Инновационная площадка "Картинная галерея в детском саду"
картотека (средняя, старшая, подготовительная группа)

Подробное описание картины И. И. Левитана «Весна. Большая вода»

На переднем плане картины мы видим величественную реку, вышедшую из берегов. Прозрачная вода, словно зеркало, отражает прибрежные деревья и небо, создавая удивительную игру света и тени. Особенно трогательно выглядит старая лодка, примостившаяся у берега – она словно свидетель былой жизни этих мест, застывший в ожидании новых приключений.

Задний план картины открывает нам панораму затопленной деревни. Некоторые дома, расположенные на возвышенности, гордо возвышаются над водной стихией, в то время как другие, менее удачливые, полностью погружены в воду. Среди деревьев особенно выделяется стройная ель, контрастирующая с золотистыми стволами осин и белоствольными березами.

Цветовая гамма картины поражает своей глубиной и одновременно легкостью. Левитан мастерски сочетает холодные оттенки воды с теплыми тонами деревьев и домов. Преобладают оттенки голубого, синего и белого, что создает ощущение свежести и пробуждения природы.

Художник хотел показать нам не просто весеннее половодье, а целую историю возрождения природы. В этом полотне чувствуется особая философия: вода, хоть и кажется разрушительной силой, на самом деле несет жизнь и обновление. Левитан мастерски передает момент перехода от зимнего сна к весеннему пробуждению, когда природа находится в состоянии перемен.

Картина вызывает смешанные чувства: с одной стороны – тревога за затопленные дома, с другой – радостное предвкушение весеннего расцвета. Это произведение учит нас видеть красоту в простых вещах и понимать вечную гармонию природы.

Пластов "Ужин тракториста" 

Описание картины "Ужин трактористов" Пластова "Ужин тракториста" – одно из лучших послевоенных произведений Аркадия Пластова и лучшая картина из цикла "Люди колхозной деревни". (В цикл также входят работы "Сенокос", "Жатва" и др.) Картина "Ужин тракториста" была написана 1951 г. Работа выполнена маслом на холсте. Размер картины составляет 203х170 см. В 1958 году картина была экспонирована на выставке в Лондоне. На данный момент картина находится в Иркутском художественном музее. После того как картина была повреждена, Третьяковская галерея заказала Пластову второй вариант картины. В 1961 г. художник создал второй вариант картины, который хранится в Третьяковской галерее. На картине "Ужин тракториста" изображена группа крестьян, ужинающих в поле. Девушка в белом платке наливает молоко из бидона. Тракторист, мужчина средних лет, нарезает хлеб. Мальчик-подросток лежит на траве. Герои расположились на зеленой траве, чтобы съесть свой скромный ужин после тяжелого трудового дня. На заднем плане мы видим свежевспаханное поле. Справа, за спиной у девушки, стоит заведенный трактор.

В. Д. Поленов "Московский дворик"

Работа широко известна, и включена в большую часть каталогов российской живописи XIX века. На полотне можно увидеть внешний вид двориков Москвы, характерный для того времени. Данная работа Поленова значительно повлияла на живопись, помогла с формированием нового направления в живописи. Тогда никто не думал, что художник запомнится тонким пейзажистом.

Описание картины

Основой полотна является стандартный для старой Москвы дворик, отражен особенный дух времени, патриархальный уклад. Художник отразил летний период, ощущается жар дневного солнца, видно цветение. Красоту уютной улочки подчеркивает синева небес, которая обрамляет изящную церковь с куполами.

По соседству раскинулась колокольня, яркость солнечного света отражает наличие теней от облаков. Центр двора отведен под особняк, его древность выделена наличием очень старых пристроек, провалившейся крыши сарая. Колодец также многое видел, уже успел покоситься.

При старости обстановки и архитектуры отражено течение жизни, на картине присутствует запряженный конь, также там, и здесь выискивают курочки. В отдалении проходит женщина с ведром, оно выглядит полным. Возможно, так художник хотел показать, что местным жителям беды не страшны.

Ближе всего к зрителю расположились белокурые ребятишки, пара из них расположились на траве, девочка уделяет внимание цветку. Все здесь заняты своим делом, всем некогда уделить внимание плачущей малышке.

По тем временам двор обычен, жизнь здесь простая, идет размеренно. Хотя прорисованы запущенные здания, ни капли драматизма в рисунке нет. Дети также отражают продолжение жизни, художник смог показать свое милосердное отражение к людям, и умиротворенность течения летнего времени.

Название картины: «Грачи прилетели»

Автор, период написания картины, историческая эпоха: Саврасов Алексей Кондратьевич, 1871 г

Стиль, направление, жанр: реализм

Вид живописи: пейзаж

Техника: масло

Описание:

Известная картина выдающегося русского живописца Алексея Саврасова «Грачи прилетели» написана в 1871 году. Сразу же дальновидный купец Павел Третьяков приобрел полотно для своей коллекции.

Этой картине свойственны неброские и спокойные оттенки, ведь изображена весна — время, когда природа только начинает пробуждаться после долгой зимы.

Посмотрите на картину, и вы увидите обычный деревенский пейзаж, но такой родной. Чувствуется любовь художника к природе своей страны.

На переднем плане живописец изобразил стройные березки, на которых сидят прилетевшие из тёплых стран грачи. За деревьями видны дома и церковь с колокольней.

Обратите внимание на небо. На фоне остальных элементов картины оно выглядит самым ярким и позитивным. Конечно, большую часть закрывают облака, но ярко-голубые просветы дают надежду на скорое потепление и ясную погоду.

Константин Фёдорович Юон.

 «Зимнее солнце» Холст, масло.

