«Золотой век» русской культуры (первая половина XIX века)
план-конспект урока по истории (8 класс) на тему

«Золотой век» русской культуры

(первая половина XIX века)

Цели урока:

• ознакомление учащихся с достижениями в области архитектуры, скульптуры, живописи. Их авторами, новыми понятиями. Показать неразрывную связь культуры с историческим процессом в целом.
• развитие умения детей творчески характеризовать эпоху, критически мыслить.
• воспитание чувства любви к прекрасному, к Родине, чувства гордости за свое Отечество. Воспитать личностное восприятие эпохи.

Тип урока: урок-презентация изучения нового материала с элементами интеграции.

Основные понятия: ампир, эклектика, академизм.

Эпиграф урока: «Мы ищем удивительных вещей в чужих краях… И проходим мимо своего чудного, неимоверного с самым обыкновенным равнодушием».

(Николай Бестужев).

Ход урока:

Учитель: На сегодняшнем уроке мы рассмотрим величайшие творения в области архитектуры, скульптуры, живописи, познакомимся с именами их создателей; выясним какие события, способствовали стремительному взлету культуры России в первой половине XIX века. И в заключении урока попытаемся дать ответ на вопрос справедливо ли называть первую половину XIX века в русской культуре временем подъема – «золотым веком».

Российская культура XIX века является одной из самых больших загадок в истории нашей страны. Остаются непонятными причины, позволившие российской литературе, живописи, театру, музыке не только выйти за неполные сто лет на мировой уровень, но в чем-то стать законодателями мировых мод. Можно говорить о том, что накопление культурного потенциала, шедшее на протяжении веков, дало свои плоды именно в XIX столетии. Можно сослаться на то, что русская культура воспринимала все новое, что предлагала Западная Европа. В конце концов, можно укрыться за словами о том, что XIX веку просто повезло- именно тогда родились Пушкин и Толстой, Глинка и Чайковский, Брюллов и Суриков… Однако честнее признаться, что наука еще не нашла ответ на вопрос о феномене русской культуры XIX  века. Но данной точки зрения придерживаются немногие историки, ярким представителем которых является, уже известный нам исследователь эпохи

Петра I, Николай Иванович Павленко. Я думаю, что среди вас есть те кто не согласится с мнением Павленко, поскольку изучив  события истории России предшествовавшего времени можно выделить причины расцвета русской культуры в первой половине XIX века. Подумайте и назовите, что могло способствовать развитию культуры в первой половине XIX века.

(Учащиеся высказываются по данному вопросу).

 Учитель: Итак, в силу всех выше названных причин и происходит в первой половине XIX века подъем русской культуры. В этом отношении очень показательно развитие архитектуры, скульптуры, живописи.

Архитектуру этого времени называют «застывшей музыкой». Более всего это определение подходит к архитектурным сооружениям, воздвигнутым в Санкт- Петербурге, столице Российской империи.

Петербург, детище Петра Великого, город особый, удивительный и непостижимый. Нельзя не отдать дань восхищения его неповторимой чарующей красоте, искусству выдающихся зодчих. Федор Михайлович Достоевский назвал Петербург «самым предумышленным городом на свете», ведь он возник по желанию одного человека и явил миру рукотворное чудо, доказав способность русского человека не только выживать на самом гиблом месте, но и творить. Константин Батюшков назвал Петербург «чудом света». Свой образ Петербурга создал и Александр Сергеевич Пушкин в поэме «Медный всадник»:

…Прошло сто лет, и юный град,

    Полнощных стран краса и диво,

    Из тьмы лесов, из топи блат

    Вознесся пышно, горделиво;

    Где прежде финский рыболов,

    Печальный пасынок природы,

    Один у низких берегов

    Бросал в неведомые воды

    Свой ветхий невод, ныне там

    По оживленным берегам

    Громады стройные теснятся

    Дворцов и башен; корабли

    Толпой со всех концов земли

    К богатым пристаням стремятся;

    В гранит оделася Нева;

    Мосты повисли над водами;

    Темно- зелеными садами

    Ее покрылись острова,

    И перед младшею столицей

    Померкла старая Москва,

    Как перед новою царицей

    Порфироносная вдова.

     (читает учащийся).

Учитель: В начале XIX века началась регулярная застройка Петербурга: прямые проспекты, площади, парки. Воздвигаются архитектурные ансамбли, ставшие шедеврами, мировой архитектуры. Все сооружения этого времени относятся к эпохе классицизма, утвердившегося в России в конце XVIII века. С классицизмом мы уже знакомы, что это за стиль, каковы его особенности?

