Программа элективного курса "География народно-прикладных промыслов России"
элективный курс по географии (9 класс) по теме

Программа элективного курса  по географии для учащихся 9-х  классов в рамках предпрофильной подготовки

«География декоративно-прикладных промыслов России»

Чудо звери, чудо – птицы,
Скачут, прыгают, поют.
Рядом барыни неспешно,
Словно с ярмарки идут.

Здесь от ярких красок пестро,
Здесь фантазии полет!
Мастер с глиною колдует,
В руки он комок берет,
Разминает, греет, лепит.

И из-под волшебных рук
Птица - модница возникла,
Рядом с ней запел петух.
И пространству стало тесно,
В этой ауре добра;
Ведь игрушка - это детство,
Радость, свет и красота!

Пояснительная записка

Духовные богатства   Российской Федерации - составляют исторические ценности, созданные народом, и постоянно преумножающиеся новыми произведениями искусства, образующими единый целостный процесс развития культуры. Особое место в этом процессе занимает народное декоративно-прикладное искусство, та область художественно-практической деятельности человека, в сфере которой создаются своеобразные художественные предметы, отмеченные неповторимостью форм и декоративного убранства. Составляя органическую часть предметной среды, с которой повседневно соприкасается человек, эти произведения своими эстетическими качествами, образным строем, характером так или иначе воздействуют на душевное состояние человека, его настроение, являются источником эмоций, влияющих на его отношение к окружающему миру. В них раскрывается сам творец, знание им жизни и умение выразить это в своем творчестве.

          Если представить себе многоликую картину населения России, очень разные природные, климатические условия жизни народа, то можно понять, на какой основе сформировался быт людей, как и почему сложился определенный характер жилища, одежды и весь предметный мир, которым пользуется человек. Особенности человеческой жизни в ходе социально-исторического развития привели к созданию своеобразного искусства каждого народа, и теперь сохраняющего тот неповторимый национальный колорит, который, определяя внешний облик предметного мира, выражает его индивидуальную сущность, глубокое внутреннее содержание, связанное с диалектикой современной жизни.

   Создание вещей для собственного потребления всегда было в народе частью единого трудового процесса, в котором по-разному проявлялись элементы творчества. Исследователи не без оснований называют эту область трудового процесса искусством бытовой вещи. Орудия труда и предметы быта выполнялись, прежде всего,  как вещи нужные, добротные, удобные. Эстетичность, художественно-образное начало их проявлялись как бы сами собой, в зависимости от конкретного назначения предмета. Художественная задача не выступала как специальная, самостоятельная. Все делалось в рамках ремесла, в рамках системы трудовых знаний и навыков, которые позволяли умело строить дом, класть печку, шить одежду, обрабатывать любой природный материал. В этом непрерывном трудовом процессе создавались различные бытовые предметы, польза которых подчеркивалась совершенством технического исполнения, убедительным выявлением утилитарных функций, а красота - введением орнаментальных или изобразительных мотивов. Так, будничная одежда девушек и женщин имела несложные декоративные дополнения, а праздничная была насыщена символическими изображениями, цветной вышивкой, кружевом, украшениями из металла. Подобные качества характеризуют и орудия труда. Например, прялка для домашней работы не украшалась, зато подарочная или предназначенная для посиделок становилась настоящим шедевром с резьбой и росписью.

Народное творчество тесно связано с окружающим миром. В содержании большинства его произведений многое идет от природы - от земли, леса и трав, воды и солнца, от всего живого, что любит и ценит человек. Вот почему бывает так трудно конкретно определить, какие же именно качества отдельного предмета делают его произведением искусства.

В наше время, когда интенсивно растет промышленное производство бытовых изделий,  предметы народного искусства приобрели особое значение как вещи нужные, красивые, полезные. Оригинальность форм, нарядность и красочность декора в сочетании с ярко выраженными достоинствами природных материалов, из которых создаются эти произведения, определили и отношение человека к этим подлинно художественным предметам. Сама повседневная жизнь обусловила расширение производства ковров и кружев, вышитых изделий и нарядной одежды в характере народных традиций, скульптуры малых форм, выполненной из дерева, камня, глины, произведений лаковой миниатюры, подносов с декоративной росписью и многого другого.

Необходимость создавать новые и новые произведения народного искусства в настоящее время настолько актуальна, что ни у кого не вызывает сомнений. Как всякое явление, переживающее процесс роста, развитие производства художественных изделий в традициях народного декоративно-прикладного искусства имеет свои сложности. Организация такого производства стала своеобразной модой, оно создается на новом месте, чаще всего путем подражания известным промыслам и функционирует в рамках министерств и ведомств, не имеющих опыта подобной работы. Растущее количество изделий, выпускаемых этими предприятиями, к сожалению, не всегда переходит в качество.

 Программа  элективного курса «География  декоративно-прикладных промыслов России» предназначена для учащихся 9-х классов и  рассчитана на 17 часов.  Содержание данного курса  позволяет познакомить учащихся с историей развития, художественными особенностями и географией народных промыслов России. В учебных пособиях для учащихся 9-х классов информация по данной теме даётся очень сжато и её не хватает для более целостного представления о географии экономических районов России, поэтому основная цель данного курса: 

- ознакомление с декоративно-прикладными промыслами России и географией их размещения по экономическим районам и сохранение их преемственности в обыденной жизни через обучение подрастающего поколения.

Курс рассчитан на межпредметные связи с такими науками, как, история, художественная культура, биология, так как многие мастера используют образы и особенности строения тел растений и животных.

Данный курс разработан  в рамках предпрофильной подготовки для учащихся социально-экономического и географического профиля, а также  может быть использован в учреждениях дополнительного образования. К курсу предлагаются приложения, на которых показано размещение крупных центров народных промыслов и даётся краткая характеристика  некоторых видов.

Реализация основной цели курса возможна через решение следующих задач:

1. Определение значения художественных промыслов в жизни населения.
2. Характеристика  географии художественных промыслов разных регионов России.
3. Анализ  современного состояния предприятий, занимающихся художественными промыслами в рыночное время.

Тематический план  

Содержание программы

Тема 1. Ведение

Значение декоративно-прикладных промыслов в развитии России.

Практическая работа. Знакомство с  контурной картой России, на которую по мере изучения курса учащиеся должны нанести границы экономических районов и центры народных промыслов в них.

Тема 2. Размещение художественных промыслов. Западный макрорегион.

1. Центральная Россия.  ЭГП района. Знакомство с декоративно-прикладными промыслами: вышивка, кружевоплетение, роспись по ткани (Торжок, Мытищи, Таруса, Мстера, Михайлов, Елец, Нижний Новгород); декоративная роспись по металлу (Жостово); лаковая живопись (Палех, Холуй, Мстера); резьба по дереву (Хотьково, Богородское, Киров); художественная керамика (Гжель, Скопин, Киров); роспись по дереву (Городец, Семёнов).

Практическая работа.  Работа с контурной картой по нанесению центров художественных промыслов.

Экскурсия в мастерскую коклюшечного кружева детско-юношеского центра «Орион» города Новокузнецка.

2. Европейский Север и Северо-Западная Россия. ЭГП района. Знакомство с декоративно-прикладными промыслами: резьба по кости (Холмогоры, Архангельск); кружева (Вологда); резьба по дереву (Каргополь); художественная обработка металла (Великий Устюг); резьба по камню (Калининград).

Практическая работа.  Работа с контурной картой по нанесению центров художественных промыслов.

3. Европейский Юг. Поволжье.  ЭГП районов. Знакомство с декоративно-прикладными промыслами: керамика (Семикаракорск); художественная обработка металла (Кубачи).   Ковроткачество (Казань).

Практическая работа.  Работа с контурной картой по нанесению центров художественных промыслов.

4. Урал. ЭГП района. Знакомство с декоративно-прикладными промыслами: художественная обработка камня (Красный Ясыл, Новотроицк); декоративная роспись по металлу (Нижний Тагил); художественная керамика (Сысерть); художественная обработка металла (Касли).

Экскурсия  на выставку самоцветов и поделочных камней в геологический музей города Новокузнецка.

Тема 3. Размещение художественных промыслов. Восточный макрорегион:

Сибирь и Дальний Восток.

Сибирь. ЭГП  района. Знакомство с декоративно-прикладными промыслами: город Томск «Томский умелец» (фарфор, резьба по дереву); Новосибирск (декоративные колокольчики-звонницы); Кемеровская область. Новокузнецк (коклюшечное кружевоплетение, роспись по дереву, художественная керамика).

Дальний Восток. Уэлен (резьба по кости).

 Экскурсия в галерею «Творчество». Цель: знакомство с видами народных  промыслов Сибири.

Тема 4. Защита реферата.

Каждый учащийся защищает свой реферат по выбранному виду народного промысла. После защиты ученики получают зачёт по данному курсу.

Поурочное планирование учебного материала

  Предмет География декоративно-прикладных промыслов России  класс 9  ,  

  учитель Макашова Инна Михайловна

  Количество недельных часов  1 ,   всего 17  часов

Литература для учителя

1. Тангибердиева З. И., Варваров В. М. , Художественные промыслы РСФСР, М., 1959
2. Т. Разина, Художественные промыслы Подмосковья, М., 1982
3. Смолицкий Б. Г., Скавронская Т. Н., Художественные промыслы России, М., 1989
4. ред. Станицкий А. В., Народные художественные промыслы СССР, М., 1983
5. Воронов В. С., О крестьянском искусстве, М., 1972
6. Постановление ЦК КПСС «О народных художественных промыслах» от 27 февраля 1975
7. Бакушинский А. В., Искусство Палеха, М., 1932
8. В. Тарасов: для сохранения художественных промыслов и предотвращения подделок под народное искусство нужны нормативные акты //Российская газета, 1998
9. Беслеева  Л. И., Крестьянинова Л. Ф. Современное народное искусство. М., 1975.
10. Василенко В. М. Народное искусство. Избранные  труды о на родном творчестве X—XX веков. М., 1974.
11. Молотова Л. Н. Народное искусство Российской Феде рации. Л., 1981.
12. Даль Владимир. Толковый словарь живого великорусского языка: Т. 1-4. –М.: Рус. яз., 1989.
13.  Современные словарь иностранных слов: / Изд-во «Рус. яз.». – Ок. 20 000 слов. – М.: Рус. яз., 1993.
14.  Ожегов С. И. Словарь русского языка: 70 000 слов/ Под ред. Н. Ю. Шведовой. – 23-е изд., испр. - М.: Рус. яз.,  1991.

