Предмет "История хореографического искусства"

7 сентября

7 класс   Урок №1

Что такое танец

        Представление о танце есть у всех, дать его определение непросто. Можно определить его как движение человека, перемещение его в пространстве под музыку или ритм. Но должно ли быть движение значительным, интенсивным или достаточно двигаться лишь немного?  Движение не всего тела, а одной руки или даже одного пальца – это уже танец? Но, начав с пальца, можно подключить руку, плечо, повернуть голову – вот и начало танца. Сложно провести  границу и сказать, где кончается просто движение и начинается танец.  Причина в том, что танец появился из бытовых, естественных движений, которые человек совершал в повседневной жизни. Повседневным движениям свойственен определенный ритм. Они могут быть красивы. Их можно выполнять с удовольствием. Если осмыслить эти движения эстетически, т. е. обратить внимание не на пользу, а на красоту, то получится танец.

        Танец – это вид искусства. Он должен быть осмыслен и осознан. У него есть свои законы, критерии, которые определяют, правильно или неправильно, красиво или некрасиво выполняется танец.

        Обязательна ли музыка для танца? Бывает музыка, которая «заводит»: услышав ее, мы хотим танцевать, даже если не собирались.  Особенно это свойственно детям и молодым людям. Однако многие постановщики танцев  считали   музыку лишней. Они использовали только ритм, они хотели освободить движения тела от всех внешних, необязательных факторов, считая таковой и музыку.

        Можно считать, что танец – это часть двигательной культуры человечества. Двигательная культура – это   привычка к движениям в разных обществах и народностях, работа тела. она зависит от основных занятий народа, от характера его жизни. Народы земледельческие предпочитают танцы спокойные. Танцоры не отрываются далеко от земли. Они водят хороводы, перестраиваются, кланяются, заклиная тем самым явления природы: солнце, дожди. А в танцах народов, привыкших к охоте, много прыжков и резких активных движений. Они как будто и в танце охотятся и нападают, имитируя свою основную деятельность.

        Что люди чувствуют, когда танцуют? Конечно, можно танцевать от радости. Бывают моменты в жизни каждого из нас, когда мы буквально пускаемся в пляс. Мы радуемся, ликуем – и это состояние души передается  телу, рукам и ногам: они начинают двигаться. Танец – это физическое проявление, выражение эмоций, внутреннего состояния человека. Но танцевать можно не только от радости. Были танцы ритуальные, были печальные, оплакивающие. Каждое состояние человека может проявиться в движениях. Движения будут разные, поэтому разные и танцы.

        В танце немало противоречий. С одной стороны танец – это освобождение, раскрепощение тела, с другой – он кругом  состоит из правил.

        Танцевальные движения – это движения красивые, грациозные, изящные, плавные. Однако в современном танце это не всегда так. В нем встречаются движения резкие, отрывистые, угловатые, грубые, и тем не менее, это тоже танцевальные движения.

        Конечно,  основой всегда является ритм. Он не обязательно извлекается из музыкального инструмента. Это может быть ритм тела танцора. Ритм структурирует наше восприятие времени и пространства, создает иное переживание времени. Но ритм иногда может и обманывать, задавать загадку, предлагать выбор.  Ведь искусство – это и есть выбор и игра. Всякое искусство – это лучшее на что способен человек.

8 сентября  8 класс

Урок №1

Рождение балета и бала. Ассамблеи и долгая жизнь полонеза

Начало русского балетного театра приходится на 17 век. В это время налаживаются активные связи России с Западной Европой. Там русские дипломаты, купцы и путешественники познакомились с театром. Балет вызвал у них особый интерес, потому что язык музыки , танца и пантомимы не требует перевода и доступен каждому. Привлекала и пышность балетных зрелищ: смена декораций, полеты и превращения, роскошь костюмов. Подобные зрелища могли развлечь и удивить зрителя, но могли и прославить их устроителя или главу государства. Поэтому первые балеты совмещали в себе развлекательную и воспитательную функции, имели государственное значение. Наши соотечественники увидели балеты Люлли, восхвалявшие  короля Людовика 14. Понятно, что в той же форме можно было возвеличивать собственных монархов; главное – пышность и роскошь придворных зрелищ. Именно балет такого типа и был заимствован в Россию.

        В 1673 году в подмосковном селе  Преображенском был поставлен «Балет об Орфее и Эвридике». Он был подготовлен за 7 дней по приказу царя Алексея Михайловича. Как и в Европе, балет включал, кроме танца и пантомимы, пение и декларацию.