(Ответ учащихся).

Учитель: В начале XIX века классицизм вступает в высшую стадию своего развития - стадию, названную - ампир.

 Познакомимся с некоторыми архитектурными сооружениями Петербурга подробнее:

С 1806 по 1823 год по проекту архитектора Захарова было возведено монументальное здание Адмиралтейства. Здание украшают скульптуры, рельефы, лепные фигуры, прославляющие величие и мощь России, как морской державы. Четырехгранная башня с позолоченным шпилем, поднятая над зданием доминирует в системе площадей, примыкающих к Адмиралтейству. Золотой шпиль Адмиралтейства, увенчанный трехмачтовым корабликом, стал символом Санкт- Петербурга. По убедительности художественного образа, совершенству композиции, нерасторжимости синтеза архитектуры с монументальной скульптурой Адмиралтейство не имеет себе равных, являясь величайшим произведением русского классицизма.

 Новое здание появилось и на стрелке Васильевского острова: архитектор Тома де Томон возвел здание Биржи, которое удачно сочетается с обширным речным пространством. Томон изменил весь облик стрелки Васильевского острова, оформив полукругом берега двух русел реки Невы, поставив по краям ростральные колонны – маяки, образовав тем самым около здания Биржи площадь. Сама Биржа имеет вид греческого храма – периптера на высоком цоколе, предназначенном для торговых складов. Декор почти отсутствует. Простота и ясность форм и пропорций придают зданию величественный, монументальный характер.  

На дворцовой площади напротив Зимнего дворца по проекту архитектора Росси были возведены здание Генерального штаба и здание министерств, плавной дугой охватывающие площадь с юга. Подчеркнуто сурово и лаконично архитектурное убранство здания Генерального штаба, строительство которого стало важнейшим этапом формирования ансамбля Дворцовой площади. Основное внимание зодчий уделил центру композиции – величественной Триумфальной арке, соединяющей главную площадь города с Большой Морской улицей и Невским проспектом. Венчает арку колесница Победы с шестеркой вздыбленных коней (скульпторы Степан Пименов и Василий Демут-Малиновский).

Триумфальная арка, посвящена победе русского оружия в Отечественной войне 1812 года. Победа над Наполеоном нашла отражение в триумфальном характере архитектуры. Также по проектам Росси были построены здания Сената и Синода, Михайловский дворец, Александринский театр.

Доминантами в городском пейзаже Петербурга являются храмы. Самые известные из них появляются именно в XIX веке:

Казанский собор- архитектор Андрей Воронихин (1801 – 1811 гг.). Собор называют одним из чудес русского классицизма. Он был построен за 10 лет и стал памятником победе России в войне 1812 года. Собор обращен к Невскому проспекту продольным боковым фасадом. Архитектор скрыл основной объем здания грандиозной колоннадой из 96-ти колонн коринфского ордера. Здесь собраны трофейные знамена, находится могила М.И. Кутузова. Перед колонадой собора воздвигнуты памятники М.И. Кутузову и М.Б. Баркаю-де-Толли (скульптор Борис Орловский).

Не менее известен и Исаакиевский собор вторая после Петропавловского собора церковь Петербурга, так как Исаакий Далматский является покровителем Петра I

 (Сообщение об Исаакиевском соборе).

Учитель: О. Монферан является создателем еще одного символа Петербурга – Александровской колонны. Александровская колонна была возведена в 1834 году и стала памятником Александру I и победе России в войне 1812 года.

В первой половине XIX века произошло архитектурное оформление центральной магистрали города Невского проспекта. Давайте на минуту представим себя в Петербурге  XIX века и окажемся на Невском проспекте. Это нам поможет сделать современник тех событий Н.В. Гоголь, описавший Невский проспект в повести с одноименным названием.

(Работа с текстом источника).

Источник 1.

Н.В. Гоголь. «Невский проспект».

«Нет ничего лучше Невского проспекта, по крайней мере в Петербурге; для него он составляет все. Чем не блестит эта улица – красавица нашей столицы!  Я знаю, что ни один из бледных и чиновных ее жителей не променяет на все блага Невского проспекта. Не только кто имеет двадцать пять лет от роду, прекрасные усы и удивительно сшитый сюртук, но даже тот, у кого на подбородке выскакивают белые волосы и голова гладка, как серебряное блюдце, и тот в восторге от Невского проспекта. А дамы! – О, дамам еще более приятен Невский проспект. Да и кому же он не приятен? Едва только взойдешь на Невский проспект, как уже пахнет одним гуляньем. Хотя бы имел какое-нибудь нужное, необходимое дело, но, взошедши на него, верно, позабудешь о всяком деле… Всемогущий Невский проспект!»

