Внеурочное занятие "Магия музыкального образа"
методическая разработка

Тема занятия №  «Магия музыкального образа»   (диалог искусств) – 3-4 кл.

Белякова Людмила Михайловна,

учитель русского языка и литературы

МОУ СОШ № 26

Цель:

формирование культуры осознанного восприятия музыкальных образов через синтез искусств (театр, живопись), приобщение к традиционным российским духовно-нравственным ценностям через собственный внутренний опыт эмоционального переживания;

  Задачи:

 Образовательные:

-  учить воспринимать музыку как неотъемлемую часть в жизни каждого человека;

- осмысленное восприятие музыкального образа через синтез искусств.

Развивающие:

- развивать воображение, творческие способности, музыкальный и ритмический слух.

Воспитательные:

- воспитывать интерес к учебному предмету, через разнообразие видов деятельности на уроке - воспитывать эстетические чувства;

- воспитывать интерес к классической музыке.

Образовательные технологии – технология группового обучения, информационно-коммуникативная технология.

 Планируемые результаты урока:

Личностные:  осознать необходимость учения;
· работать над адекватной самооценкой;
· учиться проявлять самостоятельность в разных видах деятельности.

Метапредметные:
· осуществление поиска необходимой информации для выполнения учебных заданий с использованием учебника, творческих заданий;

· умение строить речевые высказывания о музыке.

Регулятивные: 
· соотносить выполненное задание с образцом, предложенным учителем; 
· уметь контролировать свою деятельность;
· адекватно понимать оценку взрослого и сверстников. 

Познавательные: 
· отвечать на простые и сложные вопросы учителя

.  сравнивать объекты по нескольким признакам;
· устанавливать причинно-следственные связи; 
· осуществлять контроль и оценку процесса и результатов деятельности.

Коммуникативные: 
· вступать в учебный диалог с учителем, одноклассниками, высказывать свою точку зрения на события; 
· участвовать в общей беседе, соблюдая правила речевого поведения;
· выполнять различные роли в группе, сотрудничать в совместном решении проблемы

Предметные результаты

  К концу изучения модуля № 4 «Музыкальные встречи»  обучающийся научится:

- определять принадлежность музыкальных интонаций в соответствии с музыкальным образом;

- создавать ритмический рисунок музыкального произведения;

- участвовать в создании мелодии с использованием современных интернет-ресурсов нейросети.

Тип занятия: открытие новых знаний.

Вид занятия: урок-диалог

Основное содержание^[1] 

 Обучающие придут к осознанию, что гармония в музыке  - одно из самых главных понятий в музыкальной культуре.   Музыка начинается лишь тогда, когда ее звуки организуются по законам гармонии – естественным природным законам, которым неизбежно подчиняется музыкальное произведение. Эти законы обязательны не только для музыки: ведь и в других искусствах художник непременно учитывает природные свойства каждого материала. «Лишь то ваятель создавать способен, что мрамор сам в себе уже таил» - эти слова великого скульптора Микеланджело в равной степени относятся и к музыке, сила воздействия которой в немалой степени зависит от ее подчинения законам природы, и особенностям человеческого восприятия.

Диалог искусств предполагает углубленное восприятие каждого из привлеченных на урок произведений, овладение языками разных искусств. Задача педагога - научить ученика «правильному» диалогу, показать естественность и красоту подхода к тексту. Разные искусства, взаимно дополняя друг друга, создают образ определенной культурной эпохи, передают ее дух, ее эстетические и этические ценности. В данной ситуации смежные искусства могут усилить переживания ученика, вызвать определенные чувства без ощущения того, что они навязаны учителем. На уроке ребёнку должно быть интересно и трудно. Общение с искусством требует активной работы эмоций, воображения, мышления.  

Тезаурус или терминология

Гармония — это комплекс понятий теории музыки, который обозначает объединение звуков в созвучия и их упорядоченное проследование. Термин происходит от греческого ἁρμονία — «связь, порядок; строй, лад; слаженность, соразмерность, стройность.

Динамика - одна из сторон организации музыки, связанная с изменениями во времени громкости, плотности звучания и темпа.  С помощью динамики композитор выражает эмоциональность, агогику в музыке.