        Спектакль начинался прологом – арией-речью Орфея, в котором он восхвалял добродетели царя.  Затем начиналось собственно действие. Согласно древнегреческому мифу, который служил сюжетной основой спектакля, Орфей отправлялся в подземное царство на поиски своей умершей жены Эвридики. Он покорял волшебной музыкой силы преисподней и спасал Эвридику. В конце спектакля Орфей снова воспевал царя и велел «двум пирамидным горам» плясать в его честь. Танец этот тоже был подсказан мифом, в котором говорилось, что пение Орфея было так прекрасно, что даже горы повиновались ему.

        Сюжет об Орфее был очень популярным, к нему обращались театры многих стран.  Правды балеты везде разные: и музыка, и танец. Музыка для русской постановке принадлежала немецкому композитору Генриху Шютцу, а ее сценическая зрелищная часть – инженеру Николаю Лиму. Актерами были юноши из семей иностранцев, находившихся в Москве на службе. Русские молодые люди в таком неизвестном и диковинном деле участвовать пока опасались.  Театр считался посмешищем, позорищем; особенно его осуждала церковь. Несмотря на это Алексей Михайлович решился испробовать у себя такое европейское развлечение. Однако после каждого спектакля непременно отправлялся в баню – смыть с себя грех.

        Три года спустя царь  Алексей Михайлович скончался, и балетные спектакли надолго прекратились. Зато его сын император Петр 1 сделал обязательными ассамблеи – собрания дворянства. Дворяне должны были собираться для общения и совместных развлечений. Прежде культура общения в русском высшем обществе практически отсутствовала: мужчины могли собираться на пиры или по  государственной необходимости; женщины и девушки сидели дома. Особенно девушки: им до замужества не следовало часто видеть молодых людей. А брак устроят родители.

        Теперь все изменилось. Не только отцы и матери семейств, но и сыновья и дочери должны были выезжать в свет и там общаться между собой. Но каким образом наладить общение, что может связать  всех участников и объединить их? Конечно танцы. На ассамблеях непременно танцевали; складывались новые для России бальные танцы. Первая ассамблея состоялась в доме генерал-адмирала Апраксина, вторая, через день, - у тайного советника Толстого. Ассамблеи повторялись всю зиму по три раза в неделю.

        Первые ассамблеи не были веселыми. Гостям было неудобно в новомодных костюмах, они стеснялись, стыдились друг друга, не знали, как повернуться и что сказать. Да и танцы поначалу воспринимались как повинность, после исполнения которой, участники стремились как можно меньше общаться между собой и по окончании фигур расходились в разные стороны. Однако царь Петр Алексеевич не только указами, но и личным примером стремился заставить дворян принять новый способ общения. Делал он это с упорством и энергией: посещал почти каждую ассамблею, иногда сам распоряжался танцами, выделывая, по словам свидетелей, такие «каприоли», которые составили бы честь лучшим европейским балетмейстерам того времени.

        Но сложные движения были редкостью. От всех участников ассамблеи они не требовались. Танцы были простыми и доступными разным возрастам. Сохранилось описание церемониального танца, которым открывался один из балов того времени. Танцующие вставали в две линии, кавалеры напротив дам. Сначала музыканты играли торжественный марш, во время которого кавалер и дама первой пары делали реверансы своим соседям и друг другу, потом брались за руки и, выполнив круг влево, возвращались на место. Другие вослед делали то же самое. По окончании этого танца музыканты начинали играть польский (полонез). После польского исполнялись менуэты и англезы.

        Императрица Елизавета Петровна стремилась быть продолжательницей своего отца. Но по части развлечений она его превзошла. Елизавета устраивала балы - маскарады, слава о которых разнеслась по Европе.  Все увеселения делились на разные категории, причем каждый раз строго определялось, в каких костюмах следовало быть. Маскарады устраивались дважды в неделю, не реже.

        Каковы бы ни были условия маскарадов, являться на них следовало обязательно. отказ расценивался как оскорбление царицы или как вызов. при этом условия не всегда нравились гостям. Так однажды императрица приказала явиться на маскарад мужчинам без масок, в огромных юбках на фижмах и причесанными по последней дамской моде. Дамы, соответственно, облачились в мужские костюмы. Такие переодевании приносили удовольствие лишь самой императрице, которая была очень хороша в мужском костюме. Настроение  остальных присутствовавших было далеко не праздничным.  Мужчины едва передвигались в огромных юбках и высоких прическах: а им еще следовало танцевать! Сама же императрица меняла костюмы несколько раз в продолжение одного маскарада и строго следила за тем, чтобы никто не мог соперничать с нею по красоте и богатству.