Литература для учащихся

1. Художественные промыслы и игрушка, М., 1973
2. Рождественская С. Б. Русская народная художествен ная традиция в современном обществе: Архитектурно-декоративные   и   художественные   промыслы.  М.,   1981.
3. П.И.Уткин, Н.С.Королева. "Народные художественные промыслы". - М., 1992
4. «Живописная Россия». Журнал. Изд. ООО «Витязь» №№ 1, 2, 4, 5 – 2005.
5. Некрасова М. А. Народное искусство России. М., 1983.

Тема «Введение» (2 часа)

Значение декоративно-прикладных промыслов в развитии России

                                    Учебно-воспитательные цели:

-  воспитывать любовь к Родине, уважение к труду;

- прививать интерес к изучению ремесел;

-охарактеризовать географию художественных промыслов разных регионов России;

-продолжить формирование умений  самостоятельной  работы с источниками географических знаний.

Оборудование: экспозиции изделий и иллю страций – «Жостово», "Живая гжель", "Русские матрешки", "Дымка", "Золотая хохлома", "Городец кая роспись", "Русская народная вышивка", "Русское кружево"; к/фильм "Народное декоративно-прикладное искусство"; плакат «Самым высоким видом искусства, са мым талантливым, самым гениальным является народное искусство, то есть то, что запечатлено народом, сохранено, что народ пронес через      сто летия» (М.И. Калинин).

Эпиграфы  урока

 "Работа хороша, если в ней польза и душа";

 "Не то дорого, что красно золото, а то дорого, что   мастера доброго".

Тип урока:  урок-лекция с элементами практической работы.

Структура  урока:

1. Вводная беседа
2. Сущность художественных промыслов
3. Исторические корни художественных промыслов
4. Практическая работа

Ход урока:

1. Организационный момент
2. Изучение нового материала

1. Вводная беседа.

Учитель. Ребята, а знаете ли вы, что такое народное творчество?

Какие виды промыслов вам известны?

Знаете ли вы об истории их создания?

На эти и многие другие вопросы мы постараемся ответить в ходе изучения нового для вас курса  «География декоративно-прикладных промыслов России». Я приглашаю всех в путешествие по России в центры народных промыслов. Земля наша Русская испокон веков славилась своими добрыми мастерами, одаренными людьми, создавшими  своими руками сказочную красоту.

И сегодня я хочу воспеть и восславить «Сердце доброе, щедрость  да разум, руки искусные люда русского».

1. Сущность художественных промыслов

Народные художественные промыслы России — неотъемлемая часть отечественной культуры. В них воплощен многовековой опыт эстетического восприятия мира, обращенный в будущее, сохранены глубокие художественные традиции, отражающие самобытность культур многонациональной Российской Федерации.

Художественные промыслы являются одновременно и отраслью промышленности, и областью народного творчества.

Сочетание традиций и новаторства, стилевых особенностей и творческой импровизации, коллективных начал и взглядов отдельной личности, рукотворности изделий и высокого профессионализма – характерные черты творческого труда мастеров и художников промыслов.

Неповторимые художественные изделия народных промыслов России любимы и широко известны не только в нашей стране, их знают и высоко ценят за рубежом, они стали символами отечественной культуры, вкладом России во всемирное культурное наследие.

В век технического прогресса, машин и автоматики, стандарта и унификации изделия художественных промыслов, выполненные в основном вручную, в большинстве своем из природных материалов, приобрели особое значение.

Современные художественные промыслы развиваются на основе традиций декоративно-прикладного искусства. Поэтому, чтобы понять природу и сущность такого явления, как народные художественные промыслы, необходимо уяснить, что такое народное искусство.

Народным называют искусство широких масс. Главной, определяющей чертой народного искусства является коллективный характер. Это, прежде всего, проявляется в преемственности многовековых традиций. Народные мастера на протяжении веков использовали секреты мастерства, орнаментику, художественные образы, сюжеты, передаваемые им родителями, односельчанами. Старые мастера обучали молодежь искусству, как вырезывать ложку, расписывать прялку, ткать узорные полотна, шить одежду, плести кружево. Из поколения в поколение сохранялись традиции художественного творчества. За каждым народным мастером стоит, таким образом, коллективный опыт многих поколений людей, которые являются как бы соавторами в изготовлении того или иного предмета.

Современные художественные промыслы — это собственно художественные производства, в отличие от народного искусства прошлого. Уже само их название, заменившее ранее признанное — «кустарные промыслы»^[1], характеризует их направленность на первоочередное решение художественных задач. Такое доминирование художественной функции в немалой степени является следствием развития нашей культуры, ответом на проблемы современной предметной среды.

Разумеется, оно не соответствует синкретической природе традиционной культуры прошлого, отражая те большие изменения, которые произошли в нашем обществе.

В то же время художественные промыслы не являются просто одним из компонентов профессионального искусства и примыкающей к нему художественной промышленности. В них следует видеть народные художественные производства, в которых должны быть максимально закреплены, органично развиваться основные традиции народного изобразительного искусства.

Определение учащиеся записывают в тетрадь:  «Народный художественный промысел — одна из форм народного творчества, деятельность по созданию художественных изделий утилитарного и (или) декоративного назначения, осуществляемая на основе коллективного освоения и преемственного развития традиций народного искусства в определенной местности в процессе творческого ручного и (или) механизированного труда мастеров народных художественных промыслов.»

Под изделием народного художественного промысла понимается «…художественное изделие утилитарного и (или) декоративного назначения, изготовленное в соответствии с традициями данного промысла».

2. Исторические корни художественных промыслов

Своими корнями народное искусство и художественные промыслы уходят в глубокую древность, когда человек жил в условиях первобытнообщинного и родового строя. Средства существования он добывал примитивными способами. Зачатки искусства тогда тоже носили коллективный характер. Изготовляя орудия труда, охоты и войны, посуду, одежду и другие необходимые в быту предметы, человек стремился придать им красивую форму, украсить их орнаментом, то есть делал тем самым обычные вещи произведениями искусства. Нередко форма изделия и его орнамент имели еще и магическое, культовое назначение. Так, один и тот же предмет мог одновременно удовлетворять реальные потребности человека, отвечать его религиозным взглядам и соответствовать его пониманию красоты.

К моменту создания восточнославянского государства – Киевской Руси – ремесла в нем достигли высокого уровня развития.

Самым первым производством, выделившимся в самостоятельное ремесло в городе и деревне, было обработка металла.

Вторым по времени зарождения ремеслом, после обработки металла, явилось гончарство. В IX-X вв. Киевская Русь уже знает гончарный круг, появление которого означало переход керамического производства из рук женщин, занятых домашним трудом, в руки мужчины-ремесленника. Гончарные мастерские изготовляли посуду, домашнюю утварь, игрушки, предметы церковного обихода, изразцы — декоративные керамические плитки, которые использовались в архитектуре как отделочный материал.

В древней Руси было развито также и искусство ремесленников-камнерезов: резчиков икон и литейных форм, гранильщиков бус. Работало множество косторезных мастерских, массовой продукцией которых были гребни самых разнообразных форм, а также предметы культового назначения: кресты, иконы и т. д.

Основными видами женского художественного творчества в Древней Руси были узорное ткачество (в частности, «браное», вышивка по холсту, золотое шитье, «шелковое пялочное дело»). Основным видом искусства являлось древнерусское шитье — вышитая церковная утварь: пелены, плащаницы, покровы, вызывавшие всеобщее восхищение и вывозившиеся из Руси в другие страны.

Крупными центрами художественного женского рукоделия были монастыри.

Значительного развития художественная обработка дерева достигла в великом Новгороде, жителей которого даже называли плотниками.

В XV-XVII века выросло и окрепло Русское централизованное государство. Его столица Москва становится не только политическим, но и культурным центром. Самодержавная власть видела в роскоши и богатстве средство укрепления своего могущества, средство воздействия на умы и души своих подданных. К великокняжескому, а потом и к царскому дворцу съезжаются многочисленные мастера золотых и серебряных дел, иконописцы, косторезы и камнерезы, специалисты обработки дерева, мастерицы шитья. В изделиях царских мастеров художественная сторона предмета начинает оттеснять на второй план его утилитарное назначение.

Развитие товарного обмена приводит к тому, что во многих городах и селах изготовление на продажу бытовых предметов превращается в основное занятие населения. В различных уголках России на основе народных ремесел возникают кустарные художественные промыслы. Создавая изделия на продажу, кустари художественных промыслов были тесно связаны с древними традициями народного искусства, продолжали и развивали эти традиции.

Среди древнейших русских художественных промыслов следует назвать промысел художественной резьбы по кости и дереву, возникший в Троице-Сергиевом монастыре в XVI-XVII вв. Здесь же стал развиваться и игрушечный промысел.

В XVI-XVII веках славились своим мастерством новгородские, псковские и вологодские «златокузнецы», псковские литейщики колоколов. В XVII веке в Сольвычегодске развивается промысел «усольской эмали». Искусство эмали получило развитие и в Великом Устюге. Кроме того, в этом городе жили мастера просечного железа, которые изготовляли узорчатые железные полосы и украшали ими деревянные ларцы и подголовники. На севере, в городе Холмогоры, расцветает косторезное искусство.