 Учитель: Но Петербург был не похож на другие русские города, в нем было много того, чего не было и в помине в других местах обширной империи. Он был примером всего нового для остальной России. Не похожа была на Петербург и Москва вторая столица Российской империи. Москва в отличии от Петербурга сохраняла традиции русской старины наряду с этим московские архитекторы были вынуждены решать и другие задачи. Во время нашествия Наполеона Москва на две трети выгорела, и поэтому здесь развернулось интенсивное строительство жилых и общественных зданий. В Москве же начинает формироваться черты, нового направления в русской архитектуре 30-50-х годов XIX века, именуемого «историзмом» или «эклектикой». Для эклектики характерно смешение стилей, интерес к арабскому, римскому, готическому и русско-византийскому стилям.

В этом отношении переходным можно считать творчество московских зодчих О.И. Бове (здание Большого театра), Д.И. Жилярди (реконструкция Московского университета), А.А. Витберга (проект храма в память о победе в Отечественной войне).

В 1810-1850-х годах активно развивается искусство скульптуры, особенно монументальной.

И.П. Мартос (памятник Минину и Пожарскому), В.И. Демут-Малиновский и С.С. Пименов (скульптуры арки Главного штаба), Б.И. Орловский (памятники М.И. Кутузову и М.Б. Барклаю-де-Толли), П.К. Клодт (четыре группы укротителей коней на Аничковом мосту, памятник И.А. Крылову в Летнем саду, памятник Николаю I у Исаакиевского собора) с честью поддержали славу российского искусства.

 В живописи в первой половине XIX века развивается течение академизм, основанное на следовании внешним формам классического искусства. Эти годы также стали временем исканий и одновременно расцвета русской живописи.

Одним из крупнейших портретистов этого периода стал О.А. Кипренский, в творчестве которого наиболее отразились романтические искания художников начала столетия. Его автопортрет, портреты  Д.И. Давыдова, В.А. Жуковского, А.С, Пушкина и др. выразили новое представление о ценности, неповторимости индивидуальных черт личности, внутреннего мира человека, внимательно вглядывавшегося в жизнь, пытавшегося разгадать загадку человека и человечества.

В.А. Тропинин  начинал с портретной живописи. Наиболее известен его портрет А.С. Пушкина, на котором поэт, завернувшись в халат, как в античную тогу, предстает перед нами в образе мудрого, внутренне уравновешенного собеседника. Тропинин в историю русской живописи вошел не только в качестве портретиста, но и создателя особого вида жанровой картины – поясного изображения человека, занятого несложным, привычным делом: «Пряхи», «Кружевницы».

В этом ряду блистательных живописцев выделяется К.П. Брюллов, оказавший огромное влияние на многие стороны русского искусства.

(Сообщение о К.П. Брюллов).

Учитель:  Интерес российской публики к живописи усилил один из величайших русских художников А.А. Иванов. Работа над философско-исторической картиной «Явление Христа народу» (1837-1857г.г.) заняла большую часть жизни Иванова. В этой картине принцип психологической связи между персонажами главенствует при постройке композиции. Полотно явилось сочетанием идей духовного раскрепощения человечества с монументальной формой и поражает зрителя мощью и искренностью своих образов.

П.А. Федотов активно разрабатывал жанр бытовой живописи; его называют родоначальником критического реализма в русском искусстве («Сватовство майора», «Вдовушка», «Свежий кавалер», «Завтрак аристократа»). Сила живописи Федотова в глубине, изображаемых проблем, в занимательности сюжета и в потрясающем мастерстве исполнения. Федотов любит реальный предметный мир, с восторгом выписывает каждую вещь, поэтизирует ее. Искусством Федотова завершается развитие живописи первой половины XIX столетия и вместе с тем совершенно органически «федотовское направление» открывает собой начало нового этапа-искусства критического реализма.

И в заключении вернемся  к вопросу, поставленному в начале урока: справедливо ли называют первую половину XIX века- «золотым веком», временем подъема русской культуры?

(Учащиеся дискутируют, высказывают свое мнение, обосновывают сделанные выводы).

Итог урока: Ребята, на сегодняшнем уроке мы познакомились с выдающимися достижениями русских архитекторов, скульпторов, живописцев. Убедились в том, что первая половина XIX столетия является временем расцвет, подъема русской культуры.