 В этой картине выбран простой пейзаж, но очень сложный и редко встречающийся ракурс – художник и вместе с ним зритель находится прямо напротив садящегося солнца. Его лучи «бьют» навстречу взгляду, но не мешают ему, потому что дробятся стройными рядами стволов очень высоких деревьев и массивными лапами темных и мрачных елей.
   Художник очень любил русскую природу, поэтому умел подавать самые простые пейзажи так, что они буквально завораживали смотрящего. И в этой картине также используется самый простой повседневный мотив: крестьяне из близлежащей деревни собирают в зимнем лесу хворост для отопления домов.
   Изображение подано таким образом, что кажется выше уровня взгляда зрителя. Художник находится внизу, у склона холма, а высокие деревья и персонажи – вверху, на пригорке, почти на линии горизонта. Благодаря такому художественному приему лошадь с телегой, полной собранного хвороста, и собирающий его на снегу в вязанку человек кажутся изображенными в контражуре – почти черными. Они четко вырисовываются на светлом фоне снега и зимнего неба.
   Стройные деревья без листьев кажутся кружевными, это ощущение поддерживается редкими пушистыми облачками на бледном небе. В противовес этому темные ели служат фоном нежной и хрупкой красоте голых ветвей, но не придают мрачности полотну, потому что в нем использованы достаточно яркие и сочные краски.
   Вся прелесть этого пейзажа заключена в контрастном противопоставлении теплых золотисто-оранжевых лучей солнца, пробивающихся через деревья, и холодных сине-голубых теней, отбрасываемых стволами и ветвями на снег. Из-за оригинальной композиции картины они расходятся веером, что углубляет перспективу и делает полотно более объемным, наполненным воздухом и пространством.
   Эта картина обладает умиротворяющим свойством, притягивает к себе и является лучшей похвалой таланту художника.

Николай Никанорович Дубовской.

«Весенний вечер»

Картина написана в 1899 году, выполнена на холсте маслом, её размеры — 71 × 53 см. Работа находится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

На этой картине изображена поздняя весна, уголок берёзовой рощи ранним утром. Молодые берёзки покрыты нежными светло-зелёными листочками. В свежей траве цветёт ветреница, распускаются одуванчики. За берёзками виден овраг, наполненный водой.  

Солнце всходит, и всё вокруг кажется розоватым. На ветке берёзки распевает утренние песни щегол.  

Как описывает природу весной русский писатель

Соколов-Микитов.

Хорош лес ранней и поздней весной, когда начинает пробуждаться в нём бурная жизнь. Тает зимний снег. Над головой видны осыпанные смолистыми почками ветки берёз. Всё больше и больше слышится в лесу птичьих голосов. На лесных полянах появились первые проталины. Кое-где на припёке начинают зацветать перелески. Пахнет смолистыми почками. Поют дрозды. Придёт радостный день — зелёною дымкою покроется опушка берёзового леса. Над жёлтыми пуховками цветущей ивы жужжат пчёлы. В кустах на берегу реки звонко запел первый соловей.

Аркадий Александрович Пластов. «Летом»

   Любимая тема художника – дети, которых он писал с нежностью и любовью. Перед нами одна из самых известных картин живописца, знакомая нам по школьным учебникам. Сочные яркие краски, светлый и теплый колорит полотна создают хорошее настроение, наполняют радостью.
   Чудесный знойный летний день. Солнце заливает лесную опушку. В тени больших берез присели отдохнуть бабушка с внучкой, собиравшие грибы и ягоды с самого утра.
   Внимание сразу привлекает ярко-оранжевый платок на голове девчушки. Под солнечными лучами он переливается веселыми горчично-желтыми, алыми и пунцовыми оттенками. Нежную кожу личика подчеркивают коричневые брови, густая темно-каштановая челка, выглядывающая из-под платка, пушистые черные ресницы. Малышка сосредоточенно обрывает с сорванной веточки ягоды и складывает их в голубую эмалированную кружку, стоящую у нее на коленях. Босые ножки устало вытянулись в мягкой траве.
   Лохматая, цвета песка с черными подпалинами, собака привалилась к боку девочки, положив голову на вытянутые лапы. Она дремлет на солнышке, прикрыв глаза, но уши внимательно прислушиваются к звукам вокруг.
   Слева в густой зеленой траве стоят высокие белоствольные березы, солнечные зайчики сверкают на яркой зеленой листве золотисто-желтыми и серебристыми бликами. Летний ветерок тихонько качает тонкие березовые ветви.
   Перед ними на переднем плане большой глиняный кувшин, доверху наполненный спелой малиной. Его ручка и широкая полоса отсвечивают темно-зеленым, почти черным цветом, подчеркивая теплые медово-рыжие оттенки самого кувшина.
   Большая плетеная корзина и ведро, доверху наполненные грибами, стоят рядом. Щедрый урожай русского леса - боровики, лисички, волнушки, да всех и не перечислить.
   В тени деревьев за спиной девочки прилегла отдохнуть бабушка, подложив под голову согнутую в локте руку. Кофта и юбка женщины, платок, которым она прикрыла лицо, играют глубокими синими полутонами от темного до ярко-голубого.
   Самый разгар лета, множество полевых цветов радуют глаз. Живописец великолепно передает их неяркую красоту, используя всевозможные полутона и нюансы красок: нежно-сиреневые, голубовато-лиловые, темно-фиолетовые, янтарно-желтые, белые, розовые! Чуть дальше видна цветущая полянка, ярко освещенная солнечными лучами. За ней плотной стеной стоит темно-зеленый лес.
   Рассматривая картину, замечаешь множество деталей, к которым так внимателен мастер: разноцветные бусы на шее девочки, белая пуговка на рукаве бабушкиной кофты, оторванная кора на стволе березы, отколотый край кружки, старый пень. Все это придает необыкновенную реальность и живость изображению.
   От полотна веет ощущением тихого счастья. Вместе с художником мы восхищаемся неповторимой красотой нашей родины, изобилием русской природы.

