Мы в музыке, музыка в нас!
статья по музыке на тему

              Мы в музыке, музыка в нас!

                                                             Г.А. Шипунова

                                                                                  учитель музыки

                                                                                  МОУСОШ №29,

                                                                                            г. Сургут

        Большинство детей, слушая музыку, сразу выделяют мелодию. Она способна пробуждать бескрайний мир эмоций, для выражения которых даже поэтическое слово порой оказывается бессильным. Задача мелодии  заключается совсем не «в описании чего-то», а в том, чтобы вызывать у нас волнение, доставлять наслаждение, вдохновлять только посредством нот.

Мелодия, в переводе с греческого это слово означает «пение». Люди сочинили столько мелодий, что если каждый день с утра до ночи их слушать, то жизни не хватит, чтобы познакомиться хотя бы с половиной из них. Мелодия создаётся по определённым законам, а устанавливает эти законы музыкальный слух человека. Звуки в мелодии должны ладить между собой, как бы вытекая друг из друга, продолжая друг друга.

        Человек, который поёт или играет любимую мелодию, устанавливает себя в качестве центра мира и заполняет собой, своим переживаемым временем. Первоначально мелодические линии интонировались так называемым зонным звуком, т.е. человек пел не точными звуками. Для слуха был важен мелодический контур, который строился на контрасте высокого и низкого регистра. Этот контраст мгновенно активизировал внимание. Подобные интонации отражались в наиболее ранних музыкальных жанрах: сигнальных закличках, магических заклинаниях и т.п.

        В «спокойных» жанрах – это эпические песни, танцевальные запевки. Распевать, объёмный текст эпоса и одновременно танцуя невозможно не экономить энергию. Экономия сил выражается в том, что мелодия поётся на малом расходе дыхания. Но малый расход дыхания сужает высотный объём мелодической линии. Она укладывается в зону нормального речевого регистра. Танцевальные элементы – это хлопки ладоней сближаемых и разводимых рук, топот ног закрепляются за сильными и слабыми звуками. Точка мелодической фигуры, которая приходится на долю стопы, обретает значение «опоры» - «земли» для «ног». Другие звуки мелодической фигуры тяготеют к опоре. В мелодических оборотах есть вопросы «почему?», «с какой целью?». Мелодия также «аргументирует» своё движение, она «думает» и музыкальная мысль усложняется, если переходит в инструментальную игру.

        Можно сделать вывод, что древние мелодии (в античной теории, а также в других древних музыкально-теоретических системах), как правило, строились по модели выдоха и поэтому имеют нисходящий рельеф. В Европе во время развития музыкальной культуры, мелодия осваивает оба высотных направления, т.е. теряет жёсткую зависимость от дыхательного аппарата. Развёртка звукорядов вверх и вниз свидетельствует о музыкальном мышлении. Развитие мелодии это «звучание самой вечности».

        Когда появилась мелодия, никто не знает. Обращаясь к Богу, люди пели, чтобы мольбы были более понятны. Разным мелодиям люди придавали разное значение, наделяли их чудодейственной силой. В древнегреческом мифе мелодии Орфея заставляли сдвигаться огромные камни, склоняли могучие ветки, укрощали диких зверей и чудовищ. Вот какую силу имела мелодия в понимании древних людей. Без мелодии нет музыки. Мелодия – это мысль любого произведения.

        Первое и главное правило мелодии – это отсутствие случайности, беспорядка в последовательности звуков и, наоборот, необходимость строгой закономерности и организованности.

        Мелодия складывается из одной или нескольких музыкальных фраз.

В средние века музыкальные инструменты нельзя было использовать в церквах, поэтому все мелодии должны были учитывать ограниченные возможности человеческого голоса. Гимны должны были иметь простые мотивы, чтобы их могли петь не имеющие музыкальной подготовки прихожане. У хоралов есть свой ритм, но нет метра, поэтому мелодия просто следует неравному рисунку прозаической речи.

        Искусство слушания зависит от способности узнавать мелодию, поэтому лучше попытаться напеть её. Пение не только помогает сосредоточиться на музыкальной форме и характере произведения, но и определить темы. Легко подпевать музыке  Бетховена, Чайковского, Бородина, Рахманинова, Моцарта, Шуберта и Генделя. Мелодия может представлять собой множество различных явлений. Она может быть напевом, темой, мотивом, протяжной мелодической линией, линией баса, или внутренним голосом.

        Обычно дети думают о мелодии, как о напеве, о чём-то таком, что, услышав, можно напевать, что легко запоминается, что «застревает в памяти». Напев почти никогда не выходит за пределы певческого голоса человека, то есть он не бывает ни слишком высоким, ни слишком низким.