Выставление оценок

Домашнее задание: Эссе на тему «Первая половина XIX века - «Золотой век» русской культуры: !!! или ??? или …» - выразить собственное отношение к проблеме.    

Дополнительный материал

Исаакиевский собор – крупнейшее сооружение Петербурга. Его золоченный купол царит над центром города. По своим масштабам собор намного превосходит все храмы Петербурга и может вместить более 12 тысяч человек.

История Исаакиевского собора начинается в 1710 году, когда близ Адмиралтейства, в Адмиралтейском сарае, была устроена временная деревянная церковь Исаакия Далматского -  на день памяти этого святого приходился день рождения Петра I. В 1717 году по проекту архитектора Г. Маттарнови на берегу Невы началась постройка большой каменной Исаакиевской церкви с многоярусной колокольней. Этот храм простоял недолго: он сильно пострадал от пожара и через некоторое время был разобран. Новый проект собора разработал архитектор С.И. Чевакинский. Он же предложил построить здание в другом месте – в центре вновь создаваемой городской площади.  

Это предложение было принято, однако вместо проекта С.И. Чевакинского был принят проект А.Ринальди. К постройке собора приступили в 1768 году. Строительство растянулось на многие годы, и было закончено только в 1800 году архитектором В.Ф. Бренна, значительно изменившим проект. В результате получилась очень неудачная, некрасивая и приземистая постройка, никак не соответствующая величественному ансамблю русской столицы, выдержанному в стиле классицизма.

В 1810-х годах был объявлен конкурс на разработку проекта нового собора, в котором приняли участие виднейшие архитекторы того времени. Среди них был француз О. Монферан, приехавший в Россию в 1816 году. Он представил сразу двадцать четыре варианта собора во всех видах: в византийском, романском, готическом, классическом стилях, и даже в духе китайской и индийской архитектуры. Рассмотрев этот альбом проектов, император Александр I утвердил вариант пятиглавого собора в классическом стиле. 20 февраля 1818 года последовал указ: «Произвести окончательную перестройку Исаакиевского собора с приличным оному благолепием и утвердив план такой постройки по проекту Монферана». Исаакиевский собор был торжественно заложен 26 июня 1818 года.

Возведение собора потребовало гигантского труда. Оно продолжалось сорок лет, с 1818 по 1858 год, в работах участвовали сотни тысяч людей. В 1818-1827 годах был разобран старый собор и сооружен фундамент нового. Для закладки фундамента в болотистую почву пришлось вбить 24 тысячи свай. В 1828 году, еще до возведения стен, началась установка сорока восьми колонн нижних портиков, высеченных из монолитных гранитных блоков. Высота колонн составляет 17 метров, а вес каждой – 114 тонн. Гранитные блоки вырубались в скалах под Выборгом, грузились на специальные суда и водным путем доставлялись в Петербург. Здесь их обрабатывали, полировали и устанавливали. Эта чрезвычайно трудная работа была закончена в 1830 году.

В следующем году началось возведение стен и подкупольных пилонов. В 1836 году были сооружены перекрытия портиков, в 1838 году возведен купол диаметром 21,8 метра, установленный на высоком барабане, окруженном монолитными гранитными колоннами. Все конструкции купола выполнены из металла. При проектировании купола Монферан использовал идею купола лондонского собора Святого Павла. Купол Исаакиевского собора состоит из трех оболочек и покрыт листами золоченной меди. 24 колонны, окружающие барабан центрального купола, на метра меньше нижних и весят 64 тонны каждая, и их нужно было поднять на большую высоту. История архитектура еще не знала подобного!

Собор, облицованный серым мрамором, был закончен в 1842 году, но освящен только в 1858 году. Почти пятнадцать лет продолжалась внутренняя отделка здания. К работам по отделке собора были привлечены живописцы К.П. Брюллов, Ф.А. Бруни, П.В. Басин, В.К. Шебуев, скульпторы П.К. Клодт, И.П. Витали, А.В. Логановский, Н.С. Пименов и другие.

В отделке интерьера собора использованы многие породы ценных камней: малахит, лазурит, порфир, мрамор разных цветов – светло-розовый, темно-красный, зеленый, серый. Богатейшее внутреннее убранство собора дополняют многочисленные детали из позолоченной бронзы и шестьдесят две мозаичные картины. На украшение собора пошло около 25 пудов золота, а общая стоимость постройки составила 23 миллиона рублей.