Сочинение: описание картины В. Сурикова "Взятие снежного городка"

Народные гуляния глазами художника

"Взятие снежного городка" - одна из самых оптимистичных картин русской живописи и единственная картина Сурикова, лишенная трагизма и конфликта. Он написал ее на своей родине, в Сибири, где была широко известна такая зимняя казачья забава как взятие снежного городка. Строили настоящий снежный городок где-то в поле или на берегу реки и в последний день масленицы устраивали его штурм.     Одна группа защищала городок, другая - штурмовала. Конечно, посмотреть на это приходило очень много зрителей, в том числе ребятишек. Это было праздничное развлечение, его ждали, к нему готовились, все являлись туда нарядными, радостными, полными ожидания. Особенно интересно происходившее было детям. Все это мы видим в картине Василия Сурикова.

  События, которым посвящена картина, разворачиваются на заснеженном просторе. Далеко вдали видны снежные холмы. По центру картины собралась нарядная толпа крестьян - в белых тулупах, полушубках, меховых ушанках, красивых цветастых платках. Почти все с восхищением смотрят на всадника в высокой собольей шапке, который берет снежное препятствие на черном скакуне. Он прорвался через толпу защитников городка, "вооруженных" ветками и палками. Конь его вздыблен, немного напуган толпой и, наверное, тем, что ему приходится перескакивать через снежное строение, разбивая его копытами. За казаком следует целая толпа победителей, все смеются, улыбаются, им весело. Все знают, что в конце концов городок будет разрушен, его для этого и строили.

  Суриков всегда любил собирать на своих картинах множество персонажей, наделяя каждого своим характером. Он придавал большое значение одежде, позе, выражению лица. Для этой картины он сделал много эскизов портретов своих знакомых в Красноярске, на своей родине, где работал над этой картиной. На картине изображено немало его знакомых. Например, мужчина на санках, покрытых ярким ковром, это его брат Александр. Все персонажи изображены художником с большой любовью. Расписные дуги в упряжках, красные кушаки, цветастые узоры - все только добавляет праздничного настроения в атмосферу произведения, напоминающего сказку.

К. Е. Маковский

«Дети, бегущие от грозы»

Константин Маковский - известный русский художник, успешно работающий в разных жанрах: портретной, исторической и бытовой.

Однажды, на бесконечных лугах художник стал свидетелем маленькой сцены, ставшей сюжетом для большой картины.

А что же мы видим на картине?

Грядущая гроза застала крестьянских детей далеко от дома. От дождя бежит босоногая девочка в сарафане с завязанным передником с грибами (мотив их прогулки уже ясен). На ее спине крепко держится младший братец, светловолосый и явно напуганный грозой. А боится ли девочка? Она смелее своего младшего брата, ведь она в ответе за него. В ее наивных детских глазах уже читается ответственность за то, чтобы привести домой брата целым и невредимым. Она уже по- взрослому оценивает ситуацию с грозой, бросая торопливый взгляд на небо.

Деревня все еще очень далеко, а поблизости нет укрытия, чтобы переждать плохую погоду. Но ждать нельзя, надо спешить пока гроза не настигла их. Девочка смело и достойно, с решительными действиями, быстро устремляется вперед, гордо и крепко держа своего брата за ножки.

Наши герои из простой крестьянской семьи, их щеки розовые, косички светлые, а глаза глубокие и большие. Несмотря на объятые страхом лица, у них действительно чистые, милые и добрые глаза. Каждая их черта реалистична, и в то же время они напоминают сказочных персонажей - сестру Аленушку и брата Иванушку.

    Техническая сторона картины

Тревожное впечатление от происходящего Маковский усиливает благодаря использованию насыщенных темных цветов, подчеркивающих опасность ситуации. Шторм приближается. Из серой грозовой тучи идет дождь. Холодный ветер пронизывает легкую одежду. Колеблющиеся вершины растений и бегущие облака подчеркивают движение детей, управляемых ветром. Шаткий маленький мост изгибается под спешными шагами девочки. Мы даже слышим его скрипы, словно шепчущие детям - торопитесь, скоро разразится гроза.

Позади мы видим темный лес. Однако картина совсем не производит мрачного впечатления! Отнюдь. Грозовое небо под горизонтом сменяется голубыми прозрачными промежутками. Ах это небо... оно переливается всеми красками! Розовый, голубой, фиолетовый, синий и даже желтый. Мастер Маковский постарался на славу.

Вдалеке в поле виднеется золотое пшеничное поле. А внизу, на самой земле, среди переплетенных злаковых трав и цветов - мир и покой. Как изумительно художник написал целый растительный сад! Они прекрасно дополняют композицию и описывают живописность русской природы. С помощью этих деталей автор картины вселяет в зрителя надежду и оптимизм, и подсказывает, что гроза временна, а впереди героев ждет их радостное, теплое и безмятежное детство.

Ольга Богаевская

“Гости. День рождения” 1960

     Ольга Борисовна Богаевская – советская художница, график. Её картины наполнены атмосферой знакомой большинству советских людей бытовой романтикой. На картинах могут быть изображены праздничные застолья в кругу друзей и родных, прогулки на улице, или на картине может быть изображена девочка-школьница, выполняющая домашнюю работу. Любая картина Ольги Борисовны – это уютны мир, наполненный бытовыми радостями жизни советского гражданина.

Одной из знаменитых работ Ольги Богаевской является картина «Гости. День рождения». Написана она была в 1960 году, когда автору было 45 лет. Как уже говорилось во вступлении, Ольга Борисовна могла передать атмосферу эпизода. Данная картина не была исключением. На ней изображено детское застолье в честь дня рождения. Чьего? – Нам остается только строить свои предположения. Быть может, именинница – это девочка, подающая на стол тарелку с ягодами. Или один из мальчуганов, усевшихся с левого края. Это не главное. Отличающей чертой этой картины можно назвать сам эпизод изображенного – на празднике присутствуют только дети и ни единого взрослого. Это создает особую атмосферу детской радости – когда ты, будучи ребенком находился в компании своих сверстников. Вы словно находитесь в игре и исполняете свою роль. Вы такие же, как взрослые ваши родители, отмечающие какой-то праздник. Уютно?

