Народный танец и разновидности традиционных форм.
занимательные факты по музыке (старшая, подготовительная группа)

     « Народный  танец  и  разновидности  традиционных форм  русской  танцевальной  культуры».

Содержание:

Введение

Возникновение русского народного  танца

Формы  русского  народного  танца

Заключение

Литература,  

Введение

         Танец – это самый  древний  и  богатый  вид  искусства:  очень  интересный,  многогранный,  яркий,  несущий  в  себе  огромный  эмоциональный  заряд.  Народный  танец  является  родоначальником  всех  направлений  танца,  которые  формировались  в  течение  многих  веков  на  его  основе,  это  и  классический,  и  историко – бытовой,  и  эстрадный,  и  современный  танец.  Мода  и  течение  времени  не  смогли  повлиять  на  него,  а  тем  более  заставить вовсе  исчезнуть  с  лица  Земли,  ведь  он  несет  в  себе  историю создавшего  его  народа.  Каждое  поколение   свято  хранит  память  о своих  предках  и  бережет  все,  что  отражает  их  жизнь.

         В  этом  плане   народный  танец стал  бесценным сокровищем,  показывающим  быт,  основные  занятия,  традиции,  события,  происходящие  в  жизни  людей.  Изучая  народный  танец, мы  путешествуем  по  планете.  Благодаря  этому   виду   искусства,  можно  побывать  в  любом  уголке  мира,  познакомиться с  историей  этого  края,  узнать  национальные  особенности  этой  территории,  и  для  этого  вовсе  не  обязательно  переплывать  океан  преодолевая  огромные  расстояния. Многие  люди   посвятили  свою  жизнь  изучению  народного  танца. Об  их  открытиях  написано  множество  книг.  Мы  полагаем,  что  фольклор  - это   ценнейшее культурное  достояние народов,  которое  необходимо  осваивать,  любить, и  беречь. Утратить  все  эти  богатства -  это  значит  нанести  большой  ущерб  не  только  национальным  культурам  нашей  страны,  но  и общему  культурному  фонду  человечества.

         Народная  поэзия  извечные,  общезначимые  для  всех  времен  проблемы бытия.  Русский  народный  танец  же,  отличающийся строгой  соразмерностью  мелодической  линия.  Благородством пропорций,  выразительностью, способствует  развитию  более  тонкого  музыкального вкуса,  развивает  умение  красиво  танцевать,  слаженно  взаимодействовать с  другими  участниками  танца.  

Народное   творчество  - это еще  и богатейшее  средств  живого  и  теплого  общения  людей  как  добрых  соседей.  Народное  искусство,  сформировавшееся   в  среде  крестьян,  рабочих,  простых  тружеников,  конечно,  во многом   отличается  по  характеру  от  профессионального  исполнительского  мастерства, но  не уступает  ему.

Красивые  и  скромные,  строго  регламентированные  жизненным  укладом  сложные  навыки  хореографии,  игры  на  музыкальных  инструментах,  пения,  вышивания и   иного   рукоделия  - все  это  убедительные  свидетельства  собой  культуры,  сложившейся в трудовом  народе. Причем  культура эта  имеет  свой  национальный  колорит. Народное  искусство  всегда  было основой,  фундаментом  прогрессивного профессионального  творчества.  Объектом  исследования  является    история  развития  народного  танца.  Предметом  исследования  является  формирование  форм  русского  народного  танца.

Целью  исследования  является   помощь  хореографам  в  освоении  танцевальных  форм   русского  народного танца.

Для  достижения поставленной  цели  и  подтверждения  гипотезы  решаются  следующие  задачи:

Изучить литературные  источники,  позволяющие  проследить  историю  развития  хореографии.

Выявить  и  изучить  формы  русского  народного танца.

Гипотеза:  мы  предположим,  что  изучение  форм  русского  народного  танца  будет  способствовать повышению    хореографической  культуры  и  профессионального  уровня  хореографов.

Самая  передовая  в  мире,  российская  хореография  достигла  огромных  успехов  в  профессиональном  искусстве,  сделала  немало  и  в  сфере  народного  танца. Неутомимые  собиратели  и  знатоки  отечественной классики:  И. Н. Князева, В. В. Окунева, И. А. Моисеев, П. П. Вирский,  Т.А. Устинова,  А. Э. Чижин,  Н. С. Надеждина, И. А. Чарнадская,  Ф. К. Сударкин  и  многие другие  постоянно  пополняют  запас  русской  народной  хореографии.

Практическа  значимость  работы  заключается  в  возможности  ее употреблении  педагогами,  хореографами и постановщикам и  для  углубления  знаний  о  русском  народном  танце,  повышения  образованности  и  правильном  построении  танцев  в  русской  народной  тематике.  

Глава I.  Возникновение  русского  народного  танца тесно  связано  со всей  историей   русского  народа. Каждая  новая  эпоха,  новые  политические,  экономические,  административные и  религиозные  условия  отражались  в  формах общественного  сознания,  в  том  числе  и  в  народном  творчестве.  Все  это несло  с  собой  известные  перемены  в  быту  русского  народа,  что,  в  свою  очередь, накладывало отпечаток  и  на  танец,  который  на  многовековом  пути  своего  развития  подвергался  различным  изменениям.

О  древности  танцев  на Руси  говорят  дошедшие  до наших дней  предания о свайных  постройках  на  Ладожском  озере  в  дохристианский  период. На  них  собирались  девицы  и  молодцы   « хороводились  и  играли  кругами».

В V – VII  веках  народный  танец  исполняли  в лоне « игрищ». На  их  характер  налагали  отпечаток  древне – языческого  представления.  В VIII – X  веках  складывается  первое  древнерусское  государство Киевская  Русь.  Принятие  христианства  способствовало развитию культуры: возводятся  храмы,  развивается письменность.   Народное  творчество  получает  выражение  в скоморошестве. Скоморохи  сыграли  огромную в  развитии  и  популяризации русского  народного  танца:  зарождаются сценические  формы  народных  творчеств.  