        При этом на «маскированных балах» церемониал выполнялся весьма строго, что зачастую делало веселость искусственной. В танцах принимали участие не все приглашенные. Большинство гостей  выступали в роли зрителей и в обыкновенных платьях наблюдали за танцующими.

        Российский двор достиг апогея своего блеска при Екатерине II. Роскошь, царившая при дворе,  служила заразительным примером для общества. Балы в зимнее время следовали один за другим. Были балы придворные; были частные, в больших и богатых домах; были, наконец, детские, куда вывозили детей и подростков. Детские балы обходились без чопорности и были самыми веселыми.

        Любой бал открывался полонезом. По характеру движений это несложный танец. Его скорее «представляли», чем танцевали. Простое описание последовательности движений мало что о нем говорит. Дело  было не только в движениях. Играя разнообразными аксессуарами, демонстрируя роскошные костюмы, неспешно жестикулируя, танцоры наполняли «польский» живым содержанием. Особым искусством считалось умение грациозно снимать и перекладывать из одной руки в другую шляпу, часто украшенную драгоценными камнями.

        Но простые движения полонеза должны были выполняться идеально чисто. Исключительной отточенностью движений отличался кавалер первой пары, за которым следовали все остальные. Хозяин дома открывал бал на с самой красивой, но с самой почтенной дамой. Вслед за ними вступали в танец лучшие из представителей собравшегося общества, поступь и осанка которых вызывали восхищение всех приглашенных. Первая пара задавала движение, которое повторялось затем всей колонной; поэтому рисунок и тональность полонезе во многом зависели от устроителя праздника. Начавшись в большой зале дома, полонез мог продолжаться в саду или в отдаленных гостиных, где движения становились более раскованными. Но по возвращении в главный зал танец вновь становился торжественным и церемониальным. «Все общество приосанивалось, наслаждалось собою, видя себя таким прекрасным, таким знатным, таким пышным, таким учтивым. Полонез был постоянной выставкой блеска, славы, значения».

         Полонез – один из немногих танцев 18 века, который благополучно перешел в следующее  столетие, не потеряв своего достоинства и великолепия. Он сумел выстоять под натиском набирающих популярность вальса и мазурки. При этом полонез оставался одним из любимых танцев русских офицеров, которые царили не только на бранном поле, но и на балу.

14 сентября    7 класс

Урок 2                          Виды и жанры хореографии

        Вид хореографии – это большая группа танцев, объединенная общими фундаментальными признаками: техникой, целью создания, отношением к традиции.

Жанр хореографии – это более узкая группа внутри вида, объединенная специфическими средствами выразительности, сюжетом, характером. (Аналогия: Вид – литература (проза, поэзия). Жанр – роман, рассказ, комедия, трагедия).

Основные виды хореографии.

• Народно-сценический танец.

Основа: Фольклор, традиции конкретного народа.

Характерные черты: Яркая национальная окраска, выразительность, простые и жизнеутверждающие сюжеты. Тесная связь с музыкой, песней, бытом.

Жанры: Собственно народный танец (сольный, массовый).

  Характерный танец (стилизация народного танца для сцены, часто в классических балетах – испанская, неаполитанская, венгерская танцы).

Видео: Русский хоровод   - здесь 

Испанское фламенко  - здесь

• Классический танец.

Основа: Академическая, строгая система движений (школа), выработанная веками.

Характерные черты: Выворотность положений ног, строгая позиционность рук и ног, устремленность вверх, легкость, воздушность.

Жанры:  Классический танец в опере (дивертисмент).

Балет-пантомима (где сюжет рассказывается через танец и условные жесты).

Классический балет (многоактное спектакль, где танец – главное выразительное средство).

Бессюжетный балет / Балет-настроение.

Видео: Па-де-де из балета П. И. Чайковского «Щелкунчик» - здесь

• Современный танец (танец Модерн и Постмодерн).

Основа: Возник как протест против строгих канонов классического балета. Стремление выразить внутренний мир человека.

Характерные черты: Свобода движений, использование партерна (танца на полу), работа с весом тела, дыханием, импульсом. Эксперименты с формой и содержанием.

Жанры: Танец модерн

Танец постмодерн (отказ от сюжета и эмоций, интерес к чистой движенческой структуре).

Контемпорари (contemporary dance) – синтез техник модерна и классики.