Диссонанс — «колючее», неприятное на слух созвучие, обладающее, тем не менее, своеобразной яркой выразительностью. Основу диссонансов составляют секунды, септимы и тритоны.

Консонанс — спокойное, приятное на слух созвучие, основанное на терциях, квинтах, октавах. Консонансы хороши в тихой, спокойной музыке, но в драматических или комических образах одними консонансами не обойтись.

Кластер — гармоническое «шумовое пятно», образованное одновременным звучанием нескольких соседних звуков.

Клавикорд, в русской традиции также клавикорды — клавишный струнный ударно-зажимной музыкальный инструмент, один из предшественников современного фортепиано.

Лад – это система устойчивых и неустойчивых звуков, объединённых на основе мелодических, функциональных связей тяготением к единому устойчивому центру — тонике. Наибольшее распространение получили два основных лада: мажорный и минорный (мажор и минор).

Мелодия - это осмысленная последовательность музыкальных звуков разной высоты, организованная во времени и обладающая определённым художественным значением. 

Монохорд – древнегреческий однострунный щипковый музыкальный инструмент. 

Музыкальное искусство - вид искусства, отражающий реальную действительность в звуковых художественных образах. Оно нацелено на эмоциональную и чувственную сферу человека.

Музыкальная культура - это совокупность музыкальных ценностей, которые формируют вкус человека, его внутреннюю, индивидуальную культуру. Познание этого вида искусства оказывает преобразующее действие на личность человека.

Ритм – это чередование звуков и пауз во времени. Он обеспечивает структуру, связность и энергию композиции.

Темп - это скорость движения, определяемая числом метрических долей в единице времени.

Оборудование:  ноутбук, проектор, презентация, аудиозаписи, рабочий лист ученика.

Музыкальный материал^[2]:

- М.И. Глинка «Руслан и Людмила» (фрагмент «Марш Черномора»)

Материалы занятия

Всё спит. Над тесным переулком,

Как речка, блещут небеса,

Умолк на перекрестке гулком

Далекий грохот колеса.

И с каждым шагом город душный

Передо мной стесняет даль;

Лишь там, на высоте воздушной,

Блестит балкон, поет рояль…

А.А. Фет. 1855 г.

1. Мотивационная беседа. Самоопределение деятельности. Диалог вокруг фортепиано.

        У.  Добрый день, дорогие дети. И вновь мы встретились сегодня, чтобы продолжить наш разговор о том, что делает нашу жить ярче, насыщеннее, краше. И это, конечно, музыка, а точнее, тот музыкальный образ, который она создаёт, открывая многообразие мира.

Слайд 1

         У. (продолжает):

А задаёт тему нашего диалога – вот этот портрет.

(демонстрируется изображение фортепиано)^[3]

Рисунок 1. Свободный доступ в Интернете

 У. Конечно, вы узнали одного из наших  «героев» сегодняшнего урока. Это…

(дети могут сказать «рояль», «пианино», «фортепиано»)

У.  Да, ваши ответы верные, хотя прозвучали по-разному: кто-то из вас сказал «пианино», кто-то – «рояль», а кто-то фортепиано.  Может быть, вы объясните их общие и различные признаки

(дети отвечают, учитель уточняет, дополняет)

Слайд 2

У. (продолжает) Конечно, этот инструмент знаком вам ещё со времён пребывания в детском саду: все музыкальные занятия, утренники, праздники проходили под сопровождение фортепиано. Возможно, у кого-то из вас или ваших друзей такой инструмент есть дома, и кто-либо из ваших родственников умеет музицировать. А, возможно, кто-то из вас уже учится в музыкальной школе по классу «Фортепиано».

Думаю, что вы со мной согласитесь в том, что с фортепиано приходится встречаться гораздо чаще, чем с другими музыкальными инструментами, например, флейтой, саксофоном, арфой.  

Опишите, каким вы видите этот инструмент. Выберите из предложенного ряда слов те, которые отвечают вашему образу фортепиано (изящное, красивое, современное, старинное, новое, древнее, элегантное, обычное, печальное…).

У. Именно этот инструмент называют «королём» среди всех музыкальных инструментов.

2. Актуализация.   Постановка проблемы.