Первое  официальное  упоминание  о русском  народном  танце  относится  к 907 году,  когда  князь  Вещий  Олег  праздновал  свою  победу  над  греками  в Киеве. На  торжественном  приеме  для  гостей выступали 16  танцоров,  ряженых  медведями, и  четыре  медведя, одетых  танцорами.

В 1113  году  Владимир  Мономах, приглашенный  киевлянами на  царство, чтобы  унять беспредел,  проезжал  вечером  со  своей  свитой  по городу. Он,  сразу  заметил странную пляску и указал  митрополиту  Никифору  на  танцующего  молодца.  Им  оказался  каменщик  Петро  Присядка.  Уже  через  несколько  дней  Петро  плясал  для  самого  великого  князя  всея Руси  каждый  его  завтрак,  обед  и ужин. Каменщик  Петро  Присядка  много  работал,  сидя  на  корточках  с  тяжелыми  камнями и  инструментами  в мозолистых  руках. Каждый  вечер  после  своего  трудового  подвига  он  выходил  на Крещатик  и,  прняв  ковш  вина  и  калач, принимался подскакивать,  разминая  затекшие  за  день  ноги.  Танцевать как Присядка,  или  под – Присядку  вскоре стало модным в  зажиточном  Киеве. Жирные  скоморохи  худели и  учились  танцевать « В – Присядку»,  ломая  свои  красивые  ноги об  скверные  средневековые тротуары.

Скоморохи  владели  высокой  техникой  пляса,  но  их искусство,  глубоко  народное, уходило  корнями  в  языческие игрища  и  обряды. В XII  веке  очень  популярным  становится  жонглирование,  которое  достигает   полного  расцвета в XIII веке. Танец  жонглирования  был  виртуозен,  с  сильной  примесью  акробатических движений  с  применением  темпов  элевации. Ноги  выворотны,  часто  вытянут  носок.  Жонглер сам  сочиняет и  исполняет  поэзию  и музыку  и  в то же время  танцует,  показывая  акробатические  трюки  и  фокусы,  водит  обезьян.  Занимает  порой  высокое  положение,  порой  « нищенствует».  В  XIV  в  XV  веках становятся  очень  популярными  « танцы ряженых»,  которые  и  по  сей  день  бытуют  в  наших праздниках.

В  конце XV века  русский народ окончательно  освобождается  от  татаро – монгольского  ига,  что  способствует  мощному  подъему  национальной культуры. В 1571  году  была  создана  « Потешная  палата»  царя  Михаила  Романова,  в которую  вошли  наиболее  талантливые  скоморохи,  а в  1629  году среди них  появился  первый  известный  в  истории  учитель  танцев  на  Руси – Иван  Лодыгин.

Наряду  со  скоморошеством существовал  народный  профессиональный  и самодельный  театр. Этот  театр  пережил скоморошество и,  как  и их  искусство  он  тяготел  к  простым,  четким приемам:  в ходу  были  резкий,  размашистый жест,  громкое  пение, удалая пляска.  Многие  из  этих видов   дожили  до XX века  и,  не смыкаясь   балетным  театром  прямо  влиял на  него  опосредованно – через музыку,  живопись,  через  опыт  хореографов  и  искусство  русских  танцовщиков.

XVII  век   связан  с  именем  « почти легендарного» балетмейстера  Бошана.      В  основе  смстемы  записи  танцев,  Депрео  говорит: « Бошан  сумел первый  расчленить  темпы.» Это  расчленение  танцевальных па  на темпы  и  лежат в  основе  системы  записи танцев,  возникшие  в  конце XVII  века.  Бошан  первый  сформировал  пять выворотных  позиций.  Но  они  для  него еще начало. Движение  и  позиции  рук  также  разработаны  Бошаном.  Именно  Бошан  систематизировал  всю  ученую  хореографию,  совместив  французскую  и  итальянскую  школу.  Таким  образом,  к  началу  XVIII формируется  и  русская  народная  хореография.

К XVII веку начала  складываться  система  сценического  танца  с  разделением  на  классический  характерный.

Характерный  танец -  это  одно из  выразительных средств  балетного театра, разновидность  сценического  танца. В XVII – XIX  веках   термин  “ характерный танец» служило определение  танца  в  характере,  образе. Такой  вид  танца  был  распространен  в  интермедиях,  персонажами  которых  являлись  ремесленники,  крестьяне, матросы,  нищие,  разбойники  и  т. д. Характерный  танец  обогащается   движениями  и  жестами,   специфичными  для  той  или  той  социальной группы, а законы  композиции  соблюдались  не  так  строго  как  в  классическом  танце.  

Также  в XVII  веке  усилился  процесс  экономического, политического  и  культурного подъема  в России   как могучей  национальной  державы.   Расширялись   международные  отношения  Родины,  росли  ее  культурные  связи  с зарубежными  государствами.

Русские  дипломаты  и  купцы,  просто  вольные  путешественники  знакомились   с  театром  Запада. Балет  вызывал  особый  интерес  потому,  что  язык   музыки,  танца  и  пантомимы  доступен  каждому.  Привлекала  пышность  балетных  зрелищ:  смена  декораций,  выезды  всевозможных  персонажей  на  разукрашенных   колесницах,  роскошь  костюмов  и  т. д.  Подобные  зрелища  могли  прославить  могущество  централизованного  Российского  государства. В  1673  году  в  подмосковном   селе  Преображенском  был  поставлен  « Балет  об  Орфее и  Эвредике».

XVIII  век  ознаменовался  появлением  нового  государства – российской  империи.  Эта  эпоха  связана  с  именем  Петра I блестящего  реформатора  своего  времени.  Произошли  серьезные  преобразования  и  в  культуре,  постепенно  видоизменяется  русское  народное  танцевальное  искусство.  Танец  приобретает  более светский  характер.  При  дворе  становятся  популярные   европейские  танцы:  французская  кадриль,  менуэт,  полонез  и  другие.  В  I половине  XVIII века  центральным  танцем  был  менуэт, который   пришелся  ко  двору  у  русских исполнителей,  т. к. он  требовал  на  исполнение  как  раз  тех  черт,  которые  присуще  русской  женщине: это  пластика  и  ее  природная  скромность,  мягкость  и  выразительность  танца.  И  лишь  в  народе  русский  танец  не  только  сохранился,  но  и  развивается,  принимает  новые  разновидности.  Так,  в  результате  влияния  западных  салонных  танцев  в  русском  быту  появляется  кадриль,  полька  и  др, которые,  попадая   в  деревню,  коренным  образом  изменяются,  приобретают  типично  русские  местные  черты,  манеру  и  характер  исполнения.

