Композиторы
учебно-методическое пособие на тему

ШОСТАКОВИЧ   Дмитрий Дмитриевич (1906-75), российский композитор, народный артист СССР (1954), доктор искусствоведения, Герой Социалистического Труда (1966). В 15 симфониях (1925-71), фортепианном трио (1944), ряде струнных квартетов и других сочинениях современными средствами инструментальной музыки воплощен сложный духовный мир художника-гуманиста 20 в.: протест личности против тирании, переживание неотвратимости смерти, просветленная лирика. Опера «Нос» (1928), «Катерина Измайлова» (2-я редакция, 1956), балет «Золотой век» (1930), «Болт» (1931), оперетта «Москва, Черемушки» (1959), вокально-симфоническая поэма «Казнь Степана Разина» (1964), 10 поэм для хора без сопровождения на стихи русских поэтов (1951), камерные произведения (в т. ч. 15 струнных квартетов, фортепианный квинтет, 24 прелюдии и фуги для фортепиано), музыка к спектаклям, кинофильмам и др. Профессор Ленинградской (с 1939), Московской (с 1943) консерваторий. Ленинская премия (1958), Государственная премия СССР (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), Международная премия Мира (1954).

* * *

ШОСТАКОВИЧ Дмитрий Дмитриевич [12 (25) сентября 1906, Санкт-Петербург — 9 августа 1975, Москва], русский советский композитор.

Ранний период творчества

Шостакович начал сочинять с 9 лет. В 1919 поступил в Петроградскую консерваторию, где его педагогами были по классу фортепиано А. Розанова и Л. В. Николаев (окончил в 1923) и по классу композиции М. О. Штейнберг (окончил в 1925). Ранние произведения Шостаковича — «Фантастические танцы» и другие пьесы для фортепиано, скерцо для оркестра, «Две басни Крылова» для голоса с оркестром и др. отмечены влиянием школы Н. А. Римского-Корсакова.

Первым по-настоящему оригинальным произведением Шостаковича стала его дипломная работа — симфония №1; после ее премьеры (Ленинград, 1926) критика заговорила о Шостаковиче как о художнике, способном восполнить пустоту, образовавшуюся в русской музыке вследствие эмиграции С. В. Рахманинова, И. Ф. Стравинского, С. С. Прокофьева. Уже в этой юношеской партитуре проявилась склонность Шостаковича к иронии и сарказму, к внезапным, драматически насыщенным контрастам, к широкому использованию мотивов-символов, часто подвергаемых радикальной образной и смысловой трансформации.

В том же 1926 в творчестве Шостаковича обозначился сдвиг от сравнительно традиционного языка симфонии к смелым стилистическим экспериментам, до которых еще просто не доходили руки официальной идеологии. В произведениях Шостаковича 1926-31 гг. предвосхищаются многие открытия западноевропейского музыкального авангарда 1950-60-х гг. (сонорика, микрополифония, пуантилизм, автоматическое письмо и др.).

 В симфониях №2 («Октябрю» с хором, 1927) и №3 («Первомайской» с хором, 1929) крайне радикальный по тому времени музыкальный язык ставится на службу пропагандистским задачам. Вершина раннего Шостаковича — опера «Нос» (по одноименной повести Н. В. Гоголя), написанная в 1928 и поставленная в Ленинграде в 1930. Среди источников, повлиявших на концепцию «Носа», выделяются спектакль «Ревизор» в постановке В. Э. Мейерхольда (1926), опера А. Берга «Воццек» (поставленная в Ленинграде в 1927), а также, возможно, искусство сверстников Шостаковича — писателей ленинградской группы ОБЭРИУ, заложивших основы «литературы абсурда» 20 века. В этот же период Шостаковичем были созданы соната №1 (1926) и цикл «Афоризмы» (1927) для фортепиано, балеты «Золотой век» (1930) и «Болт» (1931), а также ряд экстравагантных партитур для театра и кино. В ряду его ранних произведений особняком стоит романтически утонченный вокальный цикл «Шесть романсов на слова японских поэтов» (1928-32).

В 1928 Шостакович работал заведующим музыкальной частью Театра им. Мейерхольда (Москва), в 1930-33 — заведующим музыкальной частью Ленинградского Театра рабочей молодежи. В 1927 он принял участие в 1-м Международном конкурсе пианистов им. Шопена в Варшаве, где был удостоен почетного диплома.

От «Леди Макбет Мценского уезда» к симфонии №5

В 1932 Шостакович завершил работу над партитурой своей второй оперы — «Леди Макбет Мценского уезда». Сюжет одноименной повести Н. С. Лескова переосмыслен Шостаковичем как драма незаурядной женской натуры в условиях несправедливого общественного устройства. Сам автор назвал свою оперу «трагедией-сатирой». В ее музыкальном языке гротеск в духе «Носа» сочетается с элементами русского романса и протяжной песни. В 1934 опера была поставлена в Ленинграде и Москве, шла под названием «Катерина Измайлова»; затем последовал ряд премьер в театрах Северной Америки и Европы. Поначалу советская критика почти единодушно оценила новую оперу Шостаковича как замечательную победу советского музыкального театра.

Среди произведений, написанных в течение 1932-35, выделяются 24 прелюдии для фортепиано, концерт №1 для фортепиано с оркестром, соната для виолончели и фортепиано, а также музыка к фильму «Встречный» со знаменитой «Песней о встречном» (в 1945 ее мелодия на короткое время стала гимном ООН). В 1935-36 Шостакович работал над монументальной симфонией №4, в которой особенно ощутимо воздействие симфонизма Малера, одного из его самых любимых композиторов (наряду с Бахом, Бетховеном и Мусоргским).

Между тем над Шостаковичем сгущались тучи. В январе 1936 спектакль «Катерина Измайлова» посетил Сталин. Опера шокировала диктатора, чей вкус был воспитан на популярной классике и примитивных псевдофольклорных поделках; его реакция нашла свое выражение в редакционной статье «Сумбур вместо музыки», опубликованной в «Правде» и на долгие годы определившей пути развития советской музыки.

Спустя несколько дней «Правда» напечатала еще одну редакционную статью на музыкальную тему — «Балетная фальшь»; на этот раз уничтожающей критике был подвергнут балет Шостаковича «Светлый ручей» (1935).

После статей «Правды» большинство произведений Шостаковича, написанных до 1936, практически исчезло из культурного обихода страны. Композитор был вынужден отменить назначенную на осень 1936 премьеру симфонии №4 (впервые она была исполнена в 1961). «Катерина Измайлова» была «реабилитирована» на родине только в 1962. Сочинения 1920-х годов (за исключением симфонии №1 и некоторых миниатюр) не исполнялись в СССР вплоть до середины 1960-х годов, а «Нос» был возобновлен только в 1974.

Осенью 1937 в Ленинграде состоялась премьера симфонии №5, которую исполнил оркестр под управлением Е. А. Мравинского. В советской печати это произведение, написанное относительно традиционным музыкальным языком, было благосклонно охарактеризовано как «творческий ответ художника на справедливую критику». С позиций сегодняшнего дня его точнее было бы оценить как глубоко трагический документ эпохи сталинского террора, потрясающий в своей эмоциональной достоверности.

От 1937 к 1953

Годы между 1937 и 1941 выдались для Шостаковича сравнительно безоблачными, что сказалось на эмоциональном строе партитур этого периода (струнный квартет №1, симфония №6, квинтет для фортепиано и струнных). На фашистское нашествие Шостакович откликнулся симфонией №7 (1941), посвященной городу Ленинграду и получившей всемирное признание как символ борьбы с фашизмом.

Трагические переживания, связанные с войной, и надежды на послевоенное обновление отразились в наиболее значительных произведениях 1942-44 годов: сонате для фортепиано №2, симфонии №8, фортепианном трио, струнном квартете №2; как обобщающее размышление о прошедшей войне воспринимается монументальный струнный квартет №3 (1946). С другой стороны, в симфонии №9 (лето-осень 1945) преобладает настроение своего рода «черного юмора». Симфония вызвала неудовольствие официальной критики, ожидавшей от композитора более оптимистического отклика на окончание войны. С этого момента тучи над Шостаковичем начали сгущаться вновь.

