к опере «Руслан и Людмила» - смотреть здесь

Симфоническое творчество Глинки сравнительно невелико по объёму. Наиболее значимы в нём «Камаринская», испанские увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде», «Вальс-фантазия» и оркестровые номера из музыки к трагедии «Князь Холмский». Каждое из них составляет ценную и важную часть его наследия.

Симфонические произведения Глинки (кроме музыки к трагедии «Князь Холмский») не имели сюжетных программ. Но каждое из них отличается яркостью и богатством образов. В них мы находим и личные переживания автора, и впечатления от природы и быта Испании, и зарисовки народной жизни и характеров русского народа.

Главной особенностью симфонической музыки Глинки является её простота и доступность широким слоям любителей музыки. «Мне кажется, - писал он, - что можно соединить требования искусства с требованиями века и, воспользовавшись усовершенствованием инструментов и исполнения, писать пьесы, равно докладные (т.е. доступные, понятные) знатокам и простой публике...».

В своих оркестровых произведениях Глинка широко использовал народные мелодии. В «Камаринской» и испанских увертюрах он ввёл подлинные народные напевы. Причём не просто обрабатывал их, а развивал, используя самые современные приёмы профессиональной музыки. Именно он ввёл в русскую музыку такие приёмы симфонического развития, которые были особенно близки характеру самих народных мелодий: вариационную разработку и полифоническое обогащение.

Самым известным симфоническим произведением Глинки является его гениальная «Камаринская», фантазия на две русские темы. Это сочинение стало новым словом в русской музыке. В ней композитор использовал песню для создания произведения, рисующего разные стороны народной жизни и народного характера. Но это не просто картинка русского деревенского быта. Здесь раскрыто богатство творческой фантазии народа.

«Камаринская» - это вариации на темы двух русских народных песен (форма двойных вариаций). Первая песня - напевная. Задумчивая свадебная песня «Из-за гор, гор высоких», вторая - весёлая оживлённая плясовая «Камаринская». Казалось бы, такие разные мелодии. Но при всём их различии Глинка подметил в их строении общую черту - поступенное нисходящее движение на кварту. Благодаря этому он не просто сблизил оба напева в результате развития, но и соединил их. Композитор разрабатывал темы по образцу народных песен.

К примеру, медленная тема сначала звучит в унисон, как сольный запев. Затем как будто вступает хор, мелодия обрастает подголосками. У плясовой песни тоже варьируется сопровождение, в котором появляются затейливые подголоски. В ряде вариаций из темы как бы вырастают новые мелодии, которые потом разрабатываются самостоятельно. В общем, мы видим, что Глинка не просто варьирует темы, а качественно изменяет их, а это - признак симфонического развития. Интересно использует здесь Глинка инструменты симфонического оркестра. Особенно струнные, которые звучат то как голоса невидимого хора, то лёгким пиццикато (игра без смычка, щипком) подражают балалайке. А духовые деревянные звучат как наигрыши свирели.

Значение «Камаринской»  для русской классической музыки очень велико. Те приёмы изложения и развития народных тем, которые Глинка в ней нашёл, осветили путь всем русским композиторам следующих поколений. «Русских симфонических произведений написано много. Можно сказать, что имеется настоящая русская симфоническая школа. И что же? Вся она в «Камаринской», подобно тому, как весь дуб в жёлуде! И долго из этого богатого источника будут черпать русские авторы, ибо нужно много времени и много сил, чтобы исчерпать все его богатства», - так сказал о значении этого произведения П.И. Чайковский.

Главная же заслуга Глинки в области симфонической музыки заключается в том, что он положил начало трём типам симфонизма: эпическому, лирико-драматическому и жанровому.

Увертюра к опере «Руслан и Людмила» стала первой вершиной симфонического творчества Глинки. Она была сочинена после завершения всего произведения, строится  на темах оперы и передает главную идею – победу светлых сил над миром зла.  Музыка увертюры, стремительная, ликующая, по словам Глинки, «летит на всех парусах»; содержит основны образы оперы – мужественную героику, радость любви, таинственную сказочность. Увертюра написана в тональности ре мажор, звучащей празднично и приподнято; она имеет сонатную форму.

«Вальс-фантазия»  занимает особое место в творчестве Глинки. Это одно из самых романтических сочинений композитора посвящено Екатерине Ермолаевне Керн, дочери Анны Петровны, воспетой Пушкиным.  Он был написан в 1839 году для фортепиано. Позднее композитор делал оркестровые редакции. Последняя осуществлена в 1856 году. Скромная танцевальная пьеса превратилась в настоящую лирическую поэму.

«Вальс-фантазия» имеет рондообразное строение. Главная тема проходит много раз, чередуясь с различными по настроению эпизодами, то светлыми и изящными, то драматически-взволнованными.