Практико-значимый проект «Образное восприятие и осмысление содержания музыкальных произведений на уроках специальности»
презентация к уроку по теме
Объект исследования - образное восприятие
Предмет исследования - музыкальное мышление как процесс постижения музыкального произведения личностью.
Цель исследования - специфика развития музыкального мышления и художественных представлений учащихся на уроках специальности.
Задачи исследования:
1. Определение стиля – способы изложения.
2. Программность и ее роль в осознании художественного образа музыкального произведения.
3. Форма совпадает с понятием жанра – музыкальное воплощение содержания.
4. Содержание – внутренний духовный облик произведения.
5. Найти верный темп, т.е. скорость развертывания музыкального материала.
6. Владение ритмом – умение исполнителя распоряжаться звуком во времени.
7. Игра rubato, верное ощущение темпа и ритма – существенные моменты в интерпретации музыкального произведения.
8. Интерпретация (использование, разъяснение) – процесс звуковой реализации нотного текста.
9. Нотный текст – план здания (произведения), зафиксированный на бумаге.
10. Формирование и воспитание творческой личности учащегося – непрерывный процесс работы преподавателя, итогом которого является публичное выступление музыканта.
Методы исследования:
- отбор музыкального материала, разнообразного по тематике;
- систематизация методических приемов воспитания и обучения;
- постепенное усложнение музыкального материала с точки зрения образного содержания, средств выразительности и формы.
Скачать:
Вложение | Размер |
---|---|
![]() | 82 КБ |
Онлайн-тренажёры музыкального слухаМузыкальная академия
Теория музыки и у Упражнения на развитие музыкального слуха для учащихся музыкальных школ и колледжей
Современно, удобно, эффективно
Предварительный просмотр:
Практико-значимый проект
«Образное восприятие и осмысление содержания музыкальных произведений на уроках специальности»
Выполнила: преподаватель
Краснопоймовской СДМШ
Лебедева Марина Петровна
Коломна 2012 год.
Оглавление
1. Введение
2.Теоретическая часть
3. Практическая часть
4. Заключительная часть
5. Используемая литература
Введение
Высшая цель музыканта-исполнителя – достоверное, убедительное воплощение композиторского замысла, т.е. создание художественного образа музыкального произведения.
Начальный период работы над музыкальным произведением должен быть связан, прежде всего, с определением художественных задач и выявлением основных трудностей на пути к достижению конечного художественного результата, который завершается концертным выступлением. В своей работе мы подвергаем анализу содержание, форму, другие особенности произведения и эти познания облекаем в интерпретацию с помощью техники, эмоций и воли, т.е. создаем художественный образ. Художественный образ - всеобщая категория художественного творчества, способ и результат освоения жизни в искусстве. Смысл и внутреннее строение музыкального образа во многом определяются природной материей музыки – акустическими качествами звука музыкального (высотой, динамикой, тембром, объемом звучания и т.п.). Интонация как носитель музыкально-художественной специфики выделяет музыку среди других искусств. Она предполагает опору на принцип ассоциативного сопряжения смыслов и несет эмоциональный характер конкретизации в музыкальном художественном образе.
Объект исследования - образное восприятие
Предмет исследования - музыкальное мышление как процесс постижения музыкального произведения личностью.
Цель исследования - специфика развития музыкального мышления и художественных представлений учащихся на уроках специальности.
Задачи исследования:
1. Определение стиля – способы изложения.
2. Программность и ее роль в осознании художественного образа музыкального произведения.
3. Форма совпадает с понятием жанра – музыкальное воплощение содержания.
4. Содержание – внутренний духовный облик произведения.
5. Найти верный темп, т.е. скорость развертывания музыкального материала.
6. Владение ритмом – умение исполнителя распоряжаться звуком во времени.
7. Игра rubato, верное ощущение темпа и ритма – существенные моменты в интерпретации музыкального произведения.
8. Интерпретация (использование, разъяснение) – процесс звуковой реализации нотного текста.
9. Нотный текст – план здания (произведения), зафиксированный на бумаге.