В феврале 1948 было опубликовано Постановление ЦК ВКП(б) об опере В. И. Мурадели «Великая дружба», в котором музыка крупнейших советских композиторов — в том числе Прокофьева, Шостаковича, Хачатуряна — объявлялась «формалистической» и «чуждой советскому народу». Новая волна нападок на Шостаковича в прессе значительно превзошла ту, что поднялась в 1936. Вынужденный подчиниться диктату, Шостакович, «осознав ошибки», выступил с ораторией «Песнь о лесах» (1949), кантатой «Над Родиной нашей солнце сияет» (1952), музыкой к ряду фильмов исторического и военно-патриотического содержания и др., что отчасти облегчило его положение.

Параллельно сочинялись произведения более высокого художественного достоинства — концерт №1 для скрипки с оркестром, вокальный цикл «Из еврейской народной поэзии» (оба 1948), струнные квартеты №4 и №5 (1949, 1952), цикл «24 прелюдии и фуги» для фортепиано (1951); за исключением последнего, все они были исполнены только после смерти Сталина.

Последнее двадцатилетие

Эпоха «оттепели» в советской музыке символически открылась Симфонией №10 Шостаковича (1953) — глубоко интимной исповедью художника, отстоявшего свое «я» в отчаянном, почти безнадежном противостоянии сталинизму. Вслед за ней в творчестве Шостаковича наступил кризис, продлившийся несколько лет. Даже лучшие его произведения середины 1950-х годов — «Праздничная увертюра» для оркестра (1954), музыка к фильму «Овод» со знаменитым «Романсом» (1955), струнный квартет №6 (1956) — написаны в облегченном стиле.  Творчество Шостаковича последнего двадцатилетия его жизни неоднородно и неоднозначно. И хотя несколько конъюнктурный характер носят созданная в 1957 симфония №11 «1905 год» (Ленинская премия, 1958), симфония №12 «1917 год», посвященная памяти Ленина (1961), симфоническая поэма «Октябрь» (1967), цикл хоровых баллад «Верность» (1970) и др., все же и в этих произведениях Шостаковичу удавалось оставаться Шостаковичем. А в произведениях на стихи Е. А. Евтушенко — симфонии №13 для баса и мужского хора с оркестром (1962) и вокально-симфонической поэме «Казнь Степана Разина» (1964) — проступали явные черты свободомыслия.  Но истинный масштаб позднего Шостаковича проявляется прежде всего в удивительной серии автобиографических партитур, каждая из которых представляет собой опыт прощания с прожитой, исчерпавшей себя жизнью. Эту серию скорбных «автоэпитафий» составляют cтрунный квартет №8 (1960), симфония №14 для сопрано, баса и камерного оркестра на стихи Аполлинера, Рильке, Кюхельбекера и других поэтов (1969), симфония №15 (1971), струнный квартет №15 (1974), сюита на слова Микеланджело для баса и фортепиано или оркестра (1974-75), соната для альта и фортепиано (1975, последнее сочинение Шостаковича). Во всех названных произведениях широко используются мотивы-символы, в функции которых порой выступают цитаты из более ранних партитур самого композитора или из музыки других авторов. Отчаяние, протест, трагическая отрешенность определяют эмоциональный климат струнных квартетов №7 (1960) и №№ 9-14 (1964-73), сонаты для скрипки и фортепиано (1968), вокальных циклов на стихи А. А. Блока (1967) и М. И. Цветаевой (1973), концертов для виолончели с оркестром (1959, 1966), концерта №2 для скрипки с оркестром (1967). Тогда же был написан ряд произведений юмористического характера («Сатиры» на стихи Саши Черного, 1960,                          5 романсов на слова из журнала «Крокодил», 1965, «4 стихотворения капитана Лебядкина» на слова из романа «Бесы» Ф. М. Достоевского, 1974).  Шостакович был удостоен звания Народного артиста СССР (1954), Героя Социалистического Труда (1966), Государственной премии СССР (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), Государственной премии РСФСР (1974), премии им. Сибелиуса, Международной премии мира (1954). Почетный член академий и университетов многих стран мира.

СВИРИДОВ Георгий (Юрий) Васильевич (1915-98), российский композитор, пианист, народный артист СССР (1970), Герой Социалистического Труда (1975). Музыкальная комедия «Огоньки», (1951), вокально-симфоническая поэма «Памяти Сергея Есенина» (1956); «Патетическая оратория» (1959), «Курские песни»  (1964) и «Пушкинский венок» (1979) для хора с оркестром, т. н. маленькие кантаты — «Деревянная Русь» (1964), «Весенняя кантата» (1972), хоровой концерт «Памяти А. А. Юрлова» (1973), музыка к спектаклям (в т. ч. «Царь Федор Иоаннович» А. К. Толстого, 1973) и фильмам. Ленинская премия (1960), Государственная премия СССР (1946, 1968, 1980). Государственная премия Российской Федерации (1994).

* * *

СВИРИДОВ Георгий (Юрий) Васильевич (р. 16 декабря 1915, Фатеж, ныне Курской области — 6 января 1998, Москва), российский композитор, народный артист СССР (1970).

Годы учения

В 1932 поступил в Первый Ленинградский музыкальный техникум, где учился у И. А. Браудо (фортепиано) и М. А. Юдиной (композиция). Еще будучи студентом, в 1935 дебютировал циклом из шести романсов на слова А. С. Пушкина, остающимся одним из его самых популярных произведений. В 1936-41 учился в Ленинградской консерватории, с 1937 — в классе композиции Д. Д. Шостаковича. Практически все рукописи Свиридова довоенного периода погибли во время блокады, среди них — Концерт для фортепиано с оркестром и Симфония для струнного оркестра, с успехом исполнявшиеся перед войной в Ленинграде.

Становление как композитора

Инструментальные сочинения Свиридова 1940-х гг. — Соната для фортепиано (1944), Квинтет для фортепиано и струнных (1945), Трио для фортепиано, скрипки и виолончели (1945; Государственная премия, 1946), фортепианные пьесы (1946; впоследствии автор объединил их в две Партиты для фортепиано) — обнаруживают значительное влияние стиля Шостаковича. В вокальном цикле «Страна отцов» для тенора, баса и фортепиано на стихи А. И. Исаакяна (1950), состоящем из 11 романсов, в полной мере дают о себе знать качества, характерные для почерка зрелого Свиридова: эмоциональная сдержанность, склонность к подчеркнуто простым диатоническим мелодиям и гармониям, естественный, лишенный какой бы то ни было аффектации способ интонирования поэтического слова. Композитор назвал свой цикл «поэмой», как и многие последующие вокальные циклы.

Оркестровые произведения 1950-70-х гг.

С 1956 жил в Москве. Большинство его произведений 1950-90-х гг. связано со словом. Исключения — Музыка для камерного оркестра (1964; оркестровая версия Квинтета для фортепиано и струнных), «Маленький триптих» для камерного оркестра, трактованного как своего рода инструментальный хор (1964),

Концерт памяти А. А. Юрлова для смешанного хора, поющего без слов (1973), а также популярные оркестровые фрагменты из музыки к художественным фильмам «Метель» (по Пушкину, режиссер В. П. Басов, 1965) и «Время, вперед!» (по В. П. Катаеву, режиссер М. А. Швейцер, 1966).

Произведения для хора и оркестра 1950-90-х гг.

Наиболее крупные партитуры Свиридова, предназначенные для солистов, смешанного хора и большого оркестра, датированы второй половиной 1950-х гг.: «Поэма памяти Сергея Есенина» на слова С. А. Есенина (1955) и «Патетическая оратория» на слова В. В. Маяковского (1959, Ленинская премия, 1960). В тот же период написаны или завершены циклы романсов для голоса и фортепиано: на стихи Р. Бернса в переводах С. Я. Маршака (1955), «Мой отец крестьянин» на стихи Есенина (1956), на стихи В. Шекспира (1944-60).