В это  же  время  в России  появился  крепостной  балет, зародившийся  в  помещичьих   усадьбах и  достигший  высокого  художественного  уровня к  концу  XVIII  века.  Поскольку  в  провинции  еще  не было  театра,  крепостные  труппы  объективно  служили  просветительным  целям. Богатые  дворяне,  наследуя   бескрайние  земли,  владея  тысячами  крестьянских  душ,  устраивали  у  себя государство  в миниатюре.  В  подражании  столицам  возник  и  крепостной  театр.  Первоначально  крепостные  исполняли  для  своих  господ  народные пляски.   Один  из  мемуаристов  эпохи  рассказывает,  как,  посетив  помещичью  усадьбу  в  Псковской  губернии, видел  такие  « деревенские танцы». Танцовщицы  крепостного  балета,  даже  становясь  заправскими  « дансерками»,  бережно  передавали  друг  другу  традицию  национальной  пляски.  Это  во  многом  зависило  от  условий  их  жизни.  Во – первых,  попадая  в  обстановку  помещичьей  « балетной  школы»,  они  сохраняли  связь  с  родным  селом,  с  его песнями и  плясками.  Во – вторых,  они  редко отрывались  совсем  от  своей  среды,  трудясь  в  поле  и  господском  доме  наравне  с  другими  крепостными.  В – третьих,  крепостные балетные  актеры лишь  в редких  случаях  имели  иностранных  учителей и  постановщиков.

Русская  национальная  тема широко  утвердилась  в  крепостных  балетных  театрах XVIII  века. Характер  представления  там  был  более  самобытен,  нежели  на  придворной  или  частной  сценах  Москвы  и   Петербурга.  Чаще  всего  самобытные  танцевальные  произведения,  отдельные  номера  или  интермедии – входили  в  оперы  на  русские  сюжеты.

Балетная  труппа  графов  Шереметьевых  была  наиболее  профессиональной  среди  крепостных балетов.  Ее  актеры обучались  с  детства,  их  отбирали  от  родителей  и  воспитывали  в  строгом  режиме,  изменяя  фамилии  из – за прихоти  хозяина  по  названию  драгоценных  камней.

Среди  танцовщиц  этой  группы  выделялись  Мавра  Урузова – Бирюзова,  фигурантами были  Авдотья   Аметистова,  Матрена  Жемчугова,  Анна  Хрусталева  и др. Среди  танцовщиков  первые  роли  исполнял  Василий  Воробьев,  вторые – Кузьма  Сердоликов,  Николай  Мраморов.  На  первом  месте  в  этой  группе  стоит  имя  Татьяны  Шлыковой – Гранатовой.

Балетное  искусство  России  с  первых  шагов  заявило   о  себе  как  об искусстве  профессиональном.  Оно  не  знает  любительского  периода, как  во  Франции, где  балетные  спектакли  были  монополией  знатных  придворных  и  семьи короля.

В  России первые  же  спектакли  исполнялись  актерами,  обучались  в  театральных школах,  для которых  театральное  выступление  являлось  источником  существования.  Они  совершенствовали  свое  мастерство  и  выражали  свой  стиль,  свою  манеру  сценического поведения.

Будущие  русские  танцевальные  школы  зародились  в  недрах  учебных  заведений  общего  типа,  не  связанных  с театром   Санкт – Петербургский  шляхтский  корпус,  учреждений  в  1731  году,  готовил   русских  юношей  к  военной  и  государственной  службе.  Их  обучали   многим  предметом,  в  том  числе и  танцам. Они  в  4  раза занимались  хореографией.  Сюда в 1734 году  на  должность  танцмейстера  был  приглашен  Ж. Ланда.

В  XVIII  веке  русские  танцевальные  образы,  народные  танцевальные  образы,  народная  пляска  сохранялась на  русской  сцене.

Бережно  сохраняли  искусство  русской   народной  пляски,  ее  сценическую   выразительность драматические актеры  и  певцы  оперного  театра.  Песенно – комические  номера  непосредственно  соединялась  с  плясками старинного  народного  театра. Интерес  русского  общества  к   хореографическому  искусству  увеличивался с  каждым новым  балетным  представлением. Необходимость  создания  школы  стала  очевидной.  В 1738  году  было  положено  начало  хореографического  образования в  России. Школа  разместилась  в  бывшем  дворце   Петра  I, балетмейстером  был  Ж. Ландэ.  Достойное  место  в  школе  занимал  А. А. Нестеров, он  занимался  еще  до  открытия  школы  у  Ландэ  и  был  первым  русским  балетным  педагогом.

В 1777  году  был  открыт  общедоступный  театр. Это  был  первый  в России  коммерческий общедоступный   театр,  называвшийся « Вольным  театром».  Через  несколько  лет он  перешел в  казну  и  стал  называться  городским.  В  1806  году  школа  при  Петровском  театре  закончила  существование,  на  ее базе  было  организовано  Московское   императорское  училище.

Русская  хореография во  второй  половине XVIII  века  осваивает  изучение  постановочных тенденций  и  педагогические приемы зарубежного  балета.  В  России  работает  Гильфердинг,  Анджиолини,  Канциани.   Это  время знаменуется  усилением  тенденций  в  русской  культуре.  Они  связаны  с  крестьянскими  восстаниями,  народными  волнениями,  которые  прокатились  по  всей  стране.

В начале XIX века,  когда  крепостной балет  изжил  себя,  многие  его  артисты попали  на  столичную императорскую  сцену.