10. Формирование и воспитание творческой личности учащегося – непрерывный процесс работы преподавателя, итогом которого является публичное выступление музыканта.
Методы исследования:
- отбор музыкального материала, разнообразного по тематике;
- систематизация методических приемов воспитания и обучения;
- постепенное усложнение музыкального материала с точки зрения образного содержания, средств выразительности и формы.
Теоретическая часть
Одна из важнейших задач исполнительской педагогики состоит в том, чтобы воспитать у ученика личностное отношение к музыкальному произведению, умение создать собственное представление о его образно - интонационном содержании, строить это представление на фундаменте исполнительского опыта, всего богатства жизненных и художественно - эстетических впечатлений. Раскрывая своеобразие произведения, помогая понять в нем взаимосвязь поэтического с композиционными особенностями и осознать, как воплощается все это в исполнении, педагог должен обучать логике художественного мышления.
Для подготовки умелого, образованного исполнителя необходимо с первых шагов обучения юного музыканта разносторонне и гармонично развивать его музыкально - исполнительские способности и навыки игры на инструменте в тесной взаимосвязи с его музыкальным образованием и воспитанием.
Именно на начальном этапе музыкального обучения учащиеся (обычно это дети от семи до десяти лет) овладевают сложными навыками постановки, усваивают в элементарном виде почти все основные приемы баянной техники, вырабатывают начальные навыки игры на инструменте. Этот процесс усвоения первоначальных навыков игры на инструменте взаимосвязан с развитием у учащихся многообразных слуховых, метроритмических и музыкально-художественных представлений, которые они приобретают на занятиях с педагогом по специальности и в музыкально-теоретических классах. Образно говоря, в первые два-три года обучения музыканта начинается закладка фундамента его музыкальных представлений, знаний и исполнительских навыков.
Большую роль в начальной музыкальной педагогике с детьми играет подбор такого музыкального материала, в котором бы отражались цельность и ясность музыкальной мысли, конкретность музыкальных образов, яркость, такой материал легче воспринимается ребенком и обеспечивает его полноценное художественное развитие. Образы тех произведений, которыми мы окружаем детей, должны быть простыми, понятными, близкими детскому сердцу. Картины должны изображать такие эпизоды, в которых проявлялась бы чувство, доступное детям, способное возбудить в них чувство сопереживания.
Музыкальный материал для детей также тщательно подбирается с точки зрения его воспитательной и художественной ценности. Произведения, используемые в работе с детьми, должны отвечать следующим художественно-педагогическим требованиям: способствовать пробуждению и развитию гуманных чувств; быть художественными; эмоционально насыщенными; содержательными и занимательными по сюжету; мелодичными; простыми по форме и доступными по содержанию.
Музыкальная мелодия должна отличаться простотой, в противном случае искусство остается для детей чуждым элементом и не получит образовательного воспитания. Весьма целесообразно использовать народные мелодии, обладающие богатым содержанием, например, доступными пьесами для начинающих являются такие как «Пойду ль я, выйду ль я», «Во поле береза стояла», «Там в дали за рекой». Доступными они являются потому, что имеют одноголосную мелодию и простой по смыслу поэтический текст.
Также необходимо включать в репертуар произведения композиторов-классиков и современных авторов. Для начинающих, как правило, используют программную музыку.
Н.А. Ветлугина, рассказывая о международной конференции по музыкальному воспитанию детей и юношества, пишет: «Крупнейшие музыканты мира - композиторы, музыковеды, педагоги - раздумывали, какой должна быть музыка для детей. По мнению многих из них, творческие деятели должны иметь ясное представление о передовых идеалах нашего времени и создавать глубокую демократическую музыку, яркую в ее жанровой характеристике... Детей, особенно маленьких, надо воспитывать на народной песне с ярко выявленной ладовой основой. Писать следует в традиционно-классической манере, но совершенствуя приемы.
Вместе с тем музыка для детей строится не в отрыве от тех достижений в области мелодии, гармонии, полифонии и ритма, которыми отличаются современные произведения. Она создается профессионалами. Нельзя допускать примитивизма, предполагая, что детям он доступен».