Высота Исаакиевского собора с крестом составляет 101,8 метра, длина – 102,2 метра, высота портиков – 18 метров, диаметр основания купола – 33,7 метра. Внешняя колоннада собора состоит из 112 колонн, каждая из которых представляет собой гранитный монолит. Многоколонные портики со всех сторон окружают четырехугольное здание собора, над основным объемом которого возвышается барабан, увенчанный сверкающим куполом. По его сторонам стоят еще четыре купола меньших размеров.

Гармония внешнего и внутреннего, стройность и красота целого и отдельных деталей, роскошь и вместе с тем величавая простота делают Исаакиевский собор одним из замечательнейших зданий в мире.

 Кипренский Орест Адамович (1782-1836) – живописец и график, представитель романтизма.

Учился в Петербургской Академии Художеств.

Основной жанр творчества Кипренского – портрет, в котором он показал себя телентливым последователем Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого и В.Л. Боровиковского. Портреты Е.П. Ростопчиной, А.А. Челищева и другие, выполненные им в последующие годы, упрочили его известность. Лучшим считается портрет Е.В. Давыдова (1809), в котором, используя контрасты освещенного лица модели и темного фона, сопоставление насыщенных цветов, Кипренский достигает романтической приподнятости образа, особой эмоциональной полноты в раскрытии психологического состояния модели, утверждает новый взгляд на человека как на внутренне независимую личность.

С 1812 г. создавал графические портреты, в которых запечатлел своих современников, участников войны с Наполеоном, духовно близких художнику людей – портреты А.П. Бакунина, М.П. Ланского, Е.И. Чаплица и др. Позже запечатлел деятелей искусства – Н.А. Оленина, Н.И. Уткина, К.Н. Батюшкова. Поездка в Италию (1816-1822) пробудила у Кипренского тяготение к четкости, определенности формы, к обобщенности характеристик (портрет Е.С. Авдулиной). Он делает попытки создать историческую картину на сюжет «Аполлон, поражающий Пифона» - аллегорию победы Александра I над Наполеоном. Закончил работу над ней в 1825 г., но не произвел на зрителей желаемого впечатления.

Во второй половине 1820-х гг. Кипренский испытал духовный кризис, написанные им портреты блистали мастерством, но холодно-отчужденными. Лучшими произведениями Кипренского, созданными в этот период являются портрет А.С. Пушкина (1827) и автопортрет (1828).

В 1828 г. Кипренский уехал в Италию. Наиболее удачными работами, сделанными в этот период, считаются «Девушка с плодами» и «Читатели газет в Неаполе», в которых он делает попытки более разносторонне раскрыть психологию и внутреннее состояние людей. Художник много работал, написал хорошие портреты Б. Торвальдсена и Ф.А. Голицина, но прежних достижений повторить не смог.

Тропинин Василий Андреевич (1776-1857) – живописец, автор портретов.

 До 1832 г. был крепостным. Около 1798 г. начал учиться в Петербургской Академии Художеств, но в 1804 г. был отозван своим помещиком.

С 1821 г. постоянно жил в Москве. Уже ранние портреты Тропинина отличаются интимностью образов, нежным, выдержанным в легкой сероватой красочной гамме колоритом (этюды-портреты И.И. и Н.И. Морковых; портреты жены и сына).

В 1820-х – первой половине 1830-х гг. в произведениях Тропинина появляются новые черты – отчетливая и детальная характеристика модели, интенсивная красочная гамма, иногда скульптурная четкость объемов (портреты П.А. Булахова, К.Г. Равича, А.С. Пушкина).

В 1823 г. Тропинин представляет Совету Петербургской Академии Художеств свои картины «Кружевница», «Нищий старик» и получает звание назначенного, а в следующем году, написав «Портрет К.А. Леберехта», становится академиком. На предложение остаться на преподавательской работе в Академии Художеств ответил отказом и вернулся в Москву.

Наступил период расцвета его творчества. Женские образы, созданные в его жанровых портретах: «Девушка со свечей»; «Женщина в окне (Казначейша)»; «Девушка с горшком роз» и др. С глубоким пониманием простого народа, среды, откуда вышел сам, написаны мужские портреты – типы русских крестьян («Старик крестьянин»; «Странник» и др.).

В 1830-х годах создал целую галерею образов своих современников. Среди этих работ есть настоящие шедевры – портреты К.Г. Равича, В.М. Яковлева и др.