  Полотно, изображающее детей на веранде за праздничным чаепитием, полно глубокого чувства и простоты.

  Взгляд невольно вновь и вновь обегает вокруг стола со снедью, собравшего юных друзей, то и дело приостанавливаясь на таких разных по мимике и характеру лицам, отражающих разные оттенки объединяющего их приподнятого настроения. Художник позволяет увидеть происходящее за столом как бы глазами детей, когда окружающие вещи открываются вашему взгляду словно впервые и представляют собой увлекательное волшебное зрелище.

   Дети у О. Богаевской подобны многогранным кристаллам, которые при малейшем повороте загораются новыми гранями характера и новым светом. Воплощение в картине этого особого человеческого чуда, всякий раз вызывающего неподдельное удивление и волнение автора, органично сочетается в картине с натюрмортом и пейзажным отступлением. И хотя пейзаж даётся в картине на заднем плане и намёком, у зрителя не возникает сомнений, что сцена написана на природе, что ландшафт вполне реален и конкретен. У О. Богаевской мы почти никогда не найдём интереса непосредственно к пейзажу, который если и присутствует в картине, то лишь в подчинённой роли, как фон, как вспомогательный элемент произведения.

   Банки с цветами и вареньем, фрукты и пироги, белые чашки, тёмные лимонадные бутылки, красный чайник — все эти нехитрые и знакомые каждому предметы загородной буколики объединяются художественной оправданностью, связываются в единую картину глубоким живописным анализом. Сюжет у О. Богаевской не рассказывается, а воплощается ритмикой, цветом, пластикой. Живопись картины строится на крупных пятнах чистого цвета — белого, розового, сиреневого, синего, гармонизируемых тонкой игрой валёров.

Игорь Эммануилович Грабарь. Неприбранный стол, 1907

  Картина относится к периоду творчества художника, когда он увлекался системой Сезанна.

   Редкая универсальность интересов и творческих возможностей характеризует деятельность Игоря Эммануиловича Грабаря (1871–1960).    Прославленный пейзажист, один из крупнейших среди русских живописцев, мастер натюрморта, он проявил себя и в архитектурном творчестве, и в научно-исследовательской и музейной работе, требующих огромного труда, широкой эрудиции, был видным художественным критиком, ученым. Деятельность Грабаря протекала в конце ХIХ — начале ХХ века и после Октябрьской революции.
   Так же как Нестеров, он принадлежит двум эпохам и передал наследие прежней эпохи новой революционной России.

  «Неприбранный стол» (1907, ГТГ) завершает серию наиболее значительных импрессионистических натюрмортов художника. Он считал, однако, что импрессионистическая задача отчасти заслонилась в этой картиной иной: "...передать контраст шероховатой скатерти, блестящей посуды и матовых нежных цветов при помощи соответствующей каждому предмету фактуры и характера окраски. Вся картина написана маслом, для цветов же я взял темперную подготовку, закончив ее сверху акварельными лессировками. Желаемый контраст получился".
   С импрессионизмом названный натюрморт сближает задача изображения игры света на поверхности предметов. Мазок в картине очень дробный, он как раз и создает требуемый эффект, а зеленоватые отблески от обоев еще более его усиливают.

Некоторые особенности натюрморта:

• Композиция продумана. Отброшенный край скатерти прерывает цветовую гамму стола и соединяет его с окружением, показывая, что за столом были свои. 
• Предметы расположены по принципу вращения вокруг центра. Это выявляет жёсткую композиционную конструкцию, не дающую им и скатерти соскользнуть с поверхности стола.
• Преобладающий колорит — голубой, оттенённый яркими сочными красками яблок, бокалов и зелени. 
• Каждый предмет имеет свою фактуру и объём. Посуда, бокалы, рюмки и стакан сияют, прозрачное стекло через себя игриво передаёт насыщенные оттенки, а букет цветов сочетает нежность с яркостью. 
• Плетёное кресло — уютный элемент картины, он создаёт ощущение камерности, уединённости и даже семейности. 

Техника исполнения: картина написана короткими и густыми мазками, что позволяет гармонично соединить все элементы натюрморта в единое цветовое целое.

«Неприбранный стол» Игоря Грабаря находится в Государственной Третьяковской галерее.

ИСТОРИЯ КАРТИНЫ - «Хризантемы», Игорь Грабарь

Свой самый известный натюрморт «Хризантемы» Игорь Грабарь написал вскоре после продолжительного путешествия по Европе – в 1905 г. Видимо, поэтому картина выполнена в стиле импрессионизма, к тому времени малоизвестному в России. Как говорил сам Грабарь, картину он писал очень долго – целый месяц. Обычно на такую работу уходила неделя.

Одновременно в картине отразилось и увлечение художником японской гравюрой, для которой характерна лаконичность. Да и сами цветы, которые специально приобрёл у цветочника Носова, являются символом страны восходящего солнца. За эту картину Игорь Грабарь получил от коллекционера Владимира Гиршмана такую сумму, какой прежде никогда не получал за свои произведения.

Художник тщательно работал с цветами

Картины импрессионистов интересны тем, что на них нет чётко выписанных очертаний предметов. Они проступают в воображении зрителя, находящегося на определённом расстоянии. В «Хризантемах» наблюдается именно такой эффект.

Каждый уголок интерьера в картине обласкан лучами света. Под их воздействием холст будто бы превращается в драгоценную мерцающую поверхность.

Колористическая гамма тщательно разработана художником. Взять, к примеру, цветы. Жёлтые хризантемы изображены в естественном дневном освещении. Однако мастер сумел сделать так, что их лепестки приобретают синие, жёлтые, зелёные оттенки. Это позволяет передать свежесть цветов и создаёт впечатление, что от картины веет осенним горьковатым ароматом.