С 1964 в творчестве Свиридова доминирующую роль начинают играть жанры «маленькой кантаты» для хора и оркестра («Деревянная Русь» на стихи Есенина, 1964; «Снег идет» на стихи Б. Л. Пастернака, 1965; «Грустные песни» на стихи А. А. Блока, 1965; «Весенняя кантата» на стихи Н. А. Некрасова, 1972) и концерта для хора без сопровождения или с эпизодическим использованием инструментов (три духовных песнопения из музыки к трагедии А. К. Толстого «Царь Федор Иоаннович», 1973; «Пушкинский венок», 1978, Государственная премия, 1980; «Ночные облака» на стихи Блока, 1979; «Ладога» на стихи А. А. Прокофьева, 1980; «Песни безвременья» на стихи Блока, 1980, «Гимны Родине» на стихи Ф. К. Сологуба, 1981, и др.). Свиридов продолжает писать романсы и циклы романсов для голоса (или нескольких голосов) в сопровождении фортепиано (иногда — с участием других инструментов); среди них — романс «Эти бедные селенья» для голоса, фортепиано и гобоя на слова Ф. И. Тютчева (1965), вокальные циклы (поэмы) «Петербургские песни» для четырех певцов-солистов, фортепиано, скрипки и виолончели на стихи Блока (1961-69), «Отчалившая Русь» для голоса и фортепиано на стихи Есенина (1977), «Петербург» для голоса и фортепиано на стихи Блока (1963-95).

Важнейшие исторические прототипы произведений Свиридова — традиционные жанры русской хоровой музыки (партесный концерт, кант) и городской романс 19-начала 20 вв. Цикл «Курских песен» для смешанного хора и оркестра (1964; Государственная премия, 1968) — единственный в зрелом творчестве Свиридова экскурс в область подлинного крестьянского фольклора.

Среди неопубликованных, неисполненных, незаконченных произведений Свиридова две оратории: «Декабристы» на слова А. С. Пушкина и поэтов-декабристов (1954-55) и «Пять песен о России» на слова А. А. Блока (1967-71).

Из всех современных композиторов России Свиридов в наибольшей степени заслуживает звания «народного» в подлинном смысле этого слова. Благородная простота и нравственный пафос искусства Свиридова, его бережное отношение к сокровищам русской поэзии снискали ему искреннюю любовь широкой аудитории.

КАБАЛЕВСКИЙ Дмитрий Борисович (1904-87), российский композитор, педагог, народный артист СССР (1963), действительный член АПН СССР (1971), Герой Социалистического Труда (1974). Оперы «Кола Брюньон» (1937, 2-я редакция 1968), «Семья Тараса» (1950); оперетта «Весна поет» (1957); Реквием (1962), концерты с оркестром, в т. ч. для скрипки (1948); 2 струнных квартета (1928, 1945), фортепьянные произведения, романсы, песни и др. Профессор Московской консерватории (с 1939). В 70-е гг. разработал новую систему музыкального воспитания в общеобразовательной школе. Ленинская премия (1972), Государственная премия СССР (1946, 1949, 1951, 1980).

 Концерт для скрипки с оркестром. Третья часть. Vivace giocoso

ШУМАН (Schumann) Роберт (1810-56), немецкий композитор и музыкальный критик. Выразитель эстетики немецкого романтизма. Основатель и редактор «Нойе цайтшрифт фюр музик» («Новый музыкальный журнал», 1834). Создатель программных фортепианных циклов («Бабочки», 1831; «Карнавал», 1835; «Фантастические пьесы», 1837; «Крейслериана», 1838), лирико-драматических вокальных циклов (в т. ч. «Любовь поэта», «Круг песен», «Любовь и жизнь женщины», все 1840); внес вклад в развитие романтической фортепианной сонаты и вариаций («Симфонические этюды», 2-я редакция 1852). Опера «Геновева» (1848), оратория «Рай и Пери» (1843), 4 симфонии, концерт для фортепиано с оркестром (1845), камерные и хоровые сочинения, музыка к драматической поэме «Манфред» Дж. Байрона (1849).  Фантастические пьесы. «Порыв»

ЧАЙКОВСКИЙ Петр Ильич (1840-93), российский композитор. Брат М. И. Чайковского. Тонкий психолог, мастер-симфонист, музыкальный драматург. Чайковский раскрыл в музыке внутренний мир человека (от лирической задушевности до глубочайшей трагедии), создал высочайшие образцы опер, балетов, симфоний, камерных произведений. Оперы: «Евгений Онегин» (1878, лирические сцены — новый тип оперы), «Мазепа» (1883), «Черевички» (1885), «Чародейка» (1887), «Пиковая дама» (1890), «Иоланта» (1891) и др. Новатор в области балета (музыка — ведущий компонент балетной драматургии); «Лебединое озеро» (1876), «Спящая красавица» (1889), «Щелкунчик» (1892). К мировым шедеврам принадлежат 6 симфоний (1866-93), симфония «Манфред» (1885), увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» (1866-93), фантазия «Франческа да Римини» (1876), «Итальянское каприччио» (1880), 3 концерта для фортепьяно с оркестром (1875-93); концерт для скрипки с оркестром, «Вариации на тему рококо» для виолончели с оркестром (1876), фортепьянное трио «Памяти великого художника» (1882), романсы. Профессор Московской консерватории (1866-78). В 1894 открыт Дом-музей Чайковского в Клину, в 1940 — мемориальный музей в Воткинске. С 1958 в Москве проводится Международный конкурс имени Чайковского.

* * *

ЧАЙКОВСКИЙ Петр Ильич [25 апреля (7 мая) 1840, селение при Камско-Воткинском заводе Вятской губернии, ныне г. Воткинск, Удмуртия — 25 октября (6 ноября) 1893, Санкт-Петербург], русский композитор.

Семья. Начало музыкальной карьеры

Чайковский родился в семье горного инженера, начальника Камско-Воткинского завода. Предки отца происходили из украинских казаков, дед матери был обрусевшим французом. Как отмечал сам композитор, его предки по обеим линиям «не выказывали музыкальных способностей». В семье родителей музыку любили, мать хорошо пела, играла на фортепиано, в доме проводились музыкальные вечера. Способности к музыке проявились у Чайковского рано: пяти лет он начал играть на фортепиано, а через три года читал ноты и записывал свои музыкальные впечатления. В 1850-59 по желанию родителей Чайковский учился в Училище правоведения, после чего был определен на службу в Министерство юстиции. В 1855-58 брал уроки игры на фортепиано у известного в то время пианиста Р. Кюндингера, который был невысокого мнения о способностях будущего композитора. Лишь в 1861 Чайковский приступил к серьезным занятиям в музыкальных классах Петербургского отделения Русского музыкального общества. Осенью 1862 он стал студентом преобразованной из музыкальных классов Петербургской консерватории, которую с отличием окончил в 1865 по классам А. Г. Рубинштейна, высоко ценившего талант ученика, и Н. И. Зарембы.

Тогда же были написаны первые крупные сочинения для симфонического оркестра: увертюра «Гроза» (к драме А. Н. Островского, 1864) и Увертюра фа-мажор (1865), «Характерные танцы», кантата для солистов, хора и оркестра на оду Шиллера «К радости» (дипломная работа), камерные произведения. Оставив службу в мае 1863, зарабатывал на жизнь уроками.

В Московской консерватории (1866-78)

В 1866 Чайковский был приглашен на должность профессора в открывающуюся Московскую консерваторию (во главе ее стоял Н. Г. Рубинштейн, брат директора Петербургской консерватории А. Г. Рубинштейна). В 1866-78 Чайковский вел в консерватории классы свободного сочинения, теории, гармонии и инструментовки (среди его учеников — С. И. Танеев). В рамках своих педагогических обязанностей Чайковский написал «Руководство к практическому изучению гармонии» (1872) и перевел с французского «Руководство к инструментовке» Ф. О. Геварта. Активно участвуя в музыкальной жизни Москвы, Чайковский регулярно выступал в печати в качестве музыкального критика, из-за постоянной нужды в деньгах в 1871-76 работал музыкальным рецензентом газет «Современная летопись» и «Русские ведомости», участвовал в «Артистическом кружке» А. Н. Островского, общался с композиторами—членами «Могучей кучки», а также с В. В. Стасовым, Л. Н. Толстым, Я. П. Полонским, А. Н. Плещеевым, актером П. М. Садовским. Тогда же он познакомился с Г. Берлиозом, К. Сен-Сансом, другими ведущими музыкантами Европы, среди которых у него нашлось немало почитателей.