Тропинин писал портреты самые разнообразные: интимные и репрезентативные, однофигурные и групповые, крестьянские и купеческие, детские, костюмированные, множество портретов посвящено друзьям – художникам (портреты П.Ф. Соколова, И.К. Айвазовского, К.П. Брюллова и др.).

Творчество Тропинина сыграло важную роль в развитии демократических тенденций русского искусства XIX в. и особенно в формировании культурных и художественных традиций Москвы.  

Федотов Павел Андреевич (1815-1852) – живописец и график, родоначальник критического реализма в русском искусстве.

Будучи офицером, а также после выхода в отставку (1844) посещал рисовальные классы Академии Художеств (1834-1845). Учился у Зауервейда в батальной мастерской, пользовался советами К.П. Брюллова.

К первому периоду творчества художника (до середины 1840-х гг.) относятся карандашные зарисовки, карикатуры, батальные сцены, портреты, целый ряд композиций (серия 1844-1846), в которых он прибегал к сатире, обличал нравы, сочувствуя обездоленным.

Федотовым впервые была сформулирована программа критического реализма. В последующих произведениях, исполненных уже маслом («Свежий кавалер», «Разборчивая невеста», «Сватовство майора»), живописец уже более сложно строит сюжет, давая повествовательное раскрытие события, сочетает критический пафос с поэтическими представлениями о мире, добивается гармоничности композиции, чистоты красок, выписанности деталей.

Лучшие живописные портреты Федотова – небольшие по размерам, представляющие модель в интимной обстановке, отмечены живописным единством («Е.Г. Флуг», «Н.П. Жданович»). В рисунках художник достигает линейного и ритмического совершенства, продолжая работать над серией графических листов нравственно-критического содержания.

В конце 1840-х гг. к Федотову пришли признание и слава, оказавшиеся кратковременными. Причастный к делу петрашевцев, гонимый цензурой и прессой, обреченный на нищенское существование, он оказался в бедственном положении. Поздний период жизни и творчества (1850-1852) отмечен чертами трагизма, обостренного тяжелой психической болезнью.

Федотов создает образы, проникнутые сочувствием к человеку, новым пониманием живописных и графических проблем («Вдовушка», «Анкор, еще анкор!», «Игроки»).

Обыденный факт, положенный в основу сюжета, вырастает в обобщенный образ почти символического характера, передающий нелепость лишенного смысла существования.

Творческое наследие Федотова, в котором он впервые решительно проложил реальности дорогу в русскую живопись, став родоначальником бытового жанра и предшественником художников-передвижников, сыграло значительную роль в развитии русского искусства.  

Брюллов Карл Павлович родился 23 декабря 1799 года в Петербурге в семье академика орнаментальной скульптуры Павла Ивановича Брюллова. В 1809 году он становится воспитанником Петербургской Академии художеств, в которой в это время уже учились его старшие братья.

Виднейшие мастера русского искусства начала XIX века - А. И. Иванов, А. Е. Егоров, В. К. Шебуев - отмечали редкие способности и упорство Брюллова с первых ученических лет. По свидетельству своего товарища, он вынес из Академии пригоршни наград, получил все Малые и Большие серебряные медали. Однако учителя были крайне недовольны теми работами юного художника, в которых он нарушал строгие академические правила.

Так, в конкурсной картине "Нарцисс, любующийся своим отражением в воде" (1819, ГРМ) усмотрели "предосудительную фантазию", упрекая молодого Брюллова в том, что античный персонаж изображен не на фоне привычного классического пейзажа. Более того, по их мнению, художник "осмелился" показать упавшую на ногу Нарцисса тень от одного из деревьев, чем "нарушил" чистоту идеальной формы. Но, поддержанный своим учителем А. И. Ивановым, Брюллов все же получил Малую золотую медаль, а следовательно, и возможность участвовать в конкурсе на Большую золотую медаль ("Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского", 1821, ГРМ). В августе 1822 года братья Александр и Карл Брюлловы на средства только что основанного Общества поощрения художников отправились в Италию. Путь в Рим лежал через Ригу, Дрезден, Берлин, Венецию, Падую, Болонью. Особыми инструкциями художники предостерегались от революционных умонастроений, назревавших в России и охвативших Францию и Италию, а равно и от предосудительного увлечения "низким жанром", т. е. бытовой живописью. Кроме того, было указано, кому из теоретиков и художников необходимо следовать, в том числе назывались имена Леонардо да Винчи, Вазари, Рафаэля, Винкельмана, Менгса, Висконти.