У. А как вы думаете, о чём рассказывают чёрные и белые клавиши?

(дети дают свои ответы, учитель уточняет, конкретизирует и обобщает)

У. Да, они создают ритмический рисунок, с помощью которого в нашем сознание возникает тот или иной образ. И сегодня наша цель – исследование музыкальных образов в лучших образцах классической и современной музыки. А помогать нам в уроке буду и другие виды искусства: театр, живопись, литература.

У.   Вернёмся на миг к нашему «герою», чтобы осознать, какой долгий путь прошёл этот музыкальный инструмент.

Слайд 3

У. На слайде вы видите нескольких предшественников фортепиано: монохорд, клавикорд и клавесин. Возьмите ваши рабочие листы и, слушая учителя, напишите общую характеристику каждого инструмента.

(дети слушают рассказ учителя^[4] и заполняют рабочие листы^[5])

         Рисунок 2. Монохорд.                        Рисунок 3. Клавикорд                     Рисунок 4. Клавесин

3.  Целеполагание

У.  Предлагаю  мысленно встать вокруг фортепиано, чтобы в полной мере насладиться магией звука короля инструментов. Главная цель нашего урока - осознанное восприятие музыкального образа.

(аудирование: М. Глинка «Марш Черномора» (из оперы «Руслан и Людмила»)

4. Приращение новых знаний  

У. Мы сейчас  с вами послушали фрагмент оперы «Руслан и Людмила» русского композитора М.И. Глинки, который является основоположником, т.е. создателем первой русской оперы. А как называет театр, в котором мы слушаем оперу?

(дети отвечают, учитель дополняет)

У. Да, это театр оперы или оперный театр. Судьба оперы оказалась сложной: современники не приняли это произведение композитора, на протяжении всего 19 века она исполнялась лишь фрагментарно. И только в 1904 году  к 100-летию Глинки в Мариинском театре состоялась постановка оперы в том виде, в каком воздал её великий мастер. Мы услышали часть оперы. И это…(если дети затрудняются ответить, то называет учитель) «Марш Черномора»

4.1. Цветограмма «Марша Черномора»

У. Сейчас вам предлагается создать цветограмму этой части оперы, но прежде обсудим содержание.

Слайд 4

- Вы знаете, что опера – это жанр, в котором сразу соединяются три вида искусства: театр, музыка и слово. Что объединяет А.С. Пушкина и М. И. Глинку?

- Каким предстаёт перед нами Черномор? (добрый, злой, сильный, могучий, коварный …)

- Вспомните сказку А.С. Пушкина и скажите, в чём заключалась волшебная сила Черномора?

- Почему Глинка обозначает выход Черномора на сцену жанром «марша»?

- Как музыка передаёт характер Черномора?^[6]

- Сохраняется ли характер музыки на протяжении всего фрагмента?

- Какие цвета будут преобладать  в вашей цветограмме?

- Приготовьте ваши рабочие листы, карандаши, фломастеры и попробуйте под музыку отобразить ваши представления об этом персонаже.

(создание цветограммы  «Марш Черномора»)

4.2. Обсуждение цветограммы с выходом на сопоставление с иллюстрацией художника Палеха «Руслан и  Черномор»  к сказке А.С. Пушкина «Руслан и Людмила»

(дети работают в группах по 4 человека, обсуждают свои цветограммы)

У. Молодцы, я со стороны наблюдала за вашим диалогом, эмоциональным, живым и заинтересованным. Продолжим наш разговор, в который включаются художники Палеха.

Палех – это посёлок в Ивановской области, известный всему миру как центр народного промысла лаковой миниатюры и иконописи. А ещё художники Палеха стали иллюстраторами литературных произведений. И первым автором, к кому было направлено их перо, конечно, стал Александр Сергеевич Пушкин. А первым произведением, полюбившимся палешанам, стала поэма «Руслан и Людмила».

Посмотрите на экран. Вы узнали этот сюжет? Опишите кратко содержание иллюстрации.

Слайд 5

Рисунок 5. Иллюстрация Б.Н. Парилова. Из свободного доступа в Интернет

(учитель демонстрирует иллюстрацию Б.Н. Парилова «Руслан и Черномор». Дети рассматривают иллюстрацию, а учитель рассказывает о художнике.)