Личная жизнь композитора не складывалась. Стремясь преодолеть свой гомосексуализм, он в 1877 женился на А. И. Милюковой. Брак этот оказался крайне несчастливым; связанные с ним переживания чуть не довели Чайковского до самоубийства. В 1878 он фактически бежал из России и в течение нескольких лет жил преимущественно за границей (главным образом в Швейцарии и Италии).

В 1877 Чайковского взяла под свое финансовое покровительство Н. Ф. фон Мекк — одна из богатейших женщин России, вдова крупного промышленника. Помощь с ее стороны, длившаяся до 1890, позволила композитору спокойно заниматься творчеством. Значительный интерес для понимания личности Чайковского представляет его обширная переписка с фон Мекк, с которой он никогда не виделся.

Годы жизни в Москве стали временем становления и расцвета таланта Чайковского. Главные произведения этого периода — пять опер, в том числе «Лирические сцены» — «Евгений Онегин» (1878), четыре симфонии (№1 «Зимние грезы», 1866; №2, 1872; №3, 1875; №4, 1877), балет «Лебединое озеро» (1876), «Литургия св. Иоанна Златоуста» (1878), Концерт №1 для фортепиано с оркестром (1875), Концерт для скрипки с оркестром (1878), «Меланхолическая серенада» для скрипки с оркестром (1875), «Вариации на тему рококо» для виолончели с оркестром (1876), музыка к пьесе А. Н. Островского «Снегурочка» (1873), симфонические фантазии «Буря» (по В. Шекспиру, 1873) и «Франческа да Римини» (1876), а также увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» (1869),

3 струнных квартета (1871-76), Большая соната для фортепиано (1878), множество фортепианных пьес (в том числе знаменитый цикл «Времена года», 1876) и романсов для голоса с фортепиано.

Годы странствий. Жизнь в Подмосковье (1879-89)

В конце 1870-х гг. Чайковский уходит из консерватории и едет за границу. В середине 1880-х гг. Чайковский возвращается к активной музыкально-общественной деятельности в России (в 1885 он был избран директором Московского отделения Русского музыкального общества). Тогда же он поселился под Москвой: сначала в селе Майданово, затем во Фроловском — оба близ Клина, а в 1892 — в Клину. Вместе с тем его скитальческой натуре по-прежнему была необходима перемена мест. Во второй половине 1880-х начинается дирижерская деятельность Чайковского — сначала в России, а потом за границей; в качестве исполнителя собственных произведений он посещает Германию, Австро-Венгрию, Францию, Англию, Швейцарию. Концертные поездки укрепили его творческие и дружеские связи с ведущими музыкантами эпохи, в том числе с Э. Григом, А. Дворжаком, Г. фон Бюловом. Зимы композитор проводит, как правило, за границей, лето — в основном на родине.

И в эти годы Чайковский исключительно активен в творческом отношении. Среди созданного им — оперы «Орлеанская дева» (1879), «Мазепа» (1883), «Черевички» (1885; это второй вариант оперы «Кузнец Вакула», завершенной в 1874), «Чародейка» (1887), балет «Спящая красавица» (1889), «Всенощное бдение» (1881), программная симфония «Манфред» (1885), Симфония №5 (1888), 4 сюиты для оркестра (1879-87; Сюита №4 известна под названием «Моцартиана»), Серенада для струнного оркестра (1880), «Торжественная увертюра 1812» (1880), «Итальянское каприччио» для оркестра (1880), увертюра-фантазия «Гамлет» (1888), трио «Памяти великого художника (на смерть Н. Г. Рубинштейна, 1882), ряд великолепных романсов, в том числе «То было раннею весною», «День ли царит», «Серенада Дон-Жуана».

Последние годы (1890-93)

Последний период жизни композитора отмечен всемирным признанием творчества Чайковского, проявившимся не только в восторженном приеме его сочинений (в 1891 он с триумфом гастролировал в США; в 1892 — в Гамбурге под управлением Г. Малера с огромным успехом прошел «Евгений Онегин»), но и в избрании композитора членом-корреспондентом парижской Академии изящных искусств (1892) и почетным доктором Кембриджского университета (1893). В эти годы, оказавшиеся завершающими в не знавшей перерыва 28-летней композиторской деятельности Чайковского, были созданы оперы «Пиковая дама» (1890) и «Иоланта» (1891), балет «Щелкунчик» (1892), струнный секстет «Воспоминание о Флоренции» (1892), Симфония №6, «Патетическая» (1893), утвердившая место Чайковского среди крупнейших симфонистов мира.

Смерть настигла Чайковского в расцвете творческих сил и славы: композитор заразился холерой через несколько дней после того, как дирижировал на премьере Шестой симфонии в Петербурге (премьера — 16 октября, начало болезни — 21 октября); смерть наступила спустя 4 дня.

Чайковский оставил обширное наследие практически во всех музыкальных жанрах (в том числе 10 опер, 3 балета, 6 симфоний, 104 романса). И по сей день он остается самым исполняемым и известным в мире русским композитором, выразившим с необычайной силой, простотой и искренностью эмоционально-напряженную лирическую стихию русской природы и русской души.

Именем Чайковского названы (1940) Московская и Киевская консерватории, концертный зал в Москве; с 1958 в Москве каждые 4 года проводится Международный конкурс имени Чайковского.

ХАЧАТУРЯН Арам Ильич (1903-78), российский композитор, народный артист СССР (1954), академик АН Армении (1963), Герой Социалистического Труда (1973), доктор искусствоведения. В мелодически щедрых, ритмически импульсивных произведениях Хачатуряна тональная система европейской музыки органически слилась с восточной ладовостью. Балеты «Гаянэ» (1942) и «Спартак» (1954), 3 симфонии (1934-47), концерты для фортепьяно (1936), скрипки (1940) и виолончели (1946) с оркестром, музыка к драме «Маскарад» М. Ю. Лермонтова (1941). Профессор Московской консерватории, Музыкально-педагогического института им. Гнесиных (с 1951). Выступал как дирижер. Ленинская премия (1959), Государственная премия СССР (1941, 1943, 1946, 1950, 1971).

ПРОКОФЬЕВ Сергей Сергеевич (1891-1953), российский композитор, пианист и дирижер, народный артист России (1947). В 1918-33 жил за рубежом. В дерзко-новаторских фортепьянных сочинениях 1908-14 («Отчаяние», «Наваждение», токката, 1-й концерт с оркестром, «Сарказмы») заметна близость молодого Прокофьева антиромантическим идеям раннего русского авангарда. Обогащение гармонии средствами т. н. расширенной тональности 20 в. сочетается в зрелых сочинениях с проникновенным лирическим мелосом широкого дыхания, строгой классичностью структур. Оперы «Игрок» (1916), «Любовь к трем апельсинам» (1919), «Огненный ангел» (1927), «Семен Котко» (1939), «Обручение в монастыре» (1940), «Война и мир» (1943; 2-я редакция, 1952); балеты «Ромео и Джульетта» (1936), «Золушка» (1944), «Сказ о каменном цветке» (1950), оратория «На страже мира» (1950), кантата «Александр Невский» (1939), 7 симфоний (1917-52), симфоническая сказка «Петя и волк» (1936), концерты для инструментов с оркестром, сонаты и циклы пьес для фортепьяно, музыка к фильмам и др. Ленинская премия (1957, посмертно), Государственная премия СССР (1943, 1946 — трижды, 1947, 1951).

* * *

ПРОКОФЬЕВ Сергей Сергеевич [11 (23) апреля, 1891, Сонцовка, ныне село Красное Донецкой области Украины — 5 марта 1953, Москва], русский советский композитор, пианист.