Работа Брюллова в Риме началась с изучения ватиканских фресок Рафаэля и античной скульптуры. В искусстве великих живописцев прошлого - Рафаэля, Тициана, Рембрандта - художника привлекала жизненная правда. "Первое, что я приобрел в вояже - есть то, что я уверился в ненужности манер", - писал он старшему брату Федору.

Вопреки предостережениям Общества, Брюллов с увлечением занялся жанровой живописью; появляются его "Итальянское утро" (1824, местонахождение неизвестно), "Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя" (1827, ГРМ), "Итальянский полдень" (1827, ГРМ). Радость жизни пронизывает эти картины. Прекрасное Брюллов видит в полноте жизненных ощущений, в непосредственности человеческих чувств, в простом и повседневном. Особенно проявились взгляды Брюллова на задачи искусства в "Итальянском полдне". Молодая итальянка в густой зелени сада срывает виноградную гроздь. В мягком абрисе головы, плеч, рук, в румянце щек, блеске увлажненных глаз искрится радость бытия, жизнерадостное и полнокровное ощущение жизни, слияние с окружающим. Солнечные лучи пронизывают листву виноградника, скользят по рукам, лицу, одежде девушки; создается атмосфера живой связи человека с природой.

Устои старых эстетических канонов были поколеблены. Общество поощрения художников вынуждено было заметить живописцу: "Ваша модель была более приятных, нежели изящных соразмерностей... целью художества вообще должно быть изображение натуры в изящнейшем виде". Брюллов отвечал: "... художник имеет право отступать от условной красоты форм и искать предположенного разнообразия в тех формах простой натуры, которые нередко даже более нам нравятся, нежели строгая красота статуй".

Восхищение красотой натуры, свободным проявлением чувств человека вызвали в творчестве художника интерес к камерно-интимному портрету и портрету-картине. Им были написаны: "Автопортрет" (ок. 1833, ГРМ), портреты А. П. Брюллова (не позднее 1841, ГРМ), Г. Г. Гагарина (ок. 1833, ГРМ); из акварелей - портреты Олениных, "Графиня О. П. Ферзен на ослике" (1835, ГРМ); большие групповые портреты княгини Елены Павловны с дочерью (1830, ГРМ), Ю. П. Самойловой с Джованиной Паччини и арапчонком (не позднее 1842, США) и знаменитый портрет-картина "Всадница" (1832, ГТГ), принятые особенно горячо.

Яркий талант, всесторонняя образованность, самостоятельность и независимость (разрыв с Обществом поощрения художников, отказ носить орден Владимира, которым наградил художника Николай I) привлекли к Брюллову внимание современников. Неудивительно, что его студия в Риме на Via Corso пользовалась популярностью.

Самое значительное произведение, созданное Брюлловым - "Последний день Помпеи" (1833, ГРМ), в основе содержания которого - трагедия римского города, погибшего при извержении Везувия (1 в. н. э.).

Брюллов работал над этим полотном свыше шести лет: изучал документы, связанные с гибелью Помпеи, письма Плиния Тациту, присутствовал на раскопках Геркуланума и Помпеи, исследовал исторические и археологические материалы.

Действие в картине развивается со стремительной быстротой и охватывает огромное пространство: весь город полон смятения; багровое небо, прорезанное холодными стрелами молний, резкие контрасты света и тени, бегущие люди, даже сейчас, в трагическую минуту жизни, классически прекрасны.

Брюллов сумел передать самое ценное в людях - чувство любви к ближнему.

События современности волновали художника. Он живо воспринимал тревожную, часто полную трагичности, современную ему жизнь, в которой люди, воодушевленные светлыми идеалами, вступали в борьбу с силами реакции и погибали.

Однако К. П. Брюллов еще не порвал с традициями классицизма... Идеализация натуры, каноническое расположение фигур, условный цвет, свет - все это присутствует. Но новое властно заявляет о себе, о чем свидетельствуют массовость сцены, отсутствие обязательного главного героя, динамичность картины в целом и самое важное - интерес к внутреннему миру человека, стремление показать сложность чувств.

Осенью 1833 года художник открыл двери студии. Вскоре началось триумфальное шествие картины по выставкам разных городов Европы - Рима, Милана, Парижа, Петербурга. Успех был огромным.

Гоголь писал о произведении Брюллова: "... его фигуры прекрасны при всем ужасе их положения". Пушкин восторженно приветствовал художника и посвятил ему стихотворение. Глава итальянской художественной школы Каммуччини объявил Брюллова художником-колоссом. Вальтер Скотт, посетивший его мастерскую, назвал это творение эпопеей. Брюллова избирают почетным членом Миланской Академии изящных искусств, Академий Болоньи, Флоренции, Пармы. В Париже автору присуждается Большая золотая медаль. Восторжено была встречена картина передовой русской общественностью. Лермонтов, Баратынский, Жуковский, Белинский, Герцен, Глинка высоко оценили талант своего соотечественника.