XVII век: начало, теперь всемирно известного, хохломского промысла. Во многих русских городах, в первую очередь городах Поволжья, развиваются прялочные промыслы, гончарное и изразцовое производство, промыслы резьбы пряничных досок. В это же время получает развитие набойка. Набойкой украшали одежду, занавесы, полавочники, знамена и т. д. Некоторые набивные узоры были созданы знаменщиками Оружейной палаты.

В XVIII веке начинают развиваться русские промыслы нитяного кружевоплетения и безворсового ковроделия.

К началу XIX века и в его первой половине в деревнях и маленьких провинциальных городах продолжало существовать и развиваться домашнее производство. Наряду с ним продолжают развиваться художественные промыслы, которые по своей социально-экономической структуре значительно отличались друг от друга. Некоторые из них были надомными, производили товар «на скупщика» (вологодское кружевоплетение, ювелирное дело Красного Села). В других случаях промысел составлял крупное производство фабричного типа — мануфактуру (керамическое производство Гжели, набойка Павловского Посада). Многие помещики в своих имениях стали создавать художественные мастерские, в которых работали их крепостные, изготовляя на продажу ковры, кружево, узорные ткани.

Во второй половине XIX-начале XX века появляется много новых художественных промыслов. Таковы, например, крестецкий и заонежский вышивальные промыслы, вятский кружевной промысел и другие. Многие из них стали обслуживать город, испытывая при этом сильное влияние «ученого» искусства того времени. В других промыслах, бытовавших вдали от промышленных центров и вырабатывавших изделия для села, еще сохранились местные традиционные особенности, отражавшие старые народные вкусы. Но при всех обстоятельствах в основе художественного кустарного производства оставались творческий ручной труд и виртуозное исполнительское мастерство.

Судьбы народных мастеров были неразрывно связаны с судьбой всего народа России. Передовая русская мысль на протяжении всего XIX века искала пути к улучшению народной жизни. Прогрессивные люди России, чтобы приблизиться к народу, пытались понять его стремления и интересы.

Великая Октябрьская социалистическая революция принесла много нового в народные промыслы. Сразу же после ее победы кооперация кустарей становится массовым явлением. Многие ремесленники, желая освободиться от власти скупщиков, объединяются в промысловые артели.

Большую работу по возрождению, подъему и развитию художественных промыслов проводил в 20-е годы уже известный Кустарный музей.

В 1925 году на Парижской выставке возрожденное искусство народных художественных промыслов получило всемирное признание. Многие мастера и мастерицы хохломской росписи, вологодского кружевоплетения, богородской резьбы по дереву, палехской лаковой миниатюры получили высокие награды. К началу 30-х годов большинство кустарей были кооперированы в артели. В это время изменилось назначение народных промыслов. Они стали частью советского декоративного искусства. Художественная сторона их изделий стала основной, оттеснив на второй план функции практические и утилитарные.

В 1932 году на базе Кустарного музея был создан Научно-исследовательский институт художественной промышленности, призванный изучать народное искусство и оказывать практическую помощь народным художественным промыслам.

Великая Отечественная война, нарушившая мирный труд, не могла не отразиться и на развитии художественных промыслов. В своих произведениях в годы Великой Отечественной войны народные мастера стремились откликнуться на волновавшие всех события. В первые годы послевоенного периода артели художественных промыслов восстанавливают свои творческие силы, воспитывают новые, молодые кадры мастеров и художников.

В 1960 году решением правительства, в связи с ликвидацией промысловой кооперации, художественные артели были преобразованы в фабрики и комбинаты, которые существуют  и развиваются,   и по сей день.

В целях сохранения народных художественных промыслов в условиях рыночной экономики, для защиты их интересов в федеральных и региональных органах власти в 1990 году по инициативе ряда предприятий была создана Ассоциация «Народные художественные промыслы России».

3. Практическая работа

 Учитель:  Для того,  чтобы изучить виды народных промыслов и их размещение на территории России вам необходимо по мере изучения курса заполнить контурную карту «Виды декоративно-прикладных промыслов России и география их размещения».  (Учитель раздаёт каждому ученику таблицу «Размещение видов художественного промысла»). 

Таблица 1. Размещение видов художественного промысла

          Используя данную таблицу учащиеся наносят  на контурную карту центры художественных промыслов по экономическим районам страны с указанием на карте вида художественного промысла условными обозначениями или значками.

Работа по нанесению границ и названий экономических районов  даётся как опережающее задание. Для этого учитель предлагает учащимся работу с атласом России по выделению ими экономических районов и их состава.

Таблица 2. Экономические районы России

 Вывод: Россия – страна с очень длинными историческими корнями, которые  глубоко уходят в историю страны,  и о которых мы можем узнать,  изучая культуру, традиции и уклад жизни народа на примере народно-прикладного творчества.

3. Закрепление изученного материала

Закрепление по ключевым понятиям темы: художественные промыслы, виды промыслов, исторические этапы развития народно-прикладного творчества.

IV. Итоги урока. Рефлексия

V. Задание на дом: каждому учащемуся приготовить реферат по виду народного промысла России (на выбор учащегося)   к итоговому занятию курса.

Приложение 1

Размещение предприятий художественных промыслов по территории РФ

Приложение 2

Краткое описание некоторых видов декоративно-прикладного творчества

Тематический план

  Поурочное планирование учебного материала                                                  

  Предмет География декоративно-прикладных промыслов России  класс 9  ,  

  Количество недельных часов  1 ,   всего 17  часов

Размещение видов художественного промысла  

Экономические районы России

Размещение предприятий художественных промыслов по территории РФ

Краткое описание некоторых видов декоративно-прикладного творчества

Батик

Батик - это обобщенное название разнообразных способов ручной росписи ткани. В основе всех этих приемов лежит принцип резервирования, то есть покрывания не пропускающим краску составом тех мест ткани, которые должны остаться незакрашенными и образовать узор. Этот способ для получения на ткани рисунка с незапамятных времен использовали в древнем Шумере, Перу, Японии, Шри-ланке, на Индокитае, в африканских странах. Родиной батика считается остров Ява в Индонезии, где и по сей день одежда из тканей, расписаных вручную, очень популярна. Ручная роспись шелковых и хлопчатобумажных тканей возникла у нас в стране сравнительно недавно: в конце 20-х - начале 30-х годов. В отличие от большинства других художественных ремесел, здесь нет прочно сложившихся традиций и прямых преемственных связей с крестьянским бытовым искусством или с каким-либо определенным художественным промыслом России. Современные техники росписи ткани очень разнообразны. Батик вобрал в себя особенности и художественные приемы многих изобразительных искусств - акварели, пастели, графики, витража, мозаики. Значительное упрощение приемов росписи по сравнению с традиционными техниками и многообразие специальных средств позволяет расписывать различные детали одежды, предметы интерьера, картины на шелке даже тем, кто никогда раньше не занимался оформлением ткани.

 Ткани, используемые для росписи по шелку.

Для ручной росписи применяются ткани из натуральных шелковых и хлопчатобумажных волокон. Если ткань изготовлена из смеси натуральных и синтетических волокон, то она будет плохо прокрашиваться, иметь неяркие, блеклые оттенки. Определить натуральное волокно можно с помощью горения. Для этого необходимо поджечь нить ткани. Натуральный шелк горит плохо, имеет запах паленой шерсти; хлопок полностью сгорает, имеет запах жженой бумаги.

Холодный батик

Появление в Европе восточных тканей привело в начале XX века к увлечению ручной росписью тканей. Батик переживал второе рождение. Но воспроизвести классический процесс изготовления воскового батика европейцам было сложно, поэтому появился иной, более доступный и простой вид росписи: холодный резерв и соответственно другие приемы крашения. Однако эта техника отличается от горячего батика не только температурой резерва, изменился его состав, инструменты для его нанесения, а также стиль росписи. Для росписи по шелку наиболее характерны белые и цветные линии, которые отделяют одно цветовое пространство от другого, все детали рисунка имеют четкую границу и расписываются красками только внутри резервной линии. В результате рисунок приобретает графическую четкость. В отличие от горячего батика, данный метод не требует удаления резерва после окрашивания, более прост и безопасен и поэтому относится к числу наиболее популярных приемов росписи ткани. В России метод холодного батика применяется с 1936 года в промышленных артелях. С глубокой древности для украшения ткани применялось окрашивание с использованием различных резервирующих средств, таких как разогретый воск или смола. Техника резервирования была известна во многих странах: в Перу, Японии, Иране, Шри-Ланке, Китае, Армении, Азербайджане, в африканских странах, но родиной батика традиционно считается остров Ява в Индонезии. Традиционный яванский батик - это не простая ткань, она считалась священной и употреблялась в качестве оберега. Батики до сих пор используются населением Индонезии для повседневной и праздничной одежды. Для традиционного батика применяют только хлопчатобумажные ткани, а узор наносится специальным инструментом - чантингом (тьянтингом). Он представляет собой маленькую медную чашечку с носиком, прикрепленную к деревянной или бамбуковой ручке. Чантинг позволяет наносить сложнейший традиционный узор из тонких линий и множества мелких точек. Затем ткань окрашивается последовательно в индиго и коричневый цвет. В наше время применяется множество техник нанесения горячего воска. Резерв можно наносить при помощи кистей или специальных штампов или просто, капая его на ткань.

Узелковый батик.