А краски, наложенные нарочитыми мазками, создают ощущение объёмности. Благодаря этому художественному приёму, на холсте рельефно проступают жёлтые шапки срезанных хризантем, мягкость белоснежной скатерти, небрежно брошенное полотенце.

Главный герой картины — свет

Но всё же искусствоведы считают, что главным героем картины являются не цветы, а свет. Он падает из окна на хрусталь и рассыпается на искры, а потом и вовсе превращается в едва заметные тени на скатерти.

Кажется, что свет проникает в каждую точку картины и оставляет на ней свой особенный отпечаток. Более того, при длительном рассмотрении рамки картины пропадают, а изображение становится частью реальности.

Имеет картина ещё один интересный эффект: в зависимости от выбранной точки просмотра в поле зрения попадает либо яркий букет хризантем, либо интерьер комнаты вместе со столом и просматривающимися за окнами солнечными бликами.

Художник Игорь Грабарь, прекрасно известный публике своими великолепными натюрмортами, открыл совершенно новое понимание этого традиционного жанра. Он изображал не просто предметы, а нечто большее. «Хризантемы» — яркое тому подтверждение.

«Сирень в корзине» — натюрморт русского художника Петра Кончаловского, написанный в 1933 году.

Сюжет: на картине изображён большой букет сирени, который стоит в плетёной корзине на столе. Кажется, что ветки срезаны недавно, поэтому они совсем свежие. 

Цветовая гамма: основные цвета — это оттенки фиолетового, сиреневого, розового и белого, которые прекрасно сочетаются с зелёными листьями. Эти цвета передают естественную красоту сирени и её многогранность. 

Детали:

• В букете используется несколько сортов сирени разных цветов — лиловых, тёмно-пурпурных, нежно-розовых и белых.
• Между гроздьями цветущей сирени проглядывают светло-зелёные листья, веток не видно из-за обилия цветов и листьев. 
• Корзина сплетена из ивовых прутьев и как будто обнимает и поддерживает ветки сирени.
• На заднем плане использованы более тёмные, приглушённые оттенки коричневого и серого, что создаёт контраст и позволяет букету быть в центре внимания. 
• Мягкие мазки и фактура создают объём, делая каждый цветок и лист реалистичными и осязаемыми.
• Особенное внимание художник уделяет передаче света и тени, благодаря чему картина выглядит живой и динамичной. 

Отношение к картине: картина вызывает тёплые чувства и ассоциации с весной, её свежестью и обновлением. Художнику удалось передать не только красоту цветов, но и их хрупкость и нежность, что создаёт ощущение гармонии и покоя. 

«Гвоздики и фиалки» -

натюрморт Константин Коровин, 1912

Париж в ночи мне чужд и жалок,
Дороже сердцу прежний бред!
Иду домой, там грусть фиалок
И чей-то ласковый портрет.
Марина Цветаева, 1909 г.

     «Гвоздики и фиалки» - натюрморт работы Константина Коровина (1861–1939). Работу над картиной живописец завершил в ноябре 1912 года, о чем свидетельствует авторский автограф, оставленный на полотне. В настоящее время шедевр находится в экспозиции Государственной Третьяковской галереи.

    Работу над натюрмортом художник провел в Париже в ходе совместной поездки во Францию в компании директора Конторы Императорских театров Владимира Теляковского. То была командировка, официальной целью которой был просмотр репертуара самых передовых сценических площадок, наиболее модных мест.

    В жизни и творчестве Коровина Париж занимает особое место. Некоторые искусствоведы и историки живописи сходятся во мнении, что столица Франции – отдельная, очень важная глава в его биографии. Его кисти принадлежат яркие, живописные изображения огней ночного европейского города. Кроме того, за время, проведенное в этом поэтичном городе, мастер написал множество изысканных натюрмортов. Фоном для многих подобных изображений служили изящные кованные решетки. Сквозь их узоры можно уловить проступающие образы вечернего Парижа с теплым светом от горящих уличных фонарей. Также источником теплой, уютной атмосферы художнику служили зажженные окна жилых домов.

     Основу натюрморта «Гвоздики и фиалки» составляет роскошный букет, составленный из ярко-красных и пурпурных цветов. Восхитительную красоту нежных, ароматных даров природы призвана подчеркнуть скромная белоснежная ваза из фаянса. На переднем плане Коровин изобразил серебряный сливочник, стоящий на небольшом подносе из аналогичного материала. По соседству лежат фрукты – апельсины и виноград. На ягодах заметны блики, а поверхность серебряной посуды отражает холодное освещение улицы.

       Гармоничность и цельность картины парадоксальным образом достигаются за счет ее композиционной сложности; оконная рама разделяет художественное пространство на «снаружи» и «внутри». Две эти части одновременно взаимосвязаны и противопоставлены друг другу.

    Для написания уличного пространства Коровин использует темную, холодную палитру; огни вечернего города едва проступают сквозь черный узор чугунного балкона. Пространство внутри помещения отличают глубокие, теплые оттенки – насыщенный красный цвет гвоздик, рыжие акценты спелых абрикосов. Белоснежная фаянсовая ваза отражает искусственный свет лампы.

   При этом любопытным образом перекликаются блики сверкающего серебряного сервиза и блики от уличных фонарей, от света, льющегося из окон соседних домов. Два композиционных плана оказываются зарифмованными между собой.

    Картина написана в технике широких, размашистых мазков, которые художник выполнял по принципу мозаики. Подобные авторские ходы привели автора к созданию изысканного, эстетически обогащенного изображения. Этот натюрморт романтически настроенные знатоки и ценители изобразительного искусства нарекли «живописной одой» во славу красоты, гармонии и безграничного жизнелюбия, преданным поклонником которых на протяжении всей своей жизни был Константин Коровин.

Увидеть произведения Константина Коровина можно в постоянной экспозиции Третьяковской галереи в Лаврушинском переулке.