Видео: танец Айседоры Дункан (модерн) - здесь

• Современная бытовая хореография (Современные направления).

Основа: Уличная культура, клубная жизнь, социальные танцы.

Характерные черты: Импровизация, акцент на ритме, соревновательный дух, быстрое развитие и изменение стилей.

Жанры (направления):

Бальные танцы (европейская и латиноамериканская программы).

Джаз-танец.

Хип-хоп, брейк-данс, крамп и др.

Видео: Хип-хоп - здесь

Ответьте на вопросы теста - здесь

15 сентября 8 класс

Урок №2                         Петровская реформа костюма

Появление балов в российском обществе было тесно связано с изменениями в костюме. Танец – это владение своим телом, выгодное подчеркивание достоинств и сокрытие недостатков. Он представляет человека с лучшей стороны, создает желаемый образ, близкий  к идеалу.

Костюм при этом может быть выгодным союзником, а может быть и помехой. Костюм диктует характер движений, и наоборот, некоторые движения просто невозможно исполнить в неподходящей для этого одежде.

Высшее общество носило длинное и тяжелое платье.

Мужские кафтаны и ферязи были длиной ниже колен, а боярские шубы – до пола. Шуба служила не только для тепла; она была признаком знатности и богатства. Поэтому шубы носили и летом: надевали их одну на другую. Носили шубы только мехом внутрь, а сверху их покрывали дорогой парчой или бархатом. Поэтому шубы были очень тяжелыми, т.к. в парче использовались золотые нити. Дополнением к шубе была меховая шапка, особенно высокая у бояр. В такой одежде не потанцуешь, да это и не предполагалось.

Женский костюм тоже был длинным и тяжелым. На рубаху надевали 1-2 длинных платья. Идеалом женской красоты была дородность, а худоба считалась недостатком. Если девица или дама была недостаточно дородна, количество платьев просто увеличивалось. Крой одежды был прямым или немного расклешенным: ни талию, ни грудь не подчеркивали. Характер соединения стана и рукавов не позволял подчеркнуть и плечи. Если женщина танцевала, то она медленно передвигалась плавным шагом, изредка взмахивая руками. Движение рук и широкие длинные, иногда расклешенные рукава были главным выразительным элементом.

Петр 1 не только ввел ассамблеи, он переодел российское высшее общество в новый костюм.

В 1700 г вышли Указы Петра I о запрете традиционного русского костюма и введении европейской одежды .

Основные элементы нового костюма:

За основу было взято венгерское, а затем французское платье. Каким же оно было?

Со времен короля Людовика 14 основу мужского костюма составляли надевавшиеся друг на друга веста и жюстокор, которые в России называли камзол и кафтан. Они имели длину до колен или выше. К ним полагались кюлоты – довольно узкие штаны до колен, а ниже – облегающие голень белые чулки. На ногах – туфли на довольно высоких каблуках, украшенные пряжками или искусственными цветами. Дополнял такой костюм парик, которые меняли свою форму в зависимости от моды. Сначала парики  были высокими и пышными и придавали мужчине сходство со львом. Затем парики стали небольшими, облегающими голову, с буклями на висках и с небольшой косичкой сзади.

По контрасту с привычной до Петра тяжелой и длинной одеждой теперь мужчины оказались словно раздеты.  Белые чулки подчеркивали форму икр, высокие каблуки требовали устойчивости, красивого подъема и некоторой выворотности шага.  Дородность и упитанность оказались смешны, а не почтенны.  Узкий, подчеркивающий талию камзол требовал легкости, подвижности, гибкости, изящества. В таком костюме удобно было танцевать: кланяться, приседать, кружиться и выполнять сложные прыжковые движения – те самые «каприоли», которыми поражал своих подданных Петр1.

 Дамы тоже преобразились. Дородность оказалась не в чести. Теперь следовало подчеркнуть талию: для этого под платье надевали жесткий корсет и максимально его затягивали. Затянутый корсет стеснял дыхание, зато формировал прямую аристократическую осанку. Юбки имели твердый каркас – фижмы. Благодаря каркасу юбки  были жесткими и  широкими. Глубокое декольте обнажало плечи и верхнюю часть груди. Рукава длиной до локтя оканчивались несколькими слоями кружев, которые подчеркивали белизну кожи и изящество жестов.

18 век предпочитал яркие, насыщенные цвета, как в женской, так и в мужской одежде. Даже в названиях не было предела.  В названиях находили отражение  как мифология («цвет бедра испуганной нимфы»), так и  современные политические события («цвет наваринского дыма с пламенем»). Так называли цвет после морского сражения при Наварине.