С начала XVX века  значение  термина характерного  танца  стало  меняться -   го  называли  полухарактерным,  а  определение  характерный  перешло  к  народному  танцу.  Такое значение   термина  закрепилось  доныне.  Характерный  танец   XIX  века  отличался  от  народного  танца  тем,  что  имел  не  самостоятельное,  а  подчиненное  значение.  Законы   его  диктовала  оркестровая,  затем  симфоническая  музыка  и   стилистика  спектакля.  Народные  движения  были  ограничены  определенным  количеством  по  той  или  иной  национальности.  

Понятием  « характерный  танец» в XIX веке и  начале  XX  века  обозначали  театрализованный  бытовой  танец  в   характере,  как  салонный,  так  и  площадный.  Подчиняя  народную  пляску  определенному  содержанию,  характерный танец  отбирал  наиболее  значительные  ее  особенности и,  укрупняя, видоизменяя  главное, опускал   не  существенное.  Такой  отбор  был  был  закономерен. Он  позволял  передать  в  танце дух исторических  эпох  и  конкретные  обстоятельства   действия  данного спектакля, черты,  свойственные  всему  народу,  и отличительные  черты  действующего  лица.  Потому  на  основе  одной  и  той  же  народной  пляски  можно  создать  несколько  мало  похожих  друг  на  друга  характерных танца.

Место и  роль характерного  танца  в  балете то  расширялось, то  сужалось, согласно  эстетическим требованиям  той  или  иной эпохи. Он  мог быть  действенной  основой  всего  спектакля,  мог  выпадать  из  действия,  сохраняя  лишь  права  вставного  номера.

С самого  начала в  характерном  танце  наметились  две  тенденции. Одна  основанная  на  творческой   близости к  фольклорному первоисточнику, стремящаяся   передать  его мысли,  художественную  природу;  другая – украшательская, стилизаторская.  Обе  тенденции  воздействовали  на  судьбу  характерного  танца в  продолжении  всей  его  дореволюционной  истории,  безошибочно  выдавая  общее  состояние  балетного  репертуара  того  или  иного  времени.

Во  второй половине XIX  века  характерный  танец  в  балетном  спектакле  находился  на  втором  плане.  В  основе  своей  он  имел  народный  национальный  танец,  подвергавшийся  значительной  стилизации  как  в  рисунке  групп,  так  и в  трактовке  движений,  которые  стилизовались  в  принципах  классики.  Сохраняя принадлежность   к  национальным  танцам,  они смягчались,  округлялись,  обретали  большую  плавность.  Абсолютная   выворотность  ног  классических танцовщиков  заменялась  здесь  относительной   выворотностью .  Носки  ног  вытягивались  как  в классическом  танце,  руки  раскрывались  и  поднимались  в  позициях  классического   танца.  Танцы  самых  непохожих  народностей  строились  на  одинаковых  движениях  pas  de  basque ,  battement  developpe,  battement  jete.

В  некоторых  случаях  характерные   танцы  вообще  принимали  форму  классических,  японских,  индийских  па  балетмейстеры  доводили  стилизации  до  заимствования  прыжковой  техники  классического  танца,  сохраняя  характерность  в  постановке  рук  и  корпуса.

В  конце   XIX  века  был  создан  exercice  характерного  танца.  В  его  основе  лежал  exercice  классического  танца. Это  позволило  при  постановках  характерного   танца  широко  е  использовать  законы  хореографического   тематизма.  Вообще    XIX    характерен  для  русского  государства  серьезными  переменами.  В  стране  развивался  капитализм,   а вместе с ним   появился  рабочий  класс.  Все это находи т  отражение  и  в  народном  творчестве.

В  самом  конце  XIX  века  начала  XX  века  многие  артисты  балета  начали заниматься  педагогической  деятельностью,  такие  как:  А. Горский,  М.  Фокин,  В. Тихомиров  и  другие. Горский  обогащает  лексику  классического  танца  за  счет  характера  и  широко  вводит  в  спектакль  народный  танец.  В  1914  году  он  показал  программу  « Танцы  народов», куда  входили театрализованные  пляски  различных  наций.

На  протяжении  XX  века  народный  танец  прошел  путь  от  народно –  сценическому.  Прни  этом  все  изменения,  касавшиеся  народной  хореографии  в  рассматриваемый  период,  были  весьма  существенными  и  происходили  довольно  стремительно.  Одним  из  основных  принципа  развития  народного  танцевального  искусства в XX  веке  является  принцип  его  профессионализации. Поднимая  на  более  высокий  уровень  исполнительское  мастерство  народных  танцев,  этот  процесс  способствовал  еще  и  тому,  что  постепенно  сменился  носитель  национальных  танцевальных  традиций  от  представителей  простого  народа  к  профессиональным  исполнителям,  балетмейстерам  и  педагогам,  что  непосредственно  оказалось  и  на развитии отечественной  бытовой  хореографии.

 Таким  образом,  русский  народный   танец  один  из  наиболее  распространенных  и  древних  видов  народного  творчества.  Это  яркое,  красочное  творение  народа,  являющееся  эмоциональным  художественным  специфическим  отображением  его  быта,  характера,  мыслей  и  понимание   красоты  окружающего  мира.

Формы  русского  народного  танца.

Русский  народный  танец  имеет  свои  оригинальные,  четкие,  устойчивые,  исторически  сложившиеся  признаки,  свои  глубокие  национальные  корни  и  богатые  многовековые   исполнительские  традиции. Все  это  и  позволяет  говорить  о  нем  как  о  самостоятельном,  самобытном,  высокохудожественном  виде  творчества  русского  народа.

Как  же  классифицировать русский  народный  танец?  Мы  даем  деление  его  на  жанры,  формы  и  виды  по  системе  Мурашко  и  по  системе   А. Климова,  которую  они  представили  в  своих  книгах  о  русском  народном  танце.

Рассматривая  виды танца,  Мурашко  и  по  системе А.  Климова,  которую они  представили   в  своих  книгах  о  русском  народном  танце.

В  русском  танце  Мурашко  выделяет  два  жанра  и   их  виды:

1)хоровод,

- орнаментальный,

-игровой.

2)пляска,

-одиночная,

-парная,

-массовый   перепляс,

4)кадриль,

- лансье,

-полька.

Также  выделяет  новые  разновидности  русского  танца:

-хореографическая  композиция,

-танцевальная  сюита,

-хореографическая  картина,

-вокально – хореографическая  композиция.