Интересен для ученика должен быть и технический процесс. Наряду с изучением художественных произведений ученик должен систематически работать над инструктивным материалом (гаммы, упражнения, этюды и проч.), предназначенным для развития специальных навыков. Лучше исключить из педагогической практики механические методы, при которых ученик "автоматически" повторяет многочисленные упражнения, не зная их цели и конечного результата. Хороший учитель знает, что успехи невозможны, пока учащиеся не втянутся в свои упражнения; он владеет особым секретом сделать так, чтобы ученику понравилось заниматься. Тем, кто занимается с детьми, особенно важно обладать именно этой способностью, так как иногда дети, имевшие пламенное желание учиться, после третьего, четвертого урока разочаровываются, встретившись с трудностями. Однако это не значит, что от упражнений следует отказаться. Они необходимы, потому что усвоение любого навыка невозможно без них.
Из опыта обучения музыкантов известно, что педагог по специальности оказывает очень большое влияние на развитие музыкальных способностей и художественных представлений учащихся. Работая с учеником над музыкальным произведением, педагог поясняет ему характер и стиль этого произведения, добивается высокого качества звука, метроритмической точности, художественно-выразительной фразировки. Эту музыкально-воспитательную работу педагог проводит в условиях индивидуальных занятий, когда он может оказать непосредственное и очень сильное воздействие на эмоциональное восприятие учащегося и на его художественные представления. Конечно, в ученике следует всячески воспитывать любовь к музыке, эмоциональное отношение к ней. Но было бы неверно строить процесс только на эмоциональном восприятии музыкальных произведений. Музыку нужно не только чувствовать, но и понимать. Поэтому педагог с самого начала должен обращаться не только к чувству, но и к разуму ученика, чтобы учебный процесс был не только интуитивным, но и сознательным.
Основная цель обучения музыке - научить пониманию содержания исполняемых произведений и умению передать это содержание слушателям. Основная же роль педагога в начальный период заключается в создании устойчивого фундамента для его дальнейшего роста.
Практическая часть
Остановлюсь лишь на некоторых аспектах, помогающих раскрытию художественного образа.
В первую очередь перед преподавателем и учащимся встает проблема стиля. Стиль музыкальный (от лат. stilus – палочка для письма, способ изложения, склад речи) – понятие эстетики и искусствознания, фиксирующее системность выразительных средств. При выявлении стилистических особенностей музыкального произведения необходимо определить эпоху его создания. Думается, нет необходимости доказывать, что осознание учеником разницы, допустим, между музыкой зарубежных австрийских классиков и музыкой сегодняшнего дня даст ему в руки важный ключ к пониманию изучаемого произведения. Важным подспорьем должно стать знакомство с национальной принадлежностью данного автора. Привести пример, насколько различен стиль двух великих современников – С. Прокофьева и А. Хачатуряна (с особенностями творческого пути и характерными образами и средствами выразительности). Определив стилистические особенности музыкального произведения, мы продолжаем углубляться в его идейно-образный строй, в его информативные связи. Важную роль в осознании художественного образа играет программность. Иногда программа заключена в названии пьесы. Например, Аз. Иванов «Полька», В. Бухвостов «Маленький вальс», Л. Книппер «Полюшко-поле», (в некоторых изданиях «Степная кавалерийская»), В. Моцарт «Менуэт» и т.д.
Выразительная, эмоциональная передача образного содержания должна прививаться учащимся на первых же уроках в музыкальной школе. Ведь не секрет, что зачастую работа с начинающими сводится к нажатию вовремя верных клавиш, иной раз даже с безграмотной аппликатурой: «над музыкой работать будем потом»! Принципиально неверная установка.