«Две тёмные розы и тарелка с клубникой»

натюрморт Ильи Ивановича Машкова, написанный в 1939 году.

Некоторые особенности картины:

• Выполнена в приглушённых тонах, с отчётливым акцентом на багровые бутоны роз и клубнику нежного красного оттенка.
• Небрежное расположение клубники и роз, скромно опустивших бутоны. При этом в композиции не ощущается пустоты.
• Нейтральный, неброский оттенок глади стола и плотной, возможно льняной, занавески создаёт благородный фон.
• В картине присутствует лёгкая грусть, навеивающая меланхоличное созерцание и осмысление жизни.

 В собрании Донецкого республиканского художественного музея находится работа Ильи Ивановича «Две тёмные розы и тарелка с клубникой», написанная в 1939 году, когда художник пришёл к очередному переосмыслению своего творчества и перешёл от ярких красок и жирных контуров к приглушённым тонам. Мы видим перед собой натюрморт, выполненный отчасти в одной гамме, но с отчётливым и сконцентрированным акцентом – багровыми, словно кровь, бутонами роз и разбросанной по столу клубникой нежного красного оттенка. Казалось бы, небрежное расположение клубники и роз, скромно опустивших бутоны, выбрано не спроста. Художник таким образом мастерски работает с композицией и заполняет пространство таким образом, что нигде не ощущается пустоты, во всём есть свой смысл. Нейтральный, неброский оттенок глади стола и плотной, возможно льняной, занавески создаёт благородным фон. Мы сразу видим нужное - цветы и клубнику. Есть что-то неуловимо тревожное в данной работе, хотя она и лишена динамики и острого, сразу понятного, сюжета. Однако это не просто натюрморт. Любая картина и её сюжет может нести разные смыслы и трактовки, если пытаться их найти. Иван Иванович изобразил всего два цветка. В нашей культуре обычно это символ утраты. Возможно, художник тем самым намекал, что данный натюрморт был сложен в грустный и печальный момент. А возможно, в жизни лирического героя, что находится за рамками натюрморта, он есть лишь в наших догадках и домыслах, произошла утрата или потеря. И даже слегка поникшие бутоны говорят об этом. А клубника, не нашедшая себе толком места в тарелке, говорит о лёгком безразличии к правилам и условностям, будто есть в жизни обстоятельства важнее этого. И лишь сладковатый плод, отдающий небольшой кислинкой может скрасить напоследок этот уходящий день. В картине присутствует лёгкая грусть, навеивающая меланхоличное созерцание и осмысление жизни. Мы словно наблюдаем ускользающую, уходящую красоту, которая вот-вот исчезнет, как исчезло что-то или кто-то ещё, но напоследок являет нам яркий алеющий свет…

«Натюрморт. Листы из книг и картинки» — картина неизвестного художника второй половины XVIII века, написанная в 1783 году.

Это произведение относится к жанру «обманного натюрморта», где художник стремится довести до возможного предела оптическую иллюзию.

Некоторые элементы картины:

• дощатая стена с сучками и прожилками;
• старые листы;
• две тетрадки с потертыми уголками;
• засохшие цветы;
• колосок;
• уголок сломанной рамы;
• кронциркуль.

Все эти предметы небрежно крепятся на тесемках, прибитых к стене маленькими металлическими гвоздиками с блестящими шляпками. 

Две небольшие картины в рамках с чётко прописанным изображением держатся на двух небольших гвоздях, бросающих на стену чёткую тень. 

Благодаря умелому применению светотени, тщательно выписанной фактуре предметов, наложению их друг на друга, создаётся эффект осязаемой реальности. 

Картина находится в Государственной Третьяковской галерее, Москва. 

Петр Петрович Кончаловский "Сухие краски"

      Петр Кончаловский по праву считается одним из сильнейших мастеров натюрморта и одной из лучших его работ является очень известное полотно «Сухие краски». Непревзойденная живость колорита и техники ставят эту работу Кончаловского в один ряд с признанными мировыми шедеврами.

В начале своего творческого пути Пётр Кончаловский был поклонником новых в то время жанров — кубизма и фовизма, поэтому в работе «Сухие краски» можно найти элементы того и другого стиля.

        Художник на картине изобразил рабочий стол, на котором разложены различные предметы, необходимые художнику и декоратору: колбочки, бутылочки, баночки. Позади виден кувшин, в котором стоят кисти и большая колба, в которой разведена краска. Фоном к картине служит синий занавес. 

Красочная карусель радужным фонтаном бьет с холста, превращая натюрморт в яркую мозаику цветовых оттенков.

      Деревянный стол, напротив, прорисован до мелочей: каждая трещинка в древесине, каждая линия ее рисунка выписана со скрупулезной четкостью. А вот остальную часть натюрморта художник выполнил немного в другой манере: очертания предметов, стоящих на столе немного расплывчаты, словно они растворяются в красках. А красок на картине очень много: цвет просто брызжет: жёлтый, синий, красный, зелёный. Смешение цветов создаёт на полотне радугу.

  Фоном картины служит глубокого синего цвета занавеска, тоном полотна приносящая гармонию в буйство показанных на первом плане красок.

          Настоящей находкой в создании этого натюрморта стало наклеивание на бутыльки и тюбики с краской настоящих ярлычков. Благодаря столь необычному приему художнику удалось соединить мир художественный и материальный, а саму картину – оживить и сделать все изображенное на ней осязаемым и реальным.

   Сюжет картины бесхитростный — художник изобразил своё рабочее место. Но сделал он это с такой любовью и с таким мастерством, что эта картина встала в один ряд с признанными шедеврами мирового искусства

   Изобразив то, что сам хорошо знал и любил, Кончаловский сделал это необыкновенно талантливо. “Сухие краски” сегодня стоят в одном ряду с величайшими картинами мира. Увидеть этот натюрморт можно в Третьяковской галерее, где он бережно хранится уже много лет

«Яблоки на красном фоне» — натюрморт Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина, созданный в 1917 г

   Описание картины: на полотне изображены несколько яблок на красном фоне. Каждое яблоко выглядит сочным и аппетитным, словно только что сорванным с дерева. 