Это один из первых способов украшения ткани. Он известен в странах Востока с древних времен. В Индокитае узелковая техника существовала еще до VII века. В Индии она широко распространена и по сей день под названием бандхей (бандхана, бандхини), что означает "обвяжи-окрась". Рисунок состоит из множества белых и цветных точек. Подобные узоры встречаются на древних фресках и скульптурах. Из таких тканей делают свадебную и праздничную одежду. В Малайзии, Индонезии узелковая техника называется планги, что значит "пробел, пятно". На Суматре ткани дополняют вышивкой бисером, в Индии - бусинами, в Африке - вышивкой, жемчужинами и раковинами. Этот способ окрашивания был известен в доколумбовой Америке, на Кавказе, в Тибете, в странах Ближнего Востока и Северной Африки. Создание рисунка способом прошивания ткани - более утонченный прием. В Индонезии такая техника называется тритик. В Европе узелковое крашение стало известным в начале XX века, оно использовалось в одежде и интерьере: для покрывал, занавесей. В 70-е годы возрождение интереса к Востоку вновь сделало узелковую технику модной, она широко применялась для украшения одежды в стили хиппи.

Бисероплетение

Бисероплетение сегодня получило широкое распространение благодаря доступности и современному разнообразию бисера, стекляруса, бусин. Кроме того, бисероплетение открывает поистине неограниченные возможности любителям рукоделия. Особую популярность получили различные украшения из бисера и стекляруса. Никого не оставят равнодушным неповторимое колье, серьги, клипсы, гайтаны, кулоны, браслеты, заколки, выполненные из бисера.  История бисера уходит в далекое прошлое. Великолепный по своим декоративным качествам материал привлекал внимание мастеров с незапамятных времен. Стеклянные бусины - непосредственные предшественники бисера - украшали одежду древнеегипетских фараонов. Кочевые племена сарматов и скифов еще за несколько столетий о Рождества Христова носили одежду и обувь, отделанную бисером.
Не обойден вниманием бисер и на Руси. Первые сведения о его использовании в декорировании одежды относятся к IX-XII вв. Этим же периодом датируются и захоронения на территории Латвии, в которых были найдены матерчатые венцы, украшенные бронзовыми спиральками и бисером.
На протяжении нескольких столетий единственным центром производства бисера в Европе была Венецианская республика. До этого его изготовляли в стеклодельных мастерских Германии и Галлии, из этих мест оно перекочевало в Византию, а уже из Византии пришло в Венецию.
Первая попытка создать производство бисера в России относится к концу XVII века. В 1670-1680 годах в дворцовом селе Измайлово при содействии венецианских мастеров была организована мастерская по его изготовлению. Но наладить массовый выпуск отечественного бисера тогда не удалось. Бисер и стеклярус продолжали ввозить из-за границы. Его закупки постоянно росли: если в 1748 году только через Санкт-Петербургский порт в страну было ввезено 472 пуда бисера, то спустя четыре года уже 2126 пудов. Однако дефицит на бисер по-прежнему оставался значительным. Поэтому М. В. Ломоносов, в совершенстве владевший техникой изготовления смальты - цветного непрозрачного стекла, применяемого для мозаичных панно, решил расширить в России еще одно направление стеклоделания - изготовление бисера.По указу Сената ему была предоставлена безвозмездная ссуда в размере 4 тысяч рублей и земля, на которой планировалось разместить стекольное производство. Фабрика была организована в 1754 году в Усть-Рудицах. Первая ее продукция появилась год спустя. Ломоносов  постоянно  совершенствовал технологию изготовления бисера, разрабатывал новое оборудование, и к 1670 году количество выпускаемого стекляруса и бисера значительно возросло. Стекольная фабрика в Усть-Рудицах просуществовала до 1765 года, но после смерти М. В. Ломоносова,  производство было свернуто,  и фабрика закрылась. Потребность в бисере продолжала удовлетворяться за счет поставок из Богемии и Венеции. Во второй половине XIX века, в основном на территории Подмосковья, возникло множество мелких стеклодельных мастерских, в которых изготовляли бисер. Но продукция кустарей была очень низкого качества, она не могла удовлетворить спрос на этот материал. Только в 1883 году в Одессе открылась стеклярусная фабрика Я. Б. Ронигера, где было налажено изготовление качественной, конкурентоспособной продукции. Однако вытеснить иностранных производителей бисера с российского рынка не удалось и в этот раз. Бисер и стеклярус обычно воспринимаются как материал для женских украшений, мелких изделий бытового и декоративного назначения. Но стеклянные зерна использовали и для отделки интерьеров. Так, по свидетельству известного русского историка И. Е. Забелина, в некоторых покоях Московского Кремля "стены клейстеровали мукой или клеем и по этому грунту насыпали стеклярусом... В 1689 году в комнате царицы Натальи Кирилловны стены обиты полотном и выгрунтованы мелом... и насыпаны стеклярусом по зеленой земле". Для многих народов Российской империи элементы одежды, отделанные бисером, стали неотъемлемой частью национального костюма. Женская одежда севера и юга России существенно отличалась друг от друга. В северных и центральных губерниях основу костюма составляли рубаха, сарафан и кокошник - сарафанный комплекс одежды, а в южных был распространен более архаичный - поневный, состоящий из рубахи, поневы и "сороки". Однако во всех типах народного костюма разнообразием и богатствам отделки выделялись женские и девичьи головные уборы. Женские уборы отличались от девичьих тем, что полностью скрывали волосы, так как, по древнему славянскому обычаю, женщина не должна была появляться на людях простоволосой.  Ярко выраженные региональные особенности женского костюма проявлялись не только в покрое, но и в способе его отделки. Кокошник и другие элементы женской крестьянской одежды северных губерний были богато украшены мелким речным жемчугом, золотным шитьем, стеклами в металлических оправах. Широкому распространению жемчужного шитья способствовала относительная доступность материала. Пресноводные моллюски жемчужницы в изобилии водились в северных реках и озере Ильмень, а более крупный жемчуг при-возили из Кафы (Феодосия). Жемчужное шитье известно на Руси еще с Х века. На протяжении нескольких столетий жемчугом отделывались церковные облачения, обувь и одежда, головные уборы и украшения. С середины XVIII века в народном костюме наряду с жем-чугом стали использовать и бисер. Технические приемы работы с бисером, применяемые в народном искусстве русского Севера и Поволжья, практически не отличались от традиционных приемов жемчужного шитья. При декорировании изделия жемчужины, как правило, укладывались либо поверх навитого ранее хлопчатобумажного шнура (шитье по шнуру), либо поверх пеньковой или хлопчатобумажной нити белого цвета (шитье по бели), тем самым поднимаясь над плоскостью ткани. Соединение в одной композиции больших и малых жемчужных зерен подчеркивало рельефность изображения.

Изделия из бересты. Береста - это кора березы, которая является уникальным природным материалом. С незапамятных времен в древней Руси ее применяли для изготовления различных предметов быта.  Например, рыбачные челны (обласки), туеса, короба, шкатулки, кузовки для хранения соли, крупы, муки, зерна, ягоды, кедрового ореха и др. В специально изготовленных туесах и коробах хранились жидкие вещества - молоко, сметана, кедровое масло, различный животный жир, мед,  и многое другое. Все эти продукты могли храниться   бесконечно долго, потому что береста обладает великолепными бактерицидными свойствами. Не случайно в березовом лесу воздух в несколько раз стерильнее, чем в операционной. Из специально обработанной бересты изготавливались сумки, одежда, обувь, которые по своим качествам не уступают изделиям из кожи.
Бересту называют теплым деревом. Даже в холодной комнате она на ощупь очень теплая, потому что обладает большой положительной энергетикой. Достаточно некоторое время посмотреть на нее, подержать в руках - и вы сразу же успокоитесь, если были чем-то взволнованы. Очень часто приходится слышать от женщин, долгое время работающих на компьютере, что обод из бересты снимает усталость, а зачастую и нормализует давление. Изделия из бересты абсолютно экологически чистые, так как изготавливаются из натуральных материалов и только вручную. Практически каждое изделие является в своем роде авторским и неповторимым.
Художественная обработка дерева на Руси была известна еще в IX - X вв. В России, богатой лесами, дерево всегда любили и применяли многие поколения мастеров народных промыслов.Удивительные свойства бересты еще издавна считались незаменимыми в быту у крестьян. Бересту использовали для изготовления посуды под сельскохозяйственные продукты. Берестяные туеса делали для хранения молока. Сметаны, рыбы, мяса. Прочность, гибкость, устойчивость против гниения - вот главные качества этого материала.
Производством изделий из бересты занимались мастера многих губерний России. Уже в XVIII в. прорезную бересту стали использовать для украшения. Материалом для работы служит береста, заготовленная в мае-июне, во время сокодвижения. В это время она эластична, легко снимается со ствола дерева, при тиснении на ней остается глубокий рисунок с мягкими краями. Всевозможные наборы из бересты (пивные, кружки для кваса, других напитков, подносы, квасники) мастер выполняет с тончайшей резьбой и тиснением, в сочетании они гармоничны. Искусно варьируя узоры, он заставляет каждый предмет как бы звучать по-своему.