Автор  делает  акцент  на  понятии « форма»:  форма – это  способ ( метод)   изложения  хореографического  материала, и как  он  будет  изложен, - такую  форму  этот  материал, - как  хореографическое  произведение, - и  приобретет.

А. Климов  берет  за  основу  деление  танцев  по  временам  года ( зима, лето и пр.),  по месту  исполнения ( улица,  изба и пр.),  приуроченность  танцев  к  определенным  обрядам  и  праздникам ( свадьба, праздник  Ивана  Купалы, Святки и пр.), а  их  хореографическую   структуру,  их  общие  устойчивые  признаки  и  другие  стороны  танца.  Он  делит  русский  народный  танец  на  два  основных  жанра – хороводы  и пляски,  которые,  в  свою  очередь,  состоит  из  различных  видов.  Каждый  вид  объединяет  танцы  с  одинаковыми  признаками  и  структурой  исполнения.  В  жанре  хоровода  различают  два  вида – орнаментальные  и  игровые  хороводы.  Жанры  пляски  более  многообразен, он  состоит  как  из  наиболее  древних,  традиционных  видов – одиночная  пляска,  парная  пляска,  перепляс,  массовый  пляс,  групповая  традиционная   пляска и т. д. – так и  из видов,  сложившихся  в  русском  танце  и  вошедших  в  быт  русского  человека  в  более  позднее  время, - кадриль, лансье,  полька и др.

Хоровод – это  не  только распространенный,  но  и  самый  древний  вид  русского  танца. В  далекие  языческие  времена  хороводы  носили  культово   обрядовый  характер. Не  случайно  основное  построение – хоровода – круг,  его  круговая  композиция – это  подобие  солнца. Движение  в  хороводе  по  ходу  солнца, хождение  за  солнцем,  иначе  « посолонь», берут свое  начало  из  старинных  образов  и  игрищ  славян,  поклонявшихся  могущественному  богу  солнца – Яриле.  Со  временем хоровод,  постепенно  освобождаясь   от  языческих  элементов,  вообще  утрачивает  значение  языческо – культового  действия. Появляются  хороводы  с  новыми  песнями, которые  отражают  социальную,  бытовую  и  другие  темы. Так  хоровод  становится  русским  бытовым  танцем,  в  котором  существуют  свои  формы  и  правила  исполнения. Он  превращается  в  самостоятельный  жанр и  становится  украшением  различных  праздников  русского  народа. Хороводы  весьма  разнообразны  в  своих построениях,  но  все – таки  наиболее  типичной,  начальной,  формой   построения  большинства  хоровода  является  круг.

Другим  основным  жанром  русского  народного танца  является  пляска,  состоящая из  многочисленных  и  разнообразных  видов. Пляски  создавались  народом  под  влиянием  окружающего  его  мира  и  быта.  В  древности   пляски   так  же,  как  и  хоровод,  в  основном  носили  обрядовый,  культовый  характер. Но  со  временем  религиозное  содержание  стало  уходить  из  плясок  и  они  приобрели  бытовой  характер.  Пляска отличается  от  хоровода более богатой  и  более  сложной  лексикой танцевальных  движений.  Как  уже  было  сказано,  существует  много  видов  русской  пляски: одиночная  ( сольная) пляска ( мужская  и  женская), парная  пляска,  перепляс,  массовый  пляс, групповая  традиционная пляска,  кадриль и др. Все  эти  виды  русской  пляски  имеют  свои  отличительные  черты,  свои  вековые  исполнительские  традиции, и считаются  наиболее  распространенными,  устоявшимися  и  прочно  вошедшими в  быт  русского  человека.

Но  народное  творчество  не  стоит  на  месте.  И  в  наше  время  русский  танец  продолжает  развиваться,  творчески  обогащаться  его  талантливыми  исполнителями  и  сочинителями.  Под  воздействием  бурно  развивающихся  в  наше  время  профессиональных  ансамблей  русского  народного  танца, русских  народных  хоров,  ансамблей  песни  и  пляски  и  других  художественных  коллективов  русский  народный  танец,  особенно  в  художественной  самодеятельности,  обогатился  новыми   построениями,  фигурами,    усложнилась  композиция  танца,    и т. д.  В  профессиональных  и  самодеятельных  коллективах  возникли  новые  разновидности  русского  танца:  хореографическая  композиция,  танцевальная  сюита,  хореографическая  картина,  вокально – хореографическая  композиция.  

Сегодня  и  старые,  и  новые  танцы  не  только  уживаются  рядом,  но  и  взаимодействуют  друг  на  друга,  творчески обогащая  и  развивая  тем  самым  русский  народный  танец.

Изучение  и  запись  русских  народных  танцев  начались сравнительно  недавно,  а  ведь  любая  наука  начинается  с  описания  различных  сторон  изучаемого  предмета,  а  главное -  со  сбора  материала,  на  основе   которого  и  можно создать  полное  представление   об  изучаемом  предмете. И  чем тщательнее  изучен  предмет,  тем  глубже,  правдивее  и  художественнее  получится  произведение. Следовательно,  необходимо  как  можно  больше  записывать,  снимать  кино -  и фотоаппаратом танцы,  особенности  манеры  их  исполнения,  записывать  песни,  музыку,  сопровождающие  танцы,  описывать  и  зарисовывать  костюмы  и т. д. Для  народного  танца   органическое  единство  содержания,  характер движений ( лексики), музыки  и  костюма  является  непременным  условием.

Трудно создать  новый   хороший танец,  в котором  бы  все  компоненты  - содержание,  музыка,  костюм – органично  и  творчески  были  слиты  воедино. Но,  опираясь на  богатое народное  наследие,  сохраняя  и любовно  развивая  танцевальные  традиции  русского  народа,  хореографы  имеют все  возможности  для  того,  чтобы  создать  новые интересные  танцы  и  композиции.

Танец,  хореография, пляска.

Глава 2. Формы русского  народного  танца.

Перепляс.