Для педагога-баяниста в музыкальной школе необычайно ценным является высказывание Г. Нейгауза о приобщении ученика к выразительной игре с первых же шагов обучения: «Если ребенок сможет воспроизвести какую-нибудь простейшую мелодию, необходимо добиться, чтобы это первичное «исполнение» было выразительно, то есть чтобы характер исполнения соответствовал «содержанию» данной мелодии; для этого особенно рекомендуется пользоваться народными мелодиями, в которых эмоционально-поэтическое начало выступает гораздо ярче, чем даже в лучших инструктивных сочинениях для детей. Как можно раньше от ребенка нужно добиваться, чтобы он сыграл грустную мелодию грустно, бодрую – бодро, торжественную – торжественно и т.д. и довел бы свое художественно–музыкальное намерение до полной ясности» (Нейгауз Г.Г. Об искусстве фортепианной игры. – М., 1982, с.20).
Как показывает опыт, дети легко воспринимают яркие и простые образные сравнения. Интересной задачей для юного баяниста может стать изображение звуковой картины «приближение-удаление» в известной песне Л. Книппера «Полюшко-поле».
Здесь важно проследить за ровностью исполнения crescendo и diminuendo. Или другой пример. В польской народной песне «Кукушечка» ученики всегда активно откликаются на пожелание педагога изобразить эффект эха – «близко» - «далеко».
Конкретный разговор о содержательной стороне произведения и его исполнении должен вестись на всех этапах работы. Часто бывает следующее: сыграл без ошибок – хорошо, молодец. Ошибался – больше нужно заниматься, тогда не будешь ошибаться. Это формальный подход к своему делу. Разумеется, техническое совершенство исполнения всегда подкупает, а иногда и покоряет. Но почему же иногда из-за двух-трех фальшивых нот не замечается в целом интересная и содержательная игра? Нам необходимо активным образом формировать свой вкус, свои критерии в оценке художественных достоинств и недостатков исполнения.
Содержание часто воспринимается нами раньше, чем форма, ибо эмоциональная сторона произведения доступнее его конструкции. Наверное, у каждого педагога бывали случаи, когда учащийся почти выучил произведение и интуитивно играет все в основном верно, логично, а форму не знает. С другой стороны, даже хорошо проанализировав форму сочинения, на практике не всегда умеет охватить его архитектонику достаточно убедительно.
Содержание и форма особенно трудно воспринимаются в современной музыке. Форма требует пристального изучения, только после многократного прослушивания мы получаем представление об образном строе. Чувство формы проявляется, в первую очередь, убедительным сопоставлением крупных разделов, логикой развития музыкальной мысли. Должна быть определена главная кульминация – смысловой центр произведения. Паузы, ферматы выдерживать, исходя из логики течения музыки, из того, что было до паузы или ферматы и что следует после.
Учащиеся должны научиться осознавать логику внутренних связей в произведении, логику соотношения крупных и мелких построений. Случается, что последние аккорды в произведениях часто выдерживают до тех пор, пока мех не сомкнется. Это не всегда отвечает логике. Чувство меры должно подсказать продолжительность звучания заключительного аккорда, его нужно «тянуть ухом», а не имеющимся в наличии запасом меха. В целом, никогда не следует забывать, что музыка как вид искусства представляет собой звуковой процесс, что формы музыкального произведения развивается во времени. Отсюда вывод: исполнитель всегда должен ощущать в своей игре перспективу дальнейшего развития. Без видения (слышания) перспективы музыка мельчает, стоит на месте, форма рушится.
Для убедительной передачи художественного образа важно найти верный темп. Проблема верного темпа остается актуальной даже у концертирующих исполнителей. Нередки случаи, когда из-за чрезмерного волнения музыкант «хватает» излишне быстрый темп и исполнение комкается. Как же научиться брать сразу верный темп? Ученику же во время занятий рекомендуется над этим специально поработать: перед началом игры сосредоточиться, представить темп первых тактов и лишь затем играть. И в концертном исполнении на первых порах желательно использовать этот же метод.
Молодым, начинающим музыкантам следует уяснить, что не существует единственно верных темпов в том или ином произведении. Каждый музыкант вправе выбирать свой темп, более того, один и тот же исполнитель в зависимости от творческого состояния может играть одну и ту же пьесу в относительно разных темпах. Важно, чтобы темп убеждал, чтобы скорость развертывания музыкального материала способствовала наиболее полной реализации поставленных задач, а, в конечном счете – выявлению художественного образа произведения.