   Символизм картины: изображение яблок на столе намекает на то, что жизнь — это банкет, на котором каждый получает свою порцию. Какое яблоко выбрать — недоспелое, слегка кислое, спелое, сладкое или уже переспевшее — это решение зрителя. Картина напоминает о том, что в жизни нужно научиться выбирать правильно и ценить каждый момент. 

 Техника живописи: Петров-Водкин использует яркие и контрастные цвета, которые создают ощущение насыщенности и жизненной энергии. Он также мастерски передаёт текстуру поверхности яблок и стола, что придаёт картине объёмность. 

 На первый взгляд, это просто натюрморт, где на столе лежат пять ярких яблок. Но у этого произведения особое значение!
Картины Петрова-Водкина насыщены глубокомысленной символикой, и «Яблоки на красном фоне» не исключение. Яркие и реалистичные плоды словно только что сорваны с дерева, привлекая внимание своей сочностью.
В русской культуре яблоки ассоциируются с множеством символов: от рая и невинности до плодородия и изобилия. Это не просто фрукты – это метафора жизни и богатства, которую они олицетворяют.

Жизнь — это банкет, на котором каждый из нас получает свою порцию.
Какое яблоко выбрать – недоспелое, слегка кислое, спелое, сладкое или уже переспевшее – это наше решение. Картина напоминает нам о том, что в жизни нужно научиться выбирать правильно и ценить каждый момент.
Кроме того, «Яблоки» Петрова-Водкина отличаются особой техникой живописи. Художник использует яркие и контрастные цвета, которые создают ощущение насыщенности и жизненной энергии. Он также мастерски передает текстуру поверхности яблок и стола, что придает картине объемность...

«Розовый натюрморт» — картина Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина, написанная в 1918 году.

Одним из любимых жанров художника был натюрморт. Часто мастер использует определенный набор ценных, значимых для него предметов: письма, музыкальные инструменты, самовар с зеркальным боком, коробок спичек, яблоки, напоминавшие художнику о родных местах. Хвалынск, где он вырос, славился яблоневыми садами.

После революции, в 1917–1920 годах, художник особенно часто обращается к натюрмортам, они словно аккомпанируют большим картинам. «Розовый натюрморт» – один из самых красивых. Как и в других произведениях этого периода, в натюрморте с яблоневой веткой скрыто много символов и размышлений. Это отражение внутреннего мира художника, его представлений о красоте и гармонии мира. Стакан наполнен кристально чистой водой, плоды без единого пятнышка совершенны. Яблоневая ветвь парит в пространстве. Виднеющийся за краем стола лист с изображением Богоматери с ангелом помещен на голубом, небесном фоне. В то же время это рассказ о мире, наполненном драматическими коллизиями.

Все предметы на столе живут своей жизнью. Рассыпанные плоды почему-то не скатываются с наклонной поверхности. Плоскость стола не параллельна плоскости пола. Предметы видны одновременно сверху и сбоку. Возникает ощущение странного пространства, в котором все сместилось со своих мест. Выстраивая композицию, художник словно представляет изменившийся мир, в котором все сдвинулось с основ. И должно создаваться заново.

Некоторые особенности натюрморта:

• Отражение внутреннего мира художника, его представлений о красоте и гармонии мира. Стакан наполнен кристально чистой водой, плоды без единого пятнышка совершенны. Яблоневая ветвь парит в пространстве.
• Символизм: интерьер мастерской художника уподобляется раю. О райском саде напоминают спелые яблоки, зелёные и красные, как плоды древа познания и древа желания.
• Философская насыщенность: в форме напряжённого диалога вещей Петров-Водкин говорит о смысле своего творчества, о назначении художника, о его сопричастности бытию и священной христианской истории.
• Композиция: плоскость стола не параллельна плоскости пола, предметы видны одновременно сверху и сбоку. Возникает ощущение странного пространства, в котором всё сместилось со своих мест.

Размер: 58 × 71, материал — холст, техника — масло. 

Картина находится в Государственной Третьяковской галерее, Москва. 

Толстой Ф. П. Букет цветов, бабочка и птичка.

    Федор Петрович Толстой - русский живописец, медальер, скульптор, рисовальщик, акварелист, мастер силуэта. Граф. С 1804 года посещал медальерный класс Академии художеств, где занимался у И. П. Прокофьева, а рисунку учился у О. А. Кипренского. С 1810 года - медальер Монетного двора. Принципы классицизма, которые он исповедовал, получили в его работах новое, близкое к романтизму истолкование.

     Поражает многообразие его творчества, отточенное мастерство, глубина патриотического содержания, количество сделанного (барельефы со сценами из "Одиссеи" Гомера, 1810, ГТГ; медальоны с аллегорическими сценами в память Отечественной войны 1812 года, 1814-1839, ГРМ; поэтичные иллюстрации к поэме И.Ф. Богдановича "Душенька" в манере строгого очеркового перового рисунка, 1820-1833, ГТГ; ряд картин в жанре интерьеров и иллюзорно написанных натюрмортов, множество силуэтов).

     С 1809 года - почетный член Академии художеств. С 1825 года преподавал в Академии художеств, с 1842 года - профессор медальерного искусства. В 1828–1859 годах - вице-президент Академии художеств. Почетный член Флорентийской Академии художеств. Работы Толстого имеются также в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, музеях Екатеринбурга, Иркутска, Казани, Твери и других.

      Картина «Букет цветов, бабочка и птичка» была написана в 1820 году. Сегодня её можно увидеть в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Перед нами красивый натюрморт с букетом цветов в стеклянном кувшине. Рядом изображены бабочка, птичка и гусеница.