Перепляс – это  соревнование  в  силе,  ловкости,  изобретательности  движений,  это  показ  индивидуальности,  изобретательности  исполнителя,  его  характера,  демонстрация  виртуозности  исполнения  движений – колен. В  переплясе,   как  правило,  нет  строго  установленной  композиции.  В  основе  исполнения  его  лежит  индивидуальное  творчество  плясунов – постоянное  сочинение  ими  движений  и  импровизация  в  момент  исполнения. В старинном  традиционном  русском  переплясе  участвовали  два  парня  или  же  двое  молодых  мужчин, девушки  в нем  участия  не  принимали.  Мастера – плясуны   соревновались  до  полной  победы – кто  кого  перепляшет. Плясуны  состязались  в основном по  количеству  движений – колен. Кто  больше  исполнит  различных   движений,  тот  и оказался  победителем.  Учитывалось  и мастерство  исполнения – чем  техничнее  и  изобретательнее   были  плясуны,  чем  интереснее  они  выделывали  колена,  тем  большой  интерес  вызвало  соревнование.

В  переплясе  виртуозность  исполнителей  часто  достигает  предела. Интересное  описание  перепляса  дает  исследователь  Дона  А. А. Казмин: « Наконец,  затягивает  плясовую,  выступают  плясуны,  которые,  став  друг  против  друга,  попеременно начинают плясать,  вводя  каждый  раз   новое  колено – фигуру.  Этим  «коленам»  и  счету  нет:   пляшут  на   ногах,   пляшут  на  животе,  пляшут  на  спине  и  даже  на  голове,  а  именно:  когда  проделают  обыкновенные  фигуры,  один  из плясунов    становится  на  голову   и  выделывает  ногами   под  пение  разные  фигуры…» Принять  участие  в  переплясе  неподготовленный   человек  не  мог,   для  того  чтобы  переплясать  своего  соперника,  надо  было  знать  много  колен,  много тренироваться.  И  исполнители  до  соревнования  готовились  к  нему.  

Часто  репетировали  в  одиночку  или  вдвоем с  товарищем  где - нибудь  вдали  от  дома  или  на  лесной  поляне,  придумывали  новые  колена,  ревниво  храня  свои  секреты. Некоторые  плясуны – мастера знали  по  пятьдесят  и  более  колен.  О  соревновании   плясунов  было  известно  заранее,  задолго,  иной   раз  в  нем  принимало  участие  несколько  пар  исполнителей.  Выйти  на  такое  соревнование было делом  ответственным,  ведь  на  него собирались  не  только  местные жители,  но  съезжались и  из  окружающих  сел,  деревень  и  народ   строго  и  взыскательно  судил  исполнителей.  Старинный  русский  перепляс  чаще  всего  исполнялся  под  сопровождение  музыкальных  инструментов,  реже  под  песню.  Как  правило,  он  начинался  с  медленного,  а  заканчивался  в  довольно  быстром  темпе,  хотя  в  нем  и  не было стремительного  нарастания. Старинный   русский   перепляс  имеет  свою  традиционную  форму  построения  и  устоявшиеся  правила ,  по  которым  шло  исполнение. Парни  выходили  в  круг,  вставали на  некотором  расстоянии  друг  против  друга  и  плясали  только   по  одному,  по  очереди.  Начинавший  перепляс  делал  проходку,  показывая  свою  манеру,   свою  выходку,  свой  характер,  затем  исполнял  движение  и  становился  на  место,  вызывая  жестом,  притопом  или  кивком  головы  своего  соперника.  Второй  плясун,  приняв  вызов,  исполнял  свою  проходку,  выдать  свое  заковыристое  коленце  и  вновь  вызвать  в  круг  соперника.

В  народе  есть  много  талантливых  плясунов,  которые  продолжают  развивать  традиции  перепляса  и  соревнуются  между  собой,  выявляют  сильнейших.  Во  многих  областях  России  дома  народного  творчества  приводят  такие  состязания:  сначала  по  деревням,  затем  по  районам,  а  лучшие  плясуны  уже  выступают  на   областных  смотрах.  Характер  исполнения  перепляса – соревнование – очень  близок  по  духу нашего  времени.  Массовый  пляс  часто  можно увидеть  сейчас  на  демонстрациях,  на  вечерах в  клубах  и  дворцах  культуры,  на  свадьбах и т. д. Пляска  не  является  застывшей  формой,  она  открывает  большой  простор  для  индивидуального и  массового  творчества.  « И  песни,  и  пляски,  - писал  М. И. Калинин, -  создавались  народом  на  протяжении  десятилетий  и  даже  столетий;  народ  оставлял  в  них только  самое   ценное,  бесконечно  совершенствовал  и  доводил  до  законченной  формы.  Мастера – исполнители  и  по  сей  день  совершенствуют  пляски,  вводя  в  них новые  движения,   разнообразя  их  композиционно.  В  плясках  отражаются  те  новые  отношения,  которые  возникли  благодаря  изменению быта  и  жизни  наших  современников.

В  древности  пляски  в  основном  носили  обрядовый,  культовый  характер.  Но  со  временем  религиозное  содержание  стало  уходить  из  плясок  и они  приобрели  бытовой  характер.  Ни  одно игрище,  ни  один  народный праздник  не  обходились  и  не  обходятся  без  плясок,  неотъемлемой  частью  которых   они  являются.  Разнообразные  движения,  число  которых  во  много  раз  увеличивается  за  счет импровизации  исполнителей   непосредственно в  момент  танца, - характерная  особенность  русской  пляски. У  исполнителя  русской  пляски  очень  выразительны  руки,  голова,  плечи, бедра,  лицо,  кисти рук, пальцы и т. д. Пляска  дает  возможность  раскрыть  индивидуальные  черты  характера – показать  свою « выходку» ( манеру  исполнения). В  наше  время  заметно  усложнилась  техническими  « дробушками»  и   вращениями,  сохраняя  в  то  же  время  мягкость  и  женственность.  В  различных областях  России  и  мужская  и  женская  пляска  в  зависимости   от  географического  положения,  климатических  условий,  а  также  характера  труда  отличается    по  манере  исполнения. Так,  например,  северяне  пляшут  со  свойственной  им  сдержанностью,  а  южане  - с  присущим  им темпераментом  и  задором.  Одни  пляски  исполняются  только  в  медленном  темпе,  другие  только  в быстром.   В  каждой пляске  есть   свое  содержание,  сюжет,  особенно  это  относится  к  групповым  пляскам,  которые  чаще  всего  имеют  свои  традиционные  темы  и  сюжеты,  присущие  той  или  иной   местности.