В далёком для вас 1959 году художника Борис Николаевич Парилов  обращается к творчеству А.С. Пушкина и создаёт  иллюстрации к «Сказке о мёртвой царевне»,  «Золотому петушку» и поэме «Руслан и Людмила». Он пришёл в художественные мастерские в 1950 году и сразу стал работать самостоятельно, вдумчиво и кропотливо. Почти сразу у художника выработался свой стиль, об этом говорит его успех. Уже через два года на выставке художественных промыслов он получил Диплом первой степени.  

Участник Великой Отечественной войны, ему, как никому другому, дух народности был очень близок и дорог. В каждой композиции художник отражал величие русского народа. Знаменитая цитата Пушкина «Здесь русский дух, здесь Русью пахнет» просматривается в каждой линии живописного повествования.

Судьба Парилова связана и с нашей Ярославской землёй. Он вместе с группой других художников Палеха расписывал Дворец пионеров в Ярославле.

5. Творческая реализация темы (систематизация знаний)

У. Посмотрите ещё раз на иллюстрацию Парилова.

- Какими средствами художнику удалось передать содержание пушкинского произведения?

- Кого ярче, по вашему мнению, изображает художник Черномора или Руслана? Почему вы так решили?

- Слышите ли вы музыку, рассматривая иллюстрацию? Если да, то совпадают ритм, тембр с оперой Глинки?

- Состоялся ли диалог произведений: музыки, живописи и литературы?

У. Молодцы. Мы переходим с вами к творческому заданию. И я предлагаю продолжить работу на уроке в группах, объединившись по 4 человека.

Эпиграфом нашего урока стал поэтический текст Афанасия Афанасьевича Фета

Слайд 6

(учитель выводит портрет поэта и текст стихотворения на экран)

5.1. «Портрет» А.Фета (диалог с поэтом)

У. Афанасия Фета называют самым музыкальным поэтом 19 века. Он считал музыку самым высшим видом искусства и филигранно работал над ритмом, разнообразием интонаций любого стихотворения. Его произведения дышат свежестью, а его романсы распевает вся Россия.

- А вы знаете, что такое «романс»?

(дети делают попытки сформулировать значение, учитель приходит на помощь)

Молодцы, вы правильно назвали главный признак этого жанра – музыкальное произведение, написанное на стихи. Добавим, что это произведения лирического содержания, где ярко выражено настроение человека или природы. И отличие песни от романса в том, что это камерное произведение и его исполняет только один артист.

Подготовьте выразительное чтение стихотворения, постарайтесь услышать автора, передать через интонацию его чувства, настроение.

5.2.  Выразительное чтение стихотворения

5.3.  Творческое задание «Сочини мелодию». Работа в группах по 4-5 учащихся

У. Повторю, что очень многие стихи Фета положены на музыку, но это стихотворение ждёт своего композитора. А вас ждёт интересное задание – сочинить  мелодию для этого стихотворения, создать его ритмический рисунок.

Используйте памятку «Как превратить стихи в музыкальный шедевр»^[7]

Слайд 7

5.4. Ролевая игра «Музыкальный критик»

У. Как известно, сегодня нейросеть может создать мелодию на основе текста. Используя бесплатный сервис AiMakeSond^[8], я создала вот такой романс на стихотворение Афанасия Фета. Послушайте её и скажите, насколько удачно искусственный интеллект справился с заданием.

(аудирование романса «Всё спит…», созданный ИИ^[9])

Слайд 8

6.   Домашнее задание интегрированного характера

Мини-сочинение «Мой любимый музыкальный образ» или цветограмма любимого музыкального произведения

7. Рефлексия.  

У. Используя сервис «Wordcloud.online»^[10], создайте «облако» сегодняшнего урока. Опирайтесь в ответах на вопросы: что я узнал нового, насколько мне было интересно, важно и полезно.

7.1. Создание «Облака» урока

7.2. Защита работы.

У. Наше занятие подходит к концу. Благодарю вас за работу и в знак благодарности прочитаю одно из моих любимых стихотворений Афанасия Фета:

Зреет рожь над жаркой нивой,

И от нивы и до нивы

Гонит ветер прихотливый

Золотые переливы.