Ранний русский период

Прокофьев начал заниматься музыкой с пяти лет. В 1902-03 брал частные уроки теории и композиции у Р. М. Глиэра. В 1904, тринадцати лет, он поступил в Петербургскую консерваторию, где учился у Н. А. Римского-Корсакова (инструментовка), А. К. Лядова (композиция), А. Н. Есиповой (фортепиано) и др.; окончил консерваторию как композитор в 1909, как пианист — в 1914. Первые публичные выступления Прокофьева-пианиста с исполнением собственных произведений относятся к 1908, первые нотные публикации —                  к 1911, первые зарубежные гастроли — к 1913.  С первых же своих шагов на музыкальном поприще Прокофьев зарекомендовал себя как сторонник шокирующих, «экстремальных» (по меркам начала 20 в.) средств выразительности; критика 1910-х гг. часто называла его музыкальным футуристом. Музыка раннего Прокофьева проникнута всесокрушающей радостной энергией; в то же время ей не чужд своеобычный, несколько «застенчивый» лиризм. Среди произведений консерваторского периода выделяются «Наваждение» «Токката», Соната №2 для фортепиано (все — 1912), два Концерта для фортепиано с оркестром (1912, 1913), фортепьянный цикл «Сарказмы» (1914).  В 1914 Прокофьев начал писать балет «Ала и Лоллий» (на сюжет из скифской мифологии) для знаменитой антрепризы С. П. Дягилева.

На основе музыки этого балета (который так и не получил сценического воплощения) была создана одноименная симфоническая сюита, первое исполнение которой в Петрограде в начале 1916 сопровождалось грандиозным скандалом, подтвердившим репутацию Прокофьева как музыкального «варвара», «скифа», ниспровергателя традиционных устоев. Экспериментальный характер отличает и оперу «Игрок» по одноименному роману Ф. М. Достоевского (1916, вторая редакция — 1927; премьера оперы состоялась в Брюсселе в 1929), представляющего собой достаточно рискованный опыт музыкальной адаптации прозаического диалога. В других произведениях второй половины 1910-х гг. Прокофьев стремится к большей «общительности» музыкального языка, богатству контрастов, дифференциации выразительных средств. Неповторимый сплав лирики, иронии, юмора, ритмического напора и мелодического изящества придает особое обаяние шедеврам этого периода, таким, как балет «Сказка про Шута, семерых шутов перешутившего» на сюжет русской народной сказки (1915, вторая редакция — 1920; в 1921 балет был поставлен в Париже дягилевской труппой), пять романсов на слова А. А. Ахматовой (1916), симфония № 1 («Классическая»), концерт №1 для скрипки с оркестром, «Мимолетности» для фортепиано, сонаты №№3 и 4 для фортепиано (все — 1917).

В эмиграции

Весной 1918 Прокофьев покинул Россию. До 1922 он жил в США, затем переехал в Этталь (Баварские Альпы), а в 1923 поселился в Париже. Первые годы пребывания за границей были для Прокофьева в высшей степени плодотворными. Среди произведений, написанных в эти годы, комическая опера «Любовь к трем апельсинам» по одноименной пьесе К. Гоцци (1919; поставлена в Чикаго в 1921), пять песен без слов для голоса (или скрипки) и фортепиано (1920), концерт №3 для фортепиано с оркестром (1921), соната №5 для фортепиано (1923). Грандиозным размахом отличается симфония №2 (1924), форма которой смоделирована по образцу монументальной фортепианной сонаты №32 Бетховена; это замечательное произведение все еще остается одним из наименее репертуарных у Прокофьева. «Не повезло» и опере «Огненный ангел» по одноименному роману В. Я. Брюсова; законченная в 1927, эта фантасмагорическая драма впервые прозвучала в Париже в концертном исполнении только в 1954.

С другой стороны, симфония №3, созданная в 1928 на материале музыки «Огненного ангела», приобрела широкую известность как одно из наиболее эффектных, оригинально оркестрованных и в то же время глубоких по содержанию произведений композитора. Из опусов середины 1920-х гг. следует упомянуть также балет «Стальной скок» (1925), сюжет которого отражает наивные представления о жизни Советской России, бытовавшие в то время на Западе.

В начале 1927 Прокофьев гастролировал в СССР. Симфонические и камерные концерты его музыки в Москве, Ленинграде, Харькове, Киеве, Одессе (сам Прокофьев выступал в них в качестве пианиста) прошли с огромным успехом. Возможно, именно тогда у Прокофьева зародилась мысль об окончательной репатриации. В течение последующих нескольких лет его поездки в СССР становились более частыми; и хотя далеко не всегда они проходили безоблачно (в частности, из-за обструкций, которые устраивали Прокофьеву догматики из Всесоюзной Ассоциации пролетарских музыкантов), это не повлияло на стремление композитора связать свою дальнейшую судьбу с Родиной.

К тому же период конца 1920-х — начала 1930-х гг. был отмечен в биографии Прокофьева определенной творческой «усталостью» и как следствие явным снижением интереса к его музыке на Западе. Спад в творчестве ощущается в балетах «Блудный сын» (1929, Париж; в 1930 на основе этого балета — последнего из числа написанных по заказу Дягилева — была сочинена симфония №4) и «На Днепре» (1932, Париж), концертах №№4 и 5 для фортепиано с оркестром (1931, 1932), «Симфонической песни» для оркестра (1933) и др. Значительно больше удавались Прокофьеву произведения, написанные по заказам из СССР — симфонические сюиты «Поручик Киже» (из музыки к одноименному фильму по повести Ю. Н. Тынянова, 1933) и «Египетские ночи» (из музыки к спектаклю московского Камерного театра, 1934). В советской литературе принято считать, что Прокофьев вернулся на Родину в 1933, на самом деле это произошло несколько позднее. Последнее произведение Прокофьева, написанное перед окончательным возвращением в СССР — концерт №2 для скрипки с оркестром (1935), полный счастливых мелодических находок.

По возвращении на Родину

Весной 1936 Прокофьев с семьей обосновался в Москве. В дальнейшем он выезжал за границу (в Европу и США) лишь дважды — в сезоне 1936/37 и 1938/39. Творческая жизнь Прокофьева между 1936 и 1948 отличалась исключительной интенсивностью. В 1936 он практически завершил работу над балетом «Ромео и Джульетта», который был заказан ему в 1934 дирекцией театра им. Кирова в Ленинграде (премьера балета в этом театре состоялась в 1940; мировая премьера прошла в 1938 в Брно, Чехословакия). В том же 1936 в Московском театре для детей была поставлена симфоническая сказка «Петя и волк».

Год спустя Прокофьев представил Комитету по делам искусств свою Кантату к 20-летию Октября — грандиозную фреску для двух хоров и четырех оркестров на слова Маркса, Энгельса, Ленина и Сталина.

 По существу, это был опыт создания своего рода коммунистической литургии (по своему  драматургическому плану Кантата Прокофьева в некоторых отношениях воспроизводит схему католической мессы); но осуществленное Прокофьевым музыкальное воплощение слов классиков марксизма-ленинизма было сочтено идеологически неприемлемым, и Кантата была положена «на полку» (ее первое исполнение, к тому же с купюрами, состоялось в Москве только в 1966). Значительной художественной удачей явилась вторая монументальная кантата Прокофьева «Александр Невский» (1939), созданная на основе музыки к одноименному фильму С. М. Эйзенштейна. На 60-летие Сталина Прокофьев откликнулся кантатой «Здравица», исполнение которой стало кульминационным пунктом юбилейных торжеств. Менее успешной оказалась судьба еще одного приношения Прокофьева на алтарь государственной идеологии — оперы «Семен Котко» по роману В. П. Катаева  «Я сын трудового народа» на сюжет из истории Гражданской войны на Украине; поставленная в Москве в 1940, опера подверглась резкой критике и вскоре была снята с репертуара.

В 1940 были завершены соната №6 для фортепиано и комическая опера «Обручение в монастыре» по пьесе Р. Шеридана «Дуэнья», премьера которой состоялась в Ленинграде уже после войны, в 1946.