      Пляска  - зеркало  души  русского  человека, в  ней  проявляется  и  мужество,  и  молодечество,  и  задор,  и  лихость,  и  удаль,  и  широта,  и  задушевность, и  лиризм,  и  веселье –  целая  гамма  чувств  и  эмоций,  свойственных  всем   русским  людям.  Одной  из  отличительных  особенностей  пляски  является  еще большая,  чем  в  хороводе,  индивидуальная  импровизация.   В  пляске  сложные  танцевальные  движения – колена -  не  самоцель.  Истинное  их  назначение – создать  образ,  выразить характер русского  человека. Пляска  отличается  от  хоровода  более  богатой  и  более  сложной лексикой  танцевальных  движений.  Хотя  в  некоторых  хороводах  и  существуют  элементы  припляса  и  даже пляски,  исполнители,  соединенные  единой  хороводной  цепью,  особенно  в  орнаментальных  хороводах,  редко  выделяют  отдельного   плясуна – солиста  или  солистов,  так  что  в хороводе  лексика – танцевальный  язык – невольно  ограничивается.  Пляски  идут не  только  под  песню,  как  хоровод,  а  под  аккомпанемент  различных    музыкальных инструментов,  или же  под  песню  в  сопровождении  музыкальных  инструментов.

Наиболее  распространенные  из  них –  баллалайка,  домра,  гармошка,  баян, а также гусли,  кугиклы ( или  кувиклы),  жалейка,  рожок,  ложки, трещотки и  т. д.

Хоровод:

Хоровод – это  не  просто  танец,  это  образ  жизни  наших  предков.  В  нем  отразились  широта  и  удаль  славянской   души.  Народное  хореографическое  искусство  Руси  насчитывает  большое  количество  танцев,  плясок  и  переплясов.  Но хоровод  среди  них  состоит  особняком,  как  один  из  самых  древних  танцев,  ведущих   свою  историю  из  седой  глубины  веков.

История  возникновения.

Термин  « хоровод» -  происходит  от  древнегреческого  « хпсос, , что означает « массовый  танец  с  песней» и  старославянского  « вод»,  что  означает « ходить,  водить». Хоровод  имеет  древнюю  историю,  и  в  самих  хороводах  отобразилась история  Древней  Руси.  Чем  бы  ни занимались  наши  предки,  свои  действия  они  отражали  в  преданиях,  которые,  в  свою  очередь,  отражались  в  народных  танцевальных  действах.  Первые  хороводы  являлись  языческим  гимном  Солнца. Основная фигура  танца – хождение  по  кругу – символизировала  наше  дневное  светило, а  сам  хоровод  прославлял  источник  света  и  тепла,  от  которого  зависел  урожай. Этот  танец   сопровождал жизнь  наших  предков  три  сезона  в  год: весну,  лето  и осень, и только  зимою игрища на  природе   приостанавливались.

Что  такое  хоровод?  

Хоровод – это массовый  танец! В  нем  принимают  участие  и  молодежь,  и  люди  среднего возраста,  и даже  старики. Музыка  танца  обычно  медленная ,  напевная,  лиричная. Музыкальный  размер  чаще  используется  4/4,  но  бывает и 2/4,  реже, 3/4. Танец  часто  сопровождается   пением.

Большая  роль  в хороводе  отводится  хороводнице -  женщине,  которая  пользуется  всеобщим  уважением,  благодаря  чему  и  заслужила  право  руководить  танцем.  В  другое  время  хороводница  может  быть  свахою  на свадьбах,  бабою –  позываткою на  пирах,  кумою  на  крестинах.  Основные  фигуры  хоровода – хождение  по  кругу.  Хороводница  руководит  хождением  танцующих  в  одном большом  кругу,  затем разбиванием  его  на несколько  маленьких, вновь  схождением  в  один  большой  круг.

Виды  хоровода:

Этот  танец  является  поистине универсальным,  и  в том  или  ином  виде,  под  разными  названиями  встречаются  у  многих  народностей. Так,  в Болгарии  хоровод называется  хоро,  в  Молдавии – хора, хурэ,  в Литве -  карогод,  в  Сербии – коло,  что  в  переводе  означает  « круг».  Под разными  названиями  хоровод известен  в  Македонии,  Хорватии,  Грузии  и  других  странах. В  каждой  из  этих  стран  хоровод  вобрал  в  себя  национальные  особенности  и  своеобразие.

Особенности  хоровода:

В  хороводе  проявились  национальные  черты  славянских  народов  - величавая  скромность,  и,  вместе с  тем,  открытость,  удаль,  разгул,  задор. В  прежние  времена  этот  танец  был своеобразною  формою  общественной  жизни.  Хоровод  -  это  не  просто  танец. Это  образ  жизни  наших  предков.  Во  время  танца   обсуждались  насущные   проблемы,   заводились  знакомства,  происходили  встречи  с  родными  и  близкими.  Молодые люди  активно использовали  это  действо  для  завязывания  романтических отношений,  встречей  со  своими  возлюбленными.  Для  этого  действия  девушки  и  женщины  одевались  в  свои  самые  лучшие  одежды,  специально  покупали  красочные  ленты,  платки,  даже если  для  этого  надо  было  потратить  свои  последние  деньги. В  настоящее время  хороводы  исполняются,  главным  образом,  на  сцене.  Радует,  что  в  последнее  время  наблюдается  тенденция  к  возрождению  народных традиций  и  в  обычной  жизни.

Кадриль:    

Кадриль – парный  танец  некогда  салонный, со временем  распространившийся  в  народе,  видоизмененный  в  движениях  и  манере   исполнения,  но  сохранивший  композиционные   особенности  исторического  танца. В  качестве  народного  танца  кадриль  имеет  много  разновидностей:  русская  и  украинская,  белорусская  и  литовская,  и  даже  американская ( square  dans, что  значит,  « квадратный  танец»). Каждый из  вариантов  отличается  самобытностью  и  разнообразием.