Робко месяц смотрит в очи,

Изумлен, что день не минул,

Но широко в область ночи

День объятия раскинул.

Над безбрежной жатвой хлеба

Меж заката и востока

Лишь на миг смежает небо

Огнедышащее око.

Литература для учителя по теме занятия:

1. Бакулина Ю.Б. Музыкотерапия на уроках русского языка и литературы // Молодой ученый. - 2012. - №11. - С. 395-396.
2. Микешина Л.А. Интерпретация // [Электронный ресурс] URL: http://enc-dic.com/philosophy/ Interpretacija-917/
3. Коренблит С. Синтез слова и музыки как средство эстетического воспитания школьников и анализ существующих инновационных методик и технологии преподавания лирики в школах и вузах // [Электронный ресурс] URL: https://klauzura.ru/Музыка. 3 класс: учеб. для общеобразоват. организаций. / Г.П. Сергеева. — М.: Просвещение, 2021.
4. Учебно-методический комплекс «Мир музыки» для детей 5-10 лет. Практическое мультимедиа-пособие. / Г.П. Сергеева. – М.: Новый диск, 2008.
5. Учимся понимать музыку. Серия «Школа развития личности Кирилла и Мефодия». Практическое мультимедиа-пособие. – М.: Нью Медиа Дженерейшн, 2007.

Памятка 1

Дополнительная информация к уроку

Михаил Иванович Глинка (1804–1857) — русский композитор, автор многих известных произведений. 

Ранние годы

Михаил Глинка родился 20 мая (1 июня) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии в отцовском имении. До шести лет воспитанием мальчика занималась его бабушка, а родная мать была допущена к сыну только после смерти бабушки. 

С десяти лет Глинка начал учиться игре на фортепиано и скрипке. Первой учительницей была приглашённая из Санкт-Петербурга гувернантка Варвара Фёдоровна Кламмер. 

Образование

В 1817 году родители привезли Михаила в Санкт-Петербург и поместили в Благородный пансион при Главном педагогическом институте. В 1822 году Глинка успешно (вторым учеником) окончил курс обучения. 

Во время учёбы Глинка брал частные уроки у видных музыкальных педагогов, в том числе у Карла Цейнера и Джона Филда. 

Творчество

Некоторые известные произведения Михаила Глинки:

• оперы «Жизнь за царя» («Иван Сусанин») (1836) и «Руслан и Людмила» (1837–1842); 
• симфонические произведения: «Камаринская» (1848), «Воспоминание о летней ночи в Мадриде» (1851); 
• романсы и песни: «Не искушай меня без нужды» на слова Е. А. Баратынского, «Не пой, красавица, при мне» на слова А. С. Пушкина. 

Глинку считают основоположником русской классической музыки. Его творчество повлияло на таких русских композиторов, как А. С. Даргомыжский, М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков, А. П. Бородин, П. И. Чайковский. 

Последние годы и наследие

Последние годы жизни Михаил Глинка провёл то на родине, то за границей: в Варшаве, Париже, Берлине.

15 февраля 1857 года композитор скончался в Берлине. Похоронили Глинку на лютеранском Троицком кладбище. Его прах был перевезён в Санкт-Петербург и там перезахоронен. 

Наследие Михаила Глинки включает романсы, песни, симфонические фантазии, а также оперу «Руслан и Людмила». Музей композитора расположен в Новоспасском селе, в родной усадьбе. Памятники Глинке установлены в Болонье, Киеве, Берлине. Его именем также названа Государственная академическая капелла в Санкт-Петербурге. 

Премьера оперы М.И. Глинки «Руслан и Людмила»

Премьера прошла крайне неудачно

9 декабря 1842 года состоялась премьера оперы «Руслан и Людмила», но прошла она плохо. Певцы не успели выучить свои сложные партии, художники плохо поняли задумку Глинки, поэтому декорации выглядели странными и неуместными.

Самая главная беда — император Николай I ушел с премьеры еще до конца спектакля! Это событие сильно повлияло на публику и ее отношение к этой опере. После Глинка отредактировал свое произведение, сделал некоторые купюры, а певцы начали осваиваться со своими партиями. Слушатели в свою очередь стали привыкать к необычному подходу композитора и опера начала обретать успех.