Вероятно, каждый педагог может вспомнить случай из практики, когда у учащихся с завидными двигательными способностями не удалось воспитать художественных ориентиров в музыкальном отношении. Пьесы кантиленного характера, полифония звучали у них как правило, малоинтересно, невыразительно. Объяснение этому одно: в данном случае учащийся художественно беден, ему просто нечем заполнить звуковое пространство фактуры.
Сильнодействующим и очень важным фактором является владение ритмом – умение исполнителя распоряжаться звуком во времени. Именно распоряжаться, т.е. проявлять свою творческую волю. Вряд ли нам будет интересна метрономически ровная игра. Как говорил Б. Асафьев, ритм не следует воспринимать как «фонари на шоссе с их монотонной мерностью…» («Музыкальная форма как процесс» Л., 1963, с.298). Живой музыкальный ритм – пульс художественной интерпретации. Пульс живого существа имеет свои отклонения, обусловленные эмоциональным состоянием. Иногда путают два различных понятия – ритмичная игра и метричная. Между этими понятиями - бездна. Художник-исполнитель не может вместить свои чувства и намерения в рамки безжалостных ударов метронома. Он пользуется разнообразными агогическими отклонениями, игрой rubato (Rubare (ит.) – красть). Принцип исполнения rubato основан на следующем: сколько времени «украл» - столько и отдает.
Ритм и метр тесно взаимосвязаны. Далеко не все учащиеся четко представляют себе, что такое ритм и метр, поэтому не лишне здесь еще раз вспомнить следующее: ритм – это узоры музыкального времени, красивые и разумные, иначе организованная последовательность звуков одинаковой или различной длительности; метр – размечает время, когда звукам появляться в узоре. Темп говорит, с какой скоростью разворачиваться музыкальному узору. Существуют некоторые типичные нарушения метроритма, наиболее часто встречающиеся у учащихся. Ритм сбивается часто в технически трудных местах. Некоторые учащиеся в силу своих ограниченных двигательных возможностей замедляют в трудном месте. Прежде всего, они должны осознать, что действительно замедляют. Затем нужно подобрать наиболее удобную для данной руки аппликатуру, предварительно выяснив неудобные технические элементы и преодолевать трудности путем тренажа. В таких случаях рекомендуется поиграть пунктирным ритмом, триольными и т.д. Каждый баянист по-своему отрабатывает трудные места. Иногда же ученик, сам того не замечая, в трудном пассаже ускоряет. Выясняется, что в быстром темпе проще «проскочить» неудобное место. Чаще всего это бывает в этюдах, например К. Черни «Хроматический этюд», когда ученик начинает играть быстрее в удобных местах, где все под пальцами, например в хроматических пассажах. Иногда в процессе исполнения «сглатываются» или не дослушиваются концы фраз, особенно, когда в конце половинная или целая нота, или аккорд.
Как было уже сказано, игра rubato, верное ощущение темпа, ритма являются существеннейшими моментами в интерпретации. Вместе с тем, если хорошее rubato может вдохнуть художественную жизнь в произведение, то не владение темпоритмической свободой, ее неуместное проявление разрушают форму, а вместе с тем образное содержание произведения.
Хотелось бы остановиться на некоторых специфических исполнительских приемах, влияющих на процесс интерпретации. Что такое интерпретация – это процесс звуковой реализации нотного текста. Предполагает индивидуальный подход к исполняемой музыке, активное к ней отношение, наличие творческой концепции воплощения авторского замысла.