История  возникновения:

Название  « кадриль»  имеет  общие  корни  в французском  языке, ( quadrille), испанском ( quadrille), латинском ( quadrum). Это  может вызвать сомнения  по  поводу  того,  какая  же  именно  страна  является  родиной  танца. Однако  исторические  источники  уверенно утверждают,  что  кадриль  возникла  во  Франции  как  бальный  танец,  образовавшись  от  английского  контрданса.  Контрданс танцевали  в  XVIII  веке  английские  крестьяне,  а  кадриль  распространилась  в  салонах  Франции  и  других  европейских  странах  в XVIII – XIX веках.

Вначале  фигуры  были  достаточно  сложные  и  назывались  Le  Pantallon ( Штаны  - по  названию известной  песни),  Lйtй ( Лето),   La  Poule ( Курица – тоже в  связи  с  песней),  La  Pastourelle ( Пастораль) и Finale ( Финал) с включением  в него танцмейстером  Треницем   фигуры,   названной  его  именем   La Trйnis. Несмотря  на  трудность  освоения  фигур,  движения  должны  были  быть  идеально  отработаны  до  совершенства  салонными  танцорами.  Со  временем  кадриль  сильно  изменилась,  название  фигур  были  заменены  на  цифры,  одни  движения  исчезли,  другие  были  упрощены.

Покорив  посетителей  салонов  и  танцевальных  залов,  кадриль  стала распространяться  в  народе.  Особенно  характерен  этот  процесс был  для  России – кадриль  танцевали  даже  на  ассамблеях  Петра I в  начале  XVIII  века.  Постепенно  она ушла  в  народную  среду,  где  сильно  видоизменилась,  приобрела  национальный  характер  и  стала  одной  из  любимых  народных  плясок.  Перерабатывались  прежние  фигуры,  сочинялись новые,  которые  учитывали  особенности  и  танцевальную манеру  в  каждой  местности.  Эти  изменения,  внесенные  в  народный  танец,  и  обеспечили  кадрили  долгую  жизнь.

Виды  кадрили  и их  особенности:

Видов  кадрили   как  народного  танца    существует  много:  русская,  белорусская,  украинская,   литовская,  эстонская,  латышская,  и  т. д.  Внутри вида  может  существовать  еще  множество   местных  вариантов,  так  например,  русская  кадриль  может  называться  московской,  волжской,  уральской  или, как  в  северных  областях  России,  четверой,  шестерой,   восьмерой.

Русская  кадриль:

Русская  кадриль  имеет многообразные  формы  и  принципы  построения,  а также  достаточно  сложные  по  композиции  и  технике  исполнения  фигуры.

По форме  построения  можно  выделить  следующие  группы  кадрилей:

1.Линенйные  или  двухрядные,  в  которых  может  участвовать  до  16 пар и даже больше. Для  композиции  линейной  кадрили  характерно  движение   двух  линий танцоров  навстречу  друг  другу.

2.Квадратнын  или угловые, где  пары  стоят  по  сторонам  квадрата ( их  обычно  четыре)  и  движение  осуществляется  крест – накрест  или  по  диагонали.

3.Круговые  –  в  них танцуют 4, 6   или  8  пар.  Движение  осуществляется  по  кругу,  иногда к  центру  круга  и  назад  в большой  круг.

4.Смешанные  - каждая  фигура  имеет  свое  композиционное  построение  или  смешение  композиционного  построения внутри  фигуры.

5.Импровиационная  -  главное  лицо – распорядитель,  все  участники  должны  выполнять  команды.

Фигуры   в  русской  кадрили  могут  иметь  названия,  связанные  с  характером  исполняемого  движения  или  рисунком  танца: проходочка,  знакомство,   крутея, звездочка,  воротца  и др. Между  фигурами  существуют  паузы. Фигуры  объявляются  ведущим  или  дается  знак  для  их  исполнения  - платком  или  притопом.

Украинская   кадриль:

Украинская  кадриль  складывается  из  множества  фигур,  доходящих  до  двенадцати,  отличается в  большей  степени  музыкальными  композициями,  под  которые  исполняется.  Чаще  всего  ( « Баламуте», « Ой,  не ходи, Грицу»  и др.).

Белорусская  кадриль:

Для  белоруской  кадрили  характерна  простота  движения и  разнообразие  построений,  фигур  может  от  4 до  12.  В  отличие  от других  видов  белорусская  кадриль  может  включать  солирование  танцоров  раздельно  или  парно. Существуют  кадрили,  построенные  на  слиянии  национальных танцев  с  формой  кадрили: « Бычок», « Чижик», « Врубель».

Заключение.

Глубинные  истоки  национальной  культуры  просматриваются  прежде  всего в  крестьянских  обычаях и установлениях,  в  силу  большей  сохранности  устоев  жизни  сельского  населения  на  протяжении  веков,  что  содействовало  консервации  некоторых старых  и  даже  древних  элементов  народного творчества.

Требуются  поиски  новых  путей  использования  народного  творчества, которые  позволили   бы возродить  к  жизни формы  и  жанры танцевального  фольклора,  утратившие  сегодня  естественную  почву для своего  существования.  Проведение  праздников  и  смотров  народного искусства  могло  бы  заметно  украсить  и  обогатить  культурную  жизнь.  И  все  это  не  единственный  возможный  путь,  надо  искать и  другие.

Специального  внимания  заслуживает  проблеме  сохранения  и  поддержки  современных  жанров фольклора,  стимулирование  новых  творческих проявлений  широких  слоев  населения.

Традиции  лишь  тогда  могут  естественным  образом  сохраняться,  если  они  переходят  из  поколения  в  поколение. Поэтому  вся  наша  надежда  на  ищущую,  чуткую  ко  всему  родному,  любящую  свою  историю,  стремящуюся не  оторваться от  глубинных  ее  истоков  талантливую  молодежь,  хореографов,  истинно  любящих  свою  Родину.  Этими словами  и  подтверждается  поставленная  гипотеза.