Уральские камни

В 1765 году начинаются целенаправленные поиски, открытия, освоение самоцветных богатств Каменного Пояса. Чиновники и мастеровые, командированные в разные места таежного Урала, вольные старатели к 1885 году "объявили" более чем о трехстах месторождениях изумрудов, хризобериллов, рубинов, эвклазов, александритов, фенакитов, аквамаринов, аметистов, сапфиров, турмалинов.
Драгоценные камни, добытые на приисках, отправлялись в кладовые Екатеринбургской гранильной фабрики, которая уже в 1774 году выросла в мощное для своего времени предприятие по переработке самоцветов. Здесь, на фабрике, постепенно складывается, развивается искусство гранильщиков, чьи заветы сохранились в памяти веков как фольклор, как сказы и легенды, питающие творчество современных уральских художников-ювелиров. Фабричные мастеровые быстро освоили секреты и тонкости гранения самоцветов в "звездочку", "розой", в ленточную и бриллиантовую грань. Много рисунков-граней знали уральские гранильщики. В отчетах смотрителей фабрики упоминается "груша", "элипт", круглый, овальный "капюшон"(т.н. кабошон), четырехсторонняя, восьмиугольная грань. Под рукой уральского гранильщика, словно по волшебству, исчезали всякие пороки в камне.
Фабричные гранильщики лишь иногда получали заказы. От местной знати, от заезжих чиновников и военных. Изготовливали в основном кафтанные пуговицы из яшмы, табакерки из малахита, разные пряжки и вставки к часовым цепочкам. Получив "вольную" (после реформы 1861 года), гранильщики стали трудиться на дому. Приобретали нехитрый инструмент, ставили в избах шлифовальные круги. К 80-м годам складываются основные центры гранильных кустарных промыслов в Екатеринбурге и его окрестностях: Березовском, Нижне-Исетске, Уктусе, Полевском, Мраморском. Развиваясь, гранильный промысел создал множество ответвлений, отраслей изготовления вещей из поделочного камня. Основными были малахитовый, яшмовый, селенитовый. А сколько узких специализаций было в промысле! В одном доме семья делала брелки, в другом - пасхальные яйца, а в третьем - пепельницы, в четвертом - спичечницы в виде башмака - всего не перечесть. И что самое интересное - кустари стали использовать поделочные камни для украшений: изготавливали малахитовые браслеты и ожерелья, бусы из хрусталя, аметиста, реже топаза, использовали сургучную и калканскую яшмы в брошах, браслетах, сережках, запонках. Поначалу вещи отличались разнообразием, выдумкой, виртуозным мастерством, которое являло жизнь и красоту камня. Но к началу XX века почти все кустари-гранильщики оказались в полной зависимости от "давальцев" заказов. Крупные скупщики держали мастерские, магазины не только в Екатеринбурге. Они имели доступ на ярмарки в Ирбите и Новгороде, где втридорога продавали скупленные за бесценок изделия кустарей. В погоне за заработком мастера вынуждены были тратить на работу более 15 часов в сутки, не заботясь об изяществе изделий. Промысел ширился, разрастался и ... вымирал. Возрождение началось в 1919 году. Как только был Урал освобожден от колчаковцев, горный совет ВСНХ издал приказ о восстановлении гранильного дела. Постепенно гранильщики возобновили работу. Среди кустарных "предприятий" незаметно существовала минералогическая мастерская при музее Уральского общества любителей естествознания. В августе 1941 года минералогическая мастерская была реорганизована в ювелирно-гранильную фабрику. Во время войны объявились эвакуированные рабочие Киевской ювелирной фабрики. Выполняли в основном заказы фронта: пуговицы, армейские знаки отличия, хронометры, часы. Также реставрировались серебряная посуда и украшения, поступавшая большими партиями из Госфонда СССР. В 50-е годы в Свердловске было покончено с надомничеством.
На фабрику пришло новое молодое поколение рабочих, получивших хорошую подготовку в художественно-профессиональном училище, открытом в 1948 году. Появились первые специалисты, технологи, инженеры. Много внедряется технических и технологических новшеств, совершенствуется процесс золочения вещей, плавка драгоценных металлов.
Свердловская ювелирно-гранильная была вовлечена в орбиту художественной жизни. Здесь начинают работать первые профессиональные художники, складывается сильная творческая группа модельеров. Основные поиски и эксперименты по разработке новых моделей украшений со вставками из природного камня связаны с организацией на фабрике в 1963 году специализированной творческой группы, в состав которой вошли художники, модельеры, технологи, граверы-инструментальщики, нормировщики. С возникновением этой группы обновляется ассортимент массовых изделий из золота и серебра с полудрагоценным и поделочным камнем  разрабатываются и осваиваются изделия с бриллиантами, формируются стилевые особенности уральского ювелирного искусства, его направления. С самого начала уральские художники трудятся и над созданием уникальных произведений, и непосредственно для ювелирной промышленности. Это привело к возникновению двух главных течений - промышленного и выставочного. Промышленное - обеспечивает создание удобных в носке, целостных по форме, эстетически совершенных изделий, отвечающих высоким промышленно-техническим требованиям. Оно объединяет массу украшений, которые разнятся по материалу (золото, серебро), по ассортименту (серьги, броши, кулоны и т.д.), по количеству тиражей.
Значительное место в заводской продукции занимают изделия из золота. Они выпускаются крупносерийными и малосерийными тиражами. Изделия из серебра - давняя гордость завода. Их ассортиментные и тиражные группы те же, что и у золотых. Но они имеют характерные черты, определяемые свойствами металла. Многогранны явления промышленного искусства. Столь же многогранны творческие индивидуальности каждого из художников. Стремление художников к более полному самовыражению породило так называемые "выставочные" вещи и вместе с ними выставочное течение в ювелирном искусстве. И на Урале появилась такая категория художников.
Желание раскрыть какую-то тему, воплотить какое-то свое переживание, мысль определяют конструкцию и архитектонику вещи, диктуют выбор материала. Для уральцев характерно обращение к природе, к мотивам русского эпоса и фольклора, к мотивам бажовских сказов. В их искусстве много значат поэтическая догадка, лирический порыв, фантазия. Они верны природному камню и серебру...

Тульские самовары

Самовар и Тула неразделимы. В любом уголке России и далеко за ее пределами можно встретить тульский самовар. Тульские мастера веками ковали оружие и делали самовары. Это традиционные промыслы тульского края, как гармонное производство, белевские кружева и пастила и многое другое. Всем известно, что самовар - это устройство для приготовления кипятка. "Сам варит" - отсюда и слово произошло. И сам самовар не мог появиться,  ни в какой другой стране. Есть в Китае, откуда был завезен в Россию чай, родственный прибор, в котором тоже есть труба и поддувало. Но настоящего самовара нет больше нигде, хотя бы потому, что в других странах кипятком сразу заваривают чай, примерно как кофе. Неизвестно имя изобретателя самовара. Известно лишь, что, отправляясь на Урал в 1701 году, тульский кузнец-промышленник И. Демидов захватил с собой и искусных рабочих, медных дел мастеров. Возможно, что уже тогда в Туле изготавливались самовары. О появлении первых, документально зафиксированных, самоваров в Туле известно следующее. В 1778 году на улице Штыковой, что в Заречье, братьями Иваном и Назаром Лисицыными изготовлен самовар в небольшом, поначалу, первом в городе самоварном заведении. Основателем этого заведения был их отец, оружейник Федор Лисицын, который в свободное от работы на оружейном заводе время, построил собственную мастерскую и упражнялся в ней всякого рода работами по меди. Самовары Лисицыных славились разнообразием форм и отделок: бочонки, вазы с чеканкой и гравировкой, самовары яйцевидной формы, с кранами в виде дельфина, с петлеобразными ручками. Тульский музей самоваров может похвастаться старейшим самоваром Лисицыных. Василий Ломов вместе со своим братом Иваном выпускали самовары высокого качества, по 1000 - 1200 штук в год, и получили высокую известность. Самовары тогда продавались на вес и стоили: из латуни - 64 рубля за пуд, из красной меди - 90 рублей за пуд. Тульские самовары проникали во все уголки России, становились украшением ярмарок. Ежегодно с 25 мая по 10 июня из Тулы по реке Оке (до Оки самовары везли на лошадях) самовары переправлялись на Нижегородскую ярмарку. Речной путь имел ряд преимуществ: был дешевле, да и самовары при таком способе транспортировки сохранялись лучше. При перевозке самовары упаковывали в ящики-коробы, которые вмещали дюжину изделий разной величины и фасонов, и, продавали по весу. Дюжина самоваров весила более 4 пудов и стоила 90 рублей. Чем тяжелее самовар, тем дороже. Несмотря на различие в оформлении и отделке, устройство всех самоваров одинаково. Каждый самовар состоял из следующих частей: стенки, кувшина, круга, шейки, поддона, ручек, репейка, стебла крана, ветки, донышка, решетки, душничка, подшишек, деревянных приделок, конфорки и заглушки. Непросто было овладеть ремеслом самоварщика. Для стенки (корпуса) резали определенного размера латунь, затем ее свертывали в цилиндр, и эта форма наводилась в двенадцать приемов. Латунь с одной стороны надрезали зубцами и затем ударами молотка закрепляли по соединительному шву, после этого несли в кузницу. Потом мастер (наводильщик) повторял операции по заделке шва с помощью молотков и напильников и каждый раз закреплял отжигом в кузнице. Инвентарь самоварщика переходил от отца к сыну, а по мере изнашивания заменялся новым. Сумма для приобретения набора инструментов подвергалась большому колебанию в зависимости от избранной мастером специальности в производстве. Например, комплект рабочего-наводильщика стоил 60 рублей. В комплект входило несколько кобылин, стойна, напильники, ножницы, формы для разгранки фасона, гнедки и молотки. Главным материалом для изготовления самоваров служили: медь зеленая (латунь), красная (сплав меди -50- 63% и цинка -37-50%), томпак (сплав меди -85-90% и цинка -10-15%). Иногда самовары серебрили, золотили, а то и делали из серебра и мельхиора (сплав меди -50- 60%, цинка -19-39% и никеля -13-18%). Самоваров из томпака изготовлялось в 10 раз больше, чем красных (из сплава меди -50-63% и цинка -37-50%). Будучи дороже, красивее, роскошнее, они расходились по домам знати. В 1850 году томпаковый самовар стоил 25-30 рублей штука, в зависимости от отделки. Но основную массу самоваров изготовляли из зеленой меди. Сложен и многообразен процесс изготовления "тульского чуда", который составлял 12 приемов. В производстве существовало строгое разделение труда. Почти не было случаев, когда мастер изготовил бы полностью весь самовар. Самовары и детали к ним изготовлялись не только в Туле, но и в окрестных селах в радиусе примерно 40 км от города. Так, население деревень Нижние Присады, Хрущево, Банино, Осиновая Гора, Барсуки, Маслово, Михалкове Тульского уезда и деревень Изволь, Торчково, Скороварово и Глинища Алексинского уезда из поколения в поколение специализировалось на самоварном промысле. Изготовляя стенки самовара, мастер получал сырье от фабриканта по весу, по весу же сдавался и самовар. Работа велась в жилых избах круглый год за исключением летнего времени, когда начинались полевые работы. Занимались самоварным ремеслом и целыми семьями, и в одиночку. У каждого самоварщика для изготовления стенки самовара был свой фасон. Круги, конфорки, поддоны, заглушки и шейки чаще всего изготовляли литыми - это делали кустари-литейщики из остатков меди и стреляных патронов. Всего же таким производством было занято 4-5 тысяч кустарей и ряд медно-литейных заводов. Наивысший подъем самоварного производства в Туле приходится на 1880-е годы. В связи с развитием капитализма самоварные фабрики возникали в форме капиталистической мануфактуры с вольнонаемными рабочими. В течении столетий менялись фасоны самоваров. К концу XIX века их число доходило до 165. При такой разнотипности процесс производства полностью механизировать невозможно. Поэтому  почти неизменными были орудия труда.  Кобылины в виде железных брусьев с утолщением на концах для ковки стенки самовара, весом до двух пудов каждая.  Стойла,  или вертикальная кобылина,  для ковки гладких самоваров, для закругления на самоварах.  Гнедки для разгранки самоваров; паяльники для спайки кувшина с корпусом самовара; ножницы для резки металла; наковальни; наборы молотков; штемпеля для клеймения самоваров; железные формы для формирования самоваров.
Самоваром пользовались не только дома, его брали в дорогу, на гулянье. Эти самовары необычны по форме, удобны в транспортировке (съемные ножки привинчивались шурупами, ручки прилегали к стенке). По форме они многогранные, кубические, иногда цилиндрические. В конце XIX - начале XX века появляются новые типы самоваров - керосиновый, самовар "Паричко" и медные самовары фабрики Черниковых с устройством трубы сбоку. В последних подобное устройство усиливало движение воздуха и способствовало быстрейшему закипанию воды. В 1977 году освоен новый вид самовара - комбинированный. Он представляет собой соединение жарового и электрического самовара, емкостью 5 литров. Его можно вскипятить и с помощью электричества, и древесным углем, лучиной. Хорош такой самовар и в квартире и на даче, на природе.