На начальном этапе работы над музыкальным произведением музыкант имеет дело непосредственно с нотным текстом. Но текст – это только знаки, их нужно расшифровывать. Образно говоря, нотный текст - это план здания, зафиксированный на бумаге. Выучивая произведение на память, мы ставим как бы каркас. Но разученное с правильными нюансами и темпами произведение – это еще далеко не все. Продолжается детальная работа, шлифовка, процесс вживания в произведение (собственно весь этот процесс начинается, конечно, еще при разборе), оно становится чем-то родным исполнителю. И лишь исполнив произведение в концертах, можно считать, что готово само здание. «Задача исполнителя – снова оживить окаменелые знаки и привести их в движение» (Бузони Ф. Указ. Соч., с.25).
Исполнитель в полной мере может быть назван соавтором композитора, поскольку для того, чтобы ноты превратились в звуки, чтобы произведение зазвучало, его нужно, как минимум, исполнить. Нотный текст нужно не только расшифровать – его нужно толковать! Ведь запись нот одна и та же, знаки препинания (нюансы, паузы и т.д.) везде одни и те же, но сколько бесконечна гамма чувств в музыке! Бернард Шоу сказал как-то, что есть десятки способов произнести простейшие слова «да», «нет» и только один единственный способ их записать. Музыкант-исполнитель также властен произнести одну и ту же музыкальную мысль с множеством различных эмоциональных оттенков. Нужно лишь обладать развитым художественным воображением и знать, слышать нужную интонацию или нюанс.
«Сначала услыште, потом играйте», - любил повторять А. Шнабель (1882-1951), австрийский пианист, композитор, педагог, один из крупнейших пианистов ХХ века.
Нотный текст дает богатую информацию для выразительного исполнения. Однако, как ни странно, многое из того, что указано в тексте, учащиеся попросту не замечают. В нотном тексте очень важно выявить главный и второстепенный материал, четко проинтонировать фразы, мотивы. В музыке есть свои знаки препинания (начала и концы фраз, мотивов, интонаций, паузы и т.д.); их соблюдение помогает упорядочить и организовать наши музыкальные мысли.
При работе над музыкальным произведением образное содержание проявляется все рельефнее. Исполнитель начинает ощущать такие тонкости, о которых ранее и не подозревал. Воображение находит все новые и новые образы, ассоциации, слух отыскивает нужные интонации, краски, все четче проявляется звуковая картинка.
Только полюбив сочинение, можно добиться максимального художественного результата. В этом случае исполнитель настолько вживается в произведение, входит в сопереживание с композитором, что ему начинает казаться, будто он – автор музыки. В музыку надо поверить. Ни одного пустого такта во время игры. Как говорил Станиславский: «Нельзя творить то, чему сам не веришь, что считаешь неправдой» (Станиславский К.С,. Работа актера над собой. Собр. соч. в 8 т., т 2 – М., 1954, с. 174).
Богатое воображение и импровизационный дар необходимы настоящему музыканту. Каждый раз играть свежо, как бы заново переживать исполняемое, в нотных знаках увидеть и выявить художественный образ произведения – это большое искусство. Кто же властен так распоряжаться нотным текстом, чтобы ноты – эти символические знаки – заговорили, не просто зазвучали, а смогли вызвать определенные эстетические чувства у слушателей? «Искусство начинается там, где начинается чуть-чуть» - говорил Брюлов. Вот это самое «чуть-чуть» в искусстве доступно лишь художественно одаренным натурам.
Заключительная часть
Все выдающиеся деятели музыкального искусства сходятся в одном: лишь тогда интересен музыкант-исполнитель, когда он – личность. «Как бы хорошо исполнитель ни овладел мастерством, если сам он незначительный человек и ему самому нечего сказать слушателю, его воздействие будет ничтожно» (Гольденвейзер А. Об исполнительстве. – В кн. «Вопросы фортепианного исполнительства», вып. 1. – М., 1965, с. 62).