Оригинала рукописи не существует

Первоначальная рукопись «Руслана и Людмилы» не сохранилась: она сгорела при пожаре в В Мариинском театре в 1859 году. Ее восстанавливали композиторы, входившие в ближний круг Глинки: Н. А. Римский-Корсаков, А. К. Лядов, М. А. Балакирев. Безусловно, у них получилось воссоздать оперу почти полностью, но посмотреть именно оригинал рукописи Глинки уже невозможно.

Также был найден вариант оперы, который Глинка вывез в Германию при жизни, но он не полный, да и написан рукой воспитанника композитора.

Новые музыкальные приемы

Эта опера сильно повлияла на русскую музыку. Глинка применил множество уникальных приемов, которые позже использовали другие композиторы в своих произведениях.

Например, Глинка придумал, как в симфоническом оркестре передать звучание гуслей: арфа играет свою партию пиццикато (то есть щипком) под звучание фортепиано. Этот прием применяется в эпических эпизодах, например, во время рассказа Баяна.

Другой новый уникальный прием — использование целотонной гаммы в фантастических эпизодах. Целотонная гамма — та, в которой между соседними звуками всегда одинаковое расстояние, целый тон. Такой звукоряд создает ощущение чего-то страшного, масштабного. Глинка применяет его для образа Черномора.