Финифть

Ростов Ярославский издавна славился мастерами миниатюрной живописи по финифти. Финифть - древнерусское название эмали, искусство которой появилось на Руси из Византии в 10 веке ("финифтис" - греч. блестящий). Живопись по эмали близка по технике к росписи фарфора. Основой для этой росписи является тонкая медная пластинка, покрытая с обеих сторон слоем эмали. В процессе росписи огнеупорными эмалевыми красками пластинку обжигают несколько раз, при этом цвет красок меняется, как и при обжиге фарфора.
Искусство украшения эмалью металлических изделий достигло особо высокого совершенства на Руси в XVI - XVII веках. Расписной эмалью украшали столовую посуду, утварь, оружие, предметы церковного обихода. Традиционная технология выполнения финифти своеобразна, Из тонкого, до 1,5 мм медного листа (медь и золото лучше всего принимают эмаль) штампуются слегка выпуклые пластинки различной формы и размеров. Затем тщательно очищенные поверхности пластинок покрывают одноцветной эмалевой массой.
После эмалевой грунтовки их обжигают в муфельных печах при температуре 750о С, расцвет искусства живописной миниатюры на эмали относится к XVIII веку. В Петербурге, Москве и Ростове Ярославском миниатюрой по эмали украшали табакерки, шкатулки, медальоны, ордена. В основном мастера Ростова занимались росписью иконок, вставок к церковным книгам и утвари. В XIX веке они уже не ограничиваются выполнением образков, а копируют произведения русских и западноевропейских живописцев и выполняют самостоятельные композиции.
   Современные мастера фабрики "Ростовская финифть", зготавливающие широкий ассортимент изделий (броши, серьги, кулоны, браслеты, туалетные коробочки, шкатулки, другие сувениры),  довели свои изделия до лучших художественных образцов мирового уровня. Современная ростовская живописная эмаль образует две группы. Одна из них основана на пунктирной эмалевой росписи, приближенной к росписи по фарфору, живописи на жостовских подносах. Для нее характерны тщательная моделировка формы, светотеневое решение, плавные тональные переходы, мягкость цветовых сочетаний. Другая группа исходит из северных русских росписей Великого Устюга и Сольвычегодска. В основе этой росписи лежат ярко выраженные кистевые приемы. Яркая, акварельно прозрачная подцветка акцентирует внимание на основных центрах композиции, придает изделиям праздничный, нарядный вид.
Ростовскую финифть можно узнать по цветочным мотивам, пейзажам. Сочность, яркость красок, хорошо гармонирующих с поверхностью металлического обрамления - светлосеребряного, оксидированого, позолоченного.  Чаще всего ростовскую финифть покупают женихи в подарок своим невестам, а также любящие папаши - дочерям. Среди ювелирных украшений особенно популярны кулоны.

Хохлома

Хохлома - старинный русский народный промысел, возникший в 17 веке в Заволжье (селе Сёмино Нижегородской губернии). Это, пожалуй, самый известный вид русской народной живописи. Он представляет собой декоративную роспись по деревянной посуде и мебели, выполненную красным и черным (реже зеленым) тонами и золотом по золотистому фону. Удивительно то, что при выполнении росписи на дерево наносят не золотой, а серебристый оловянный порошок. Потом изделие покрывают специальным составом и три-четыре раза обрабатывают в печи. Тогда и появляется этот восхитительный медово-золотой цвет, благодаря которому легкая деревянная посуда кажется массивной.  Традиционный хохломской орнамент - сочные красные ягоды земляники и рябины, цветущие ветки. Реже встречаются птицы, рыбы и всякие зверушки.

Первоначально слово Хохлома означало название одной из торговых деревень. Сюда мастера из окрестных деревень приносили свои изделия. Это было время возрождения России, наступившего после освобождения от опустошительного татаро-монгольского ига, время обновления храмов и церквей. Местные леса дали приют бежавшим от своих хозяев крестьянам и староверам. Эта земля была бедна, и народные промыслы стали новым источником существования. Новый промысел объединил вековые традиции местных жителей и беженцев, особенно староверов. Народный промысел развивался постоянно. Уже в конце 19 века хохлома была представлена на каждой отечественной и иностранной ярмарке. И после небывалого успеха на Международной выставке в Париже экспорт хохломы резко вырос в различные страны. Особенно много покупали торговые фирмы Германии, Англии, Франции и Индии. Даже один из немецких предпринимателей взялся за производство деревянных ложек, которые выдавал за хохлому. С началом 20 века народные промыслы пережили кризис, вызванный Мировой и гражданской войнами. Из-за этого многие мастера лишились заказов и закрыли свои мастерские. В советское время хохлома получила второе дыхание, появилось новое поколение мастеров. И теперь Хохлома "возвращается" к нам в Россию и мир.

Федоскинская миниатюра

Федоскинская миниатюра, вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи масляными красками на папье-маше, сложившийся в конце 18 в. в подмосковном селе Федоскино. Производство изделий из папье-маше возникло в 1798, когда купец П.И. Коробов организовал в купленном им сельце Данилкове (в настоящее время входит в состав Федоскина) козыречное производство. Несколькими годами позже Коробов побывал на фабрике Иоганна Штобвассера в Браушвейге, перенял там технологию изделий из папье-маше и завел на своей фабрике изготовление популярных в то время табакерок, украшенных наклеенными на крышку гравюрами, иногда раскрашенными и покрытыми лаком. Во второй четверти 19 в. табакерки, бисерницы, шкатулки и другие изделия стали украшать живописными миниатюрами, выполненными масляными красками в классической живописной манере. После смерти П.И. Коробова фабрика непродолжительное время находилась во владении его дочери Е.П. Коробовой, перейдя затем по родственной линии в собственность московским купцам Лукутиным, которым принадлежала на протяжении восьмидесяти пяти лет. Расцвет производства приходится на вторую половину 19 в., когда фабрикой владел А.П. Лукутин. Изделия этого времени называют "лукутинскими". Мастера работали на фабрике по найму, многие из них были выходцами из иконописных мастерских Сергиева Посада и Москвы, некоторые имели художественное образование, полученное в Строгановском училище. Известны имена некоторых из них - С. И. Бородкин, А. А. Шаврин, А. В. Тихомиров, Д. А. Крылов и др. Излюбленными мотивами росписи федоскинских миниатюристов стали популярные в то время сюжеты: "тройки", "чаепития", сцены из русской и малороссийской крестьянской жизни. Наиболее всего ценились ларцы, украшенные сложными многофигурными композициями - копиями картин русских и западноевропейских художников. Федоскинская миниатюра исполняется масляными красками в три-четыре слоя - последовательно выполняются замалевок (общий набросок композиции), пропись или перемалевка (более детальная проработка), лессировка (моделирование изображения прозрачными красками) и бликовка (завершение произведения светлыми красками, передающими блики на предметах). Оригинальной федоскинской техникой является "письмо по сквозному": на поверхность перед росписью наносится светоотражающий материал - металлический порошок, поталь или перламутр. Просвечивая сквозь прозрачные слои лессировочных красок, эти подкладки придают изображению глубину, удивительный эффект свечения. Помимо миниатюрной живописи, изделия украшаются "сканью" (орнамент из миниатюрных кусочков фольги нужной формы выкладывается по сырому лаку), "цировкой" (процарапывание рисунка с помощью лекала по лаку, положенному поверх листа металла на поверхность изделия), "шотландкой" (сложная сетка, нанесенная жидкими красками рейсфедером с помощью линейки) и др. Виртуозное владение техникой письма , прозрачными лессировочными красками, яркость которых усиливается контрастом с мерцающим черным лаковым фоном, отточенное несколькими поколениями мастеров умение соотносить композицию росписи с формой изделия, сделали произведения федоскинских миниатюристов популярными не только в России, но и в Европе. Ассортимент изделий фабрики был очень разнообразен - ларцы, шкатулки, многообразные по форме и размеру коробочки, крышки альбомов, чайницы, очечники, кошельки, пасхальные яйца и др. Последний из Лукутиных - Николай Александрович, известный московский промышленник, коллекционер и меценат, поддерживал федоскинское производство, не приносившее ему прибыли. В 1893 им был построен новый усадебный дом, в котором разместились и живописные мастерские. В 1904, спустя два года после смерти Н.А. Лукутина, фабрика была закрыта. Часть мастеров перешла на работу к В.О. Вишнякову, имевшему сравнительно большую домашнюю мастерскую в селе Осташково в десяти километрах от Федоскина. В мае 1910 десять мастеров учредили "Федоскинскую трудовую артель бывших мастеров фабрики Лукутиных". Первые изделия артели, направленные на продажу в Москву, получили высокую оценку Московского земства и Кустарного музея. В 1912 в артели работало 14 мастеров и девять учеников. Ассортимент артели насчитывал около 160 наименований изделий, которые по своему качеству не уступали знаменитым лукутинским и значительно превосходили аналогичные изделия вишняковской мастерской.