Летом 1941 Прокофьев был эвакуирован на Северный Кавказ, где вскоре написал струнный квартет №2 (на темы из кабардинского музыкального фольклора). В том же году он начал работать над оперой «Война и мир» по роману Л. Н. Толстого. Работа эта растянулась на 11 лет. В первоначальных редакциях оперы основное внимание уделялось бытовым, семейным мотивам романа, тогда как ее окончательная версия (премьера — Ленинград, 1955, в более полном виде — Москва, 1959) представляет собой грандиозную народно-патриотическую эпопею. В военные годы Прокофьевым было создано еще одно крупное сценическое произведение — балет «Золушка» (1945, Москва). Среди произведений военных и первых послевоенных лет — симфонии №№5 и 6            (1944, 1947), сонаты №№7, 8, 9 для фортепиано (1942, 1944, 1947), соната для флейты и фортепиано (1943; известна также в скрипичной редакции), соната для скрипки и фортепиано (1938-46). Постановлением ЦК ВКП(б) об опере В. И. Мурадели «Великая дружба» от 10 февраля 1948 музыка Прокофьева, наряду с произведениями других крупнейших советских композиторов, была объявлена «формалистической», «чуждой советскому народу». От этого удара Прокофьев не оправился до конца жизни. Почти все его произведения, написанные после 1948 (опера «Повесть о настоящем человеке», поставлена в Москве в 1960, балет «Сказ о каменном цветке», 1950, поставлен в Москве в 1954, оратория «На страже мира», 1950, симфония №7, 1952) малоудачны, отмечены вымученными попытками «упростить» свой музыкальный язык. Среди немногих исключений — два произведения, написанных в расчете на исполнительский дар молодого М. Л. Ростроповича: соната для виолончели и фортепиано (1949) и симфония-концерт для виолончели с оркестром (1952).  Прокофьев умер в один день со Сталиным. Его смерть почти не была замечена советскими средствами массовой информации. Неуклюжей попыткой советской власти сгладить вину перед композитором стало посмертное присуждение ему Ленинской премии (1957).

БЕТХОВЕН (Beethoven) Людвиг ван (1770-1827), немецкий композитор, пианист и дирижер. Жил в Вене с 1792. В его творчестве нашли отражение идеи Великой французской революции. Представитель венской классической школы. Создал героико-драматический тип симфонизма (3-я «Героическая», 1804, 5-я, 1808, 9-я, 1823, симфонии; опера «Фиделио», окончательная редакция 1814; увертюры «Кориолан», 1807, «Эгмонт», 1810; ряд инструментальных ансамблей, сонат, концертов). Полная глухота, постигшая Бетховена в середине творческого пути, не сломила его воли. Поздние сочинения отличаются философским характером. 9 симфоний, 5 концертов для фортепиано с оркестром; 16 струнных квартетов и другие ансамбли; инструментальные сонаты, в т. ч. 32 для фортепиано, (среди них т. н. «Патетическая», 1798, «Лунная», 1801, «Аппассионата», 1805), 10 для скрипки с фортепиано; «Торжественная месса» (1823).

ГРЕЧАНИНОВ Александр Тихонович (1864-1956), российский композитор. Музыка для детей, в т. ч. оперы. С 1925 жил за границей. Романсы, хоры, опера «Добрыня Никитич» (1901), песни, фортепианные пьесы.

ДВОРЖАК (Dvorak) Антонин (1841-1904), чешский композитор и дирижер. Один из основоположников чешской музыкальной классики. 11 опер, кантатно-ораториальные сочинения, 9 симфоний (1865-93), симфонические поэмы и другие оркестровые и камерно-инструментальные произведения, хоры, песни. В сочинениях претворены черты славянского музыкального фольклора, воплощены идеи национально-освободительной борьбы (кантата «Гимн чешских крестьян», 1885; увертюры «Родина моя», 1882; «Гуситская», 1883), картины природы и народного быта, сказочные народно-поэтические мотивы (5 симфонических поэм, оперы «Черт и Кача», 1899, «Русалка», 1901). Наиболее значительны оркестровые и инструментальные сочинения (9-я симфония «Из Нового света», 1893; «Славянские танцы» для оркестра, 1-2-й циклы, 1878-87; концерты). Профессор и дирижер консерваторий в Праге и Нью-Йорке.

БАХ (Bach) Иоганн Себастьян (1685-1750), немецкий композитор, органист, клавесинист. Философская глубина содержания и высокий этический смысл произведений Баха поставили его творчество в ряд шедевров мировой культуры. Обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму. Непревзойденный мастер полифонии. «Хорошо темперированный клавир» (1722-44), Месса си-минор (ок. 1747-49), «Страсти по Иоанну» (1724), «Страсти по Матфею» (1727 или 1729), св. 200 духовных и светских кантат, инструментальные концерты, многочисленные сочинения для органа и др.

* * *

БАХ (Bach) Иоганн Себастьян [31 (21) марта 1685, Эйзенах — 28 июля 1750, Лейпциг], немецкий композитор.

Род, семья, детские и отроческие годы

Бах принадлежал к разветвленному немецкому роду, подавляющее большинство представителей которого на протяжении трех столетий были профессиональными музыкантами, служившими в разных городах Германии. Начальное музыкальное образование получил под руководством отца (игра на скрипке и клавесине). После смерти отца (1695, мать умерла ранее) был взят в семью старшего брата Иоганна Кристофа, служившего церковным органистом при Санкт-Михаэлис-кирхе в Ордруфе. В 1700-03 учился в школе церковных певчих в Люнебурге. Во время учебы посетил Гамбург, Целле и Любек для знакомства с творчеством знаменитых музыкантов своего времени, новой французской музыкой. К этим же годам относятся и первые композиторские опыты Баха — произведения для органа и клавира.

Годы странствий (1703-08)

После окончания учебы Бах был занят поиском работы, обеспечивающей  хлебом насущным и оставляющей время для творчества. С 1703 по 1708 он служит в Веймаре, Арнштадте, Мюльхаузене. В 1707 женится на своей кузине Марии Барбаре Бах.

Его творческие интересы были сосредоточены тогда, главным образом, на музыке для органа и клавира. Известнейшее сочинение той поры — «Каприччо на отъезд возлюбленного брата» (1704).

Веймарский период (1708-17)

Получив в 1708 место придворного музыканта у герцога Веймарского, Бах обосновывается в Веймаре, где  проводит 9 лет. Эти годы стали временем интенсивного творчества, в котором основное место принадлежало сочинениям для органа, в их числе многочисленные хоральные прелюдии, органная токката и фуга ре-минор, пассакалья до-минор. Композитор писал музыку дли клавира, духовные кантаты (более 20). Используя традиционные формы, он доводил их до высочайшего совершенства.

В Веймаре у Баха родились сыновья, будущие известные  композиторы Вильгельм Фридеман и Карл Филипп Эммануил (см. Бах, семья немецких музыкантов из Тюрингии).

Служба в Кетене (1717-23)

В 1717 Бах принял приглашение на службу герцога Анхальт-Кетенского Леопольда. Жизнь в Кетене поначалу была счастливейшим временем в жизни композитора: князь, просвещенный для своего времени человек и неплохой музыкант, ценил Баха и не мешал его творчеству, приглашал его в свои поездки. В Кетене были написаны три сонаты и три партиты для скрипки соло, шесть сюит для виолончели соло, Английские и Французские сюиты для клавира, шесть Бранденбургских концертов для оркестра. Особый интерес представляет сборник «Хорошо темперированный клавир» — 24 прелюдии и фуги, написанные во всех тональностях и на практике доказывающие преимущества темперированного музыкального строя, вокруг утверждения которого шли горячие споры. Впоследствии Бах создал второй том «Хорошо темперированного клавира», также состоящего из 24 прелюдий и фуг во всех тональностях.

Но безоблачный период жизни Баха оборвался в 1720: умирает его жена, оставляя четырех малолетних детей.

В 1721 Бах женится второй раз на Анне Магдалене Вилькен. В 1723 состоялось исполнение его «Страстей по Иоанну» в церкви св. Фомы в Лейпциге, и вскоре Бах получил должность кантора этой церкви с одновременным исполнением обязанностей учителя школы при церкви (латынь и пение).