Палех – красота и изящество

 Слово Палех — многозначно. Итак, Палех — что это такое? Палех – это название старинного села, расположенного вдалеке от шума и сутолоки больших городов. Это народный промысел и роспись. Наконец, это один из символов России, такой же как русская матрешка, хохлома и гжельская посуда, предания и былины. Письменные упоминания о селе относятся к началу семнадцатого века, как о вотчине князей Бутурлиных, родственников Иоанна Грозного. Уже тогда, о нем писали, как о большом поселении. А устные рассказы о его возникновении, восходят еще к монголо-татарскому игу. Тогда, из разоренных Владимира и Суздаля, бежали люди в глухие чащи, подальше от татаро-монгольского пленения. Среди них были и монахи-иконописцы, захватившие с собой маленькие образочки – писанки. От этих иконописцев и возникла знаменитая на весь мир Палехская роспись. Это место не было широко известно. Замкнутость, глухие леса и болота, удаленность от торговых путей, способствовало сохранению древних традиций в промысле, только ручному производству и яркой самобытности изделий. Иконописью изначально занимались только в монастырях, но с тринадцатого века, стали возникать первые светские мастерские. В Палехе иконопись стала семейным производством. Целые династии местных мастеров-иконописцев прославляли Палех на всю Россию и зарубежье росписью. Даже жениться и замуж выходить старались за своих живописцев, чтобы не передавать чужим секреты мастерства.
Есть история, как великий Гете, узнал о мастерстве художников Палеха, загорелся желанием увидеть прославленные иконы, написанные суровыми русскими мужиками в деревенских избушках заснеженной Руси. Его мечта сбылась, в подарок ему прислали иконы, не уступавшие византийским, написанные братьями Каурцевыми.
В окружении лесов да вдали от больших дорог, вдоль живописной речки Палешки. Жили в селе обособленно, торговцы практически не захаживали. Так иконописцы сохраняли из поколения в поколение свои традиции. Лишь в середине XVII века молва о палехских мастерах добралась до Москвы. А уж затем и сами художники оказались в Белокаменной. Палешане приложили
свое мастерство в Грановитой палате Московского Кремля, Троице-Сергиевой лавре и в Новодевичьем монастыре.
Новое время, новые образы, новый промысел. После Октябрьской революции художникам пришлось оставить на долгое время библейские образы в поисках других тем. Революция иконопись не жаловала. Тогда появился современный палехский стиль и шкатулки из папье-маше по подобию Федоскинских. Расписывали коробочки и ларчики бывшие иконописцы сюжетами из народных сказок, жанровыми сценками, картинками деревенского быта и пейзажами. Перенесли художники темперную живопись на шкатулки и объединились в артель. В 1924 году по инициативе группы талантливых иконописцев при поддержке искусствоведа и профессора Анатолия Бакушинского была образована «Артель древней живописи». Почетным членом объединения стал Максим Горький, который поддерживал художников. Мастера расписывали ларцы, шкатулки, чайницы, табакерки и пудреницы. Сначала заготовки закупали в Федоскино, но вскоре наладили свое производство.
Шкатулка Палех, как правило, представляет собой черные шкатулки, которые расписываются сюжетами из известных сказок. Все эти рисунки обрамляются золотым орнаментом. И, наверное, сегодня нет такого человека, который бы не слышал о таких шкатулках. Расцвет искусства пришелся на шестидесятые — восьмидесятые годы. Тогда выпускалось огромное количество продукции с палехским письмом – открытки, марки, различные сувениры, расписанные коробки для косметики, подносы и тарелки.
Еще к особенностям можно отнести насыщенность объектами, находящимися в движении, это не только люди и животные, а также деревья, облака, неживая природа. В иконописном стиле изображаются люди, рельефы, природа, все отличаются хрупкостью и изяществом. У Палехской лаковой миниатюры, свой уникальный мир. Он одновременно реален и фантастичен, даже простые бытовые сценки полны радости, движения и поэтичности.
Радостное многоцветье узоров на фоне черноты — все это палехская роспись. На маленькой поверхности располагается множество разнообразных элементов. Чтобы рассмотреть всю красоту лаковой миниатюры – зачастую приходится прибегать к увеличительному стеклу. Это удивительные причудливые деревья и цветы с выписанными листочками. Палешане нашли способ делать изображения кроны выпуклой, рельефной, для чего используют технику наложения белил в несколько слоев.
Деревья, несмотря на схематичность рисунка – становятся живыми.
Сказочные травы и удлиненные каменные горы с «кремешками», тщательное прописывание лиц и частей тела, разноцветное сияние. Для оживления композиции художники используют белые блики и золотые волны в завитках волос, изгибах трав, гривы лошадей, морских волн. В палехской миниатюре обязательным элементом является заключительная обводка фигур золотым контуром.
В Палехской росписи основной фон – черный. Он знаменует собой землю, глубину и первозданный хаос, рождающий жизнь, свет, радость и мир. Присуще древнерусское соединение цветов – красного, желтого и зеленого. Красный – символ красоты, плодородия (красно солнышко, весна-красна). Зеленый – знак растений, молодости, жизни на природе, отдыха. Желтый говорит о зрелости, созревании, достижении успехов и достатка. В Палехской росписи обильно присутствует золото. Оно символизирует солнце, изобилие и наследие иконописи – не тварный Божественный свет, озаряющий весь мир и пронзающий все – даже извечную тьму.

Парилов Борис Николаевич (1922-1985) – художник лаковой миниатюры. Член Союза художников. Окончил Палехское художественное училище в 1939 году.

Родился 12 октября 1922 года в поселке Палех ныне Ивановской области. Потомственный живописец, сын Н.М. Парилова.

Участник Великой Отечественной войны. Воевал на Калининском и 1-м Прибалтийском фронтах. Награждён орденом Красной Звезды, медалями.

В 1946-1950 годах учился в Палехском художественном училище. С 1950 года работал в Товариществе художников Палеха (с 1954 года — Палехских художественно-производственных мастерских). В 1959-1960 годах работал в Сочинских художественных мастерских.

Занимался монументальной живописью (Дворец пионеров в Ярославле (1956)), реставрацией (фрески Архангельского собора Московского кремля (1954-1955), Крестовоздвиженского храма в Палехе (1960)), театрально-декорационным искусством (оформление оперы «Сказка о царе Салтане» Куйбышевского театра оперы и балета (1958) под руководством Н.М.Парилова), книжной иллюстрацией (иллюстрации к книге А.С.Пушкина «Руслан и Людмила» (1959) совместно с В.Д.Дудоровым). Тематика произведений: фольклор, литература, история.

Участвовал в выставках с 1952 года. Член Союза художников РСФСР.