Скопинская керамика

Скопинский гончарный художественный промысел - традиционный центр народного искусства на рязанской земле. Своим возникновением промысел обязан глине, залегающей в больших количествах в окрестностях города Скопина. Глиняная посуда в местах, где позднее появился город Скопин, делалась еще во времена Киевской Руси. В этой посуде сбивали масло, заквашивали тесто, хранили молоко, воду, квас. Годом рождения скопинского гончарного промысла считается 1640-й. В этом году в переписи населения появилось первое имя скопинского гончара - Демка Киреев, сын Берников. Скопинский гончарный промысел развивался как и многие другие в России, производя гончарную посуду для крестьянского быта, печные трубы, кирпич, черепицу. Но во второй половине XIX века в Скопине появилась отрасль, прославившая его далеко за его пределами, - производство глазурованных фигурных сосудов и подсвечников, многоярусных, украшенных сложной лепниной, выполненных в виде диковинного зверя или с фигурами птиц, рыб и животных. "Ничего равного этим произведениям русского народного искусства мы не видим среди скульптурных, посудных изделий других народов", - так оценивал изделия скопинских мастеров конца XIX - начало XX веков один из крупнейших русских искусствоведов А.Салтыков.
Спрос на декоративные изделия поощрял мастеров делать их на продажу. Фантазийные фигуры возили на праздничные базары в Москву, Рязань, Липецк, а также в города южной России и на Украину. Их охотно покупали любители "экзотики" народного искусства, коллекционеры, иностранцы.
Достаточно быстро Скопин приобрел невиданную популярность. Изделиями скопинских гончаров стали пополняться крупнейшие музеи России. Благодаря этому, современный посетитель Московского Исторического, Петербургских - Русского, Этнографии, Рязанских - Художественного и Историко-архитектурного музея-заповедника может ознакомиться с прекрасными коллекциями скопинских работ конца XIX - начала XX века.
В 1902 и 1913 годах скопинские изделия экспонировались на кустарных выставках и были неоднократно отмечены наградами. В 1900 году они были представлены на выставке в Париже.
Скопинский промысел всегда отличался широким ассортиментом изделий, буйством фантазии, исключительной смелостью пластических решений, оригинальными конструкциями сосудов, подсвечников, скульптур. Наряду с лаконичными гончарными формами делались сосуды с богатой лепниной, с изображением различных птиц, рыб, животных, сказочных и былинных персонажей. Орнамент наносился всевозможными штампиками и стеками по сырой глине в виде оттисков. Характер орнамента мог быть как растительным, так и геометрическим, но геометрический преобладал. Изделия глазуровались цветными поливами различных оттенков коричневого, желтого, зеленого, серо-синего цвета.  В изделиях скопинского промысла всегда чувствовался пытливый характер мастера-экспериментатора, часто изобретавшего новые формы, способы декорирования и обжига, порой заимствуя их из других ремесел.
В начале XX века в городе насчитывалось около 50 мастерских. Некоторые впоследствии были объединены в артель "Керамик". На базе этой артели была создана Скопинская фабрика художественной керамики. Ныне это закрытое акционерное общество "Скопинская художественная керамика", численность - 160 человек, где, в основном, и сосредоточено наследие древнего народного промысла. Большой талант, настоящая одержимость мастеров и виртуозное мастерство гончаров-художников смогли не только бережно сохранить до наших дней исконно русские традиции, неповторимый народный колорит уникальной скопинской керамики, но и продолжить их развитие, создавать новые варианты скульптурных и многоярусных сосудов, кувшинов, подсвечников. По достоинству оценен труд скопинских мастеров. Среди них есть заслуженные художники - Голованова Татьяна и Лощинина Татьяна, заслуженные работники культуры - Н. Насонова и А. Рожко, 10 художников являются членами союза художников России. В 1991 году восьми ведущим мастерам было присвоено звание Лауреатов Государственной Премии России в области литературы и искусства: Пеленкину М., Насоновой Н., Рожко А., Полякову С., Линевой М., Курбатовой А., Головановой Т., Лощининой Т. Изделия скопинских мастеров экспонируются на многих выставках. Участвуя в конкурсах, художники Скопина часто занимают призовые места.  Ассортимент изделий, выпускающихся на скопинском промысле, как и в прежние времена, разнообразен. По-прежнему, самые интересные, по-настоящему уникальные произведения - квасники, кумганы, подсвечники, скульптуры, оправы для каминных часов делаются авторами вручную на гончарной основе. Также делается множество мелких гончарных сувениров, свистулек, горшочков для цветов. Фигурная скопинская керамика различными тиражами выпускается на участке массовой продукции способом литья и формовки жидкой глины в гипсовые формы с последующей ручной доработкой. На этом участке в большом ассортименте выпускаются цветочные горшки емкостью от 0.5 до 25 литров, всевозможные декоративные вазы для оформления интерьеров помещений. На скопинской фабрике художественной керамики ведется большая исследовательская работа в области новых технологий, применения новых материалов. Коллектив промысла всегда охотно откликается на нужды заказчика. Сегодня фабрика успешно работает как с ближними торговыми предприятиями, так и с заказчиками из отдаленных регионов страны. Немалый интерес скопинский народный промысел представляет для туристических организаций. Оригинальные изделия скопинского художественного промысла являются своеобразной визитной карточкой Рязанской области. На предприятии действует музей истории скопинской керамики, проводятся экскурсии.
Скопинский народный промысел художественной керамики - это уникальное явление в русской культуре.