В Лейпциге (1723-50)

Бах становится «музыкальным директором» всех церквей города, следя за личным составом музыкантов и певцов, наблюдая за их обучением, назначая необходимые к исполнению произведения и выполняя многое другое. Не умея хитрить и манкировать и не будучи в состоянии исполнять все добросовестно, композитор неоднократно попадал в конфликтные ситуации, омрачавшие его жизнь и отвлекавшие от творчества.

Художник достиг к тому времени вершин мастерства и создавал великолепные образцы в разных жанрах. В первую очередь, это духовная музыка: кантаты (сохранилось около двухсот),  «Магнификат» (1723), мессы (в том числе бессмертная «Высокая месса» си-минор, 1733), «Страсти по Матфею» (1729), десятки светских кантат (среди них — комические «Кофейная» и «Крестьянская»), произведения для органа, оркестра, клавесина (среди последних необходимо выделить цикл «Ария с 30 вариациями», так называемые «Гольдберг-вариации», 1742). В 1747 Бах создал цикл пьес «Музыкальные приношения», посвященный прусскому королю Фридриху II. Последней работой стало произведение под названием «Искусство фуги»                            (1749-50) — 14 фуг и 4 канона на одну тему.

Судьба творческого наследия

В конце 1740-х годов здоровье Баха ухудшилось, особенно беспокоила резкая потеря зрения. Две неудачные операции по удалению катаракты привели к полной слепоте. Дней за десять до смерти Бах неожиданно прозрел, но затем с ним случился удар, сведший его в могилу.

Торжественные похороны вызвали огромное стечение народа из разных мест. Композитора похоронили вблизи церкви св. Фомы, в которой он прослужил 27 лет. Однако  позже по территории кладбища проложили дорогу, могила затерялась. Лишь в 1894 останки Баха случайно были найдены во время строительных работ, тогда и состоялось перезахоронение.

Сложной оказалась и судьба его наследия. При жизни Бах пользовался известностью. Однако после смерти композитора имя и музыка его стали предаваться забвению. Подлинный интерес к его творчеству возник лишь в 1820-е годы, начало чему положило исполнение в 1829 году в Берлине «Страстей по Матфею» (организованное Ф. Мендельсоном-Бартольди). В 1850 году было создано «Баховское общество», стремившееся выявить и опубликовать все рукописи композитора (за полвека было издано 46 томов).

Бах — крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры. Его творчество представляет собой одну из вершин философской мысли в музыке. Свободно скрещивая черты не только разных жанров, но и национальных школ, Бах создал бессмертные шедевры, стоящие над временем. Будучи последним (наряду с Г. Ф. Генделем) великим композитором эпохи барокко, Бах вместе с тем пролагал пути музыке нового времени.

Среди продолжателей исканий Баха — его сыновья. Всего у него было 20 детей, только девять из них пережили отца. Четверо сыновей стали композиторами. Кроме упомянутых выше — Иоганн Кристиан (1735-82), Иоганн Кристоф            (1732-95).

РУБИНШТЕЙН Антон Григорьевич (1829-94), российский пианист, композитор, дирижер, музыкально-общественный деятель. Брат Н. Г. Рубинштейна. Основатель Русского музыкального общества (1859) и первой русской консерватории (1862, Санкт-Петербург; ее профессор и директор). Оперы «Демон» (1871), «Нерон» (1876), фортепианные произведения, «Персидские песни» и др. В 1890-1910 проводился Международный конкурс пианистов и композиторов имени Рубинштейна (каждые 5 лет).

МОЦАРТ (Mozart) Вольфганг Амадей (1756-91), австрийский композитор. Представитель венской классической школы, музыкант универсального дарования, проявившегося с раннего детства. В музыке Моцарта отразились идеи немецкого Просвещения и движения «Буря и натиск», претворен художественный опыт различных национальных школ и традиций. Модифицировал традиционные оперные формы («Свадьба Фигаро», 1786; «Дон Жуан», 1787; «Волшебная флейта», 1791), индивидуализировал жанровые типы симфоний (ми-бемоль мажор, соль минор; до мажор, т. н. «Юпитер», все 1788). Св. 20 опер, св. 50 симфоний, концерты для фортепиано и для скрипки с оркестром, камерно-инструментальные (трио, квартеты, квинтеты и др.) и фортепианные произведения (сонаты, вариации, фантазии), «Реквием», (1791; закончен Ф. Кс. Зюсмайром), мессы и др. хоровые сочинения, песни.

БИЗЕ (Bizet) Жорж (1838-75), французский композитор. Оперы «Искатели жемчуга» (1863), «Пертская красавица» (1866), «Джамиле» (1871), а также «Кармен» (1874) — вершина французской реалистической оперы. Музыка к драме А. Доде «Арлезианка» (1872, популярны оркестровые сюиты: 1-я составлена Бизе, 2-я — Э. Гиро).

РАХМАНИНОВ Сергей Васильевич (1873-1943), российский композитор, пианист, дирижер. В 1904-06 дирижер Большого театра. С декабря 1917 жил за рубежом (с 1918 в США). В творчестве Рахманинова с особой силой воплощена тема родины. Романтический пафос сочетается в его музыке с лирико-созерцательными настроениями, неистощимое мелодическое богатство, широта и свобода дыхания — с ритмической энергией. 4 концерта, «Рапсодия на тему Паганини» (1934) для фортепиано с оркестром, прелюдии, этюды-картины для фортепиано, 3 симфонии (1895-1936), фантазия «Утес» (1893), поэма «Остров мертвых» (1909), «Симфонические танцы» (1940) для оркестра, кантата «Весна» (1902), поэма «Колокола» (1913) для хора и оркестра, оперы «Алеко» (1892), «Скупой рыцарь», «Франческа да Римини» (обе 1904), романсы и др. Крупнейший представитель мирового пианистического искусства.

* * *

РАХМАНИНОВ Сергей Васильевич [20 марта (1 апреля) 1873, имение Онег, ныне Новгородской области — 28 марта 1943, Беверли Хиллз, Калифорния, США; похоронен в Волхолле, близ Нью-Йорка)], русский композитор, пианист.

Годы учебы

Рахманинов родился в дворянской семье с давними музыкальными традициями (его дед Аркадий Александрович Рахманинов, 1808-81, был известен как автор салонных романсов). Начал систематически учиться музыке в пятилетнем возрасте. В 1882 поступил в Петербургскую консерваторию. В 1885 переехал в Москву и стал студентом Московской консерватории, где занимался вначале у известного пианиста-педагога Н. С. Зверева (чьим учеником был также Скрябин), а с 1888 — у А. И. Зилоти (фортепиано), А. С. Аренского (композиция, инструментовка, гармония), С. И. Танеева (контрапункт строгого письма). Среди произведений, написанных в годы учебы, — Концерт №1 для фортепиано с оркестром (1891, 2 редакция, 1917), юношеская симфония (1891), симфоническая поэма «Князь Ростислав» (по А. К. Толстому, 1991). В 1891 Рахманинов окончил консерваторию с большой золотой медалью как пианист, а в 1892 — как композитор. Дипломной работой Рахманинова стала одноактная опера «Алеко» по поэме Пушкина «Цыганы» (1892, поставлена в Большом театре в 1893).

Высокого мнения о даровании Рахманинова был Чайковский, под чьим сильнейшим влиянием проходило творческое становление молодого композитора. На смерть Чайковского Рахманинов откликнулся Элегическим трио «Памяти великого художника» для фортепиано, скрипки и виолончели (1893). Среди других произведений 1890-х гг. выделяются симфоническая фантазия «Утес» (1893), Музыкальные моменты для фортепиано (6 пьес, 1896) и ряд романсов, в числе которых такие жемчужины русской вокальной лирики, как «В молчаньи ночи тайной» на слова Фета, «Не пой, красавица, при мне» на слова Пушкина, «Весенние воды» на слова Тютчева. Со дня своего первого исполнения вплоть до нашего времени исключительной популярностью пользуется Прелюдия до-диез минор для фортепиано (1893) — хронологически самая ранняя из 24 пьес Рахманинова в этом жанре.