Одежда отделывалась вышивкой, это были дополнительные цветовые оттенки одежды.  Мужская одежда украшалась вышивкой обильнее, чем женская, и была насыщенного цвета.

Петр 1 также ввел налог на бороду и утвердил специальный бородовой знак. Штрафы за ношение старорусского платья в городе.

 Реформа царя воспринималась как покушение на традиционный уклад жизни.

 В это время в Россию  пришел танец – мазурка, которая стала популярной. Роль мазурки на ассамблеях Петра I: танец как часть европетизации культуры, средство общения и демонстрации новых манер.

Мазурка — польский танец, популярный в Европе и России в XIX веке. Особенности: музыкальный размер 3/4, акценты на второй или третьей доле, импровизационный характер. В Россию этот танец пришел из Франции, из Парижа.

Мазурку танцевали в 4 пары: от дам требовалась грациозность, от кавалеров – удаль. Это был очень подвижный танец: кавалер быстро кружил даму, становясь на колено, обводил ее вокруг себя, многократно подпрыгивал, ударяя в воздухе ногой об ногу, пристукивая каблуками об пол.  Особенно искусно этот танец танцевали офицеры.

Бальные танцы и балы  были средством общения. Бал – не балет: во время танца не следует молчать. Но каждый танец требовал своего тона и темы разговора. Медленные танцы, например, полонез – подходили  для церемонии знакомства. Быстрые – для легкой и оживленной беседы.

Существовал такой термин мазурочная болтовня. Из-за сложности и быстрого темпа серьезно танцуя мазурку,  не поговоришь: поэтому шутили, смеялись, отпускали комплименты. Обычно мазуркой, наряду с вальсом, заканчивался бал. (упоминание у А.С. Пушкина в «Пиковой даме» «Слова Томского были ни что иное, как мазурочная болтовня, но они глубоко заронились в душу молодой мечтательницы». В этом отрывке рассказывается, как Томский танцует мазурку с Лизаветой Ивановной и всё время шутит над её пристрастием к инженерным офицерам.).

Во время танца кавалер мог вести легкий, игривый разговор с дамой.

  • Это был разрешенный способ флирта и светского общения.

  • Отражение в литературе: А.С. Пушкин «Евгений Онегин», «Пиковая дама».

• Цитата: «Мазурочная болтовня требовала от кавалера остроумия и умения вести легкий, непринужденный разговор».

Последний этап бала назывался котильон.

 Котильон (фр. cotillon — «юбочка»)

  • Веселый танец-игра, завершавший бал.

  • Сочетал в себе элементы вальса, мазурки, польки.

  • Включал в себя игровые фигуры с предметами (цветы, платки) и без.

        Это не собственно танец, а определенный сценарий разговоров, шарад, игр, в который входили танцы. Начала котильона может быть разным. Но чаще всего встречался следующий вариант: пары по очереди, вслед за первой парой, делали тур вальса (или променад мазурки) вокруг всей залы. Потом шли фигуры котильона в произвольном порядке, причем после каждых двух фигур исполняли тур вальса или польки, променад мазурки или одну из фигур кадрили. После всех фигур исполняли общее окончание.

        Фигуры котильона имели свои названия и правила. Например, «Корзинка цветов», «Кегли», «Под зонтиком», Гирлянда», «Клубок» и др.

Каждая фигура была своеобразной игрой. Для части фигур котильона использовали предметы, которые всегда были под рукой: платки, веера, стулья, бокалы с вином.

  · Ведущую роль играла пара-распорядитель .

· Котильон как отражение легкости и непринужденности петровских ассамблей.

Значение петровских реформ для культуры.  Итоги и последствия

  • Окончательный разрыв с допетровскими традициями в светской жизни.

  • Формирование нового понятия – «светское общество».

  • Заложены основы русской балетной и бальной традиции.

  • Костюм и танец стали маркой социального статуса.

Видео:

М. И. Глинка Мазурка из оперы «Иван Сусанин» - здесь

Котильон «Снежный ком» - здесь

Ответьте на вопросы теста - здесь

21 сентября 7 класс

Урок №3      

Связь народного танца с музыкой, песней, бытом, обычаями, культурой народа

Уважаемые ученики! Читаем материал учебника стр.12-14.

Ответьте на вопросы в конце параграфа.