Роспись по дереву

Своему появлению роспись обязана верой древнего человека в духов земли, неба, воды.  Одних,  нужно было задабривать, от других защищаться, другим объяснять "что от них требуется". Так,  например волнистая линия по ободу горшка не позволяла злокозненным духам проникнуть в сосуд. Вышивка по рукавам защищала руки, обереги - шею и тело. Расписанные предметы отгоняли нечисть от дома. Красивые вещи подносились добрым духам, с просьбой о защите, помощи. А символы несли определeнное значение. Солярные знаки (Солнечные знаки) - круговые и крестообразные изображения, символизировали Солнце, огонь. Одни из самых почитаемых символов. Громовой знак - шестилучевые розетки. Связаны с древним святилищем бога грозы и воинских дружин Перуна. Свастика - движущийся крест, знак движения Солнца. Конь - символ богатства, а так же восхода Солнца. Птица - символ счастья, успеха. Русалка - хранительница вод. Цветы - символ здоровья и успехов в делах. Единорог (индрик) - знак луны, целомудрия, женского начала. Древо жизни - Мать природа, единство всего сущего. Весь рисунок в целом - это пожелание успехов, здоровья, счастья, отображение картины мира.  Волховская роспись Возникла эта роспись на берегу реки Волхов. Расписывались в основном прялки. Изначально роспись не отличалась особой красочностью. Отличительной особенностью промысла был "переходный" мазок, когда один цвет переходил в другой.
Впоследствии,  с развитием промысла уже в 70-80е годы нашего века, эта роспись была художественно переработана мастерами. Стали использовать более богатую цветовую палитру, различные композиционные решения, появились новые элементы (птицы, фрукты, рыбы).
Одним из ведущих мастеров промысла является Чичерина Л.П. Еe работы хорошо известны в нашей стране и за рубежом. Ниже приведены некоторые работы, сделанные этим,  несомненно,  прекрасным мастером. В конце 80х - начале 90х роспись переживала тяжелые времена. Возникли трудности со сбытом продукции. Становилось всё меньше молодых художников. Постепенно к концу 90х ситуация изменилась. Возрос интерес к историческим корням, традиционной культуре. Сегодня волховской росписи обучают на различных курсах в городе, а так же в Российском Лицее Традиционной Культуры г. Санкт-Петербурга. На  берегу реки Двина развивались несколько видов росписи. Они отличаются по цветовой гамме, рисунку, композиции - Северодвинская роспись отличается графичностью и яркостью. Часто используются знаки традиционной росписи: древо Жизни, птица Сирин, лев, грифон, медведь, русалка. Роспись напоминает северное лето - короткое, долгожданное, очень теплое. В основном росписью украшались прялки. Обычно поле прялки делили на три области. Возможно эта традиция дань представлений об устройстве мира: подземный, наземный, небесный. Со временем промыслы изменяются. Появляются новые композиции, приемы. Роспись прялок уступила своe преимущественное положение другим предметам: кухонным доскам, бочонкам, солонкам.  Однако,  основные закономерности и традиции промыслов сохраняются. Борецкая роспись. Село Борок возникло на берегу Двины при заселении двинского края новгородцами. Наиболее часто используемые цвета в росписи: красный, зеленый, коричневый, оранжевый, желтый. Орнамент состоит из ромбиков, кружочков, капелек, треугольников. Все элементы обводятся черным контуром. Символ борецкой росписи - Древо жизни. Огромный цветок с прямым стеблем, вокруг которого изображаются цветы, птицы, ягоды, изящные листья. Мотивами композиции могли служить жанровые сценки: чаепитие, гуляния.
Пучужская роспись Село Пучуга находится на реке Двина в 25 километрах от Борка. Пучужская роспись выполняется на белом фоне красной краской, украшается ярко-зелеными листочками и белыми капельками, иногда используется синий цвет. Основными мотивами композиции служат жанровые сцены катания на лошадях. В красную кудрявую листву мастера любили вплетать красных птиц. Пермогорская роспись. Пермогорская роспись включает в себя работы мастеров нескольких деревень в районе пристани Пермогорье. Роспись выполнялась на белом фоне. Растительный узор обрамляет бытовые сюжеты. Лилия (Крин) составляет основу узора: распускающийся росток на гибком стебле. Этот знак состоит из двух отогнутых в стороны язычков и центрального язычка-листика или почки, устремленной вверх. Мезенская роспись отличается от других видов росписи. В ней ярко проявляются архаичные представления о мире древних людей. Рисунки имеют глубокие корни. Найдены наскальные изображения на берегах Белого моря и Онежского озера, которые перекликаются с рисунками в Мезенской росписи. Еще одной особенностью является то, что роспись выполнялась исключительно мужчинами. В конце XIX века в селе Палощелье на берегу реки Мезень развился промысел - расписывались различные бытовые предметы: туески, лукошки, короба, но особую известность приобрели прялки. Роспись отличает скупость цветовой гаммы: красный сурик и черная сажа. Рисунок наносили пятнами и полосками, а затем обводили по контору черным цветом. Готовое изделие покрывали олифой,  и оно приобретало золотистый цвет. Несмотря на кажущую простоту, роспись чрезвычайно интересна. Геометрические ряды, отображающие древние символы земли, солнца, воды, сочетаются со знаками коней, оленей, птиц. Сочетание всех знаков является древним способом письма. Изображаемые семена, шишки, плоды, заключенные в древние ромбические фигуры, - символы плодородия. Эти знаки присущи многим народам мира. Круговые и крестообразные знаки - символы огня, древние обереги.Птицы и животные имеют дополнительные значения в бытовой магии. Олень приносит счастье, веселье, связан с праздником  Ильи-пророка (древний аграрно-охотничий культ).

Павлово-посадские платки

Павлово-посадские набивные, шерстяные и полушерстяные платки, украшенные традиционным красочным набивным орнаментом, возникли в подмосковном городе Павловский Посад в 1860-80-х гг. Район Павловского Посада (территория бывшего Богородского уезда) - один из старейших российских текстильных центров. В 18 - первой половине 19 вв. богородские платки и сарафанные ткани отличались особой красотой вытканного золотой нитью орнамента. Позднее здесь широко распространилось шелкоткачество, а с 1860-х гг. начался выпуск шерстяных и полушерстяных платков, украшенных красочным набивным орнаментом. Постепенно производство разрасталось и приобретало ярко выраженный национальный характер.
Композиционное и цветовое великолепие павловского платка основано на виртуозном мастерстве резчиков набойных досок, с которых печатается на ткани рисунок, а также мастерстве колористов-набойщиков. Каждый цвет печатается с отдельной доски, число которых достигает подчас нескольких десятков. В декорировке павловских платков преобладают пышные цветочные букеты и гирлянды. По-прежнему   популярен орнаментальный мотив "турецкие огурцы", заимствованный у знаменитых индийских кашемировых шалей, ставших модными в Европе в наполеоновскую эпоху. Преобладает молочно-белый, черный, красный, темно-синий, вишневый фон. На протяжении 1920-30-х гг. в Павловском Посаде выпускались преимущественно хлопчатобумажные ткани с набивным и печатным узором. Искусство нарядного набивного шерстяного платка было возрождено в послевоенные годы, когда стала активно применяться ручная набойка. Однако с конца 1950-х гг. ручное производство стало постепенно вытесняться современными печатными машинами и техникой фотопечати, и в настоящее время платков ручной набойки на Московском платочном объединении в Павловском Посаде вырабатывается немного. Однако, создавая образцы для тиражирования с применением современных методов печати, художники стремятся сохранить традиционные для павлово-посадских шалей приемы декоративного обобщения цветочных мотивов, характер композиции и особенности колорита.

Нижнетагильские подносы

Уральская лаковая живопись по металлу возникла в восемнадцатом веке при нижнетагильских заводах.
Демидовы, будучи главными и взыскательными заказчиками расписных изделий, всячески поощряли и поддерживали развитие лакового промысла. В 1806 году было открыто "живописное училище", в котором готовили из крепостных мальчиков высококвалифицированных мастеров-живописцев.
В Нижнем Тагиле с годами складываются целые художественные династии, бережно передающие из поколения в поколение секреты живописного и лакировального мастерства. Наиболее известные из них Худояровы, чье имя носит музей подносного мастерства, Дубасниковы, коллекция трафаретных орнаментов которых стала школой мастерства для современных художников. Тагильские подносы в XVIII, середине XIX века - это подносы - картины, когда в центре зеркала подноса располагалось цветочное, пейзажное изображение, а края зеркала обрамлялись широкой полосой геометрического или стилизованного растительного орнамента. Поражало разнообразие форм: круглые, прямоугольные, фигурные и овальные, с ажурной решеткой, с просечными ручками - подносы были шедеврами народного искусства. Начавшийся во второй половине XIX века упадок "лакировального дела" длился более века. И только в середине двадцатого столетия было принято решение по возрождению и восстановлению уникального промысла. Сегодня мы с гордостью говорим, что руками тагильских мастеров - художников восстановлена цветочная и ягодная росписи, трафаретные орнаменты, совершенствуется сюжетная роспись. Выросла плеяда молодых талантливых мастеров - гордость предприятия. За последние тридцать лет изделия промысла экспонировались в крупнейших музеях страны, с успехом вывозились на выставки в Индию, Болгарию, Чехию, Германию, Италию и другие страны.

Мстерская миниатюра

Мстерская миниатюра, вид традиционной русской миниатюрной живописи темперной краской на папье-маше, сложившийся к началу 1930-х гг. в поселке Мстера на основе местного иконописного промысла.
Поселок Мстера, бывшая дореволюционная Богоявленская слобода, живой уголок Владимирской земли, уникален богатством развитых здесь издавна художественных промыслов: иконописного, вышивального, чеканного, лубочного. Основой для развития лаковой миниатюры послужили местные иконописные традиции, существовавшие здесь конца XVIII века.
После Октябрьской революции в поисках нового применения своего мастерства мстерские иконописцы, объединившись в 1923 г. в "Артель древнерусской живописи", обратились к росписи домашней утвари, мебели и игрушек. Затем, по примеру художников Палеха, они позаимствовали технологию изготовления изделий из папье-маше у миниатюристов подмосковного села Федоскино, где лаковой миниатюрой занимались еще с XVIII века. К 1930-м годам окончательно оформилась художественная артель "Пролетарское искусство", стараниями мастеров которой Мстера стала новым самобытным центром народного творчества. Основоположниками этого своеобразного искусства были талантливые мастера Н. П. Клыков, А. Ф. Котягин, Е. Е. Юрин, В. Н. Овчинников, И. Н. Морозов и другие художники Народный промысел лаковой живописи в селе Мстера (Владимирская область), также как и в Палехе, возник на базе искусства художников-иконописцев. В 1926 году возникла первая мастерская по производству шкатулок с лаковой миниатюрной росписью. Мстерская миниатюра восприняла художественные традиции древнерусской живописи и народного творчества. Темами для нее служат фольклор, история, современность. Композиция миниатюр условна (ярусность построения, разномасштабность фигур, объединение разновременных событий). Живопись отличается стилизацией в трактовке форм, ярким декоративным колоритом. Местом действия персонажей миниатюр чаще всего является тщательно разработанный пейзаж или ансамбль "русских палат". Это отличает мстерскую миниатюру от палехской, композиции которой написаны на черном фоне. В 1960-1970-е гг. мстерское искусство переживает творческий подъем. Художники вновь с обостренным интересом обращаются к традициям древнерусской живописи. Используя фольклорные сюжеты, мастера создают не просто иллюстрации к сказке, песне, былине, а самостоятельные композиции. Они чаще обращаются к героико-революционной тематике. По-новому (в единой композиции, а не отдельными клеймами) используется прием объединения нескольких эпизодов, более стилизованный пейзаж, живопись более плоскостна и декоративна. Свыше 100 живописцев составляют творческое ядро современного объединения "Центр традиционной мстерской миниатюры". Художники нового поколения неизменно сохраняют верность традициям, проявляя при этом собственную творческую индивидуальность. Характерная особенность Мстерской живописи - ковровая декоративность, разнообразность и утонченность колористических оттенков с единством общего тона композиции. Цветовая гамма Мстерской школы - голубовато-серебристая, охристо-желтая и красная. В изделиях сочетаются растительные и геометрические узоры. В тематике преобладают русские народные сказки, бытовые сюжеты, исторические и архитектурные памятники. Действие в мстерских миниатюрах происходит на фоне сказочного гористого или среднерусского ландшафта, местного пейзажа. При росписи шкатулок используются темперные краски.