Афанасий Афанасьевич Фет

Поэт родился в 1820 году в Орловской губернии. Он был сыном знатной иностранки Шарлотты Фет, которая сбежало от своего мужа с богатым дворянином Шенишиным. Шенишин в последствии стал выдавать ребенка за своего. Это была тайна семьи, но позже обман раскрылся и Афанасий лишился дворянского звания и ему пришлось взять фамилию родного отца - Фет.

Сначала Афанасий находился на домашнем обучении, но его учили не профессиональные учителя, а семинаристы и дворовые. Слуги рассказывали будущему поэту различные народные сказки и придания, что повлияло на его творчество.

Подростком будущий поэт поступает в пансионат в Эстонии. Именно здесь он впервые пробовал заниматься поэзией. Позже он поступает в Московский пансион и проходит курс лекций по всеобщей истории.

В 1837 году поэт поступает в Московский университет и продолжает заниматься лирикой. Впервые его произведения были опубликованы в 1840 году в сборники "Лирический пантеон".

Афанасий Афанасьевич все еще мечтал вернуть себе дворянский титул и для этого поступил на службу. За это время так же он выпускает несколько лирических сборников. В 1857 году поэт женится на Марии Боткиной и уходит в отставку, так и не получив дворянского титула.

С 1862 по 1871 год он пишет свои циклы "Записки о вольнонаемном труде" и "Из деревни", а так же пишет детские произведения.

И только в 1873 году поэт вернул себе дворянское звание и фамилию Шеншин. В эти же годы им были написаны стихи, которые попали в сборник "Вечерние огни" и он стал заниматься благотворительностью.

Поэт умер 21 ноября 1892 года в Москве от сердечного приступа и похоронен в родовом имении

Шеншиных.

Приложение 2

  АНАЛИЗ  МУЗЫКАЛЬНОГО ОБРАЗА

СЛОВАРЬ НАСТРОЕНИЯ МУЗЫКИ

Примерные вопросы к целостному анализу музыкального произведения: 

- О чем это произведение?

- Как бы вы его назвали и почему?

- Сколько в нем героев?

- Как они действуют?

- Какими показаны герои?

- Чему они нас учат? –

Почему музыка звучит взволнованно (спокойно, решительно, жалобно и.пр.)?

Или: - Помните ли вы свои впечатления от этой музыки, полученные на прошлом уроке?

- Что важнее в песне – мелодия или слова?

 - А в человеке что важнее – ум или сердце?

- Где бы она могла звучать в жизни и с кем бы ты хотел ее слушать?

- Что переживал композитор, когда писал эту музыку? 

- Какие чувства он хотел передать?

- Звучала ли у вас в душе подобная музыка? Когда?

- Какие события в своей жизни вы могли бы связать с этой музыкой?

- Какими средствами пользуется композитор, чтобы создать музыкальный образ (определить характер мелодии, аккомпанемента, регистр, динамические оттенки, лад, темп и т.д.)?

- Каков жанр («кит»)?

- Почему так решили?

- Каков характер музыки?

- Композиторская или народная?

- Почему?

- Что ярче рисует героев – мелодия или аккомпанемент?

- Какие тембры инструментов использует композитор, для чего и т.д.

Приложение 3

От стиха – к музыкальному шедевру

• Проанализировать ритм. Нужно определить его скорость и особенности. Затем подобрать мелодию, которая соответствует этому ритму и не нарушает естественный поток слов.
• Учитывать настроение. Стихотворение имеет свою эмоциональную окраску, поэтому важно подобрать мелодию, которая передаёт это настроение.
• Акцентировать ключевые моменты. Нужно выделить ключевые строки или фразы в стихотворении и подчеркнуть их с помощью мелодии. Это поможет подчеркнуть главные идеи и создать эффектное воздействие на слушателя.
• Искать вдохновение. Можно прослушивать различные музыкальные жанры и исполнителей. Иногда неожиданная комбинация стиля музыки и стихотворения может привести к удивительному результату.
• Создать собственную мелодию. Если трудно найти подходящую композицию среди существующих, можно попробовать создать свою собственную мелодию.
• Провести эксперименты. Не стоит бояться экспериментировать с разными мелодическими и инструментальными вариантами. Иногда интересные и необычные идеи могут привести к уникальному звучанию и обогатить стихотворение.