Прежде чем вернуться на родину и занять профессорскую должность в Академии художеств, Брюллов с "художественной экспедицией" В. П. Давыдова отправился в Грецию, Турцию и Малую Азию. Мастерски владея техникой рисунка, сепии и акварели, художник создал сюиту этюдов о Греции.

По приглашению Г. Г. Гагарина Брюллов отправился в Константинополь на бриге "Фемистокл", командиром которого был прославленный впоследствии адмирал В. А. Корнилов. Акварельный портрет В. А. Корнилова и пейзажи Греции принадлежат к лучшему, что создано Брюлловым в графике.

25 декабря 1835 года художник возвращается в Москву, а в мае 1836 года приезжает в Петербург. Пушкин, с которым Брюллов подружился в Москве, пишет жене: "Брюллов сейчас у меня. Едет в Петербург, скрепя сердце, боится климата и неволи".

Жизнь в Петербурге не была легкой и независимой. Профессорство в Академии художеств (Брюллов преподавал в звании младшего профессора) невольно стало чиновной службой с бесконечной опекой царского Двора, заказами на церковные образа и царские портреты, с трудной работой над историческим полотном "Осада Пскова", превратившейся, по словам художника, в "Досаду от Пскова".

Вместе с тем дружба его с Пушкиным, Жуковским, Крыловым, Глинкой, знакомство с Гоголем, Белинским, Лермонтовым, Баратынским, Даргомыжским способствовали новым творческим успехам художника.

Созданная Брюлловым в Петербурге портретная галерея современников (он написал около восьмидесяти портретов) - самое ценное в его наследии. Парадные портреты, которые принесли художнику успех еще в 20-30-е годы, занимают значительное место и в петербургский период творчества. Среди них портреты В. А. Перовского (1836, ГРМ), Е. П. Салтыковой (1841, ГРМ), сестер О. А. и А. А. Шишмаревых (1839, ГРМ); особенно выделяется портрет-картина "Графиня Ю. П. Самойлова, удаляющаяся с бала с приемной дочерью Амацилией Паччини" (не позднее 1842, ГРМ). Это произведение Брюллова имеет своеобразный аллегорический смысл. В глубине картины изображен император в костюме султана, а царедворец с жезлом бога торговли Меркурия указывает на олицетворяющую невинность девушку в белом покрывале. Маскарад ассоциировался у Брюллова с представлением о фальши и пустоте высшего света. В портрете ему противопоставлены образы гордой и независимой Ю. П. Самойловой, задумчивой, нежной Амацилии Паччини.

Особенных успехов добился художник в реалистическом, психологическом портрете.

Портрет Н. В. Кукольника (1836, ГТГ), поэта В. А. Жуковского (1838, ГТГ), баснописца И. А. Крылова (1841, ГТГ), поэта и переводчика А. Н. Струговщикова (1840, ГТГ), ученого-археолога М. А. Ланчи (1852, ГТГ), "Автопортрет" (1848, ГТГ) - все это жемчужины русского портретного искусства. О них писал В. Г. Белинский: "Уметь верно списать портрет - есть уже своего рода талант, но этим не оканчивается все... Пусть с него снимет портрет Брюллов и Вам покажется, что зеркало не так верно повторяет образ Вашего знакомого, как этот портрет, потому что это будет не только портрет, но и художественное произведение, в котором схвачено не одно внешнее сходство, но и вся душа оригинала".

Написанный во время болезни "Автопортрет" - своеобразная автобиография художника.

Весной 1849 года Брюллов уехал лечиться за границу. Скончался художник 23 июня 1852 года в местечке Марчиано близ Рима.

О. Ф. Петрова

"50 биографий мастеров русского искусства". "Аврора", Ленинград, 1971.

(найдено в Интернете).

Литература.

1.Ильина Т.В. История искусств. – М., 1994.

2.Павленко Н.В. История России XVIII-XIX века. – М., 2001.

3.Санкт-Петербург и пригороды. – Санкт-Петербург., 2002.

4.Сто великих храмов мира. – М., 2000.

5.Сто великих чудес света. – М., 2000.

6.Энциклопедия. Русская живопись XIV-XX веков. – М., 2002.