В напеве не бывает фраз, которые длятся дольше того, что можно спеть на одном нормальном вдохе. Но самое главное в определении мелодии – это то, что обычно она представляет собой нечто законченное  в самой себе, то есть, что у неё есть начало, середина и конец, что и вызывает у всех чувства удовлетворения.

        Со временем музыкальная мысль усложняется и «прорастает» в инструментальной игре. Первичные музыкальные инструменты научились «петь»: изменять высоту звука и слитно переходить от одного звука к другому. Итак, при игре на инструментах рука берёт на себя функции то дыхательного столба, то голосовых связок, то мышц гортани. Рука поёт мелодию. Возникают звуковые фигуры, звуковые последования, которые могут быть извлечены рукой «на одном дыхании» т.е. на одном дыхании исполнителя.

        В симфонической музыке мелодии требуют дальнейшего развития, а развитие - это главенствующее начало в симфонической музыке. Рост и видоизменение мелодического зерна в большое симфоническое древо, поэтому мы слышим незавершённые темы и они недостаточно мелодичны.

Звуки движутся во времени, один за другим. Мелодия может быть напевом,

темой, мотивом или протяжной мелодической линией. Так что же эту большую мелодическую тему, делает такой притягательной и любимой. Ответ – это повторение, то ли точное, то ли слегка изменённое. Вот этот технический приём успешно применяется в симфонических темах:

        - короткая идея или фраза;

        - во-вторых, эта фраза повторяется, но с небольшим изменением;

        - и в третьих, напев или тема взмывается в полёте фантазии.

        Можно показать  этот приём в рисунках, словах, цифрах: 1, 2, и 3 – как трёхступенчатая ракета или команда на соревнованиях: «На старт, внимание, вперёд!» Или цветок – росток, бутон, расцвёл. Например, знаменитое начало Пятой симфонии Бетховена – такое короткое, что в действительности это даже не тема, а  мотив. Мотив может состоять их двух, трёх, четырёх нот, и это обработанное зерно мелодии – сырой материал, из которого создаются протяжные мелодические линии. Из двух мотивов получаются фразы, затем из фраз – предложения и из предложений – абзацы, и  в конце получается  повествование. Можно ещё обратится к первой части Соль минорной симфонии В.А.Моцарта. Великолепный пример метода 1-2-3, о котором  идёт речь. Во-первых, появляется фраза, которая открывает первую часть симфонии. Во-вторых, композитор повторяет ту же фразу немного ниже.

 В-третьих - взлёт.

        Во время слушание музыки дети должны сосредоточить внимание на некоторых динамических объектах:

        - следить за линией мелодии;

        - слушать окружающие вас звуки, которые в каждый момент разные;

        - иногда рекомендую напевать какой-нибудь фрагмент понравившийся

            мелодии из произведения будь-то песня, симфония, увертюра и т.д.

Ученик избавляется от беспокойства, обретая душевное равновесие. Все эти упражнения связаны с дыханием. Вдох короткий, а выдох длиннее и про себя напевать любимую мелодию.

        Ребята в своих анкетах пишут, что этот приём избавляет от беспокойных и лишних мыслей. Обретают способность к концентрации и душевного равновесия. После урока или на уроке по желанию ученика, может пропеть свою понравившуюся фразу, мотив или мелодию учителю.

Если ученики научатся снимать стресс с помощью того, что перейдут на пару минут на глубокое, размеренное, медленное дыхание – это не принесёт никакого вреда, от этого будет только польза. Мелодия – импровизация – это как бы один большой и долгий звук, которой находятся  слух, душа и мысль.

Музыка – это масса красивых нот и звуков, так хорошо соединённых, что доставляет удовольствие, когда их слушаешь.

        Но что происходит, когда мы слышим мелодии, в которых совсем нет повторения, а есть непрерывное движение и обновление?

        Симфония – развитие – это ключевое начало. Развитие это главное в музыке. Развитие означает – изменение, рост, расцвет. Крупное музыкальное произведение – это целая жизнь между его началом и концом. За этот период все темы, мелодии и музыкальные фразы, как бы малы они ни были, растут и получают законченное развитие.

        Как происходит развитие? Как оно действует? Оно проходит три главные стадии. Можно сравнить с детством. Юностью и зрелостью.

А можно нарисовать:

         - первая стадия – маленький цветок;

         - вторая стадия – рост этого цветка;

         - третья стадия  самая важная – это изменение. Цветок меняет свой

             облик. Скорее, теперь это не цветок, фруктовое дерево, которое мы                                   видели зимой, затем весной – покрытым цветами, потом летом цветы опадают, и начинают расти плоды.

Музыка зависит от развития. И чем больше она развивается, тем более она симфонична. И что основой всякого развития является повторение, но чем менее точно повторение, тем более оно симфонично.

        Как композиторы применяют неточное повторение, чтобы развить темы в большое симфоническое произведение?