В 1895 Рахманинов сочинил Первую симфонию, премьера которой, состоявшаяся два года спустя под управлением А. К. Глазунова, обернулась крупным провалом. По свидетельству современников, из-за крайне небрежного исполнения симфония не была оценена должным образом; тем не менее Рахманинов воспринял происшедшее как доказательство его собственной творческой несостоятельности и на несколько лет отошел от сочинения музыки, сосредоточившись на исполнительской деятельности. В сезоне 1897/98 Рахманинов дирижировал спектаклями Московской частной русской оперы С. И. Мамонтова; тогда же началась его международная исполнительская карьера (первое зарубежное выступление Рахманинова состоялось в Лондоне в 1899). В 1898-1900 Рахманинов неоднократно выступал в ансамбле с Ф. И. Шаляпиным.

1900-е годы

К началу 1900-х гг. Рахманинову удалось преодолеть творческий кризис. Последовавшие за этим полтора десятилетия стали самыми плодотворным в его биографии. Стиль Рахманинова глубоко укоренен в традиции русской музыки 19 в., особенно московского направления, признанным лидером которого был Чайковский. Этот стиль композитора находит яркое выражение в первых же крупных произведениях этого периода — популярнейшем Втором концерте для фортепиано с оркестром и Сонате для виолончели и фортепиано (оба — 1901). Радостным, поистине весенним мироощущением проникнута кантата «Весна» на стихи Некрасова (1902). Другие крупные инструментальные опусы 1900-х гг. — Симфония №2 (1907) и Концерт №3 для фортепиано с оркестром (1909), — при всей свой драматической насыщенности, также завершаются безусловно «позитивным» эмоциональным итогом. На этом фоне своим мрачным колоритом выделяется симфоническая поэма «Остров мертвых» (1909), навеянная одноименной картиной популярного на рубеже веков швейцарского живописца А. Беклина.

В 1904-06 Рахманинов работал дирижером Большого театра, где его «специальностью» были оперы русских композиторов 19 в. Тогда же он написал две одноактные оперы, которые в отличие от «Алеко» не получили широкого признания: «Франческа да Римини» на либретто М. И. Чайковского по Данте и «Скупой рыцарь» по Пушкину. Обе оперы увидели свет рампы в 1906 в Большом театре под управлением автора. Третья опера этого периода, «Монна Ванна» (по одноименной пьесе М. Метерлинка) осталась неоконченной.

В 1910-х гг. Рахманинов уделяет значительное внимание крупным хоровым формам. Огромное значение для духовной русской музыки имеют его великолепные богослужебные композиции — Литургия св. Иоанна Златоуста (1910) и Всенощное бдение (1915). В 1913 была написана монументальная поэма «Колокола» на стихи Э. По для солистов, хора и оркестра; по своему стилю это произведение ассоциируется не столько с русскими образцами кантатно-ораториального жанра (Чайковский, Танеев), сколько с вокально-симфоническими фресками позднего Листа.

Богато и разнообразно представлены в творчестве 1900-10-х гг. и малые формы: романсы (в том числе знаменитые «Сирень» на слова Е. А. Бекетовой и «Здесь хорошо» на слова Г. Галиной, 1902, «Маргаритки» на слова И. Северянина, 1916, и многие другие), пьесы для фортепиано (в том числе 2 тетради прелюдий, 1903, 1910, и 2 тетради «Этюдов-картин», 1911, 1916-17). В отличие от большинства других композиторов-пианистов Рахманинов не придавал особого значения жанру фортепианной сонаты: ни одно из двух его произведений в этом жанре (1907, 1913) не принадлежит к числу крупных художественных удач.

Эмиграция

В декабре 1917 Рахманинов отправился на гастроли в Скандинавию, откуда в Россию уже не вернулся. В 1918 он вместе с семьей поселился в США. Последние 25 лет Рахманинов вел жизнь странствующего пианиста-виртуоза. Слава Рахманинова-пианиста, которая и до 1917 была достаточно велика, вскоре стала поистине легендарной. Особым успехом пользовались его интерпретации собственной музыки и произведений композиторов-романтиков — Шопена, Шумана, Листа. Граммофонные записи рахманиновской игры дают представление о его феноменальной технике, чувстве формы, исключительно ответственном отношении к деталям. Пианизм Рахманинова оказал влияние на таких выдающихся мастеров фортепианного исполнительства, как В. В. Софроницкий, В. С. Горовиц, С. Т. Рихтер, Э. Г. Гилельс.

Многочисленные концертные выступления не оставляли Рахманинову сил и времени для сочинения музыки; свою роль в снижении творческой активности сыграл и многолетний отрыв композитора от Родины. В течение первых девяти лет эмиграции Рахманинов не написал ни одного нового произведения; затем появились Концерт №4 для фортепиано с оркестром (начатый в России в середине 1910-х гг., он был завершен в 1926), «Три русские песни» для хора и оркестра (1926), Вариации на тему Корелли для фортепиано (1931), Рапсодия на тему Паганини для фортепиано с оркестром (1934), Симфония №3 (1935-36) и «Симфонические танцы» для оркестра (1940). В последних двух произведениях с особой силой звучит тема тоски по утраченной России.

МЕНДЕЛЬСОН (Мендельсон-Бартольди) (Mendelssohn-Bartholdy) Феликс (1809-47), немецкий композитор, дирижер, пианист и органист. Основатель первой немецкой консерватории (1843, Лейпциг). Симфонии (в т. ч. «Итальянская», 1833; «Шотландская», 1842), симфоническая увертюра «Фингалова пещера» (1832), музыка к пьесе У. Шекспира «Сон в летнюю ночь» (1825), концерты для скрипки, для фортепиано с оркестром, «Песни без слов» (1845) для фортепиано, оратории и др.

РОССИНИ (Rossini) Джоаккино (1792-1868), итальянский композитор. С творчеством Россини связан расцвет итальянской оперы 19 в. Его музыку отличают неистощимое мелодическое богатство, меткость, остроумие характеристик. Обогатил реалистическим содержанием оперу-буффа, вершина которой — его «Севильский цирюльник» (1816). Оперы: «Танкред», «Итальянка в Алжире» (обе 1813), «Отелло» (1816), «Золушка», «Сорока-воровка» (обе 1817), «Семирамида» (1823), «Вильгельм Телль» (1829, яркий образец героико-романтической оперы) и др.

РИМСКИЙ-КОРСАКОВ Николай Андреевич (1844-1908), российский композитор, дирижер, музыкально-общественный деятель. Член «Могучей кучки». Живописно-изобразительный характер музыки, особой чистоты лирика присущи произведениям, связанным с миром сказки, с поэзией русской природы, картинами народного быта; немаловажна роль и образов Востока. Римский-Корсаков — мастер инструментовки, новатор гармонии. 15 опер (эпические, сказочные, историко-бытовые и др.), в т. ч. «Псковитянка» (1872), «Майская ночь» (1879), «Снегурочка» (1881), «Садко» (1896), «Царская невеста» (1898), «Кащей бессмертный» (1902), «Сказание о невидимом граде Китеже...» (1904), «Золотой петушок» (1907); «Испанское каприччио» (1887), «Шехеразада» (1888) и другие сочинения для оркестра, романсы, обработки русских народных песен и др. Завершил ряд произведений М. П. Мусоргского, А. П. Бородина, А. С. Даргомыжского. Профессор Петербургской консерватории (с 1871), директор Бесплатной музыкальной школы, руководитель Беляевского кружка. Глава композиторской школы.

ГРИГ Эдвард (1843-1907), норвежский композитор, пианист, дирижер. Крупнейший представитель национальной композиторской школы, ярко претворивший в своих сочинениях норвежский музыкальный фольклор. 2 сюиты из музыки к драме Г. Ибсена «Пер Гюнт» (1888, 1896), сонаты для скрипки с фортепьяно и виолончели с фортепьяно; Концерт для фортепьяно с оркестром (1868), «Лирические пьесы» для фортепьяно (10 тетрадей, 1867-1901), вокальные сочинения (ок. 150 романсов и песен). В произведениях Грига воплощены образы северной природы, картины народной жизни.