Рисунок максимально сдержан. Автор использует натуральные оттенки тёмного зелёного и яркими пятнами выделяет ключевые детали.

На сером фоне неокрашенной стены мы видим скромный, состоящий из нескольких растений букет. Его поставили в прозрачную стеклянную вазу, чтобы видны были все части цветов от стебля до лепестков. Здесь нет ярких пышных роз или георгин. В букете простые незатейливые по форме растения. Но они выражают настоящую природную красоту, не кричащую, а скромную.

В середине на переднем плане поместился розовый с голубой бусинкой в середине цветок космеи. Лепестки цветка прорисованы настолько живо, что хочется потрогать их и ощутить гладкую прохладную поверхность и рельеф прожилок.

Слева выше всех - красный с белым ободком мак, в середине которого торчат многочисленные тычинки. Ниже справа – оранжевый бархатец с ярко-жёлтой сердцевиной. Он изображен так натурально, что чувствуешь, как по комнате распространяется его терпкий запах. Тут же скромный насыщенно синий левкой и незатейливо простой мышиный горошек.

Рядом с букетом мастер рисует представителей фауны: яркую бабочку, гусеницу, ползущую по упавшему на стол листу, и птичку, сидящую на карандаше. Если бабочка расположилась на стеклянной вазе, поближе к цветам, то птица, наоборот, отвернулась от неё, как будто ей всё равно. Её не интересует даже гусеница, которой можно без труда поживиться.

Картина наполнена невероятной гармонией, красотой и жизнью.

Все произведения Федора Петровича Толстого несут в себе положительные эмоции и улучшают настроение всем ценителям прекрасного.

Натюрморт с грибами - Иван Фомич Хруцкий. Холст, масло. 40 x 52,5 см

«Натюрморт с грибами» был создан в начале 50-х гг. XIX века. Существует еще несколько похожих работ, поскольку художник предпочитал жанр натюрморта более распространенным и «солидным» в то время направлениям: пейзаже и исторической живописи.

В «Натюрморте с грибами» Иван Фомич взял за основу технику голландской живописи XVII века, но наполнил эту оболочку совсем другим звучанием. Если европейская живопись была проникнута пресыщением и связанной с этим безжизненностью, то его работа изобильна, оптимистична.

Отличия этого натюрморта от других
Действительно, вы можете найти много работ, на которых присутствуют грибы. Это связано с тем, что Иван Фомич рисовал их на заказ. Каждый хотел похожую работу. Но копировать одно и то же мастеру было скучно. Потому он придавал каждому натюрморту немного другое звучание.
Грибов так много, что они щедро вывалились из корзинки и соседствуют с кабачками и луковицей. Свет падает именно на корзинку. Один из грибов справа и другой впереди перевернут. Небольшое количество овощей на земле только подчеркивает торжество грибного изобилия. Основные оттенки - коричневые. Но также есть желтый и зеленый. В верхнем левом углу картины виден маленький кусочек неба.

Некоторые особенности натюрморта:

• Основа — техника голландской живописи XVII века, но художник наполнил её новым звучанием. В отличие от европейской живописи того времени, работа Хруцкого изобильна и оптимистична.
• Основные герои — грибы, которые являются главными элементами натюрморта. На картине изображены только что срезанные и сорванные грибы, их ещё не отнесли в помещение.
• Корзинка изображена на фоне пейзажа леса. Грибов так много, что они вывалились из корзинки и соседствуют с кабачками и луковицей.
• Свет падает именно на корзинку. Один из грибов справа и другой впереди перевёрнут.
• Овощи на земле подчёркивают торжество грибного изобилия.
• Основные оттенки — коричневые, но также есть жёлтый и зелёный. В верхнем левом углу картины виден маленький кусочек неба.

Машков Илья Иванович

Натюрморт. «Синие сливы»

     Натюрморты занимали особое место в жизни мастера. Машков еще в годы обучения в училище живописи проявил себя как эксцентричный художник. Эмоциональная резкость, неординарность личности повлияли и на живопись. Для его натюрмортов характерна подчеркнутая декоративность, пластическая стихийность, яркость образов.

Натюрморты художника можно отнести к трем категориям: реалистичные, пограничные с примитивизмом и чисто примитивистские картины. Если для первых характерны тонкие линии и спокойные тона, то для последних это контрастные цвета, упрощенные формы и жирные черные контуры, широко используемые представителями «Бубнового валета» для усиления выразительности предмета.

Машкова называют «королем натюрмортов», и это звание вполне заслужено. «Фрукты на блюде» написаны в период освоения художником плоскостной живописи, жанра вывески. Этот натюрморт – старт Машкова в жанре.

  Здесь максимально упрощена и примитивизирована композиция. Если уж центр – то это будет ярко-оранжевый апельсин, вокруг – темные, как ночь, сливы.

Белая смятая скатерть и серый нейтральный фон отлично оттеняют яркость и фактуру персиков и яблок вокруг блюда.

   Явственно заметно влияние Матисса. Кстати, эту картину в свое время Матисс и Серов порекомендовали приобрести меценату Морозову. Это для Машкова было настоящее признание: ранее отвергший его преподаватель и кумир московских художников, сам Анри Матисс!

   Искусствовед Дмитрий Сарабьянов писал, что Машкова «привлекает самое земное, самое здоровое. В его картинах торжествует плоть, в какой бы форме она ни выступала – в форме плодов земли, обнаженного женского тела или медной посуды».

    И действительно, в этих фруктах – необузданное торжество, хочется сказать – смак!

Картина действует сразу не все органы восприятия – мы видим яркую фруктовую россыпь, чувствуем аромат спелых плодов и, кажется, если прикоснемся, то ощутим гладкость слив, мягкую, чуть шершавую кожицу персика и бугристую кожуру апельсина.

   Вкусовым рецепторам и подавно отдыхать не приходится возле «съедобных» картин Машкова.