Первый способ – варьирование.

Второй – секвенции.

Третий – имитация.

Четвёртый – разрушение – это когда разбивает композитор тему на две половинки и использует только вторую часть, а затем и это разбивает пополам и опять развивает именно вторую половину. В заключение всё разбивается на такие крошечные фрагменты, что становится просто пылью, и вихревыми гаммами. Музыку заставляют расти посредством её разрушения. Это делал Л.Бетховен, П.Чайковский и др.

 Можно нарисовать ветку:

Но подчас бывает сложно понять, что составляет мелодию, а что нет, и особенно если речь идёт о более поздних композиторах, таких как: Вагнер, Лист, Сибелиус, Брукнер, Малер и др. Композиторы  конца девятнадцатого и начала двадцатого века создали стиль «мелодии без конца» - мотивы и темы, которые не имеют чётко определяемого начала и конца, но почти органически вырастают из одного звука, переходящего в другой.

Например: в музыке немецкого композитора Пауля Хиндемита  в пьесе «Концертная музыка для струнных и медных» звучит четыре минуты бесповторная мелодическая линия, прекрасных изгибов, арок, вершин и долин.

        Во второй половине девятнадцатого века некоторые композиторы начали использовать  музыкальные темы для выражения отдельных немузыкальных концепций. Композитор Вагнер в цикле из четырёх музыкальных драм, известных под названием «Кольцо Нибелунга», различные лейтмотивы используются не только для изображения различных персонажей, но также означают настроения, символы, концепции и неодушевлённые предметы, такие как Судьба, Скорбь, река Рейн, Искупление, меч, проклятие карлика и груда золота.

        Размышляя о мелодии можно  вспомнить Брамса. Симфония№4 последняя часть – поразительная по многим причинам, но прежде всего потому, что её главная тема не что иное, как гамма из шести нот:  плюс две ноты для её завершения и всего восемь нот, по одной в такте. И за этими восьмью тактами следуют тридцать вариаций, каждая длиной также восемь тактов и каждая содержащая те же восемь простых нот, всё время в той же тональности. Брамс даёт нам в  этой части, - творение такой яркости, пламенной мелодической красоты, что это приводит нас в восторг.

        Импровизация  мелодии или темы «размывает» грани кратких моделей, вырастая в протяжный сквозной процесс. Особенно сильны импульсы сквозной импровизации в фри-джазе, рок-музыке, и других направлениях тяготеющих к автономной художественности. Воспроизводит тип импровизированного цикла, известный из культуры макомата или раги, которые создают психологический эффект, подобный медитативному воздействию музыки:  ближне- средне- и дальневосточных импровизационных жанров. С типологической точки зрения - джазовая и рок-импровизация «безразмерны».

        «Маком» - это определённая мелодия-модель, соответствующая данному ладу. Ладов в разных региональных версиях макомата было разное количество. В азербайджанском -7; в туркменском -12; в узбекском и таджикском 91; в арабском -200. Мелодия-модель задаёт схему импровизации. Импровизация «одевает» мелодию модель «драпируя» мелодический «стан». Маком-импровизация – это как бы один большой и долгий звук, одна «позиция», в которой находятся слух, душа и мысль. За мелодией макома, подразумевается лирико-философская поэзия Востока.

Лирико-философская эмоция делается всё объёмней, пока не «перерастает» человека и не превращается в «космическую величину». Каждый маком может длиться около часа. А ведь в источниках IX-XY веков упоминается и о цикле из 12 макомав (Дувоздах маком), которому приписывалось, значение полноты свершение времени (число «12» не случайно: это число месяцев года, знаков Зодиака – символов круговращения жизни).

         Д.Шостакович считал мелодию «душой музыкального произведения»;

           А.К.Толстой называл мелодию «душой и сердцем музыки»;

         С.Прокофьев определял мелодию как «самую существенную сторону музыки»;

         Композитор и критик А.Серов считал, что «мелодия – главная прелесть, главное очарование искусства звуков, без неё всё бледно, мертво, несмотря на самые принуждённые гармонические сочетание на все чудеса контрапункта и оркестровки»;

         Й.Гайдн называл мелодию «очарованием музыки»;

         В.Моцарт – «самой сутью музыки»;

         Шарль Гуно мелодия  « неповторимая тайна искусства».

                                             Литература

Бернстайн Л. Концерты для молодёжи. Советсий композитор, 1991

Во Александр. Классическая музыка. Новое восприятие. Внешсигма, 1997

Ивановский Ю.А. Занимательная музыка. Феникс,2002

Клёнов А.С. Там, где живёт музыка. Педагогика-Пресс, 1994

Чередниченко Т.В. Музыка в истории культуры. Аллегро-Пресс, 1994.