Нужно, чтобы расширение кругозора, пополнение своего сознания жизненными впечатлениями стало нормой для ученика. Вряд ли нужно напоминать, какую пользу приносят для формирования творческой личности учащегося посещение концертов, театров, музеев, увлечение литературой, поэзией, живописью. В каждом человеке заложен дар художественного восприятия мира. Музыкант должен всю жизнь заниматься художественным самообразованием. Расширение кругозора способствует обогащению исполнительской фантазии. Мы, педагоги, должны в каждом ученике зажечь творческую искорку, суметь активизировать даже неповоротливого. Сейчас часто констатируют, что в баянном исполнительстве заметно вырос средний уровень. С техническими трудностями большинство учащихся справляется неплохо. Но, к сожалению, игра глубокая, искренняя встречается редко. В лучшем случае чувствуется большая работа педагога. Конечно, техническая безупречность – это хорошо, но этого недостаточно. В конце концов, не столь важно, если исполнитель где-то споткнулся или зацепил фальшивую ноту. Важно, что выражает он своей игрой; о чем повествует, как лепит художественный образ произведения. И если музыкант до конца проникся содержательной стороной сочинения, идейным замыслом композитора, если ему есть что сказать и чем выразить, - можно точно быть уверенным, что родится вдохновенная художественная интерпретация, то есть результатом будет то, ради чего мы работаем над звуком, техникой, художественным образом, - прозвучит музыка!
Одна из главных задач педагога - сделать как можно скорее и основательнее так, чтобы быть ненужным ученику, устранить себя, вовремя сойти со сцены, то есть привить ему самостоятельность мышления, методов работы, самопознания и умения добиваться цели.
Использованная литература:
1. Ф.Р. Липс «Искусство игры на баяне», М.2004.
2. В.В. Крюкова. «Музыкальная педагогика», издательство «Феникс», 2002 г.
3. Г.М.Цыпина. «Психология музыкальной деятельности», М. 2003 г.
4. Г.В. Келдыш, «Музыкальный энциклопедический словарь», М. «Советская энциклопедия», 1990 г.
По теме: методические разработки, презентации и конспекты
Взаимосвязь музыки и движения на примере содержания музыкального произведения
Взаимосвязь музыки и движения...
![](/sites/default/files/pictures/2013/03/30/picture-232465-1364639690.jpg)
МЕТОДИЧЕСКАЯ РАЗРАБОТКА НА ТЕМУ «Формирование навыков игры на фортепиано в работе над музыкальным произведением на уроках «Индивидуальное обучение игре на фортепиано и детских музыкальных инструментах »
Данная методическая разработка посвящена рассмотрениюнекоторых методов и приемов, способствующих формированию навыков игры на фортепиано. Методы и приемы, перечисленные в данной работе, являются актуа...
![](/sites/default/files/pictures/2015/11/06/picture-458843-1446811567.jpg)
Методическая разработка урока с применением технологии «Работа над музыкальным произведением на уроке МХК» по теме «Светская и духовная музыка эпохи барокко».
Данная методическая разработка может быть использована на уроках Мировой Художественной Культуры в 11 классах педагогами, работающими по программе Даниловой. Разработка определяет цель и задачи, реали...
![](/sites/default/files/pictures/2018/06/09/picture-1042808-1528527551.jpg)
О подходах в изучении музыкальных произведений на уроках музыки в школе.
В данной статье представлены некоторые подходы в подготовке к изучению музыкальных произведений на уроках музыки – в разных классах, которые, по моему мнению, способствуют активизации вним...
Работа над содержанием музыкального произведения как основная цель деятельности учителя музыки
В настоящее время решение проблемы сущности содержания музыкального произведения является крайне актуальной. Рассматривается изучение проблемы музыкального содержания в научных лабораториях, которые н...
![](/sites/default/files/pictures/2021/01/24/picture-1294575-1611503367.jpg)
Работа с музыкальным произведением на уроке МХК. Раздел программы: «Музыкальная культура барокко».
Работа с музыкальным произведением на уроке МХК.Раздел программы: «Музыкальная культура барокко»....
![](/sites/default/files/pictures/2024/03/02/picture-1515014-1709381283.jpg)
Конспект открытого урока "Работа над музыкальным произведением на уроке фортепианного ансамбля"
Работа над музыкальным произведением на уроке фортепианного ансамбля. Обучение вести диалог с партнером, понимать его, слушать.Работа над выразительностью звука, вокальными свойствами мелодии, передач...