По данным ссылкам посмотрите видео танцев:

• Песенно-игровые танцы – «А мы просо сеяли» - здесь
• Связь танца с бытом и трудовыми процессами – русский  танец «Прялица» - здесь
• Связь танца с обычаями и обрядами – «Прощай масленица» - здесь
• Связь танца с культурой народа – украинский танец «Гопак» - здесь
• Связь танца с менталитетом народа – русский хоровод - здесь

22 сентября 8 класс

Жан-Батист Ланде и балетная школа в России

Балет, в настоящем смысле этого слова, возник в России только в XVIII веке - около 1735 года. И эту дату надо принимать условно, так как у нас не может быть полной уверенности в том, что мы понимаем под словом «балет» то же самое, что понимали в XVIII веке. Танцы входили в большем или меньшем количестве во все театральные представления - и в комедию, и в оперу, и собственно в балет - и перешли в таком виде и в XIX  столетие; в комедии они начали исчезать в конце первой четверти XIX  века.

В годы правления императрицы Екатерины II все высшее общество увлекалось театром. Общественное мнение изменилось: театр больше не считался предосудительным. Возникли театры любительские и профессиональные; театры крепостных актеров. Спектакль совмещал в себе диалоги, вокальные и танцевальные номера.

В качестве сюжетной основы  брались мифы или эпизоды священной истории. Постепенно драматический и оперный театр разошлись, у них определились разные задачи и разный зритель.

Поначалу балет существовал при опере, включался в нее. Танцевальные эпизоды могли продолжать действие оперного спектакля и быть его составной частью; могли входить в оперу как дивертисмент; могли появляться на правах развернутой танцевальной сценки, не связанной с основным действием оперы. Постепенно между оперой и балетом наметилась граница, и во второй половине XVIII века балет выделился в самостоятельный жанр.

Балетный театр той поры по-прежнему подчинялся вкусам и модам Франции. Танцовщики изображали античных богов или аллегорических персонажей, однако выглядели как  французские дамы и кавалеры галантного века. Мужчины танцевали в париках и масках, дамы – в  длинных юбках на жестком каркасе. Поэтому танец состоял преимущественно  из смены изящных поз; ноги поднимались  невысоко от пола. Самыми виртуозными па считались заноски на невысоких прыжках. Их выполняли только мужчины. Как и в Европе, мужской танец был сложнее женского.

Но основа балетной техники уже закладывалась. От танцовщиков требовалась выворотность ног, исходными были  5 позиций, руки следовало держать округло.

В 1731 году в Петербурге был основан Шляхетный кадетский корпус (учебное заведение для детей дворян), и в его программу вошли танцы. Учителем пригласили Жана-Батиста Ланде.  Прежде он работал танцовщиком и балетмейстером в европейских столицах. За несколько лет Ланде выучил кадетов профессионально танцевать, и те выступали на сцене придворного театра.. но молодые дворяне не собирались всерьез  посвятить себя аристократической жизни, их ждала совсем другая служба – военная или статская.  А надобность в театре ощущалась.

И тогда Ланде задумал создать  балетную школу, где обучались бы дети простого звания для того, чтобы стать профессиональными актерами.

Ланде подал императрице Анне Иоанновне прошение, в котором просил предоставить ему 6 мальчиков и 6 девочек, и обещал, что через год они уже смогут выступать на сцене, а через три – достигнут в танцах совершенства. Ребят далеко не искали. Первый курс первой русской танцевальной школы Ланде набрал из детей дворцовой прислуги. Вероятно, родители были против: дело было новым и непонятным. Но их никто и не спрашивал, они были крепостными.  Зато дети скорее радовались. Они играли «царей» и «богинь». Шелковые и бархатные костюмы выдавались на один вечер, но танцевать менуэт – это не печки чистить. Ребята старались, и через три года и впрямь уже танцевали вполне профессионально. Школа разместилась в здании Старого Зимнего дворца. Ланде стал их первым педагогом. Он сам учил их основам танца, актерскому мастерству и хорошим манерам.

Предметы, которые изучали -  танцевальные классы (основы классического танца, менуэт, гавот), актерское мастерство, музыка, французский язык.  Ученики находились на полном государственном обеспечении.

Так состоялось открытие в России собственной балетной школы.

К сожалению, сам Ланде недолго руководил школой.   Он не успел увидеть триумф своих первых учеников, но успел самое главное — заложил прочный фундамент. Его школа не закрылась после его смерти, а продолжала работать.  На ее основе было создано Императорское театральное училище. Оно получило свое здание и стало государственным учреждением.

Видео «Ж.Б.Ланде» - смотреть здесь

Тест - здесь